lunes, 28 de septiembre de 2020

Joseph Calleja - The Magic of Mantovani [HD 96kHz-24bit]

 



Este es un proyecto bastante personal llevado a cabo por Joseph Calleja a modo de homenaje por los 80 años del fallecimiento de Mantovani, el famoso musico italo-inglés creador del "cascading strings". El tenor maltés trabaja sobre la base de las grabaciones originales remasterizadas de Mantovani y las convierte en piezas vocales, respetando tanto el arreglo original como el espíritu liviano de este repertorio. 

Mantovani nació en Venecia en el seno de una familia de músicos. Su padre fue concertino de la Orquesta de La Scala y trabajó con todos los grandes directores de la época, incluido Arturo Toscanini. En 1912 la familia emigró a Inglaterra y Mantovani logró ganar una plaza en el prestigioso Trinity College of Music. Luego de graduarse, fundó su propia orquesta y para la época de la Segunda Guerra Mundial su agrupación ya era una de las más populares orquestas de baile, tanto en las transmisiones de la BBC como en conciertos en vivo.

Terminada la Guerra prefirió dedicarse a las grabaciones y abandonó los conciertos en vivo. Con la llegada de la década del '50, Mantovani comenzó a trabajar junto al compositor y arreglador Ronald Binge, con quién desarrolló el "Cascading Strings". Binge desarrolló la técnica para replicar la reverberación de algunas salas de conciertos de grandes proporciones como las Catedrales. Este efecto se convirtió en su marca de fábrica, llegando a ser conocido como el "Sonido Mantovani". Durante la década del '50 y '60 produjo una serie de discos muy exitosos que lo llevaron a convertirse en el segundo artista mejor vendido, después de "The Beatles". Su pieza icónica era "Charmaine" con la que logró posicionarse en el No. 1 del ranking Inglés y convertirse en el primer artista en lograr vender un millón de discos.

Calleja se mueve a la perfección por un repertorio que a todas luces se oye está muy cerca de su sensibilidad artística. No hay mucho que agregar sobre su despliegue vocal en un repertorio que esconde bastante bien sus falencias pero que logra sacar lo mejor de su instrumento. Bastante incomprensible la inclusión de Emily D'Angelo, joven mezzosoprano canadiense ganadora de Operalia 2018. No parece estar comprometida con lo que canta y el arreglo vocal para "Tonight" la obliga a cantar en la misma octava y al unísono (!) con el tenor. Incomprensible y desconcertante. Por otro lado Renée Fleming realiza una corta pero estelar aparición con "Somewhere".


Tracklist:

1.Charmaine
2. Edelweiss
3. Spanish Eyes
4. Bésame Mucho
5. Que Será, Será
6. Maria (From "West Side Story")
7. Somewhere (From "West Side Story") *
8. I Feel Pretty (From "West Side Story") **
9. Tonight (From "West Side Story") **
10. Cara Mia
11. Parla Più Piano (From "The Godfather")
12. Arrivederci Roma
13. Stranger In Paradise
14. Strangers In The Night
15. Moon River
16. You'll Never Walk Alone
17. Amazing Grace
18. Charmaine (Orchestral Version)
19. Spanish Eyes (Orchestral Version)
20. Strangers In The Night (Orchestral Version)

Joseph Calleja (Tenor)
Emily D'Angelo (Mezzosoprano) **
Renee Fleming (Soprano) *
Mantovani & His Orchestra

Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256kbps | Cover

* Envíenme un mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.

viernes, 25 de septiembre de 2020

Ermonela Jaho - Anima Rara [HD 44.1kHz-24bit]

 



Ermonela Jaho hace su debut discográfico con este recital producido por el sello Opera Rara y dedicado al repertorio verista. La soprano albanesa recurre a la figura de Rosina Storchio, famosa colega y primera interprete de varios títulos de la época verista para llevarnos por un viaje bastante disímil de las heroínas que alguna vez personificó la famosa soprano italiana.

El arte de la Jaho se sostiene mayormente sobre sus dotes de actriz y el enfoque teatral con el que logra adentrarse en la psicología de sus personajes. La faceta vocal en cambio es bastante discreta. Me atrevería a decir que con suerte logra cubrir el espectro de una soprano lírica. El timbre si bien es bello y natural, carece de personalidad. El color claro de su instrumento y la falta de densidad no son lo esperable en una soprano lírica. El agudo suena fácil pero en ningún momento libre, lleno o brillante. Por otro lado el paso a la voz de pecho es muy rudimentario y probablemente por este defecto técnico es que se produce un "hoyo" en el registro central con sonidos ingratos, vocales deformadas y una marcada tendencia al falsete, entendiéndose por "falsete" a los sonidos con un cierre cordal incompleto y por lo tanto sin brillo ni cuerpo. Un defecto con el que la soprano ha luchado toda su carrera. Les recomiendo mirarla por YouTube si les interesa profundizar en este problema.

El repertorio escogido se pasea por varios de los títulos que fueron creados por Rosina Storchio, la figura que supuestamente inspira a la Jaho en la elección del repertorio de este disco. La Storchio fue una favorita de los compositores de la Giovane Scuola, quienes le confiaron varios estrenos mundiales. La lista incluye a Mimí en "La Bohème" de Leoncavallo (1897),  "Zazá" de Leoncavallo (1900), "Siberia" de Giordano (1903), "Madama Butterfly" de Puccini (1904) y "Lodoletta" de Mascagni (1917). La Storchio era famosa también por su retrato de Violetta en "La Traviata". Fuera de las coincidencias de sensibilidad y repertorio entre las dos cantantes, hay que decir que la Jaho tiene muy pocas cualidades vocales para hacerle justicia al repertorio de la Giovane Scuola. El centro casi inexistente la pone siempre en aprietos pues esta literatura musical necesita de un uso muy generoso de la voz de pecho y la habilidad para transitar con facilidad entre el registro de cabeza y el de pecho, habilidad que la Jaho no posee. Cualquiera que quiera saber a qué me refiero les recomiendo escuchar estas mismas arias en la voz de alguna soprano lírica de referencia (Tebaldi, Freni, Muzio, Petrella...) para entender lo que es un registro central generoso y mórbido.


Tracklist:

1. Madama Butterfly: "Un bel dì vedremo"
2. La bohème: "Musette svaria sulla bocca viva"
3. Iris: "Un di, ero piccina"
4. Sapho: "Ces gens que je connais...Pendant un an je fus ta femme"
5. Mefistofele: "L'altra notte in fondo al mare"
6. Lodoletta: "Ah! Il suo nome!... Flammen perdonami..."
7. Manon: "Allons! Il le faut... Adieu, notre petite table"
8. Siberia: "No! Se un pensier... Nel suo amore rianimata"
9. La traviata: "Teneste la promessa... Addio, del passato"
10. L'amico Fritz: "Son pochi fiori"
11. La Wally: "Ebben? Ne andro lontana"
12. La bohème: "Mimi Pinson, la biondinetta"
13. Sapho: Prelude and "Demain je partirai"
14. Madama Butterfly: "Con onor muore... Tu? Tu? Piccolo Iddio"

Ermonela Jaho
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Andrea Battistoni (Conductor)

Opera Rara
Flac@44.1 kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

* Envíenme un mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.

jueves, 17 de septiembre de 2020

Jonas Kaufmann - Selige Stunde [HD 96kHz-24bit]

 


Este nuevo disco de Jonas Kaufmann mas que un recital parece ser una playlist de canciones favoritas tanto del tenor como de Helmut Deutsch. Si bien hay espacio para alguna que otra canción de amor, el ambiente general de la selección es de introspección y reflexión, muy propio de la crisis mundial en la que estamos sumergidos hoy por hoy.

Como lo explican en la entrevista del booklet, este recital fue grabado en "cuarteles privados" en Münich, luego que la crisis del Covid-19 obligara al cierre de todos los estudios de grabación. Quizás por eso hay una sensación de relajo e intimismo a lo largo de todo el disco, algo bastante inusual en este tipo de recitales.

