viernes, 6 de diciembre de 2019

The Last Night of The Proms 1969, 1971 & 1972 (Norman - Bainbridge) Davis [FLAC]




Ya habíamos dicho que la idea inicial de este homenaje era centrarse en los recitales solistas de la Norman así que antes de dedicarnos de lleno a eso, les traigo aquí un disco doble de "La Última Noche de los Proms" donde Jessye Norman hace una aparición estelar en la edición de 1971, interpretando dos números de los Wesendonck Lieder de Richard Wagner.

El material que se presenta en este disco ya había sido publicado por Philips de manera separada durante la década de 1980. Esta vez se presenta por primera vez de manera íntegra en un disco doble y remasterizado dentro la serie Eloquence de Decca.

En 1967 Sir Colin Davis se había convertido en el director principal de la BBC Symphony Orchestra, y durante esa década comenzó también una fructífera asociación con el sello Philips desde donde surgió un aclamado Messiah, un par de grabaciones del repertorio inglés y una extensa lista de grabaciones del repertorio de Hector Berlioz, terreno en donde Davis se volvió imprescindible, tanto por la justeza como por la apasionada convicción de la que hacía gala. Todas estas cualidades ya pueden ser apreciadas en todo su esplendor en esta grabación.

La grabación de 1969 fue todo un éxito de ventas y si bien Davis no poseía el carácter de verdadero showman que tenía Sir Malcolm Sargent, su predecesor en esta Última Noche, logró de alguna manera imponer un sentido de autoridad, dentro de un marco que es mas que nada festivo y de desenfado. Gracias al éxito de ventas, Philips volvió a grabar las noches de 1971 y 1972. Debido a esta decisión podemos disfrutar de los dos ítem en donde una Jessye Norman aún joven y en el comienzo de su carrera internacional, nos brinda una vocalidad opulenta muy acorde al repertorio elegido.

Como es tradición, en el repertorio de esa noche aparece también el clásico "Rule Britannia" en donde el público se une a cantar el coro a todo pulmón. Hay que aclarar que quien entona la canción no es Norman, sino Elizabeth Bainbridge, a quién también se la puede oír en las piezas de Walton.


Tracklist:

1. Commentary (1 / Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
2. Overture Cockaigne, Op. 40 (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
3. Pomp and Circumstance Op. 39: March No. 1 in D Major (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
4. Commentary (2 / Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
5. 1. Bugle Calls (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
6. 2. The Anchor’s Weighed (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
7. Fantasia on British Sea Songs : 3. The Saucy Arethusa (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
8. 4. Tom Bowling (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
9. 5. Jack’s the Lad (Hornpipe) (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
10. 5. Jack’s the Lad (Hornpipe) (Encore / Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
11. 6a. Farewell and Adieu, ye Spanish Ladies (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
12. Fantasia on British Sea Songs : 6b. Clarinet cadenza (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
13. 7. Home, sweet Home (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
14. Fantasia on British Sea Songs : 8. See the conqu’ring hero comes (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
15. Fantasia on British Sea Songs : 9. Rule, Britannia! (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
16. Fantasia on British Sea Songs : 9. Rule, Britannia! (Encore / Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
17. Jerusalem (With Commentary / Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
18. Colin's Speech (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
19. God Save The Queen (Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
20. Les Troyens, H 133 : Hail, All Hail to the Queen (Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
21. 4. Schmerzen (Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
22. 5. Träume (Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
23. Octet In E Flat, Op.20, MWV R20 - Mendelssohn : 3. Scherzo - Orchestral Version (Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
24. A Song For The Lord Mayor's Table : 5. The Contrast (Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
25. A Song For The Lord Mayor's Table : 6. Rhyme (Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
26. Pomp and Circumstance, Op. 39: March, No. 1 in D Major (Recorded 1972 / Live at Royal Albert Hall, London / 1969)
27. The Stone Wall (Live at Royal Albert Hall, London / 1971)
28. Rule Britannia (Live at Royal Albert Hall, London / 1971)
29. Jerusalem (Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
30. Colin's Speech (Recorded 1972 / Live at Royal Albert Hall, London / 1972)
31. God Save The Queen (Recorded 1972 / Live at Royal Albert Hall, London / 1969)

Jessye Norman (Soprano)
Elizabeth Bainbridge (Mezzosoprano)
BBC Chorus / BBC Choral Society
BBC Symphony Orchestra
Sir Colin Davis (Conductor)

Decca
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martes, 3 de diciembre de 2019

Jessye Norman - Schubert & Mahler Lieder [FLAC]



Durante el mes de diciembre, este blog se dedicará a homenajear la figura de Jessye Norman, fallecida el 30 de septiembre de 2019. Mi idea inicial era repasar toda la discografía de la soprano pero en el camino me fui dando cuenta que la lista es enorme y profundiza bastante en el repertorio sinfónico, un lugar que este blog, por razones de temática, ha tratado de evitar. Si bien la lista es muy interesante y nutrida en el ámbito de las óperas completas, también es cierto que son títulos muy populares y que se encuentran disponibles en un montón de otros lugares.
Así que decidí centrar este homenaje en el mundo del recital solista, que incluye ciclos de Lieder, Chanson, arias de ópera, hasta algunos coqueteos con el mundo de la comedia musical y el jazz. Algunos de ellos un poco difíciles de encontrar.

Jessye Norman nació el 15 de septiembre de 1945 en la ciudad de Augusta en el estado de Georgia, Estados Unidos. Se crió en una familia musical: su padre vendía seguros y cantaba en la iglesia local, mientras que su madre, que trabajaba como maestra de colegio, era también una muy buena pianista.  Muy tempranamente comenzó a demostrar dotes musicales y a la edad de cuatro años ya era solista en el coro de la Iglesia Bautista del Monte Calvario. A los siete participó en su primer concurso de canto, calificando a un tercer puesto. Para su cumpleaños numero nueve recibió una radio de regalo, gracias a la cual entró en contacto con la ópera a través de las transmisiones radiales del Metropolitan de New York. La influencia de Marian Anderson y Leontyne Price fue tal que la llevó a tomar sus primeras clases de canto lírico mientras aun cursaba la secundaria. Norman siguió estudios en el Interlochen Center for the Arts en Northern Michigan y posteriormente en la Howard University, en Washington, D.C., en dónde recibió una beca que le permitió completar sus Bachelor. Posteriormente se perfeccionó en el Peabody Conservatory en Baltimore y la Universidad de Michigan School of Music donde recibió su título de Master en 1968.
Luego de graduarse, la Norman partió a Europa a concursar y buscarse su futuro. El mismo año ganó la ARD International Music Competition en Munich, lo que le valió un contrato de tres años con la Deutsche Oper en Berlín, en donde debutó como Elisabeth en "Tannhäuser". Su debut italiano se produjo en Florencia en 1970, con "Deborah" de Handel y al año siguiente apareció en el Maggio Musicale Fiorentino como Sélika en "L'Africaine" de Meyerbeer. Ese mismo año apareció como la Contessa en una producción de "Le nozze di Figaro" montada en el Berlin Festival, repitiendo el rol para una aplaudida grabación completa con la BBC Orchestra dirigida por Colin Davis.

La voz de Jessye Norman destacaba por lo hermoso del timbre, la extensión del registro y lo personal de su técnica. Si bien en primera instancia fue clasificada como soprano dramática, el poderoso registro grave la llevó también a internarse con relativa comodidad en el terreno de mezzosoprano e incluso en el de contralto. La emisión no estaba exenta de problemas y fueron habituales los sonidos engolados en el centro y cierta tendencia al entubamiento. Por otro lado el extremo mas agudo del registro de soprano no le presentaba mayores problemas hasta la cima del Sibemol, cuando sobrepasaba esa frontera los resultados no siempre fueron felices. A pesar del gran caudal del volumen, a su emisión le faltó siempre una cuota extra de arrojo. Quizás por lo mismo, y a pesar de las dimensiones del instrumento, fue capaz de desarrollar la elasticidad necesaria para lograr un gran manejo en el uso de las dinámicas.

Guiada por una musicalidad infalible, la Norman se valió incluso de los defectos de su intrumento para lograr los mas variados efectos de fraseo. El manejo del Alemán y el Francés, que la Norman hablaba con fluidez, le ayudaron a acercarse con gran éxito al mundo del Lied y la Chanson, terrenos que le fueron propicios para exhibir su legato suntuoso, apoyado en un fiato interminable que la artista mantuvo durante toda su carrera como piedra angular de su canto.

Este recital de Lieder de Schubert y Mahler fue su primer acercamiento discográfico al genero de la canción alemana. La soprano hace gala de lo mejor de su canto y de una profunda expresión en la amplia gama emocional de las canciones elegidas.

La grabación se realizó en la Johannesstift de Berlin, durante el mes de diciembre de 1971.



Tracklist

1. Schwestergruss (-Im Mondenschein' wall' ich auf und ab-), song for voice & piano, D. 762
2. Der Zwerg (-Im trüben Licht-), song for voice & piano, D. 771 (Op. 22-1)
3. Ellens Gesang I (-Raste, Krieger!-), song for voice & piano, D. 837 (Op. 52-1)
4. Ellens Gesang II (-Jäger, ruhe von der Jagd-), song for voice & piano, D. 838 (Op. 52-2)
5. Ellens Gesang III (-Ave Maria-), song for voice & piano, D. 839 (Op. 52-6)
6. Das irdische Leben, song for voice & piano (or orchestra) in B flat minor (Des Knaben Wunderhorn No. 5)
7. Wo die schönen Trompeten blasen, song for voice & piano (or orchestra) in D minor (Des Knaben Wunderhorn No. 9)
8. Urlicht, song for voice & piano (or orchestra) in D flat major (Des Knaben Wunderhorn No. 12)
9. Liebst du um Schönheit, song for voice & piano in C major (Rückert Lieder No. 5)
10. Ich bin der Welt abhanden gekommen, song for voice & piano (or orchestra) (Rückert Lieder No. 3)

Jessye Norman (Soprano)
Irwin Gage (Piano)

Philips
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miércoles, 20 de noviembre de 2019

Lucia Popp - Jugendstil-Lieder [FLAC]




Noviembre es a todas luces el mes de Lucia Popp, la dueña de casa de este blog. El día 12 se celebra su cumpleaños número 80 y el día 16 se conmemoran ya 26 años de su fallecimiento.

