jueves, 30 de julio de 2020

Massenet - Thaïs (Moffo - Bacquier - Carreras - Diaz) Rudel [Flac Hi-Res]



Esta grabación de "Thaïs" fue la primera toma completa de la obra de Massenet. En 1961 se había publicado una grabación encabezada por Renée Doria y Robert Massard que incurría en varios cortes (incluido el ballet) por lo que la llegada de esta grabación estelar fue recibida con bastante entusiasmo al momento de ser anunciada por la RCA.

En el papel, tenía todos los elementos necesarios para haberse convertido en la grabación de referencia pero el estado vocal de la soprano sorprendió a varios y terminó causando mas controversia que verdadero éxito. El escándalo además estuvo adornado por un elemento extra musical que sirvió de caldo de cultivo para los chismes mas sabrosos de la época: En 1972 La Moffo se había divorciado de su primer marido, el director italiano Mario Lanfranchi y en Noviembre de 1974 contrajo matrimonio con Robert Sarnoff, presidente de la RCA, es decir "el jefe" del sello discográfico.

El estado vocal de la Moffo fue suficiente para condenar a la grabación completa, pasando por alto el resto de factores a tomar en cuenta y que en la suma final la sigue colocando, a mi parecer, al tope de la lista. Es cierto que el estado vocal de la soprano deja bastante que desear pero en la comparación con otras Thaïs de la discografía, es la única capaz de entregar verdadera seducción vocal. A pesar de las limitaciones que le impone su instrumento erosionado por los años, el timbre voluptuoso y la amplia paleta de efectos de emisión, le permiten colorear el fraseo y componer el personaje de la cortesana con gran acierto, siempre desde una vocalidad sugerente y seductora. Por otro lado el desgaste del instrumento afecta la estabilidad de la afinación y en especial el paso a la voz de pecho que la soprano suple con una emisión cercana al susurro. Por otro lado, si bien los agudos extremos (Do-Re) siguen presentes, ya es una zona que le presenta grandes dificultades. En la comparación con su mas cercana competidora, Beverly Sills en la grabación producida por la EMI en 1976, hay que decir que la Sills sigue sonando mas urgente en el drama pero sin la seducción y la suavidad del timbre de la Moffo.

El resto del elenco es sencillamente brillante. Gabriel Bacquier bordeaba ya los 50 años cuando se realizó esta grabación pero mantiene la belleza y el esmalte de su hermoso timbre, sumado al factor teatral e interpretativo siempre presente en su arte. El personaje surge finamente delineado en toda la amplia gama de su fanatismo religioso conflictuado por su relación con la protagonista, ayudado además por lo exquisito del juego de la fonación en su idioma nativo. José Carreras está captado en la plenitud de la juventud (antes de los años de tránsito por el lado mas pesado del repertorio) y adorna a su ingrato personaje con grandes cuotas de belleza vocal.

Estupenda la batuta de Julius Rudel quién logra extraer el drama que en otras lecturas termina desdibujado por "culpa" de la hermosa orquestación de Massenet. Mención especial merece el proceso de remasterización que resalta el gran trabajo de ingeniería de sonido realizado por la RCA  en 1974.

La grabación se realizó en el Walthamstow Town Hall de Londres, durante los meses de Julio y Agosto de 1974.


Anna Moffo (Thäis)
Gabriel Bacquier (Athanaël)
José Carreras (Nicias)
Justino Diaz (Palémon)
Patricia Clark (Crobyle)
Antonia Butler (Myrtale)
Elizabeth Bainbridge (Albine)
Jessica Cash (La Charmeuse)

Ambrosian Opera Chorus
New Philharmonia Orchestra
Julius Rudel (Conductor)

Sony Classical
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domingo, 19 de julio de 2020

Rossini - Il Barbiere di Siviglia (Berganza - Alva - Prey - Dara) Abbado [Flac Hi-Res]