El repertorio del Lied es a mi parecer donde el tenor se mueve con mayor comodidad y donde las limitaciones vocales parecen pasar desapercibidas. Kaufmann es un cantante extremadamente profesional, de una musicalidad muy cultivada y que cuida en extremo tanto la pronunciación como el apego a la partitura y este repertorio se ajusta como un guante a su sensibilidad artística. Si bien los defectos usuales como el engolamiento constante, los sonidos roncos en el centro y su manía por los sonidos en matiz piano carentes de proyección y brillo siguen presentes a lo largo de todo el disco.

Las sesiones de grabación se realizaron en Münich, ente el 16 y 19 de Abril de 2020.


Tracklist:

1. Der Musensohn, D. 764
2. Adelaide, Op. 46
3. Ich liebe dich, WoO 123
4. Ännchen von Tharau
5. Auf Flügeln des Gesanges, Op. 34, No. 2
6. Ich liebe dich
7. Es muss ein Wunderbares sein, S. 314
8. Widmung, Op. 25, No. 1
9. Der Jüngling an der Quelle, D. 300
10. Still wie die Nacht
11. Zueignung, Op. 10, No. 1
12. Selige Stunde, Op. 10, No. 2
13. In mir klingt ein Lied
14. Verschwiegene Liebe
15. Als die alte Mutter, Op. 55, No. 4
16. Allerseelen, Op. 10, No. 8
17. Da unten im Tale, WoO 33, No. 6
18. Nur wer die Sehnsucht kennt
19. Das Veilchen, K. 476
20. Sehnsucht nach dem Frühling, K. 596
21. Gruß, Op. 19, No. 5
22. Die Forelle, D. 550
23. Mondnacht, Op. 39, No. 5
24. Wiegenlied, Op. 49, No. 4
25. Wandrers Nachtlied II, D. 768
26. Verborgenheit
27. Ich bin der Welt abhanden gekommen

Jonas Kaufmann (Tenore)
Helmut Deutsch (Piano)

Sony Classical
Flac@96kHz-24bit | m4a@256kbps | Cover + Digital Booklet

* Envíenme un mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.

sábado, 12 de septiembre de 2020

Wagner - Tannhäuser (Kollo - Dernesch - Ludwig - Braun - Sotin) Solti [HD 96kHz-24bit]

 



Dieciséis años después del estreno de "Tannhäuser" en Dresden, Richard Wagner emprendió una revisión de la obra para adaptarla en su estreno parisino, tratando de cumplir con las demandas que imponía la tradición de la Opera de París. La premiere fue una debacle de grandes proporciones y sepultó para siempre el sueño y ambición del compositor de triunfar en la capital francesa y convertirse con ello en la figura operática dominante de la época.

La razón del fracaso permanece aun como materia de discusión. Es probable que las protestas que surgieron durante el estreno estuviesen dirigidas hacia la impopular figura de Pauline Metternich, famosa socialité de la época, gestora del proyecto, mecenas de Richard Wagner y esposa del embajador austriaco en la corte de Napoleon III. También se cree que la decisión del compositor de insertar la pieza obligatoria de ballet en el primer acto, después de la obertura, y no en el segundo como era tradición, haya molestado al influyente Jockey Club, cuyos aristocráticos miembros tenían por costumbre llegar al teatro durante el acto segundo, después de la cena para poder apreciar al cuerpo de ballet. Al parecer ya para la tercera noche de representación se podían conseguir silbatos de perro en las afueras del teatro. Las protestas fueron tan bulliciosas que obligaron al compositor a retirar la obra del teatro y olvidarse de sus sueños de triunfo.

Los cambios musicales introducidos por Wagner en esta nueva versión van desde ampliaciones en la obertura que da paso a la bacanal en el Venusberg, donde se introdujo el ballet, pasando por otra notoria ampliación del rol de Venus en el acto primero como también su aparición casi al finalizar la ópera. Wagner también reescribió la tessitura del personaje para acomodarla a las posibilidades vocales de Fortunata Tedesco, mas mezzo que Wilhelmine Schröder-Devrient, la Venus original. También se deben mencionar algunos cortes orquestales en el acto III como también la supresión del aria de Walter en el acto II.

Esta grabación es un puntal absoluto de la discografía de "Tannhauser" y fue registrada en circunstancias bastante especiales en lo que se refiere al uso de nuevas técnicas de grabación. Desde fines de la década del '60, se venía desarrollando la técnica del Quadraphonic Sound, un sistema de grabación en 4 canales que requería a su vez un sistema de reproducción con cuatro parlantes posicionados alrededor del oyente. El sistema fue el equivalente de lo que hoy conocemos como Surround pero los problemas de incompatibilidad de formatos, el costo de los equipos de reproducción y el costo de las grabaciones terminaron por condenarlo al olvido.

Los primeros sellos en experimentar con la nueva técnica fueron las casas norteamericanas, con CBS y RCA a la cabeza. Decca se mantuvo al margen durante una primera etapa pero pronto comenzaron los preparativos para producir grabaciones en "Quad" de alta fidelidad. Las primeras pruebas exitosas ocurrieron en el otoño de 1969 en los Hampstead Studios. Las segundas, durante el otoño de 1970 en la Sofiensaal de Viena. De esas sesiones de grabación surgió este "Tannhäuser".

De la serie de grabaciones de Georg Solti (Aida, Tristan, Elektra, Salomé) que Decca publicó desde 2017, esta fue la primera en ser presentada en una mezcla de 5.1 probablemente con la idea de recrear la mezcla original en Quad. Esta decisión que ha causado bastante polémica se justifica teniendo en cuenta que el 5.1 es el estándar actual de presentación en multi canal y en los deseos del sello por recrear de alguna manera la mezcla Quad original. 

Polémicas a parte hay que decir que el nuevo traspaso suena espectacular. Desaparecen las estridencias de los traspasos anteriores y la sensación extra de espacio entre las diferentes secciones orquestales ayuda a presentar con claridad (por fin!) los efectos de sonido que se usaron para recrear los diferentes planos sonoros, en especial las diferentes apariciones de los peregrinos y también la de Venus al final de la ópera. Hay una cuota extra de calidez que ayuda mucho en la apreciación general del sonido orquestal y muy especialmente en la voz del protagonista.

En términos netamente musicales los grandes atractivos de esta versión es la presentación de la "versión de París" en la batuta rimbombante y colorida de Georg Solti y la presencia de la magnífica Venus de Christa Ludwig, absolutamente perfecta en el rol ya sea por el tono voluptuoso, la comprensión del personaje o la facilidad en la emisión de los agudos. La inclusión de los Niños Cantores de Viena entre el grupo de peregrinos me parece fantástica y le agrega una variedad de color que otras versiones no tienen.

René Kollo es un elemento controvertido, ciertamente no tiene un instrumento que se pueda catalogar de bello pues hay muchas estridencias y sonidos ingratos pero por otro lado la nueva remasterización parece redondearle el timbre y la angulosidad de la emisión. Hay que decir que es un interprete excepcional y dota a su Tannhäuser de todas las emociones esperables. Helga Dernesch parece jugar en la misma linea, pero sus defectos se vuelven algo insoportables cuando tiene que cantar la hermosa música que el compositor le confió a su rol. La voz es metálica, de un vibrato rápido y algo tenso en toda la extensión, se echa de menos una voz mas libre, algo mas redonda y de un centro mas generoso. El Wolfram de Victor Braun tiene la sensibilidad esperable pero el timbre monocorde y el vibrato rápido terminan por empañar el producto final. El resto del reparto es bastante correcto y homogéneo.

La grabación se realizó durante el mes de octubre de 1970 en la Sofiensaal de Viena. La remasterización estuvo a cargo de Paschal Byrne y fue publicada en 2018.


René Kollo (Tannhäuser)
Helga Dernesch (Elisabeth)
Christa Ludwig (Venus)
Victor Braun (Wolfram von Eschenbach)
Hans Sotin (Hermann, Landgraf von Thüringen)
Werner Hollweg (Walter von der Vogelweide)
Kurt Equiluz (Heinrich der Schreiber)
Manfred Jungwirth (Biterolf)
Norman Bailey (Reinmar von Zweter)

Wiener Staatsopernchor
Wiener Sängerknaben
Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)
 
Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256 kbps | Cover + Digital Booklet
 
HD 96kHz-24bit: Part I    Part II
 
iTunes AAC M4A: DESCARGAR

viernes, 28 de agosto de 2020

Wagner - Tristan und Isolde (Windgassen - Nilsson - Ludwig - Wächter - Talvela) Böhm [96kHz-24bit]

 


Esta grabación semi en vivo  registrada en el escenario del Festival de Bayreuth durante tres noches consecutivas en 1966, se convirtió en un clásico instantáneo desde el momento de su publicación y se encuentra firmemente posicionada aun dentro del catalogo de las grabaciones fundamentales de la obra wagneriana.