Este blog ha hecho un esfuerzo constante para mantener activo el catalogo de grabaciones de la soprano, aún cuando muchas de ellas se encuentran, de hecho, ya fuera del catalogo actual de los sellos discográficos. El listado es largo y se ha ido nutriendo desde diferentes fuentes: ya sea desde mi catálogo personal, como aportes de otros fanáticos o compras directas como es el caso de este disco de Lieder, bastante difícil de conseguir.

Una traducción literal del título de este disco puede llevar a equívocos pues el término Jugendstil bien podría traducirse como "de juventud" pero en términos mas específicos se refiere ni mas ni menos que al movimiento artístico surgido a fines del siglo XIX, mas conocido como Art Nuveau.

El material recopilado para este disco nos muestra no sólo la complejidad del estilo sino también las diferencias que adquiere dependiendo del compositor y algunas diferencias notables tanto en la técnica de composición como en la estética, en comparación con otras etapas del mismo compositor. Es por eso que podemos oír el lado mas melódico de Alban Berg y Arnold Schoenberg, quienes en estados mas avanzados de su carrera dejarían completamente de lado este estilo.

Lucia Popp realiza una labor admirable tanto en la faceta musical como en el despliegue vocal del que es capaz aun en estos últimos años de su carrera. Las canciones de Berg muestran su faceta mas romántica, con un firme manejo del legato y gran atención a las indicaciones de dinámica explicitadas en la partitura. Algo parecido se puede decir de las canciones de Strauss, donde la soprano logra ademas varios momentos de despliegue vocal dignos de elogio, especialmente en la distribución del fiato y su manera de hacer flotar los agudos.

La grabación se realizó en el Schlosspavillon de Ismaning, entre el 3 y 6 de Mayo de 1991.


Tracklist:

1. Berg, 7 frühe Lieder, Nacht
2. Berg, 7 frühe Lieder, Schilflied
3. Berg, 7 frühe Lieder, Die Nachtigall
4. Berg, 7 frühe Lieder, Traumgekrönt
5. Berg, 7 frühe Lieder, Im Zimmer
6. Berg, 7 frühe Lieder, Liebesode
7. Schoenberg, op.2, Sommertage
8. Schoenberg, op.2, Erwartung
9. Schoenberg, op.2, Schenk' mir Deinen goldenen Kamm
10. Schoenberg, op.2, Erhebung
11. Pfitzner, Waldsonne
12. Pfitzner, Ist der Himmer darum im Lenz so blau?
13. Pfitzner, Die Einsame
14. Pfitzner, Venus mater
15. Pfitzner, Das verlassene Mägdlein
16. Pfitzner, Immer leiser wird mein Schlummer
17. Schreker, Rosentod
18. Schreker, Sommerfäden
19. Schreker, Sie sind so schön, die milden, sonnenreichen Tage
20. Schreker, Unendliche Liebe
21. Strauss, op.67, Wie erkenn' ich mein Treulieb vor andern nun
22. Strauss, op.67, Guten Morgen, 's ist St. Valentinstag
23. Strauss, op.67, Sie trugen ihn auf der Bahre bloß
24. Strauss, Ein Obdach gegen Sturm und Regen
25. Strauss, Blauer Sommer
26. Strauss, Wiegenliedchen
27. Strauss, Ich schwebe

Lucia Popp (Soprano)
Irwin Gage (Piano)

RCA Victor
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jueves, 14 de noviembre de 2019

Zamora - Victor Jara Sinfónico [FLAC]




Algunos de ustedes se habrán enterado de lo que está pasando en Chile, país desde donde escribo. Este blog de ópera no es ajeno a la realidad que se vive en el país y quién escribe ha sido testigo directo de los abusos que se están cometiendo por parte de las Fuerzas de Órden de nuestros país, amparados por un Presidente incompetente y cómplice en las repetidas violaciones a los Derechos Humanos de las que hemos sido testigos desde que comenzó este "estallido social".

Este posteo está dedicado a las miles de personas que han sufrido detenciones ilegales y a los varios cientos que han sido apaleados, gaseados, mutilados, violados y torturados a lo largo de todo Chile.

La obra elegida se llama "Victor Jara Sinfónico" que puede ser considerada una fusión entre el repertorio popular y la música docta. El arreglo orquestal fue escrito por Carlos Zamora y el estreno se realizó el 10 y 11 de noviembre de 2006 en el Teatro de la Universidad de Concepción bajo la dirección de José Luis Domínguez.

El 27 de diciembre de 2006 se presentó en el Centro Cultural Estación Mapocho de Santiago de Chile ante mas de cinco mil personas y al día siguiente, frente a más de 27 mil espectadores en la Plaza Sotomayor de Valparaíso, abriendo la segunda jornada de los Carnavales Culturales de Valparaíso 2006.

El pasado 10 de Noviembre la obra volvió a sonar, esta vez en el Centro Cultural Gabriela Mistral de Santiago, en el marco de las jornadas de protestas que se han repetido a lo largo de todo el país y que se encuentran ampliamente documentadas por medios nacionales y extranjeros.


Tracklist:

1. Charagua (Obertura)
2. Te recuerdo Amanda
3. Cuando voy al trabajo
4. El cigarrito
5. Qué saco rogar al cielo
6. Manifiesto
7. Plegaria a un labrador
8. La Partida
9. El aparecido
10. Angelita Huenuman
11. Paloma quiero contarte
12. Luchín
13. Lo único que tengo
14. El derecho de vivir en paz

Manuel García (Solista)
Coro Universidad de Concepción
Orquesta Sinfónica Universidad de Concepción
Guillermo Rifo (Director)

Oveja Negra
Flac | Cover
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martes, 24 de septiembre de 2019

Donizetti - La Favorita (Cossotto - Pavarotti - Bacquier - Ghiaurov - Cotrubas) Bonynge [HD 96kHz - 24bit]



Cerrando esta seguidilla de posteos dedicados a las discografía de Pavarotti en Alta Definición, les traigo aquí esta versión de algo controvertida de "La Favorita", en su versión en italiano.

Compuesta en 1840 para lucimiento de Rosine Stolz y Gilbert Duprez, "La Favorite" de Donizetti se convirtió en unos de sus títulos mas populares en la escena francesa de la segunda mitad del siglo XIX. El estreno tuvo lugar en la Salle Peletier el 2 de diciembre de 1840. L'Opéra de París organizó en 1875 un revival con una producción completamente nueva y en 1896 volvió al escenario en una producción que ampliaba la escala a niveles dignos de la Grand Opera. El éxito alcanzado le permitió mantenerse en el repertorio de l'Opéra de manera ininterrumpida hasta 1894 y para 1904 ya había superado las 650 representaciones en la sala.

En 1847 se preparó una traducción al italiano que fue la versión con la que el título se dio a conocer en el resto de Europa y Norteamérica y que terminó por imponerse a la versión original con el transcurso de los años. Esta edición, sin embargo, no contó con la colaboración de Donizetti y se adaptó pensando en la censura italiana, razón por la cual parece ser que los traductores tomaron camino propio y reemplazaron el texto original de Eugène Scribe con un montón de arcaísmos poéticos que incluso a un nativo italiano le costaría entender su real significado. Demás está decir que, a parte del "traduttore traditore", la versión italiana corta de cuajo la música del Ballet del segundo acto.

Fuera de Francia se presentó en el Drury Lane de Londres en 1843, con un elenco encabezado por Emma Romer. El mismo año llegó a Norteamérica gracias al trabajo pionero de la New Orleans French Opera Company. En 1885 llegó a la Academy of Music de New York, en su versión italiana y con Sofia Scalchi en el rol protagónico, junto a la Compañía del Coronel Mapleson. En 1895 llegó al recientemente fundado Metropolitan de New York con Eugenia Mantelli, Giuseppe Cremonini, Mario Ancona y Pol Plancon en los roles principales, nuevamente en italiano. En 1905 se montó una nueva producción para lucimiento de Enrico Caruso, con un elenco que incluía ademas a Edyth Walker, Antonio Scotti y Pol Plancon. Después de 5 funciones desapareció de la programación de la sala por 72 años hasta que fue programada en 1978 en una producción encabezada por Luciano Pavarotti, Shirley Verrett, Sherrill Milnes y Bonaldo Giaiotti.

Su gran popularidad en la escena francesa hizo posible que se realizara una pionera grabación completa del título en 1912 con Ketty Lapeyrette y Robert Lassalle en los roles principales.

Fuera de Francia, en cambio, el título nunca logró entrar de lleno al repertorio habitual de los teatros y si se mantuvo en cartelera fue gracias a la proyección del rol de Fernand y la popularidad de sus arias dentro del repertorio tenoril. Quizás por este status de "rareza", la ópera fue bastante ignorada por las disqueras. En 1930 se produjo una selección con Giuseppina Zinetti en el protagónico y Lorenzo Molajoli en la batuta. En 1954, la Cetra produjo una versión radial de la RAI de Turín encabezada por la Barbieri, Gianni Raimondi, Carlo Tagliabue y Giulio Neri y al año siguiente la Decca grabó la primera versión de estudio con la Simionato, Poggi, Bastianini y Hines en los roles principales. A pesar de este primer puntapié inicial, ni la Emi, ni Deutsche Grammophon ni RCA mostraron interés alguno en grabar la ópera.

Por la suma de todas las anteriores circunstancias es que esta versión estelar sigue estando al tope de la lista a pesar de los defectos bastante evidentes en su plantilla de estrellas.