La Deutsche Grammophon reeditó en Mayo de 2018 esta verdadera joya de la discografía y momento pivote en la historia de la interpretación del repertorio rossiniano. La grabación fue la primera en emplear la partitura de la edición crítica de Alberto Zedda, quién realizó una exhaustiva investigación del material original, tanto del manuscrito del compositor como de la primera edición, considerando además otras fuentes posteriores. Publicado por Casa Ricordi en 1969 se lo puede considerar el momento de inicio de la "Rossini Renaissance" que al mismo tiempo de devolverle al repertorio rossiniano un lugar estelar dentro de la escena musical desde mediados de los años '70, significó también una importante revisión musicológica de toda la obra del compositor.

"Il barbiere di Siviglia" está basada en "Le Barbier de Séville" de Pierre Beaumarchais, la primera parte de una trilogía de obras del autor francés. El libreto para la ópera de Rossini fue escrito por Cesare Sterbini y tras un periodo de composición frenético, la obra se estrenó en el Teatro Argentina de Roma el 20 de febrero de 1816. Según los reportes de la época, el estreno fue todo un desastre, ayudado por la oposición de los adherentes del ya veterano Giovanni Paisiello, autor a su vez de una primera y exitosa adaptación estrenada en 1782. Al parecer las cosas funcionaron mejor en la segunda presentación y rápidamente la opera se convirtió en el mas grande y duradero éxito de la carrera de Rossini. Sobrevivió mejor que ningún otro titulo belcantista al paso del tiempo y sigue siendo considerada la mas grande opera buffa de todos los tiempos.

La historia de las presentaciones de la ópera es bastante complicada y esta llena de cambios, adiciones y cortes que con el correr de los años "ensuciaron" bastante tanto la música como el espíritu original de la obra, siendo quizás el mas notorio los cambios de tonalidad para transformar a Rosina en soprano ligera.

Los principales cambios se registraron ya en el revival de la ópera montado en agosto de 1816 en el Teatro Contavalli de Bologna. A pesar de que Rossini no estuvo involucrado en esta producción, se puede decir que todos los cortes y adiciones posteriores tuvieron como punto de partida a esta producción. Los cortes incluyen al aria del Conde "Se il mio nome", el aria de Rosina "Contro un cor" que fue reemplazada por "La mia pace, la mia calma" de autor desconocido. En este punto es necesario nombrar también cambios muy posteriores que usaban esta escena para insertar música de diferentes autores. La tradición y el cambio de Rosina en soprano ligera, permitió que nombres tan famosos como Adelina Patti introdujeran interpretaciones de "Il Bacio" de Arditi o  Marcella Sembrich se animara con "Frühlingsstimmen" de Johann Strauss.

Otro corte importante fue el que sufrió la escena final del Conde, "Cessa di più resistere", que en la producción de Bologna fue cantada también por Geltrude Righetti, la Rosina original. Al parecer a la Rigetti le gustaba tanto la pieza que Rossini terminó por reutilizar la sección final en "Non più mesta" de "La Cenerentola", creada también por ella. Los motivos de este corte pueden obedecer a varias razones. Quizás la principal sea la popularidad alcanzada por la inserción en "La Cenerentola" pero no podemos pasar por alto las tremendas exigencias técnicas que le impone al tenor y que la convirtieron en una pieza de virtuosismo que muy pocos se atrevieron a enfrentar.

También es necesario hacer notar que este corte es probablemente el mas perjudicial a la hora del balance general. La escena (que es bastante larga) de alguna manera transforma al Conde en el protagonista (en perjuicio de Figaro) y produce un desenlace mucho mas orgánico.

Producciones posteriores añadieron incluso mas material. En 1819 en el Teatro San Samuele de Venecia, Rosina fue interpretada por la soprano Joséphine Fedor y Rossini escribió para ella el aria "Ah se è ver che in tal momento" que muchas Rosinas-Soprano incluyeron durante años como parte de la obra original.