El elenco de ensueño está encabezado por el protagonista de Wolfgang Windgassen que ya bordeaba los 52 años cuando se realizó el proyecto. Si bien el timbre lírico de su voz no es lo que se espera de Tristan se agradece la belleza del tono, el fraseo cuidado y el entendimiento de un personaje que el tenor nunca llegó a grabar en disco a pesar de ser uno de sus caballitos de batalla. A su lado la Nilsson compone un retrato lleno de enjundia vocal y ya totalmente dentro de la psicología del personaje que en su primera grabación de estudio (Solti, 1961) solamente aparecía a ratos. 

El resto del cast está dominado por la opulencia de la Ludwig, quién aprendió el rol especialmente para la grabación y la densidad vocal de Talvela, quien logra componer un Marke de gran envergadura y presencia. Por su parte Wächter canta con la expresividad acostumbrada y ademas contamos con dos lujos extras en el junger Seeman de Peter Schreier y el Steuermann de Gerd Nienstedt.

Böhm tiene quizás los tempi mas rápidos de todas las grabaciones, a momentos uno esperaría que la batuta le diera mas espacio a los momentos poéticos de la partitura pero son notables el dramatismo y el arco construido desde los primeros compases del Vorspiel hasta los últimos momentos del Liebestod. 

El trabajo de sonido es estupendo y algo controvertido pues al parecer no estamos en presencia de una nueva remasterización pero la posibilidad de oír la toma sin compresión y a 96kHz/24bit le agrega una sensación de espacio y mayor densidad al sonido que yo por lo menos nunca oí en los traspasos anteriores. Les recomiendo oírla con un buen set de parlantes y poner mucha atención al Liebestod donde Böhm sumerge a la Nilsson en la masa orquestal, dándole la posibilidad de mostrar toda la grandeza de su instrumento. Se incluye además un extracto de los ensayos de casi 30 minutos de duración.


Birgit Nilsson (Isolde)
Wolfgang Windgassen (Tristan)
Christa Ludwig (Brangäne)
Martti Talvela (König Marke)
Eberhard Wächter (Kurwenal)
Claude Heater (Melot)
Erwin Wohlfahrt (Ein Hirt)
Gerd Nienstedt (Ein Steuermann)
Peter Schreier (Ein junger Seeman)

Chor und Orchester der Bayreuther Festspiele
Karl Böhm (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | m4a@256 kbps | Cover

HD 96kHz-24bit: Part I    Part II

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

domingo, 23 de agosto de 2020

Wagner - Der Fliegende Holländer (Adam - Silja - Talvela - Unger) Klemperer [HD 96kHz-24bit]

 



El 19 de noviembre de 1927 Otto Klemperer dio por inaugurado su mandato en la Kroll-Oper de Berlín con una presentación de "Fidelio" de Beethoven, abriendo así un intenso capítulo de la vida artística del Berlín de aquellos años. El teatro había sido inaugurado en 1924 como una segunda rama de la Opera Estatal de Berlín pero con la llegada de Klemperer, la compañía se separó de su casa matriz y se convirtió en una completamente independiente. La nueva compañía se puso rápidamente a la vanguardia de la vida musical de la ciudad y bajo la dirección de Klemperer se produjeron los estrenos de "Neues vom Tage" de Paul Hindemith y "Begleitmusik zu einer Lichtspielszene" de Arnold Schoenberg. Además supo rodearse de colaboradores tan famosos como Alexander von Zemlinsky, Gustaf Gründgens, Caspar Naher, László Moholy-Nagy, Teo Otto, Oskar Schlemmer y Giorgio de Chirico. Mientras que la elección del elenco estaba a cargo del profesor Frederick Husler, reputado académico de canto de la época.

La Kroll fue el epítome del clima operático de la República de Weimar. Su radicalismo se manifestaba en dos frentes: primero, estableció un repertorio en el que la música contemporánea jugaba un papel vital y segundo, se convirtió en una plataforma para la colaboración entre algunos de los mas prominentes artistas avant-garde de todas las artes. Fue así que el enfoque "moderno" de sus puestas en escena del repertorio tradicional como también el estreno de obras contemporáneas provocaron gran animadversión al interior del naciente movimiento Nazi. 

La producción que provocó la mayor hostilidad entre los Nazis fue precisamente una puesta en escena de "El holandés errante" escenificada por Jürgen Fehling, diseñada por Ewald Dühlberg y dirigida por Otto Klemperer en 1928. Fue tal el repudio que provocó al interior del partido que diez años mas tarde fue elegida para presentarse en la muestra de "Arte Degenerado" montada en Düsseldorf  por los Nazis, como muestra de todo lo que el partido consideraba errado en las artes.

Coincidentemente esta grabación de "El holandés errante" es la única opera completa de Wagner grabada por Otto Klemperer a lo largo de toda su carrera discográfica, se acerca a la partitura desde un enfoque sinfónico quizás sin la urgencia de otras versiones que privilegian los tempi mas rápidos y una visión mas dinámica de la partitura. Klemperer en cambio se mantiene fiel a ses velocidades mas lentas y logra justificarlas gracias a la manera en que es capaz de sostener las lineas y enfatizar además los detalles de la orquestación.

El elenco está encabezado por Theo Adam quien recibió bastantes criticas negativas cuando apareció esta grabación. Si bien tiene poco que hacer vocalmente frente a la competencia, hay que decir que logra penetrar como pocos en la psicología del personaje. A su lado la Senta de Anja Silja se mueve en un  campo de acción bastante parecido. La voz brillante, punzante y muchas veces estridente tiene poco que hacer frente a la competencia pero la faceta interpretativa está expuesta de manera magistral, ayudada además por la enunciación clara en su idioma natal. Martti Talvela estaba al tope de sus posibilidades logrando un Daland cantado de manera magistral. Ernst Kozub fue una estrella fugaz de su tiempo y un joven Heldentenor, famoso por su fallida colaboración en el Anillo de Solti. Probablemente no es el interprete mas interesante pero su tono heroico suena muy bienvenido. Tanto Gerhard Unger como Annelis Burmeister completan el reparto con gran enjundia.

La grabación se realizó en el Studio No. 1 de Abbey Road en Londres, entre el 19 y 28 de febrero y entre el 8 y 14 de marzo de 1968. El proceso de remasterización estuvo a cargo de Ian Jones y se realizó en los mismos estudios de Abbey Road en 2017.


Theo Adam (Der Holländer)
Anja Silja (Senta)
Martti Talvela (Daland)
Ernst Kozub (Erik)
Gerhard Unger (Der Steuermann)
Annelies Burmeister (Mary)

BBC Chorus
New Philharmonia Orchestra
Otto Klemperer (Conductor)

Warner Classic
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Digital Booklet + Cover


HD 96kHz-24bit: DESCARGAR

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

jueves, 6 de agosto de 2020

Massenet - Thaïs (Sills - Milnes - Gedda) Maazel [FLAC]




Para apreciar en perspectiva el posteo anterior dedicado a la versión de "Thaïs" a cargo de la Moffo y Gabriel Bacquier, les traigo acá su competidora mas cercana.

La ópera de Massenet está ligada íntimamente a la figura de la "diva" en la ópera, incluso desde su concepción original. La ópera está basada en la novela de Anatole France (1890), Massenet trabajó sobre el libreto de Louis Gallet y con la figura y voz de Sybil Sanderson en su mente. La soprano americana se convirtió en la musa del compositor desde que este le escribiera el titular de su ópera "Esclarmonde" en 1889. 

El estreno se produjo en el Palais Garnier el 16 de marzo de 1894. Posteriormente el compositor revisó la partitura y produjo una segunda versión estrenada por la misma compañía el 13 de abril de 1898. Esta segunda versión (que incluye cortes y un cambio sustancial en la música del ballet) es la que se representa actualmente. Hasta el día de hoy no existen grabaciones de la versión de 1894 ni una edicion critica que presente la obra en su concepción original.