La Cossotto hace frente al personaje ya entrando en la última etapa de su canto, el que se encuentra bastante afectado por el engolamiento de la zona central y la inestabilidad del tramo mas agudo. Si la mezzo hubiera grabado el rol 4 o 5 años antes, cuando los Si naturales y Do agudos surgían libres, brillantes y poderosos, probablemente nos habría legado una versión de referencia. Para 1974, en cambio, las cosas ya son mas dificultosas y la mezzo prefiere evitar el Si agudo del final de su "O mio Fernando" y cuando se lanza sobre el Do agudo con el que finaliza el dúo del primer acto, el resultado es bastante estridente, destemplado e inestable en la afinación. Por otro lado la faceta interpretativa, que fue siempre bastante elemental, no se encuentra delineada del todo.

A Pavarotti tampoco se lo oye con la soltura de años anteriores y si bien su canto sigue calificando como espectacular, el resultado final no logra impactar. El rol de Fernando tiene una escritura inclemente cuando se trata de lucir el extremo agudo: exije un Do sostenido en "Una vergine, un angiol di Dio", un aria que además tiene una tessitura constantemente aguda. Se puede decir algo parecido de "Spirto gentil", que se encumbra al Do agudo después de cantar un legato interminable escrito sobre el pasaje del tenor. Pavarotti claramente tenía las notas pero me atrevo a decir que para el verano de 1974 la voz ya había abandonado esta cualidad cercana al leggero y se ha asentado de lleno en el lirico neto, razón por la cual la tessitura termina por aprisionar a su voz en vez de darle el espacio que encontraba en Puccini o la Giovane Scuola, en donde los agudos extremos seguían surgiendo con soltura, al no estar condicionados por una tessitura inclemente.

El resto del elenco se completa con un estupendo y señorial Alfonso, en la voz de Gabriel Bacquier y un robusto y sonoro Baldassarre a cargo de Nicolai Ghiaurov. Un lujo extra es la Ines a cargo de una joven Ileana Cotrubas.

La grabación se realizó en el Teatro Comunale de Bologna, durante el mes de Agosto de 1974.

Fiorenza Cossotto (Leonora di Gusman)
Luciano Pavarotti (Fernando)
Gabriel Bacquier (Alfonso XI, Re di Castiglia)
Nicolai Ghiaurov (Baldassarre)
Piero de Palma (Don Gasparo)
Ileana Cotrubas (Ines)
Bruno de Franceschi (Un Cortigiano)

Orchestra e Coro del Teatro Comunale di Bologna
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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domingo, 22 de septiembre de 2019

Puccini - Madama Butterfly (Freni - Pavarotti - Ludwig - Kerns) Karajan [HD 96kHz-24bit]




Por alguna extraña razón esta versión de "Madama Butterfly" aun no había sido remasterizada. Decca solucionó esta deuda por partida doble ofreciéndola en una nueva edición publicada el año pasado que incluye además una copia en audio HD.

El catalogo discográfico dedicado a Butterfly es muy amplio y se pueden encontrar un buen puñado de grabaciones estupendas. Hay puntales indiscutidos en las versiones de la Scotto, Tebaldi, de los Angeles y Callas, todas distintas y con algo interesante que aportar. Esta versión de Karajan reúne méritos suficientes como para figurar en la lista.

Cuando se realizó esta grabación la Freni estaba en sus mejores años. La voz es generosa en sonoridad y mórbida en todo el registro, segura en el agudo y voluptuosa en el centro. La soprano no cantó nunca el rol de Butterfly sobre un escenario y quizás por eso la proyección dramática del personaje no alcanza las cuotas de intensidad de la Scotto o Callas. Por otro lado suple esta relativa superficialidad con grandes cuotas de belleza vocal, dotando a su personaje de una juventud ausente en otras lecturas. Por su parte Pavarotti compone un Pinkerton con la solvencia técnica esperable, brillante en la vocalidad y absolutamente adecuado en la expresión, consiguiendo uno de los enfoques mas efectivos del personaje. La Ludwig eleva el personaje de Suzuki a estelar gracias a la expresión siempre intensa y la voz adecuada.

La dirección de Karajan es mas lenta comparada con su primera versión con la Callas. Así mismo el tratamiento es mas sinfónico y sin la urgencia dramática de juventud. Por otro lado la construcción de los climax orquestales está estupendamente lograda y la sonoridad que logra extraer de la Filarmonica de Viena es indudablemente bellisima. Butterfly fue la única ópera que Karajan llevó tres veces al estudio de grabación. En 1955 lo hizo en Emi y con la Callas, esta versión de 1974 corresponde a su segundo intento. Casi de manera simultánea se grabó la banda sonora de la película de Jean Pierre Ponelle que terminaría siendo su tercera y ultima versión.

La remasterización agrega mayor claridad y elimina bastante la estridencia presente en el traspaso de fines de los ochenta. Si bien en el acto primero se sigue oyendo un ruido de fondo presente ya en el primer traspaso y al parecer imposible de eliminar. La grabación se realizó en la Sofiensaal de Viena durante el mes de enero de 1974.


Mirella Freni (Cio Cio San)
Luciano Pavarotti (B. F. Pinkerton)
Christa Ludwig (Suzuki)
Robert Kerns (Sharpless)
Michel Sénéchal (Goro)
Marius Rintzler (Il Bonzo)
Elke Schary (Kate Pinkerton)
Giorgio Stendoro (Il Principe Yamadori)

Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

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miércoles, 18 de septiembre de 2019

Bellini - I Puritani (Sutherland - Pavarotti - Cappuccilli - Ghiaurov) Bonynge [96kHz-24bit]



La Sutherland registra aquí su segunda versión de Elvira, diez años después de su primera grabación del rol completo. Los años no pasan en vano y la soprano gana en variedad de expresión pero por otro lado la voz ha perdido el brillo de juventud y se encuentra ya asentada en una modalidad en donde abundan los sonidos engolados. Por la misma razón hay serios problemas de dicción y el texto pasa totalmente a un segundo plano en su lectura del rol. Si bien los trinos, agudos y sobreagudos aun están ahí, (con un mi bemol sobreagudo de firme presencia) se la oye opaca en la comparación con sí misma.

Por su parte Pavarotti se enfrenta a Arturo sin grandes credenciales belcantistas y si bien sortea la empresa de manera espectacular, gracias a la técnica y el arrojo del registro agudo, se lo oye encorsetado por un estilo con el que nunca congenió del todo. Cappuccilli saca lo mejor de un rol que no tiene grandes momentos de lucimiento pero que el barítono logra delinear gracias a la expresión intensa y la noble linea de canto. Por su parte Nicolai Ghiaurov hace lo propio creando un Giorgio de paternal expresión y canto señorial.

Richard Bonynge realiza un estupenda labor tanto en la batuta como en el trabajo de investigación. Logra abrir todos los cortes e incluso "regalarnos" una breve pieza final con que Elvira cierra la ópera.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, entre los meses de Mayo y Julio de 1973.


Joan Sutherland (Elvira)
Luciano Pavarotti (Lord Arturo Talbo)
Piero Cappuccilli (Sir Riccardo Forth)
Nicolai Ghiaurov (Sir Giorgio)
Anita Caminada (Enricchetta di Francia)
Gian Carlo Luccardi (Lord Gualtiero Valton)
Renato Cazzaniga (Sir Bruno Roberton)

Chorus of The Royal Opera House Covent Garden
London Symphony Orchestra
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

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sábado, 14 de septiembre de 2019

Puccini - La Bohème (Freni - Pavarotti - Harwood - Panerai - Ghiaurov) Karajan [HD 96kHz-24bit]



Desde su publicación en 1973 a esta versión de "La Bohème" le han llovido todos los elogios posibles. Con el paso del tiempo claramente se ha ganado un sitial de referencia, compartiendo honores con las versiones de Beecham, Votto y Serafin. Quizás lo mas especial de esta Bohème radica en el nivel colectivo alcanzado por los solistas, la batuta inspirada de Karajan y el equipo técnico estelar que logra plasmar en sonido las diferentes atmósferas presentes a lo largo de la ópera.

Pavarotti y Freni están captados en su mejor etapa vocal. La Freni plantea su Mimí desde un enfoque vocal parecido al de la Tebaldi, con sonidos redondos, especialmente hermosos en el centro pero con un agudo mas estable y una paleta de matices mas variada que la de su compatriota. Por otro lado es capaz de sugerir mayor vulnerabilidad y fragilidad, quizás no a la altura de Victoria de los Angeles pero se le acerca bastante. Rodolfo se acomoda tan bien a la vocalidad de Pavarotti que pareciera que el rol hubiese sido escrito para él. Logra momentos gloriosos gracias a la técnica depurada y el arrojo con el que cantaba la música de Puccini, ciertamente inigualable. Panerai compone un Marcello algo bullicioso pero con la flexibilidad necesaria para acomodarse a los momentos mas íntimos. La Harwood logra una Musetta de gran canto e histrionismo, quizás sin la sensualidad latina de la Moffo pero indudablemente de gran presencia tanto en las partes cómicas como en las mas intensas del acto final. Ghiaurov es un lujo en Colline.

Karajan evidentemente amaba la música de Puccini y se propone desde los compases iniciales presentarla con toda la belleza posible y vaya que lo logra con espectacularidad. En términos dramáticos hay grandes momentos en el acto tercero donde se acerca peligrosamente al sentimentalismo del que se salva gracias a la firme tensión que es capaz de imprimir a la partitura. El acto cuarto está coronado por uno de los finales mas desgarradores de la discografía.

La grabación se realizó durante el mes de octubre de 1972 en la Jesus Christ Kirche de Berlin. El equipo estelar de ingenieros a cargo estaba formado por Ray Minshull, James Mallison, Gordon Parry, James Lock y Colin Moorfoot. El producto final es uno de los mejores logrados en la era análoga, logrando captar con amplio espectro tanto los momentos mas poderosos como las partes delicadas y suaves. La remasterización logra remover algunas pequeñas saturaciones presentes en el traspaso anterior y agrega mayor amplitud en la gama, especialmente disfrutable en la copia en HD.