Además del trabajo de recuperación y "limpieza" del material original, Zedda también recurre a las fuentes para limpiar el texto de variaciones y añadiduras posteriores. Por otro lado el director también reconstruye las articulaciones, algunas inconsistencias rítmicas, restablece diferentes ornamentaciones aceptadas por Rossini y restituye finalmente las tonalidades originales.

El trabajo de recuperación a cargo de Alberto Zedda recurre al manuscrito original que contiene la mayor cantidad del material usado en el estreno de la obra, excepto la Sinfonia. Según algunas fuentes Rossini escribió una obertura que utilizaba diversos motivos españoles para el estreno de la ópera pero se perdió con el paso del tiempo. El trabajo de Zedda y los intentos posteriores han llegado a la conclusión que tal obertura nunca existió y que Rossini en realidad reutilizó la Sinfonía escrita para "Aureliano en Palmira" (1813) y reorquestada para "Elisabetta, regina d'Inghilterra" (1815). El principal argumento para sostener esto es que el manuscrito original del Barbero incluye la linea del contrabajo de la obertura usada en "Aureliano en Palmira".

La grabación de Abbado se ciñe de manera estricta al trabajo de limpieza comenzado por Zedda y logra ensamblar en gran medida el trabajo en su concepción original. El único ítem que sigue oculto es el aria final del Conde, "Cessa di più resistere", que ya había aparecido en disco en las versiones completas grabadas por Cesare Valletti (1958) y  Ugo Benelli (1964). Abbado opta por mantener el corte, a pesar de tener a su disposición el trabajo musicológico de Zedda, quizás por la dificultad que le significa a Luigi Alva.

El elenco está encabezado por el Figaro de Hermann Prey, bastante alejando de la italianidad y el estilo. Si bien su musicalidad cultivada le ayuda a salir adelante, hay que decir que los problemas de articulación en la coloratura y la falta de ligereza general de su emisión son grandes escollos que el barítono no logra superar. La Berganza registra aquí su segunda Rosina y repite los mismos niveles de excelencia musical y estilística que en la anterior toma bajo la batuta de Varviso (1964) pero el tiempo no pasa en vano y ya se oyen signos de desgaste en el extremo agudo del registro. Por su parte Luigi Alva graba aquí su quinto (!!) Almaviva de estudio. Si bien mantiene la dulzura del timbre, el manejo del estilo ya se resiente con algún amaneramiento y el canto ornamentado, si bien está resuelto de manera segura, ya se oye algo angustioso y sin la precisión que lograrían tenores posteriores. A pesar de los esfuerzos de Zedda por recuperar los cortes impuestos por la tradición, el tenor no se anima a grabar "Cessa di più resistere". Completan el reparto Enzo Dara y Paolo Montarsolo con el ingrediente idiomático necesario. Abbado dirige enérgicamente una Sinfónica de Londres al parecer reducida a proporciones de cámara pero que responde a gran altura en el tratamiento ligero, transparente y de gran precisión rítmica que el director le impone a la partitura.

La grabación se realizó en el Wattford Town Hall de Londres, durante el mes de septiembre de 1971.

Teresa Berganza (Rosina)
Luigi Alva (Il Conte d'Almaviva)
Hermann Prey (Figaro)
Enzo Dara (Bartolo)
Paolo Montarsolo (Basilio)
Renato Cesari (Fiorello)
Stefania Malagù (Berta)
Luigi Roni (Un ufficiale)

The Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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viernes, 3 de julio de 2020

Bernstein - West Side Story (Te Kanawa - Carreras - Troyanos - Ollman - Horne) Bernstein [Flac Hi-Res]



La linea divisoria entre la Opera y el Musical experimentó un cambio bastante importante durante la década del 80'. Sin olvidar la constante presencia de "Porgy and Bess", probablemente el puntapié inicial hay que buscarlo en "Sweeney Todd" de Stephen Sondheim. El musical del barbero de Fleet Street fue estrenado en Broadway en 1979 y durante 1984 rompió la linea divisoria recibiendo dos producciones en las compañías de la Houston Grand Opera y la New York City Opera. Es muy probable que el alcance de su éxito haya influido en los productores de la Deutsche Grammophon para planear esta grabación del musical de Leonard Bernstein.