El título tuvo gran alcance especialmente entre la audiencia norteamericana y la responsable directa de la permanencia y popularidad de la ópera fue Mary Garden. La soprano escocesa recibió lecciones de la mismísima Sybil Sanderson (su mentora en muchos sentidos) y presentó el personaje durante 1901 en la opera de Aix-les-bains y en la Opera de Montecarlo. En 1907 decidió mudarse a Estados Unidos, seducida por un contrato con Oscar Hammerstein para presentarse en la recién fundada Manhattan Opera Company, una compañía de ópera que durante cuatro años se dedicó a competir de manera exitosa y directa con el Metropolitan Opera House. Hammerstein no sólo se aseguró de producir los estrenos locales de muchos títulos sino también de presentar a la audiencia neoyorkina a varias estrellas que el Met no consideraba en sus elencos.

El estreno americano de la obra y debut de Mary Garden se produjo el 25 de noviembre de 1907 y la soprano lo convirtió en uno de sus caballitos de batalla mas importante pues le ofrecía la oportunidad no sólo de mostrar su talento actoral sino también su manejo del estilo y también su figura que causó bastante revuelo. Garden se adueñó del personaje y lo presentó también en Chicago, cuando la compañía se mudó a esa ciudad y lo mantuvo en su repertorio casi de manera ininterrumpida hasta 1929. Fue tal su popularidad e identificación con la cortesana que en 1917 la llevó al cine en una cinta producida por Samuel Goldwyn.

En el Metropolitan la encargada de darle vida fue otra gran belleza de su tiempo: Geraldine Farrar. La bellísima soprano debutó el rol el 16 de febrero de 1917 y se presentó en él durante tres temporadas consecutivas. Después de su retiro prematuro, el titulo fue heredado por Maria Jeritza quien lo presentó durante la temporada de 1923 y también en la apertura de la temporada 1924-25. Rápidamente la ópera desapareció de los escenarios y 15 años mas tarde volvió al escenario del Met encabezado por Helen Jepson, quién también había sido alumna de Mary Garden y había ademas presentado el rol en Chicago durante las temporadas de 1935-37.

Pasaron casi 40 años de ausencia cuando el Met volvió a presentar el título el 18 de enero de 1978 con un reparto encabezado por Beverly Sills y Sherrill Milnes, en una producción comprada a la Opera de San Francisco. Fueron 17 funciones esparcidas entre Enero y Mayo de ese año. Luego de esto se volvió a abrir un lapso de 30 años de ausencia que terminó el 8 de diciembre de 2008 cuando se montó una nueva producción encabezada por Renee Fleming y Thomas Hampson. Las últimas funciones producidas en ese escenario datan de diciembre de 2017 y estuvieron encabezadas por Ailyn Pérez y Gerald Finley.

Esta grabación se realizó en la antesala de la producción montada en la Opera de San Francisco durante septiembre y octubre de 1976. El elenco está encabezado por Beverly Sills quien, como es costumbre en su arte, construye un intenso retrato psicológico de la cortesana. Todas las aristas aparecen delineadas y me atrevo a decir que a pesar del libreto, que en todo momento huele a película bíblica en Technicolor, la Sills logra construir un personaje tridimensional y logra una evolución que nadie mas ha logrado delinear, produciendo con ello el mejor y mas intenso desenlace de todas las versiones. Su "Ah! le ciel! Je vois... Dieu!" estremece al mas escéptico. Por otro lado la soprano se encontraba ya en la última etapa de su carrera y el instrumento tiende siempre a los sonidos estridentes y al vibrato lento. En ningún momento es un sonido que sugiera sensualidad (en este terreno la Moffo se pone claramente por delante) y la soprano palía este defecto con recursos interpretativos, gran manejo del estilo y un fino delineado del fraseo. 

El resto del elenco se completa con un sonoro y vibrante Athanaël a cargo de Sherrill Milnes,quién en la comparación con Bacquier se queda solo en la epidermis de su personaje. Por otro lado Nicolai Gedda entrega un efectivo e idiomático Nicias pero sin la juventud ni la belleza vocal de Carreras.

La grabación se realizó en el Studio No. 1 de Abbey Road en Londres, durante el mes de Junio de 1976.


Beverly Sills (Thaïs)
Sherrill Milnes (Athanaël)
Nicolai Gedda (Nicias)
Richard van Allan (Palémon)
Ann-Marie Connors (Crobyle)
Ann Murray (Myrtale)
Norma Burrowes (La Charmeuse)
Patricia Kern (Albine)
Brian Ethridge (Un serviteur)

John Alldis Choir
New Philharmonia Orchestra
Lorin Maazel (Conductor)

EMI
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans

FLAC: DESCARGAR

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

jueves, 30 de julio de 2020

Massenet - Thaïs (Moffo - Bacquier - Carreras - Diaz) Rudel [HD 96kHz-24bit]



Esta grabación de "Thaïs" fue la primera toma completa de la obra de Massenet. En 1961 se había publicado una grabación encabezada por Renée Doria y Robert Massard que incurría en varios cortes (incluido el ballet) por lo que la llegada de esta grabación estelar fue recibida con bastante entusiasmo al momento de ser anunciada por la RCA.

En el papel, tenía todos los elementos necesarios para haberse convertido en la grabación de referencia pero el estado vocal de la soprano sorprendió a varios y terminó causando mas controversia que verdadero éxito. El escándalo además estuvo adornado por un elemento extra musical que sirvió de caldo de cultivo para los chismes mas sabrosos de la época: En 1972 La Moffo se había divorciado de su primer marido, el director italiano Mario Lanfranchi y en Noviembre de 1974 contrajo matrimonio con Robert Sarnoff, presidente de la RCA, es decir "el jefe" del sello discográfico.

El estado vocal de la Moffo fue suficiente para condenar a la grabación completa, pasando por alto el resto de factores a tomar en cuenta y que en la suma final la sigue colocando, a mi parecer, al tope de la lista. Es cierto que el estado vocal de la soprano deja bastante que desear pero en la comparación con otras Thaïs de la discografía, es la única capaz de entregar verdadera seducción vocal. A pesar de las limitaciones que le impone su instrumento erosionado por los años, el timbre voluptuoso y la amplia paleta de efectos de emisión, le permiten colorear el fraseo y componer el personaje de la cortesana con gran acierto, siempre desde una vocalidad sugerente y seductora. Por otro lado el desgaste del instrumento afecta la estabilidad de la afinación y en especial el paso a la voz de pecho que la soprano suple con una emisión cercana al susurro. Por otro lado, si bien los agudos extremos (Do-Re) siguen presentes, ya es una zona que le presenta grandes dificultades. En la comparación con su mas cercana competidora, Beverly Sills en la grabación producida por la EMI en 1976, hay que decir que la Sills sigue sonando mas urgente en el drama pero sin la seducción y la suavidad del timbre de la Moffo.

El resto del elenco es sencillamente brillante. Gabriel Bacquier bordeaba ya los 50 años cuando se realizó esta grabación pero mantiene la belleza y el esmalte de su hermoso timbre, sumado al factor teatral e interpretativo siempre presente en su arte. El personaje surge finamente delineado en toda la amplia gama de su fanatismo religioso conflictuado por su relación con la protagonista, ayudado además por lo exquisito del juego de la fonación en su idioma nativo. José Carreras está captado en la plenitud de la juventud (antes de los años de tránsito por el lado mas pesado del repertorio) y adorna a su ingrato personaje con grandes cuotas de belleza vocal.

Estupenda la batuta de Julius Rudel quién logra extraer el drama que en otras lecturas termina desdibujado por "culpa" de la hermosa orquestación de Massenet. Mención especial merece el proceso de remasterización que resalta el gran trabajo de ingeniería de sonido realizado por la RCA  en 1974.

La grabación se realizó en el Walthamstow Town Hall de Londres, durante los meses de Julio y Agosto de 1974.