Luciano Pavarotti (Rodolfo)
Mirella Freni (Mimí)
Rolando Panerai (Marcello)
Elizabeth Harwood (Musetta)
Gianni Maffeo (Schaunard)
Nicolai Ghiaurov (Colline)
Michel Sénéchal (Benoit, Alcindoro)
Gernot Pietsch (Parpignol)
Hans-Dietrich Pol (Doganiere)
Hans-Dieter Appelt (Sergente dei Doganiei)

Schöneberger Sängerknaben
Chor der Deutschen Oper Berlin
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Decca
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jueves, 12 de septiembre de 2019

Puccini : Turandot (Sutherland - Pavarotti - Caballé - Ghiaurov) Mehta [HD 96kHz-24bit]



Siguiendo con este viaje me encontré con esta joyita en la tienda de la Opera de París y por supuesto no me pude resistir a la compra. Se trata de la remasterización en audio HD de la clásica versión de "Turandot" dirigida por Zubin Mehta.

El reparto es casi perfecto si no fuera por la Sutherland que está absolutamente fuera de foco en un rol que nunca cantó en escena y en el que no puede agregar nada interesante ni en el plano vocal ni en el dramático. Pavarotti logra maravillas con la vocalidad de "Calaf", lo mismo se puede decir de la delicada "Liù" de la Caballé, adornada por una gran variedad en el juego de las dinámicas. Lujos extras son el "Timur" de Nicolai Ghiaurov, el "Ping" de Tom Krause y el "Emperador Altoum" de Peter Pears.

Las diferencias con la primera y única publicación a formato CD realizada en la década de los 80' es bastante notoria. El sonido es menos metálico y con mayor "espacio", así mismo se ha incrementado el volumen (algo que para muchos es bastante criticable) y la definición en graves y agudos es mucho mas clara.

La caja incluye un disco Blu-ray con el audio en formato HD y dos CD en el formato tradicional. Como no tengo la capacidad técnica para extraer el audio en alta calidad, les dejo una copia que me envió hace unos meses un amigo del blog. Por mi parte les dejo la copia de los dos discos hecha por medio de iTunes. Les advierto que el audio HD pesa bastante (sobre las 2Gb) pero es muy recomendable si tienen el equipo necesario para reproducirlo como se debe.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres entre el 12 y 24 Agosto de 1972. El traspaso a 96kHz-24bit estuvo a cargo de Philip Siney.

Joan Sutherland (Turandot)
Luciano Pavarotti (Calaf)
Montserrat Caballe (Liù)
Nicolai Ghiaurov (Timur)
Peter Pears (L'Imperatore Altoum)
Tom Krause (Ping)
Piero de Palma (Pong)
Pier Francesco Poli (Pang / Il Principe di Persia)
Sabin Markov (Un Mandarino)

John Alldis Choir
London Philharmonic Orchestra
Zubin Mehta (Conductor)

Decca
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martes, 10 de septiembre de 2019

Donizetti - Lucia di Lammermoor (Sutherland - Pavarotti - Milnes - Ghiaurov) Bonynge [HD 96kHz-24bit]



Por suerte para los fanáticos del belcanto, "Lucia di Lammermoor" goza de muy buena salud a la hora de los recuentos discográficos y cuenta con varias grabaciones (aún activas en el catálogo) que pueden considerarse verdaderos hitos del título de Donizetti. Esta grabación estelar es uno de ellos.

Lucia es el personaje que catapultó a la Sutherland a la fama internacional y el que mayores triunfos le otorgó incluso en la etapa final de su carrera. La australiana tenía todo lo necesario para hacerle justicia en términos vocales y si bien el factor interpretativo es un claro retroceso frente a lo logrado por Callas en la década del '50, hay que decir que la Stupenda logra perfilar el personaje con mucho mejor resultado en la comparación con otros roles de su repertorio. Así las cosas, su Lucia se aleja bastante del verdadero thriller psicológico que lograba mostrar la Callas y crea en cambio una Lucia mas contemplativa y en vez de presentarnos de manera evidente los síntomas de locura que ya se adivinan en su primera aria, prefiere ir poco a poco construyendo un personaje ensimismado. El resultado final es algo opaco y ni se acerca a la intensidad de la Callas.

En términos vocales, Sutherland pone a disposición todo su virtuosismo en el canto ornamentado, con un gran despliegue de canto spianato y un legato que se extraña mucho en estos días. Así mismo se anima con trinos, staccati y sobreagudos, incluido el mi bemol de la escena de la locura, con pasmosa facilidad. Para la fecha la soprano ya bordeaba los 45, una edad en la que la mayoría de las soprano coloratura han abandonado el personaje, y si bien su engolamiento caracterísitco ya está firmemente asentado en su canto, hay que decir que la solvencia y brillantez del registro agudo sigue impresionado.

Pavarotti es uno de los mejores Edgardo de la discografía, algo alejado del belcanto pero con las cuotas justas de lirismo y vehemencia, estupendamente servidas gracias al desparpajo de la zona aguda. La tessitura parece no presentarle ningún problema y gracias a la técnica es capaz de hacer frente a la escena final con gran despliegue de squillo y arrojo. La faceta interpretativa está muy bien delineada y el arco de su personaje, desde el enamoramiento del duetto del primer acto, hasta el suicidio del tercero, se hace bastante evidente. Por su parte Milnes crea un Enrico bastante rustico en la interpretación y con la impostación extraña de siempre. Ghiaurov crea un Raimondo afectuoso y de bellisima línea.

Bonynge realiza una gran labor musicológica al abrir varios cortes que eran tradicionales y restaurar la escena de la torre, con la que se abre el tercer acto. Se notan además los años dedicados a este repertorio y es capaz de presentar las melodías con las cuotas justas de lirismo y nervio.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, entre los meses de Junio y Julio de 1971.


Joan Sutherland (Lucia)
Luciano Pavarotti (Edgardo)
Sherrill Milnes (Enrico)
Nicolai Ghiaurov (Raimondo)
Ryland Davies (Arturo)
Huguette Tourangeau (Alisa)
Pier Francesco Poli (Normanno)

Orchestra and Chorus of the Royal Opera House Covent Garden
Richard Bonynge

Decca
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sábado, 7 de septiembre de 2019

Verdi - Rigoletto (Milnes - Sutherland - Pavarotti - Talvela - Tourangeau) Bonynge [HD 96kHz-24Bit]



Esta versión estelar de "Rigoletto" tiene todos los ingredientes para convertirse en una clásico de la discografía. Sin embargo, las cosas no funcionan del todo bien, a pesar del reparto de lujo.

Sherrill Milnes bordeaba los 36 años cuando esta grabación se realizó y a todas las ventajas que puede presentar un cantante joven y en plena posesión de sus medios vocales hay que sumarle, lamentablemente, una interpretación bastante superficial y tendiente a lo caricaturesco. Vocalmente, Milnes parece querer seguir los pasos de Leonard Warren en el uso de una impostación que si bien por un lado le permitía acceder a un registro extendido hacia el agudo y una resonancia estentórea, por otra parte lo privaba de los matices mas piano. Así cada vez que el barítono desea acercarse al parlato o al susurro, el sonido es extraño, muy poco natural y hasta ingrato en el color. Milnes palea este defecto con varios gruñidos que dan la sensación de estar siempre al borde de lo sobreactuado y lo afectado.

Por su parte la Sutherland se acerca a Gilda al parecer con la idea de lucir el lado mas pirotécnico del personaje y si bien perfila estupendamente esa faceta de la parte (incluso agregando sobreagudos), lo cierto es que la parte mas lírica de la escritura está ya afectada por un notorio engolamiento en la zona central del registro, lugar donde Gilda insiste bastante. Así las cosas, grandes frases como "Tutte le feste al tempio" son a penas entendibles y la soprano parece incluso abusar de su indiferencia con el texto soltando un sinfín de dobles "r" donde no existen (Voi sospirrate... Carro nome...). La faceta interpretativa ni siquiera aparece delineada. No están presentes ni la juventud que se sugiere en el dúo de entrada ni las ansias de un personaje que debiese transformarse frente a nuestros ojos (u oídos). Así las cosas, la Gilda de Sutherland no es mas que una señora que a veces puede cantar muy bien.

Lo mejor de la ópera llega con il Duca de Pavarotti, absolutamente glorioso en la vocalidad. Sabe entregar el legato y la belleza vocal necesarias en su aria con la que abre el segundo acto y se acomoda con bastante facilidad a las sincopas del primero (escollo musical de varios Duca), atreviéndose incluso con el Re natural con el que culmina su gran escena. La insolencia vocal se adapta perfectamente a su retrato de un Duca bastante desvergonzado y gozador. Probablemente uno de los personajes mas afines con el tenor.

El resto del elenco destaca un Sparafucile bastante siniestro y bruto en la voz de Martti Talvela y una espantosa Maddalena a cargo de Huguette Trourangeau, quien trata de crear a toda costa una seductora llena de sonidos guturales y engolamientos.

Un lujo extra: la Contessa di Ceprano a cargo de una Kiri Te Kanawa de tan solo 27 años.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, durante el mes de Junio de 1971.


Sherrill Milnes (Rigoletto)
Joan Sutherland (Gilda)
Luciano Pavarotti (Il Duca di Mantova)
Martti Talvela (Sparafucile)
Huguette Tourangeau (Maddalena)
Gillian Knight (Giovanna)
Clifford Grant (Il Conte di Monterone)
Christian du Plessis (Marullo)
Riccardo Cassinelli (Matteo Borsa)
John Gibbs (Il Conte di Ceprano)
Kiri Te Kanawa (La Contessa di Ceprano)

Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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sábado, 31 de agosto de 2019

Verdi - Macbeth (Fischer-Dieskau - Suliotis - Pavarotti - Ghiaurov) Gardelli [HD 96kHz-24Bit]



Esta fue la primera grabación completamente integral de la ópera de Verdi y vino a coronar un proceso de redescubrimiento del título que se inició en los años de la Segunda Guerra Mundial.