La fórmula de esta grabación es bastante clara: recrear el musical pero con un elenco de estrellas operáticas del momento. La popularidad alcanzada por esta grabación de "West Side Story" dirigida (por primera vez) por su compositor, sumado al éxito de ventas llevó a las disqueras a tratar de repetir la fórmula y se planearon grabaciones de "South Pacific" nuevamente con la Te Kanawa y Carreras encabezando el elenco, "My Fair Lady" también con la Te Kanawa esta vez acompañada por Jerry Hadley y Jeremy Irons. "Carrousel" con Samuel Ramey, Sarah Brightman, David Rendall y Maureen Forrester y "Show Boat" con Frederica von Stade, Jerry Hadley y Teresa Stratas. Una seguidilla de intentos nada despreciables y hoy por hoy algo olvidados.

El proyecto tuvo varios cambios de fecha y de elenco que se realizaron al parecer a mitad de camino y que terminaron por caldear bastante los ánimos. Les recomiendo vean el documental de la grabación que testimonia el choque entre Bernstein y Carreras, disponible en YouTube. Al parecer la única que estuvo considerada desde un comienzo fue Kiri Te Kanawa en el rol de María, Carreras se unió a última hora y reemplazó a dos tenores anteriores que fueron removidos del elenco. La Troyanos entró en reemplazo de Marilyn Horne, la Anita original pensada para esta grabación. La misma contralto terminó reemplazando a Jessye Norman, quién estaba prevista para cantar "Somewhere".

Bernstein dirige su partitura por primera vez completa y sin los agregados que se hicieron para la adaptación cinematográfica de 1961 y que no fueron escritos por él. Los tempi son un poco mas lentos que los usados para el Soundtrack pero la respuesta de la orquesta está a gran altura. Se agradece el cuidado que pusieron los ingenieros en captar el hermoso sonido que el director/compositor logra extraer de sus instrumentistas y se entiende también la decisión de usar cantantes que puedan proyectar sus voces por encima de este entramado musical tan bellamente construido.

La Te Kanawa entrega hermosos sonidos pero con una dicción que pretende sonar a puertoriqueña sin mucho éxito. Por otro lado en ningún momento suena juvenil. La tessitura del personaje la deja expuesta a entregar muchas veces sonidos con evidente escape de aire y una caracterización algo aburrida. A su lado José Carreras está captado en un momento de gran empuje y belleza vocal pero el fuerte acento español se cuela en su inglés que, según lo que dicta su personaje, debiese ser el mas puramente norteamericano. No es el caso en esta grabación y es un factor decepcionante, teniendo en cuenta el contexto de la historia que se pretende contar, en donde el choque cultural entre un norteamericano enamorado de una chica puertoriqueña es la base sobre que se desarrolla el drama. De todas maneras se nota que el español trabajó duro para librarse de su acento, incluso usando la "r" americana en su problemática versión de "María" (vean el documental...) pero con el paso de los minutos uno se hace mas consciente de los esfuerzos de Carreras mas que de sus logros en retratar a Tony.

El resto del elenco se completa con una convincente, estridente y frontal Anita a cargo de Tatiana Troyanos (nacida y criada en el West Side) y un estupendo Riff a cargo de Kurt Ollmann. Por su parte Marilyn Horne entrega una sentida y estupendamente cantada versión de "Somewhere".

La grabación se realizó en el RCA Studio en New York durante el mes de Septiembre de 1984. La remasterización fue publicada en 2017.


Kiri Te Kanawa (María)
José Carreras (Tony)
Tatiana Troyanos (Anita)
Kurt Ollmann (Riff)
Marilyn Horne (cantando "Somewhere")

Orchestra and Chorus
Leonard Bernstein (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | Cover + Digital Booklet

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