Anna Moffo (Thäis)
Gabriel Bacquier (Athanaël)
José Carreras (Nicias)
Justino Diaz (Palémon)
Patricia Clark (Crobyle)
Antonia Butler (Myrtale)
Elizabeth Bainbridge (Albine)
Jessica Cash (La Charmeuse)

Ambrosian Opera Chorus
New Philharmonia Orchestra
Julius Rudel (Conductor)

Sony Classical
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

HD 96kHz-24bitDESCARGAR

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

domingo, 19 de julio de 2020

Rossini - Il Barbiere di Siviglia (Berganza - Alva - Prey - Dara) Abbado [HD 96kHz-24bit]




La Deutsche Grammophon reeditó en Mayo de 2018 esta verdadera joya de la discografía y momento pivote en la historia de la interpretación del repertorio rossiniano. La grabación fue la primera en emplear la partitura de la edición crítica de Alberto Zedda, quién realizó una exhaustiva investigación del material original, tanto del manuscrito del compositor como de la primera edición, considerando además otras fuentes posteriores. Publicado por Casa Ricordi en 1969 se lo puede considerar el momento de inicio de la "Rossini Renaissance" que al mismo tiempo de devolverle al repertorio rossiniano un lugar estelar dentro de la escena musical desde mediados de los años '70, significó también una importante revisión musicológica de toda la obra del compositor.

"Il barbiere di Siviglia" está basada en "Le Barbier de Séville" de Pierre Beaumarchais, la primera parte de una trilogía de obras del autor francés. El libreto para la ópera de Rossini fue escrito por Cesare Sterbini y tras un periodo de composición frenético, la obra se estrenó en el Teatro Argentina de Roma el 20 de febrero de 1816. Según los reportes de la época, el estreno fue todo un desastre, ayudado por la oposición de los adherentes del ya veterano Giovanni Paisiello, autor a su vez de una primera y exitosa adaptación estrenada en 1782. Al parecer las cosas funcionaron mejor en la segunda presentación y rápidamente la opera se convirtió en el mas grande y duradero éxito de la carrera de Rossini. Sobrevivió mejor que ningún otro titulo belcantista al paso del tiempo y sigue siendo considerada la mas grande opera buffa de todos los tiempos.

La historia de las presentaciones de la ópera es bastante complicada y esta llena de cambios, adiciones y cortes que con el correr de los años "ensuciaron" bastante tanto la música como el espíritu original de la obra, siendo quizás el mas notorio los cambios de tonalidad para transformar a Rosina en soprano ligera.

Los principales cambios se registraron ya en el revival de la ópera montado en agosto de 1816 en el Teatro Contavalli de Bologna. A pesar de que Rossini no estuvo involucrado en esta producción, se puede decir que todos los cortes y adiciones posteriores tuvieron como punto de partida a esta producción. Los cortes incluyen al aria del Conde "Se il mio nome", el aria de Rosina "Contro un cor" que fue reemplazada por "La mia pace, la mia calma" de autor desconocido. En este punto es necesario nombrar también cambios muy posteriores que usaban esta escena para insertar música de diferentes autores. La tradición y el cambio de Rosina en soprano ligera, permitió que nombres tan famosos como Adelina Patti introdujeran interpretaciones de "Il Bacio" de Arditi o  Marcella Sembrich se animara con "Frühlingsstimmen" de Johann Strauss.

Otro corte importante fue el que sufrió la escena final del Conde, "Cessa di più resistere", que en la producción de Bologna fue cantada también por Geltrude Righetti, la Rosina original. Al parecer a la Rigetti le gustaba tanto la pieza que Rossini terminó por reutilizar la sección final en "Non più mesta" de "La Cenerentola", creada también por ella. Los motivos de este corte pueden obedecer a varias razones. Quizás la principal sea la popularidad alcanzada por la inserción en "La Cenerentola" pero no podemos pasar por alto las tremendas exigencias técnicas que le impone al tenor y que la convirtieron en una pieza de virtuosismo que muy pocos se atrevieron a enfrentar.

También es necesario hacer notar que este corte es probablemente el mas perjudicial a la hora del balance general. La escena (que es bastante larga) de alguna manera transforma al Conde en el protagonista (en perjuicio de Figaro) y produce un desenlace mucho mas orgánico.

Producciones posteriores añadieron incluso mas material. En 1819 en el Teatro San Samuele de Venecia, Rosina fue interpretada por la soprano Joséphine Fedor y Rossini escribió para ella el aria "Ah se è ver che in tal momento" que muchas Rosinas-Soprano incluyeron durante años como parte de la obra original.

Además del trabajo de recuperación y "limpieza" del material original, Zedda también recurre a las fuentes para limpiar el texto de variaciones y añadiduras posteriores. Por otro lado el director también reconstruye las articulaciones, algunas inconsistencias rítmicas, restablece diferentes ornamentaciones aceptadas por Rossini y restituye finalmente las tonalidades originales.

El trabajo de recuperación a cargo de Alberto Zedda recurre al manuscrito original que contiene la mayor cantidad del material usado en el estreno de la obra, excepto la Sinfonia. Según algunas fuentes Rossini escribió una obertura que utilizaba diversos motivos españoles para el estreno de la ópera pero se perdió con el paso del tiempo. El trabajo de Zedda y los intentos posteriores han llegado a la conclusión que tal obertura nunca existió y que Rossini en realidad reutilizó la Sinfonía escrita para "Aureliano en Palmira" (1813) y reorquestada para "Elisabetta, regina d'Inghilterra" (1815). El principal argumento para sostener esto es que el manuscrito original del Barbero incluye la linea del contrabajo de la obertura usada en "Aureliano en Palmira".

La grabación de Abbado se ciñe de manera estricta al trabajo de limpieza comenzado por Zedda y logra ensamblar en gran medida el trabajo en su concepción original. El único ítem que sigue oculto es el aria final del Conde, "Cessa di più resistere", que ya había aparecido en disco en las versiones completas grabadas por Cesare Valletti (1958) y  Ugo Benelli (1964). Abbado opta por mantener el corte, a pesar de tener a su disposición el trabajo musicológico de Zedda, quizás por la dificultad que le significa a Luigi Alva.

El elenco está encabezado por el Figaro de Hermann Prey, bastante alejando de la italianidad y el estilo. Si bien su musicalidad cultivada le ayuda a salir adelante, hay que decir que los problemas de articulación en la coloratura y la falta de ligereza general de su emisión son grandes escollos que el barítono no logra superar. La Berganza registra aquí su segunda Rosina y repite los mismos niveles de excelencia musical y estilística que en la anterior toma bajo la batuta de Varviso (1964) pero el tiempo no pasa en vano y ya se oyen signos de desgaste en el extremo agudo del registro. Por su parte Luigi Alva graba aquí su quinto (!!) Almaviva de estudio. Si bien mantiene la dulzura del timbre, el manejo del estilo ya se resiente con algún amaneramiento y el canto ornamentado, si bien está resuelto de manera segura, ya se oye algo angustioso y sin la precisión que lograrían tenores posteriores. A pesar de los esfuerzos de Zedda por recuperar los cortes impuestos por la tradición, el tenor no se anima a grabar "Cessa di più resistere". Completan el reparto Enzo Dara y Paolo Montarsolo con el ingrediente idiomático necesario. Abbado dirige enérgicamente una Sinfónica de Londres al parecer reducida a proporciones de cámara pero que responde a gran altura en el tratamiento ligero, transparente y de gran precisión rítmica que el director le impone a la partitura.

La grabación se realizó en el Wattford Town Hall de Londres, durante el mes de septiembre de 1971.

Teresa Berganza (Rosina)
Luigi Alva (Il Conte d'Almaviva)
Hermann Prey (Figaro)
Enzo Dara (Bartolo)
Paolo Montarsolo (Basilio)
Renato Cesari (Fiorello)
Stefania Malagù (Berta)
Luigi Roni (Un ufficiale)

The Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

HD 96kHz-24bit: DESCARGAR

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

viernes, 3 de julio de 2020

Bernstein - West Side Story (Te Kanawa - Carreras - Troyanos - Ollman - Horne) Bernstein [HD 96kHz-24bit]



La linea divisoria entre la Opera y el Musical experimentó un cambio bastante importante durante la década del 80'. Sin olvidar la constante presencia de "Porgy and Bess", probablemente el puntapié inicial hay que buscarlo en "Sweeney Todd" de Stephen Sondheim. El musical del barbero de Fleet Street fue estrenado en Broadway en 1979 y durante 1984 rompió la linea divisoria recibiendo dos producciones en las compañías de la Houston Grand Opera y la New York City Opera. Es muy probable que el alcance de su éxito haya influido en los productores de la Deutsche Grammophon para planear esta grabación del musical de Leonard Bernstein.