Los primeros intentos por instalar a la ópera dentro del repertorio habitual de los teatros llegaron desde el mundo anglosajón. En 1943 se produjo en la Opera Estatal de Viena, dirigida por Karl Böhm y con Mathieu Ahlersmeyer y Elisabeth Höngen en los roles principales. En 1947 se produjo en el Festival de Glyndebourne con Frank Valentino y Margherita Grandi. Recién en 1949 la RAI de Turín produjo una transmisión dirigida por Mario Rossi y con Paolo Silveri y Lucy Kelston en los roles principales. La Opera Estatal de Berlín montó una producción en 1950 con Josef Metternich y Martha Mödl y al año siguiente, con motivo de la conmemoración del Cincuentenario de la muerte del compositor, la ópera fue producida finalmente en el Maggio Musicale Fiorentino, con Ivan Petroff y Astrid Varnay como la pareja protagonista. La Scala de Milán dió el empujón definitivo cuando eligió el titulo para abrir su temporada el 7 de diciembre de 1952 con Enzo Mascherini y María Callas, dirigidos por Victor de Sabata.

Si bien sobreviven las grabaciones del vivo, como también las transmisiones radiales de la RAI (1949) o de la WDR (1954), lo cierto es que la primera grabación comercial de estudio fue producida por la RCA en 1959, con un elenco encabezado por Leonard Warren y Leonie Rysanek, dirigidos por Erich Leinsdorf.

Esta versión tuvo desde el comienzo complicaciones con la plantilla de cantantes elegidos. En primera instancia estaba pensada para lucimiento de Tito Gobbi pero por razones médicas terminó bajándose del proyecto. El reemplazante de último minuto fue Dietrich Fischer-Dieskau y su Lady la sucesora de la Callas de aquel momento, Elena Suliotis (o Souliotis).

Fischer-Dieskau, probablemente uno de los cantantes mas completos de todos los tiempos, tiene siempre algo interesante que agregar en sus interpretaciones. Su Macbeth tiene los mismos problemas de fuste que se pueden oír en otras encarnaciones suyas del repertorio italiano. Los críticos de la época y muchos de los actuales, siguen considerándolo insuficiente en estos terrenos y si bien la voz, la emisión y el tamaño nunca dan la idea de "italianidad", hay que reconocer que el cuidado que pone al texto, las indicaciones musicales y el fraseo lo ponen en lugar aparte entre sus colegas, incluidos los que exudan "italianidad". Por su parte la Suliotis está captada aquí ya en su etapa final (tenía tan solo 27 años) y se la oye reducida en volumen, apagada, tensa en el agudo extremo y sin la fiereza de la que fue capaz en su grabación de "Nabucco" cuatro años atrás.

Los verdaderos puntos de genuino interés son el Macduff de Luciano Pavarotti, de hermosa y noble linea vocal y el estupendo Banco a cargo de Nicolai Ghiaurov ofreciendo una verdadera clase de legato verdiano. Por su parte Lamberto Gardelli saca lo mejor de la Filarmónica de Londres y entrega toda la belleza de la partitura de Verdi conducida con mano experta.

Ya desde la edición original se podía apreciar el estupendo trabajo de los ingenieros de la Decca que lograron producir una grabación con las voces perfectamente enfocadas y un sonido orquestal lleno de detalles y espacio. El trabajo de remasterización logra limpiar casi por completo el sonido de roce y realza de manera espectacular el trabajo original.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, durante el mes de Agosto de 1970.


Dietrich Fischer-Dieskau (Macbeth)
Elena Suliotis (Lady Macbeth)
Luciano Pavarotti (MacDuff)
Nicolai Ghiaurov (Banco)
Riccardo Cassinelli (Malcolm)
Helen Lawrence (Dama di Lady Macbeth)
Raymond Myers (Medico)
John Noble (Servo)
Leslie Fyson (Sicario)
David Reed (Araldo)
John Noble (Prima Apparizione)
Andre Dance (Seconda Apparizione)
Peter Marsland (Terza Apparizione)

Ambrosian Opera Chorus
London Philharmonic Orchestra
Lamberto Gardelli (Conductor)

Decca
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miércoles, 28 de agosto de 2019

Donizetti - L'elisir d'amore (Pavarotti - Sutherland - Malas - Cossa) Sutherland [HD 96kHz-24Bit]



Esta grabación de "L'elisir d'amore" es probablemente uno de los puntos mas altos de la discografía resultante de la colaboración entre Pavarotti y los Sutherland/Bonynge. A la pareja protagonista, ambos en estupendo estado vocal, se suma la dirección de Richard Bonynge con el equilibrio perfecto entre el espíritu pastoral que sugiere la obra y el refinamiento y precisión necesarias que requiere el estilo.

Pavarotti encabeza el reparto con un Nemorino que roza la perfección en todo ámbito. La vocalidad, la línea lírica, la espontaneidad y las aristas cómicas del personaje parecen resonar en la sensibilidad del tenor de manera muy especial. Así se lo oye siempre fresco, atento al texto y la interpretación. El tenor echa mano a su impecable dicción para sacar a relucir una paleta bastante amplia de colores con los que da vida a un fraseo lleno de matices. Por otra parte, la voz está en un momento de gloria juvenil que no se volverá a repetir y con la ayuda de Bonynge (y algunos tempi deliberadamente lentos) sale a la luz la maestría del tenor en el arte del canto spianato.  

A la Sutherland se la oye casi tan cómoda y desenvuelta como en la anterior Fille pero la emisión ya se encuentra afectada de manera mas severa por el progresivo engolamiento que, si bien estuvo presente desde sus inicios, se irá lentamente asentando en su canto durante la década del '70. Por otro lado el registro agudo se mantiene seguro y brillante hasta la cima del Re, mientras que el uso del canto ornamentado sigue siendo apabullante, con firme inclusión de espectaculares trinos. La Stupenda se permite sacar del baúl (con la ayuda musicológica de su marido) un vals, "Nel dolce incanto", escrito por Charles de Bériot para su esposa, Maria Malibrán, y que sustituye a la cabaletta original de Donizetti por una pieza que le permite a la soprano lucir su habilidad con la coloratura y a la vez perfilar mejor su condición de Prima Donna en una ópera donde la mejor música, hay que decirlo, se la lleva el tenor.

El resto del elenco se completa con miembros del Team habitual de aquella época: Dominic Cossa saca adelante un Belcore insuficiente en el fuste, mientras que Spiro Malas convierte a Dulcamara en un charlatán de tomo y lomo pero lamentablemente desdibuja la vocalidad en beneficio de la expresión.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, durante los meses de Enero y Junio de 1970.


Luciano Pavarotti (Nemorino)
Joan Sutherland (Adina)
Dominic Cossa (Belcore)
Spiro Malas (Dulcamara)
Maria Casula (Giannetta)

Ambrosian Opera Chorus
English Chamber Orchestra
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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domingo, 25 de agosto de 2019

Donizetti - La Fille du Régiment (Sutherland - Pavarotti - Malas - Sinclair) Bonynge [HD 96kHz-24Bit]



Al momento de aparecer esta grabación en el mercado, Pavarotti no era la superestrella en la que se convirtió en años posteriores. Pero fue precisamente su relación con el rol de Tonio y el trabajo con los Sutherland/Bonynge lo que terminaría por llevarlo al status de estrella que al parecer tanto anhelaba.

La carrera del tenor había comenzado en Abril de 1961, cuando realizó su debut como Rodolfo en "La Bohème" en el Teatro Municipale de Reggio Emilia. El 23 de Febrero de 1963 apareció en la Opera Estatal de Viena, repitiendo a Rodolfo y agregando el Duca en "Rigoletto". El 21 de Septiembre del mismo año se produjo su debut en el Covent Garden de Londres, nuevamente en las ropas de Rodolfo, sustituyendo a un indispuesto Giuseppe di Stefano.

La colaboración entre Luciano Pavarotti y los Bonynge/Sutherland comenzó en febrero de 1965, cuando la pareja lo eligió para una producción de "Lucia di Lammermoor" en la Greater Miami Opera, que además marcaba el debut americano del joven tenor. El Tour Australiano de la JC Williamson/ Sutherland Opera Company lo llevó a presentarse por todo el país, en una larga serie de funciones que se extendieron entre Julio y Octubre de 1965.

Una vez terminada la aventura australiana, Bonynge-Sutherland y Pavarotti comenzaron a trabajar en la producción de "La Fille du Régiment" que se presentó el 2 de Junio de 1966 en el Covent Garden de Londres con gran éxito. Al año siguiente se organizó una reposición que subió a escena el 24 de Junio. Con la música y el trabajo teatral aún fresco, el equipo artístico completo entró al estudio para realizar esta grabación.

El despliegue vocal de la Sutherland es impresionante de principio a fin. El instrumento de la soprano se encuentra en sus mejores años y logra maravillas en la coloratura, los trinos y los sobreagudos. El trabajo en el teatro se nota y es así que la Sutherland logra en Marie, uno de sus mejores y mas sinceros personajes. Se la puede oír a sus anchas en todas las facetas que le presenta el rol y no teme presentar incluso las aristas cómicas, echando mano a su amplia gama de recursos vocales. Por su parte Pavarotti no se queda corto y se despacha un "Ah! mes amis" que sigue impresionando hasta el día de hoy. El resto del elenco se completa con un caricaturesco Sulpice a cargo de Spiro Malas, un favorito de los Sutherland/Bonynge, y una no menos afectada Marquise a cargo de Monica Sinclair.

El 17 de Febrero de 1972 la pareja protagonista y el director llevaron el título al Metropolitan de New York, que no veía una nueva producción de la ópera desde 1943, cuando se montó para lucimiento de Lily Pons. Aquella noche y las 18 funciones restantes, marcaron la llegada al estrellato de Luciano Pavarotti, conocido desde entonces como "El Rey del Do Agudo".