La fórmula de esta grabación es bastante clara: recrear el musical pero con un elenco de estrellas operáticas del momento. La popularidad alcanzada por esta grabación de "West Side Story" dirigida (por primera vez) por su compositor, sumado al éxito de ventas llevó a las disqueras a tratar de repetir la fórmula y se planearon grabaciones de "South Pacific" nuevamente con la Te Kanawa y Carreras encabezando el elenco, "My Fair Lady" también con la Te Kanawa esta vez acompañada por Jerry Hadley y Jeremy Irons. "Carrousel" con Samuel Ramey, Sarah Brightman, David Rendall y Maureen Forrester y "Show Boat" con Frederica von Stade, Jerry Hadley y Teresa Stratas. Una seguidilla de intentos nada despreciables y hoy por hoy algo olvidados.

El proyecto tuvo varios cambios de fecha y de elenco que se realizaron al parecer a mitad de camino y que terminaron por caldear bastante los ánimos. Les recomiendo vean el documental de la grabación que testimonia el choque entre Bernstein y Carreras, disponible en YouTube. Al parecer la única que estuvo considerada desde un comienzo fue Kiri Te Kanawa en el rol de María, Carreras se unió a última hora y reemplazó a dos tenores anteriores que fueron removidos del elenco. La Troyanos entró en reemplazo de Marilyn Horne, la Anita original pensada para esta grabación. La misma contralto terminó reemplazando a Jessye Norman, quién estaba prevista para cantar "Somewhere".

Bernstein dirige su partitura por primera vez completa y sin los agregados que se hicieron para la adaptación cinematográfica de 1961 y que no fueron escritos por él. Los tempi son un poco mas lentos que los usados para el Soundtrack pero la respuesta de la orquesta está a gran altura. Se agradece el cuidado que pusieron los ingenieros en captar el hermoso sonido que el director/compositor logra extraer de sus instrumentistas y se entiende también la decisión de usar cantantes que puedan proyectar sus voces por encima de este entramado musical tan bellamente construido.

La Te Kanawa entrega hermosos sonidos pero con una dicción que pretende sonar a puertoriqueña sin mucho éxito. Por otro lado en ningún momento suena juvenil. La tessitura del personaje la deja expuesta a entregar muchas veces sonidos con evidente escape de aire y una caracterización algo aburrida. A su lado José Carreras está captado en un momento de gran empuje y belleza vocal pero el fuerte acento español se cuela en su inglés que, según lo que dicta su personaje, debiese ser el mas puramente norteamericano. No es el caso en esta grabación y es un factor decepcionante, teniendo en cuenta el contexto de la historia que se pretende contar, en donde el choque cultural entre un norteamericano enamorado de una chica puertoriqueña es la base sobre que se desarrolla el drama. De todas maneras se nota que el español trabajó duro para librarse de su acento, incluso usando la "r" americana en su problemática versión de "María" (vean el documental...) pero con el paso de los minutos uno se hace mas consciente de los esfuerzos de Carreras mas que de sus logros en retratar a Tony.

El resto del elenco se completa con una convincente, estridente y frontal Anita a cargo de Tatiana Troyanos (nacida y criada en el West Side) y un estupendo Riff a cargo de Kurt Ollmann. Por su parte Marilyn Horne entrega una sentida y estupendamente cantada versión de "Somewhere".

La grabación se realizó en el RCA Studio en New York durante el mes de Septiembre de 1984. La remasterización fue publicada en 2017.


Kiri Te Kanawa (María)
José Carreras (Tony)
Tatiana Troyanos (Anita)
Kurt Ollmann (Riff)
Marilyn Horne (cantando "Somewhere")

Orchestra and Chorus
Leonard Bernstein (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

HD 96kHz-24bit: DESCARGAR

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

sábado, 27 de junio de 2020

Mozart - Don Giovanni (Wächter - Schwarzkopf - Sutherland - Taddei - Alva - Cappuccilli - Sciutti - Frick) Giulini [HD 96kHz-24bit]



El catalogo de grabaciones de "Don Giovanni" está repleto de estupendas versiones captadas desde comienzos de la era del LP, a pesar del paso de los años esta versión dirigida por Giulini logró posicionarse desde un comienzo como una referencia absoluta. La grabación a estas alturas ya disfruta de un status de leyenda como pocas otras lo han logrado en este título mozartiano. Ha estado presente de manera ininterrumpida en el catalogo activo de grabaciones y ya en el 2016 se produjo esta remasterización en alta definición que la vuelve a posicionar en el catalogo digital y con la mejor calidad de sonido hasta ahora alcanzada.

Originalmente Walter Legge, el productor de la Emi, planeó esta grabación con Otto Klemperer a la cabeza del proyecto. El director judío-alemán era una leyenda de la dirección que había tenido que sufrir la interrupción de su carrera con la llegada de los Nazis al poder. Se instaló en los Estados Unidos y su carrera se vio afectada tanto por la critica adversa como por la imposibilidad de encajar en un medio musical que nunca lo reconoció como una figura de primer orden. Se sumó a esto el carácter intratable del director y problemas físicos y mentales que terminaron por convertirlo en una figura de apariciones bastante esporádicas dentro de la escena musical.
Luego de perder los puestos de director de la Philadelphia Orchestra frente a Eugene Ormandy y luego el de la Filarmonica de New York frente a John Barbirolli y Artur Rodziński, el director cayó en un largo período depresivo, agravado por el descubrimiento de un tumor cerebral. Ante la imposibilidad de retomar su carrera en Estados Unidos y en medio de un ambiente político bastante complicado, Klemperer optó por volver a Europa después de perder su pasaporte estadounidense y acogerse a la nacionalidad alemana.
Su regreso a Europa y la asociación con Walter Legge lograron revitalizar su carrera y posicionarlo finalmente en el lugar de prestigio que le fue tan esquivo por tantos años.
A fines de septiembre de 1958 Klemperer sufrió un accidente domestico que lo dejó con quemaduras en el 15% de su cuerpo. El largo proceso de recuperación le permitió volver a casa recién en Mayo de 1959 por lo que su agenda de conciertos y grabaciones debió ser pospuesta, incluida su participación en la grabación de "Don Giovanni".

Los preparativos para las sesiones de grabación siguieron su curso a pesar de los problemas de Klemperer. Legge logró reunir un elenco que él mismo calificó como "una joya" y que comenzó las sesiones de grabación el 7 de octubre. Además se agendaron dos presentaciones en formato concierto en el Royal Festival Hall de Londres que se realizarían luego de la primera tanda de grabaciones.

Frente a la emergencia producida por la salida de Klemperer, Legge logró convencer a Carlo Maria Giulini para que se hiciera cargo del proyecto discográfico y a Colin Davis para que dirigiera las dos funciones del 18 y 20 de Ocubre. Giulini, a sus 45 años, nunca había dirigido la ópera de Mozart pero Legge, que ya lo tenía bajo contrato para dirigir una versión de "Le nozze di Figaro" (con varios miembros del elenco repitiéndose en "Don Giovanni") decidió confiar y entregarle la dirección de la grabación.

El elenco es una mezcla bastante heterogénea de cantantes encabezados por el protagonista de Eberhard Wächter quien retrata un libertino bastante serio, confiando mas en las aristas oscuras del personaje. Por otro lado el despliegue vocal, el carisma y la crueldad con la que presenta la música no defrauda en ningún momento. A su lado ambas Donna logran uno de los mejores resultados de la discografía. La Schwarzkopf crea en su Elvira todo un arquetipo de mujer abandonada y amargada. La misma soprano relata en entrevistas posteriores el trabajo extra que le significó esta versión, acudiendo a las resonancias mas angulosas de su voz para recrear sonoramente un personaje muy poco querible. A su lado la Sutherland hace su debut discográfico en una ópera completa con un despliegue vocal y estilístico encomiable. Por su parte Giuseppe Taddei hace magia entregando el lado mas buffo de Leporello desplegando su hermoso timbre y una amplia variedad de recursos expresivos. Luigi Alva sortea con virtuosismo y elegancia sus difíciles arias mientras que la Sciutti y un joven Cappuccilli componen una pareja juvenil y colorida. Gottlob Frick cierra el elenco de estrellas con un sonoro y profundo Commendatore.

Claro protagonista de la grabación es la Philharmonia Orchestra, quienes bajo la mano de Giulini, los tempi rápidos, la precisión, el contraste entre los momentos serios y buffos y la atención meticulosa al drama, logran un resultado muy difícil de superar por otras agrupaciones.

Las sesiones de grabación se realizaron en el Studio No. 1 de Abbey Road en Londres, entre el 7 y 15 de Octubre y el 23 y 24 de Noviembre de 1959. La remasterización fue realizada por Andrew Walter en los mismo estudios londinenses en el año 2016.



Eberhard Wächter (Don Giovanni)
Joan Sutherland (Donna Anna)
Elisabeth Schwarzkopf (Donna Elvira)
Giuseppe Taddei (Leporello)
Luigi Alva (Don Ottavio)
Piero Cappuccilli (Masetto)
Graziella Sciutti (Zerlina)
Gottlob Frick (Commendatore)

Philharmonia Orchestra and Chorus
Carlo Maria Giulini (Conductor)

Warner Classics
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

HD 96kHz-24bit: DESCARGAR

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

miércoles, 24 de junio de 2020

Bizet - Carmen (Berganza - Domingo - Cotrubas - Milnes) Abbado [HD 192kHz-24bit]



Esta famosa y polémica versión de "Carmen" a cargo Claudio Abbado acaba de ser su ingreso al ya cada vez mas numeroso catalogo de grabaciones clásicas re editadas en formato de Alta Definición. Se agradecen los esfuerzos de la Deutsche Grammophon para editarla en un traspaso de la mas alta calidad disponible y les advierto con esto que el tamaño total del archivo se eleva por encima de los 5GB...

Antes de comentar las virtudes y vicios de esta grabación, me parece necesario poner en contexto histórico las distintas versiones de la partitura de Bizet pues a la hora de sopesar los diferentes factores que componen una versión de esta opera, es necesario saber desde que ángulo debemos apreciarla.

El estreno de "Carmen" se produjo en la Opéra-Comique el 3 de marzo de 1875. La recepción fue bastante fría y si bien hubo aplausos al final del primer acto y Bizet fue llamado a recibirlos en el escenario, luego de los couplets de Escamillo el publico se volvió frío y solo volvió a aplaudir el aria de Micaela en el tercer acto. Si bien se completó el total de 48 funciones pactadas, la idea que se acepta generalmente es que el estreno parisino fue un fracaso. Aun así el Teatro le ofreció a Bizet un contrato para la producción de un nuevo título pero la recepción de "Carmen" lo sumió en un estado depresivo que terminó por agravar su endeble salud (llevaba años sufriendo de problemas a la garganta probablemente causados por su tabaquismo) para finalmente llevarlo a la tumba, tras sufrir un ataque al corazón. Tenía tan solo 36 años.

Un día antes de su muerte el compositor firmó un contrato para producir "Carmen" en Viena durante el otoño de 1875. Para la ocasión se optó por simplificar los recitativos hablados y además musicalizarlos, trabajo que estuvo a cargo de Ernest Guiraud. Al parecer la intención fue convertir a "Carmen" en una Grand Opéra y para ello la producción no reparó en gastos, incluyendo incluso una escena de ballet en el acto segundo, usando para ello material extraído de "La Jolie Fille de Perth" y "L'Arlesienne". Con todos estos cambios sustanciales, "Carmen" se convirtió finalmente en un éxito rotundo, cimentado además con una larga lista de apabullantes estrenos en cada ciudad en la que se presentó en los años venideros.

El accidentado proceso de ensayos, como la muerte prematura del compositor y el re-estreno de la ópera en Viena, terminaron por producir un enredo bastante importante con el material musical. Hoy en día se pueden contar cuatro versiones de la partitura de Bizet: Choudens I (1875), Choudens II (1877), Oeser (1964) y Schott (2000).

La edición Choudens I fue preparada por el propio Bizet durante el proceso de ensayos y en forma de partitura vocal. Choudens se negó a publicar la partitura completa (orquestal) hasta que la ópera alcanzara las 50 representaciones. Lamentablemente Bizet no vivió lo suficiente para ello.
La edición Choudens II corresponde a grueso modo a la versión con los recitativos orquestados compuestos por Ernest Guiraud para la producción vienesa. También propone varios cortes importantes que se pueden encontrar en el acto I en la "Scène et Pantomime" para Moralès, el dueto entre Escamillo y Don José en el acto III y un corte de varios compases en el coro "A deux cuartos!" al inicio del acto IV.
El material de la edición Oeser proviene de un manuscrito encontrado por Fritz Oeser en un archivo de la Opéra-Comique en 1964 y que contiene la partitura del director y las partes orquestales usadas durante la primera tanda de funciones en 1875 que luego fueron descartadas y archivadas. El material contiene las ideas iniciales que tenía Bizet sobre la música de "Carmen", muchas de las cuales finalmente desechó antes del estreno y otras tantas que fueron corregidas con el correr de las presentaciones.
Finalmente la edición Schott contiene todo el material disponible hasta ahora y presentado de tal manera que pueda ser utilizado o descartado dependiendo del gusto de cada director.

Es interesante notar que Choudens nunca ha autorizado el acceso a sus archivos que bien podrían contener material adicional, como la correspondencia entre Bizet y Choudens con respecto a la primera edición de la partitura vocal o entre Guiraud y Choudens con respecto a la composición de los recitativos o los planes para preparar la edicion de la partitura orquestal general.

Los musicólogos se tienden a dividir en dos facciones cuando se trata de "Carmen": Por un lado están quienes creen que Bizet sabía muy bien su oficio y que su versión final (Choudens I) representa claramente sus intenciones y por otro lado están los que creen que Bizet se vio obligado a realizar cambios a su partitura debido a los problemas surgidos en los ensayos tanto con el elenco, la orquesta y el coro, como también con la administración de la Opéra-Comique. El trabajo de Oeser pertenece claramente a este grupo.

El problema con el trabajo de Oeser, por muy interesante que pueda ser, es que sugiere que algunos pasajes de calidad inferior y que el mismo Bizet descartó en el proceso de composición y producción del estreno, son en realidad parte "autentica" del trabajo del compositor. Ignora por completo el trabajo realizado por el mismo Bizet en la publicación de la partitura vocal (Choudens I) y abre la posibilidad para que el director musical de turno "elija" ente diferentes ediciones, presentando finalmente un híbrido que puede incluir material de dudosa calidad musical amparándose en la idea de que es "lo que el compositor hubiese querido".

Según tengo entendido existen solo dos versiones que usan completamente el material de la edición Oeser: Las versiones de Karajan (DG, 1983) y Sinopoli (1996, Teldec).

Por otro lado es bastante evidente como las diferentes versiones no solamente alteran la música sino también la naturaleza del personaje principal. Paradójico en la versión original (Choudens I) a oscuro y dramático en su versión sin diálogos (Choudens II).

La presente versión proviene de una producción que tardó cuatro años en ser montada por el Festival de Edimburgo y que marcaba además el debut de la Berganza en el rol de la gitana. La Deutsche Grammophone decidió entonces llevarla al disco pero con ligeros cambios en la plantilla de estrellas, reemplazando a Leona Mitchell por la Cotrubas y a Tom Krause por Sherrill Milnes.

La Berganza crea una gitana bastante alejada del modelo verista, optando por acercarse al personaje con gran atención a la partitura y un estupendo despliegue vocal. Su instrumento quizás no tiene las proporciones adecuadas para la "Carmen" de la versión Choudens II pero ciertamente cumple a cabalidad con la gitana de la versión original.

El resto del elenco se completa con Plácido Domingo en gran estado vocal e interpretativo, Sherril Milnes entregando grandes cuotas de apostura vocal pero fallando en cualquier intento de seducción y una estupenda Ileana Cotrubas entregando una Micaëla de bellisimo timbre y gran urgencia dramática. Abbado dirige con gran brío y atención a los detalles de la orquestación.

La grabación se realizó en sesiones en el George Watson's College de Edimburgo, durante el mes de Agosto de 1977 y en la St. John's Church de Londres, durante el mes de Septiembre de 1977.