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, entre el 17 y 27 de Julio de 1967.


Joan Sutherland (Marie)
Luciano Pavarotti (Tonio)
Spiro Malas (Sulpice)
Monica Sinclair (La Marquise de Berkenfield)
Jules Bruyère (Hortensius)
Eric Garrett (Le Caporal)
Edith Coates (La Duchesse de Crakentorp)
Alan Jones (Un Paysan)
Omar Gorde (Un Notaire)

Orchestra and Chorus of The Royal Opera House, Covent Garden
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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jueves, 22 de agosto de 2019

Bellini - Beatrice di Tenda (Sutherland - Veasey - Pavarotti - Opthof) Bonynge [HD 96kHz-24bit]



A partir de este post me voy a dedicar por unas semanas a un Box publicado por Decca en 2014 con motivo del cumplimiento de los 50 años de relación entre la casa inglesa y Luciano Pavarotti. El box incluye varias óperas en formato HD que ya están publicadas en este blog pero hay un par de títulos que no habían sido posteados y que me dispongo ahora a completar.

"Beatrice di Tenda" es la penúltima ópera de Bellini, escrita entre "Norma" e "I Puritani" y marcó además la última colaboración entre el compositor y el libretista Felice Romani. Bellini planeó la ópera para lucimiento de Giuditta Pasta, su musa absoluta, quién incluso eligió el tema luego de ver una representación teatral del drama original escrito por Carlo Tebaldi-Fores. La intención de Bellini era claramente repetir el éxito de "Norma", si bien la ópera presentaba muchas similitudes con "Anna Bolena" de Donizetti y la falta de tiempo de Romani en la composición del libreto pusieron en peligro la ópera desde un comienzo.

El retraso de Romani, empleado al mismo tiempo en trabajos de Donizetti, Mercadante y Coccia, es tal que el compositor terminó por denunciarlo por incumplimiento de contrato tras recibir presiones de las autoridades venecianas con el cumplimiento de las fechas planeadas. Romani decidió entonces trasladarse a la ciudad para terminar junto a Bellini la ópera pero aun así el tiempo les pasa la cuenta y el compositor debe hacer cortes en el acto segundo. La ópera queda finalmente lista apenas una semana antes del cierre de temporada de La Fenice y su estreno ocurre el 16 de marzo de 1833 en medio de un recibimiento mas bien frío. Si bien volvería a ser representada en 1838, 1843, 1844 y 1871.

El reparto original incluía a la mencionada Giuditta Pasta (primera "Norma" y Amina en "La Sonnambula") en el rol titular y a Anna del Serre en el rol de Agnese, su rival. La del Serre estaba aun en su etapa inicial y antes de convertirse en la tempestuosa Prima Donna que protagonizó los famosos incidentes con Giuseppina Ronzi de Begnis, durante los ensayos de "Maria Stuarda", donde la del Serre estaba programada para debutar el rol de Elisabetta, antes que la censura prohibiera la ópera.

Luego de su tibio estreno veneciano, Bellini llevó la ópera a Palermo en 1834, donde tuvo un gran éxito para alivio del compositor. Luego se escenificó en Napoles, Milán y tras la muerte del compositor, Roma, Messenia y Trieste. Fuera de Italia, se hicieron montajes en Viena, Madrid y Barcelona en 1836 y en años posteriores fue representada en Londres, Berlin, Praga y Lisboa. En 1840 se presentó en París y en 1844 en New York y San Petersburgo.

Como la mayoría de los títulos belcantistas, al llegar las ultimas décadas del siglo XIX la ópera prácticamente desapareció de los escenarios. Recién en 1935 fue exhumada en una representación de gala en el Teatro Massimo Bellini de Catania en la voz de la gran Giannina Arangi-Lombardi en el titular y en medio de las conmemoraciones del centenario de la muerte del compositor. Luego de esto la ópera reaparecerá en 1961 en New York y Milán en la voz de Joan Sutherland. A La Fenice de Venecia regresará recién 1964 en la voz de Leyla Gencer, luego de casi 90 años de ausencia.

Esta grabación está dominada por la presencia de Joan Sutherland, responsable directa de la restitución del título y es un claro testimonio de su arte e importancia en el rescate de todo el repertorio belcantista. Grabada en la plenitud vocal de La Stupenda, podemos oír su maestría en el cantabile belliniano como también su maquinaria pirotécnica de trinos, escalas y sobreagudos hasta la cima del Mi natural. Otro punto de interés está en el Orombello de un joven Luciano Pavarotti, captado acá en su primera grabación de una ópera completa y que marcará el inicio de lo que sería una fructífera colaboración con la australiana.

La grabación se realizó entre Enero y Febrero de 1966 en el Walthamstow Assembly Hall en Londres.


Joan Sutherland (Beatrice di Tenda)
Josephine Veasey (Agnese)
Luciano Pavarotti (Orombello)
Cornelius Opthof (Filippo)

Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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jueves, 15 de agosto de 2019

Bizet - Carmen (de los Angeles - Gedda - Micheau - Blanc) Beecham [HD 96kHz-24bit]




Volviendo al mundo de las remasterizaciones, aquí está la célebre "Carmen" de Beecham en su última edición en Alta Definición.

Los planes de EMI para grabar una versión estereofónica de la opera de Bizet surgieron en 1957. Sería realizada por Columbia, la división americana de EMI y Walter Legge seria el encargado de producirla. El reparto debía estar encabezado por Maria Callas, Jussi Björling y la dirección de Herbert von Karajan. El proyecto se truncó cuando Karajan y Callas rompieron relaciones luego que el director se negara a pagarle una suma bastante alta a la soprano para cantar Violetta en la Opera Estatal de Viena. Con el proyecto parado, la EMI encargó a la HMV, la división inglesa de la compañía, conseguir un posible reparto y director. Victor Olof se encargó de la producción y dispuso inmediatamente de Thomas Beecham. Al parecer Walter Legge trató de detener la grabación pues esperaba de algún modo conseguir a Karajan y un buen reparto para la obra pero lo cierto es que la producción de Victor Olof funcionó mejor que la suya y agendó las grabaciones para Junio de 1958.

Sir Thomas Beecham bordeaba los 79 años cuando se embarcó en este proyecto, que terminaría por convertirse en su última grabación de una opera completa. El título de Bizet estaba en el repertorio activo del director por mas de 56 años; la había dirigido por primera vez el 2 de abril de 1902 en la Imperial Grand Opera. La visión que tenía el director sobre el personaje de la gitana variaba bastante de la Carmen verista y desbordada que imperaba en esos años, sobretodo en la escena norteamericana. Según sus propias palabras "Cualquier cantante que no logre crear su Carmen en concordancia con el refinamiento de la música, está cometiendo una ofensa estética". Quizás por esto, la elección de Victoria de los Ángeles le venia como anillo al dedo.

Lo que en el papel parecía ser un Dream Team, en la práctica fue el caldo de cultivo ideal para uno de los grandes impasses de la historia de la discografía: La sesiones de Junio fueron un desastre. Duraron una semana y sólo se pudieron grabar los interludios orquestales y algunas partes corales del acto cuarto pero no surgió ninguna toma completa de arias, dúos ni ensembles. Al parecer Beecham venía de una larga gira de conciertos. algo estresado y el choque con la soprano fue inevitable. Finalmente de los Ángeles telefoneó al ejecutivo de la Emi en Londres, David Bricknell, diciéndole que ya no aguantaba a Beecham y que se iba a Barcelona. Bricknell le rogó que lo esperara para poder solucionar las cosas pero la soprano solo accedió a conversar con él en el aeropuerto de Orly. De los Ángeles no cambió de opinión a pesar de los ruegos y de paso le informó que Beecham no tenía idea que ella se bajaba del proyecto...

Tomó mas de un año calmar los ánimos y honrar los contratos comprometidos (incluso hubo demandas interpuestas) pero finalmente se pudo agendar una sesión de grabación para el 1 de Septiembre de 1959. Cuando finalmente director y soprano se encontraron, Beecham la recibió con los brazos abiertos y un sonoro "Aquí viene mi Carmen". Parece ser que la reconciliación fue real y el resultado artístico se puede oír de principio a fin, pasando inadvertido para cualquier oyente el hecho de que fue un proyecto que estuvo a punto de naufragar y que se grabó en un espacio de dos años, con tres sesiones de grabación.

El resultado final es estupendo a pesar de las reservas que se puedan tener a priori sobre el desempeño de la soprano. Victoria de los Angeles tuvo una relación muy estrecha con el mundo de la opera francesa, hacía magia con Marguerite, Manon o Melisande y además supo adentrarse en la chanson con gran manejo del idioma, el estilo y la expresión. Sin embargo "Carmen" representaba un escollo bastante difícil de superar debido a la personalidad desbordante y los desplantes de la gitana que poco o nada tenían que ver con la sensibilidad de la soprano. A pesar de estas consideraciones el resultado sorprende por la gracia, el humor y la grandeza con la que sabe enfrentar el personaje, si bien es cierto que las facetas mas fuertes de la gitana no aparecen por ningún lado en su lectura. A su lado Nicolai Gedda entrega el lado mas lírico de Don José, alejado del modelo vociferante dejado por otros colegas y completamente en concordancia con el estilo y el idioma. Por otro lado la faceta femicida del personaje no aparece ni está delineada en ningún momento en su interpretación. El resto del elenco se completa con estrellas del canto francés de la época, Ernest Blanc saca a relucir su hermoso timbre en Escamillo y Janine Micheau entrega una cálida versión de Micaëla. La dirección de Beecham brilla por su magnetismo y el detalle con el que sabe entregar la elegancia, la pasión y la tragedia de la partitura.

Una hecho bastante curioso es que el rol de Mercédès está cantado por dos artistas diferentes. La razón es que Marcelle Croisier falleció entre las sesiones de grabación por lo que su trabajo fue terminado por Monique Linval.

El trabajo de remasterización es estupendo, de alguna manera los ingenieros lograron abrir el sonido, quitando casi todo el ruido de roce de las cintas originales y además impregnarlo de una calidez que no estaba presente en el último trabajo producido el año 2000 en el serie "Great Recordings of the Century" de la Emi.

Las sesiones de grabación se realizaron en la Salle Wagram de Paris del 4 al 10 de Junio de 1958, 1 al 6 de Septiembre y 11 de Octubre de 1959. La presente edición fue remasterizada en los estudios de Abbey Road en Londres y saló a la venta en octubre de 2016.


Victoria de los Angeles (Carmen)
Nicolai Gedda (Don José)
Janine Micheau (Micaëla)
Ernest Blanc (Escamillo)
Denise Monteil (Frasquita)
Marcelle Croisier & Monique Linval (Mercédès)
Jean-Christophe Benoit (Le Dancaïre)
Michel Hamel (Le Remendado)
Bernard Plantey (Moralès)
Xavier Depraz (Zuniga)

Petits Chanteurs de Versailles
Maîtrise de la Radiodiffusion Francaise
Choeurs de la Radiodiffusion Francaise
Orchestre National de la Radiodiffusion Francaise
Sir Thomas Beecham (Conductor)

Warner Classical
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lunes, 12 de agosto de 2019

Schoeck - Venus (O'Neal - Popp - Lang - Skovhus) Venzago [FLAC]




"Venus" del compositor y director austriaco Othmar Schoeck, es una ópera en tres actos, con libreto de Armin Rueger, inspirado en "La Venus d'Ille" de Prosper Merimée. Tuvo su estreno el 10 de mayo de 1922 en la Ópera de Zurich.

Schoeck nació el 1 de Septiembre de 1886 en Brunnen, cerca de Lucerna. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio de Zurich y entre 1907-1908, fue pupilo de Max Reger en el Conservatorio de Leipzig. A pesar de esta breve estancia, su carrera estuvo firmemente ligada a su patria.

La figura de Schoeck es reconocida principalmente por su producción de canciones, si bien su trabajo en el genero de la ópera logró también puntos de interés en títulos como "Das Wandbild" (con textos de Ferrucio Busoni) y "Penthesilea", estrenada en 1927 en la Semperoper de Dresden y revivida en el Festival de Lucerna en 1999.

Schoeck fue un hombre de relaciones complicadas. En 1916 conoció a Ferrucio Busoni, quien se había mudado desde Berlín para huir de la guerra. La presencia del músico italiano en la ciudad le permitió a Schoeck entrar en contacto con la vanguardia musical de su tiempo y moldear así su estilo de composición. La relación entre ambos produjo "Das Wandbild", una de las creaciones mas inusuales del compositor.

En 1918 conoció a la pianista Mary de Senger, e inició una turbulenta relación que duró por lo menos hasta 1923, con peleas, reconciliaciones y depresiones de por medio. La figura de de Senger es fundamental en la producción de su ciclo de canciones "Elegie" y en el cambio estilístico en su música, que se evidencia también en las técnicas de composición que utiliza en "Venus", con un guiño a la bitonalidad y una complejidad rítmica que deja entrever un acercamiento a la obra de Alban Berg.

Esta grabación se realizó para conmemorar los 70 años del estreno de la ópera. El elenco está encabezado por Peter Lang, quien logra encontrar la fuerza necesaria para delinear a Horace y salir airoso de las facetas mas heroicas de la parte, un ejemplo claro es la incandescente escena final, donde la orquesta no muestra misericordia alguna con el cantante.  A su lado, Lucia Popp crea una Simone de brillante timbre y gran variedad expresiva, si bien su personaje no alcanza el protagonismos de los roles masculinos. El resto de los personajes están todos hábilmente creados, sobresaliendo Frieder Lang con un colorido Barón.

La grabación se realizó en la Kirche Albisrieden en Zürich, durante los días 26 y 27 de Agosto de 1991.



Frieder Lang (Baron de Zarandelle)
James O'Neal (Horace, Sobrino del Baron)
Lucia Popp (Simone, Esposa de Horace)
Hedwig Fassbender (Madre de Simone)
Boje Skovhus (Raimond, Primo de Simone)
Zsuzsa Alföldi (Lucile, Amiga de Simone)

Kammerchor Heidelberg
Knabenkantorei Basel
Philharmonische Werkstatt Schweiz
Mario Venzago (Conductor)

Musikszene Schweiz
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sábado, 27 de julio de 2019

Gluck - Orfeo ed Euridice (Lipovšek - Popp - Kaufmann) Hager [FLAC]




En un caso bastante similar al anterior post de "Der Zarewitsch", esta grabación del "Orfeo" de Gluck (descatalogada hace mas de 20 años) la busqué por cielo, mar y tierra y fue imposible localizarla en internet, por lo que siguiendo mi costumbre de "váyanse a la mierda, me la compro", la encontré finalmente en manos de un coleccionista alemán, sellada y sin uso. El booklet tiene algunos signos de haber estado guardado demasiado tiempo pero ambos discos están impecables.

Existen por lo menos 3 versiones de la ópera de Gluck. La primera data de 1762 y fue escenificada en Viena con Gaetano Guadagni en el rol principal. En 1769 el compositor arregló una versión en italiano y con un castrato soprano, Giuseppe Millico, que se estrenó en Parma. Finalmente llegó a Francia, traducida a "Orpheé et Eurydice", en una versión severamente revisada, adaptada al diapasón y al gusto francés el 2 de agosto de 1774, esta vez con un haute-contre, Joseph Legros, en el rol protagónico.

En 1859, Hector Berlioz revisó la ópera y la adaptó para la voz de Pauline Viardot. Berlioz trabajó con la partitura de Gluck como base pero re-orquestó y traspuso casi todo el material al gusto romántico de la época. Mucha de la popularidad de este título se lo debemos precisamente a la versión de Berlioz pero no se puede considerar a esta como una versión más de la ópera de Gluck.

La presente grabación usa la versión original de 1762 y está encabezada por el Orfeo de Marjana Lipovšek, quien se acomoda con bastante facilidad a la tessitura grave de su parte. Si bien se la oye siempre atenta al texto, se echa de menos una mayor profundidad y mayor variedad de emociones en su lectura. Lucia Popp canta la breve parte de Euridice con la musicalidad, el timbre redondo y el encanto de siempre. Por su parte Julie Kaufmann crea un Amor que no llega a molestar pero al que claramente le falta carácter y urgencia.

No podríamos llamar a este Orfeo como un indispensable de la discografía de la ópera de Gluck ni tampoco un imperdible de la discografía de la Popp, pero ciertamente es una rareza que vale la pena escuchar.

Parte del material musical de este "Orfeo" perteneciente a la Popp, ya había sido editado por Eurodisc en un disco compilatorio titulado "Recital" (no eran precisamente originales con los títulos) publicado en 1989 y que aún se puede conseguir en algunos blog.

La grabación se realizó en los estudios de la Radiodifusión Bávara en Munich, entre los días 7 y 14 de Noviembre de 1986. La presente edición fue publicada en 1987 por Ariola-Eurodisc.


Marjana Lipovšek (Orfeo)
Lucia Popp (Euridice)
Julie Kaufmann (Amore)

Chor des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester
Leopold Hager (Conductor)

Eurodisc
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martes, 16 de julio de 2019

Lehár - Der Zarewitsch (Popp - Kollo - Höbarth - Orth - Rebroff) Wallberg [FLAC]




Esta versión de "El Zarévich" de Franz Lehár (actualmente descatalogada) ha sido uno de los discos que mas trabajo me costó encontrar en mi búsqueda de la discografía de Lucia Popp. Alguna vez pasó por mis manos en la biblioteca de una Universidad y no le presté demasiada atención, cuando finalmente caí en cuenta lo imposible que era encontrarla en internet, decidí tomar el toro por las astas y comprarla a un coleccionista por ebay.

"Der Zarewitsch" es una operetta en tres actos de Franz Lehár con libreto de Heinz Reichert y Béla Jenbach basado en la obra homónima de la autora polaca Gabriela Zapolska. Lehár compuso la obra para lucimiento de Richard Tauber, el famoso tenor austriaco, rey indiscutido de la operetta. Se estrenó en el Deutsches Künstlertheater de Berlín el 21 de febrero de 1927, con Tauber y Rita Georg en los papeles principales.

El argumento está basado (de manera muuuy libre) en una historia real: el exilio auto impuesto del hijo de Pedro el Grande, el Zarévich Alexei Petrovich, quién logró eludir las ordenes de su padre de seguir la carrera militar o convertirse en monje, al huir hacia Viena acompañado de su sirvienta y amante finlandesa, Afrosinya Fedorova, quien iba disfrazada de paje. La pareja logró establecerse en Nápoles, en el Castel Sant'Elmo, donde finalmente el Zarévich aceptó volver a Rusia, gracias a la insistencia del Conde Pedro Tolstoi y bajo la condición que su padre no lo castigaría. Eventualmente el Zar inició un proceso de investigación para aclarar la huida de su hijo, que termino con la mayoría de sus amistades sometidas a juicio y muchos de ellos condenados a muerte. Incluso la madre de Alexei, la Zarina Eudoxia Lopukhina, quien por entonces se encontraba recluida en un convento, fue involucrada en lo que Pedro el Grande creía una conspiración para derrocarlo. Alexei fue encarcelado y se inició un proceso en el que se obligó a Afronsinya a declarar en su contra y a presentar toda clase de pruebas para inculparlo. Como golpe de gracia se la obligó a enfrentar a Alexei en presencia del Zar y firmar una confesión donde declaraba que el Zarévich tenía planes para derrocar al Zar. Finalmente el Senado Ruso condenó a muerte al Zarévich, culpándolo de traición pero Alexei falleció antes de que se llevara a cabo la sentencia, producto del encarcelamiento y las torturas a las que fue sometido.

El libreto de Heinz Reichert difiere en varios puntos con la vida real de Alexei. El libretista cambió el nombre y la identidad de Afrosinya y creó el personaje de Sonja. quien hace su entrada en escena disfrazada de bailarín circasiano, así cuando el Zarévich huye con Sonja, él cree que se trata de un hombre, abriendo así una arista argumental que Richard Traubner, indiscutido experto en Operetta, llamaba una "emoción homosexual subyacente". Con el pasar de los compases, el Zarévich descubre que Sonja es en realidad una mujer disfrazada de hombre y se enamora de ella. La segunda y mas notable diferencia con la vida real de Alexei es que el final no es trágico ni termina con la muerte de éste... pero tampoco es feliz: el Zarévich descubre que su padre ha muerto y comprende que su relación con Sonja no puede continuar pues ahora él es el nuevo Zar y decide volver a Rusia, dejando a Sonja en Nápoles.

El reparto de esta grabación está encabezado por René Kollo en el rol protagonista, por ese entonces en lo mas alto de su popularidad. Si bien la variedad de expresión es amplia, la voz ya muestra muchos signos de desgaste, tanto en el timbre árido como en la dureza de la emisión y una paleta de colores algo reducida. Por otro lado, y a pesar de ser solo dos años menor que Kollo, la Popp no muestra signos de desgaste y aun mantiene el brillo en la emisión y la elasticidad en la fonación, logrando gran variedad de matices de color y dinámica. La expresión esta servida a la altura acostumbrada, ayudada por el estupendo manejo del estilo y musicalidad. El resto del reparto lo completan Ivan Rebroff como un colorido Gran Duque, el estupendo Norberth Orth como un Iwan de gran vocalidad y Elfriede Höbarth sacando lo mejor de Mascha. Wallberg dirige con el brío acostumbrado.

La grabación se realizó en los estudios de la Radiodifusión Bávara en Munich, durante el mes de diciembre de 1980. La presente edición fue publicada en 1984 por Ariola-Eurodisc.



Lucia Popp (Sonja)
René Kollo (Der Zarewitsch)
Norbeth Orth (Iwan, der Leiblakei)
Elfriede Höbarth (Mascha)
Ivan Rebroff (Der Grossfürst)
Günther Sauer (Der Ministerpräsident)

Chor des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester
Heinz Wallberg (Conductor)

Eurodisc
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jueves, 11 de julio de 2019

Weinberger - Schwanda Der Dudelsackpfeifer (Prey - Popp - Jerusalem - Nimsgern) Wallberg [FLAC]




"Švanda Dudák" o "Schwanda el Gaitero" de Jaromir Weinberger es una ópera en dos actos con libreto de Miloš Kareš, basada en "El gaitero de Strakonice" de Josef Kajetán Tyl. Se estrenó en el Teatro Nacional de Praga el 27 de abril de 1927. En su versión alemana, se estrenó traducida por Max Brod ya bajo el titulo de "Schwanda der Dudelsackpfeifer" en Breslau, el 16 de diciembre de 1928.

Gracias a la traducción alemana, la ópera se convirtió rápidamente en un fenómeno de popularidad durante la década del '30, llegando a completar mas de 2000 funciones durante ese periodo. Fuera del mundo alemán, la ópera se presentó en Ljubljana (1929), Riga (1930), Sofía (1931), Metropolitan de New York (1931) y Covent Garden de Londres (1934). En su momento de mayor popularidad llegó a ser traducida hasta 17 diferentes idiomas.

Nacido en Praga, en 1896, en el seno de una familia judía, Jaromir Weinberger comenzó sus estudios primero de manera autodidacta (tocaba el piano a los 5 y comenzó a componer a los 10) para posteriormente iniciar estudios de Composición y Dirección con Václav Talich y Rudolf Karel en Praga y con Max Reger en Leipzig. Entre 1922-26 se estableció en Estados Unidos para dictar clases de composición en el Conservatorio de Ithaca. Regresó luego a Checoslovaquia, donde fue designado Director de la Opera Nacional de Bratislava.

Con el ascenso de los Nazis al poder, su obra fue censurada y el compositor terminó por huir hacia Estados Unidos en 1939. Se instaló en New York donde comenzó a dictar clases. Durante la década del '50 se mudó a Florida. En años posteriores padeció de cáncer cerebral, lo que sumado a los problemas económicos y, muy posiblemente, la falta de reconocimiento artístico, le llevo a tomar una sobredosis de sedantes que le provocaron la muerte en Agosto de 1967.

En su momento de mayor popularidad, el compositor llegó a estrenar en Berlín, el 19 de Enero de 1933, su operetta "Frühlingsstürme" con un elenco que incluía a Richard Tauber y Jarmila Novotná. Sin embargo en marzo del mismo año la producción fue censurada por el Partido Nazi.

Weinberger compuso mas de 100 obras, incluyendo operas, operettas, obras corales y música orquestal. Sin embargo ninguna de estas logró alcanzar la popularidad lograda por Schwanda.

En años mas reciente ha surgido cierto interés en revivir la obra del compositor: en Septiembre próximo la Komische Oper de Berlín presentará una nueva producción de Schwanda y la Opera Nacional de Praga hará lo propio en Mayo de 2020.

Esta versión dirigida por Heinz Wallberg usa la traducción alemana de Max Brod y es la primera grabación de estudio de la ópera.

El elenco está encabezado por el encantador y colorido protagonista de Hermann Prey, secundado estupendamente por Siegfried Jerusalem como Babinsky, aun en buenas condiciones vocales y de sobradas dotes interpretativas. Lucia Popp se enfrenta en Dorota a un rol escrito originalmente para una soprano spinto pero logra salir adelante sin deformar su instrumento y apelando siempre a lo mejor de su canto: la brillantez de la emisión, el legato y la expresividad. Completan el elenco estelar Siegmund Nimsgern como El Diablo y Gwendolyn Killebrew como La Reina. Heinz Wallberg dirige con el nervio y lirismo acostumbrado. Sobresale también la actuación del coro, todos estupendamente captados por la ingeniera alemana de la época.

La grabación se realizó en el Concert Hall de la Radiodifusión Bávara en Febrero de 1979 y Abril de 1980. Fue editada en 1984 al formato digital y pasó varios años fuera del catalogo activo hasta que Sony Classical la volvió a editar en Octubre de 2017 en la presente edición.


Hermann Prey (Schwanda)
Lucia Popp (Dorota)
Siegfried Jerusalem (Babinksy)
Gwendolyn Killebrew (La Reina)
Siegfried Nimsgern (El Diablo)
Alexander Malta (El Mago)
Karl Kreile (El Juez)
Albert Gassner (El Verdugo)
Heinrich Weber (El Espíritu Familiar)
Georg Baumgartner (Capitán de la Guardia del Infierno)

Chors des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester
Heinz Wallberg (Conductor)

Sony Classical 
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sábado, 6 de julio de 2019

Tchaikovsky - Pique Dame (Gougaloff - Vishnevskaya - Resnik - Weikl - Schwarz - Iordăchescu - Popp) Rostropovich [FLAC]




Esta grabación de "La Dama de Picas" de Tchaikovsky es un caso bastante extraño para comentar. Probablemente es la referencia de muchos a la hora de elegir una grabación de la obra pero hay que tener en cuenta que si bien el resultado final es intenso y musicalmente refinado, la pareja de protagonistas presenta bastantes problemas a la hora de la apreciación final.

La Vishnevskaya estaba ya en su última etapa artística para cuando se realizó la grabación. El personaje de Lisa estuvo siempre en su lista de grandes creaciones escénicas pero por los problemas políticos, la grabación comercial llega demasiado tarde en su carrera. La soprano ya bordeaba los 51 años cuando se grabó la ópera y en ningún momento se la oye cómoda en la emisión, ni fresca, ni muchos menos joven. Por otro lado la interpretación es vívida y comprometida. A su lado Peter Gougaloff crea un German demasiado elemental en la expresión y la musicalidad. Si bien la voz es poderosa y directa, es incapaz de ejecutar cualquier matiz.

El resto del elenco es estupendo. Bernd Weikl crea un inteligente y expresivo Principe Yeletsky, Hanna Schwarz hace lo propio como Polina. Un punto flojo se puede oír en el desempeño de Dan Iordăchescu como Tomsky, bastante tosco y elemental pero la verdadera revelación llega con la Condesa de Regina Resnik, quien realiza un trabajo de antología tanto en la contundencia del canto como en lo electrizante de la caracterización. Su aparición ante German, ya como fantasma, con la voz sin vida y el tono sepulcral que logra imprimir a toda la escena, es un efecto que muchas otras han tratado de imitar sin llegar al mismo nivel. Simplemente se roba el show.

Lucia Popp aparece brevemente en la Pastoral del baile de Máscaras del Segundo Acto, interpretando a Prilepa, en estupendo estado vocal y con la musicalidad acostumbrada.

La grabación se realizó entre Diciembre de 1976 y Enero de 1977 en los estudios de Radio France en París.


Peter Gougaloff (German)
Galina Vishnevskaya (Lisa)
Dan Iordăchescu (Conde Tomsky)
Regina Resnik (Condesa)
Bernd Weikl (Principe Yeletsky)
Hanna Schwarz (Polina)
Fausto Tenzi (Chekalinsky)
Dimiter Petkov (Surin)
Heinz Kruse (Chaplitsky / Mayordomo)
Rudolf Alexander Sutey (Narumov)
Eva Dobrowska (Gobernanta)
Christine Mitlehner (Masha)

Intermezzo:
Lucia Popp (Prilepa/Chloë)
Hanna Schwarz (Milovzor/Daphnis)
Dan Iordachescu (Zlatogor/Plutus)

Choeur Tchaikovsky
Maitrise de Radio France
Orchestre National de France
Mstislav Rostropovich (Conductor)

Deutsche Grammophon
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