Teresa Berganza (Carmen)
Plácido Domingo (Don José)
Ileana Cotrubas (Micaëla)
Sherrill Milnes (Escamillo)
Yvonne Kenny (Frasquita)
Alicia Nafé (Mercédès)
Gordon Sandison (Le Dancaïre)
Geoffrey Pogson (Le Remendado)
Stuart Harling (Moralès)
Robert Lloyd (Zuniga)

Watson's George College Boys' Chorus
The Ambrosian Singers
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@192kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

HD 192kHz-24bit: Part I   Part II   Part III

iTunes AAC M4A: DESCARGAR

lunes, 15 de junio de 2020

Verdi - Otello (Kaufmann - Lombardi - Álvarez) Pappano [HD 96kHz-24bit]



Si mis cálculos son correctos, esta nueva grabación del "Otello" verdiano es la primera versión de estudio grabada en 33 años. La última se publicó en 1987 en el sello Deutsche Grammophon y estuvo a cargo de Myung-Whun Chung, encabezada por Plácido Domingo y Cheryl Studer. Quizás sea este uno de los datos mas decidores a la hora de analizar el estado actual del mercado discográfico y por qué no, las ansias de Kaufmann por abarcar todo el repertorio disponible.

Kaufmann enfrenta el rol ya con la experiencia de un par de producciones en el cuerpo que le han ayudado a pulir su retrato del moro y adentrarse en las profundidades del personaje pero con un estado vocal que personalmente me provoca varias reservas.
La faceta musical e interpretativa es lo mejor de su interpretación y si bien tanto el carácter como la nobleza del personaje están finamente delineadas, nunca llega a sugerir la bestialidad amenazante que en las versiones de Vinay, Vickers o Del Monaco están tan presentes. Por otro lado la voz ya suena totalmente opaca y los pocos momentos en que el tenor busca el brillo heroico lo hace deformando de manera bastante evidente las vocales, una costumbre que a estas alturas mas que ayudarle lo deja empantanado en un canto ronco, empujado, poco homogéneo, opaco y sin squillo. También hay que agregar una bateria completa de efectos de susurro y pianissimi pensadas exclusivamente para el micrófono y que no tienen real cabida en ningún escenario.

Lo mejor del elenco se puede oír en el malévolo retrato de Iago que logra Carlos Álvarez, con buenas cuotas de musicalidad y un torrente vocal que logra de alguna manera hacerle justicia a la parte. Estupendo también en el cuidado que pone en el texto y en la amplia paleta expresiva. La Desdemona de Federica Lombardi no logra interesar ni por la faceta interpretativa (hay que decir que es un personaje bastante plano) ni por la vocalidad que parece aun bastante inmadura.

Probablemente quien sale mejor parado de esta empresa es Antonio Pappano con una dirección siempre atenta al drama y a la magnífica orquestación salida de la pluma de Verdi.

Me parece necesario también puntualizar que si bien la toma de sonido en alta definición es estupenda, también está llena de cortes, crujidos de sillas y hasta la respiración de Pappano que se puede oír en los momentos mas calmos de la ópera.

La grabación se realizó entre el 24 de junio y el 6 de julio de 2019 en el Auditorium Parco della Musica en Roma.


Jonas Kaufmann (Otello)
Federica Lombardi (Desdemona)
Carlos Álvarez (Iago)
Virginie Verrez (Emilia)
Liparit Avetisyan (Cassio)
Carlo Bosi (Roderigo)
Riccardo Fassi (Lodovico)
Fabrizzio Beggo (Montano)
Gian Paolo Fiocchi (Un araldo)

Orchestra e Coro dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia
Antonio Pappano (Conductor)

Sony Classical
Flac@96kHz-24bit | m4a@256kbps | Cover + Digital Booklet

* Envíenme un mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.

martes, 2 de junio de 2020

Mady Mesplé - A Portrait [FLAC]



El pasado 30 de Mayo de 2020 falleció en su casa en Toulouse la gran soprano francesa Mady Mesplé a la edad de 89 años. Considerada una de las grandes exponentes del canto galo y la soprano coloratura francesa mas importante de su generación.

Mesplé nació en Toulouse el 7 de marzo de 1931. Creció en el seno de una familia de modestos recursos pero se le aseguró una educación musical desde muy temprana edad gracias al gran talento que demostró desde pequeña. A la edad de siete años comenzó estudios serios de Piano y Voz en el Conservatorio de su ciudad, graduándose con medalla de oro. Por algún tiempo se dedicó a tocar el piano con una orquesta local pero pronto decidió marchar a París para perfeccionarse con Janine Micheau.

Hizo su debut profesional en enero de 1953 en Liège con el titular de "Lakmé", un rol que se convertiría en su caballito de batalla y que llegaría a cantar 145 veces.  Con el mismo personaje hizo su debut en La Monnai en Bruselas en 1954. Rápidamente se hizo con los principales papeles de soprano lírico-coloratura del repertorio francés como Olympia en "Les côntes d'Hoffmann", Philline en "Mignon", Leila en "Le pêcheurs de perles", Juliette en "Roméo et Juliette", Ophélie en "Hamlet" y los titulares de "Dinorah" y "Manon".

En 1956 se produjo su debut en el Festival de Aix-en-Provence como Zémire en "Zémire et Azor" de Grétry. El mismo año debutó en la Opéra-Comique, nuevamente con "Lakmé". Su debut en el Palais Garnier se produjo en 1958 con Soeur Constance en "Dialogues des Carmélites" de Poulenc. En el mismo escenario reemplazó con gran éxito a Joan Sutherland en una nueva producción de "Lucia di Lammermoor" presentada en 1960. Pronto vendrían mas papeles provenientes del repertorio italiano, incluyendo a Amina en "La Sonnambula", Rosina en "Il barbiere di Siviglia", Norina en "Don Pasquale", Gilda en "Rigoletto" y Oscar en "Un ballo in maschera". Hizo pocas incursiones en el repertorio alemán pero se pueden contar a Sophie en "Der Rosenkavalier", Zerbinetta en "Ariadna en Naxos" y La Reina de la Noche en "Die Zauberflöte".

A su actividad en el repertorio tradicional hay que agregar su interés por la música contemporánea.
Charles Chaynes compuso sus "Cuatro Poemas de Sappho" especialmente para ella. Un papel importante surgió de la pluma de Gian Carlo Menotti con el personaje de Kitty en "Le dernier sauvage" estrenada en la Opéra-Comique el 21 de octubre de 1963 y en 1965 fue también la primera interprete de Hilde Mack en la versión francesa de "Elegie für junge Liebende" de Henze.

Si bien Mesplé hizo exitosas apariciones en Moscú, Milán, New York y Buenos Aires, la mayor parte de su carrera se centró en Europa. Aceptó muy pocas invitaciones para aparecer en los Estados Unidos. Hizo su debut en la Lyric Opera de Chicago en 1966 como La Reina de la Noche y en 1973 apareció en cuatro funciones de "Rigoletto" en el Met. A pesar de esto fue relativamente desconocida para las audiencias norteamericanas, quienes tuvieron que conformarse con sus grabaciones comerciales.

Mesplé se retiró de los escenarios en 1985 pero continuó su actividad en la sala de conciertos hasta principios de la década de 1990. Luego de su retiro se dedicó a la enseñanza, primero en la École Normale de Musique de Paris y luego en el Conservatorio de Lyon. A mediados de la década fue diagnosticada con Parkinson y en 2010 publicó "La Voix du Corp", en donde escribe sobre la enfermedad.

La voz de Mady Mesplé fue lo que por muchos años se entendió como el típico sonido de soprano francesa: brillante y cristalina pero con poca profundidad y de vibrato rápido. Una combinación que para muchos oídos modernos no parece ser atractiva pero que, una vez superado ese primer encuentro, nos devela no solamente una gran técnica, sino también una cuidada musicalidad, una dicción impecable y gran manejo del estilo, que puede convertir a la mas simple chanson en un total descubrimiento.
La depurada técnica le permitió no solamente lograr la longevidad vocal (algo bastante difícil en el mundo de las sopranos ligeras), sino también sacar el máximo partido a sus posibilidades con el canto ornamentado y la extensión del registro sobreagudo que se dice alcanzaba hasta el La bemol.

Este box de cuatro discos es un muestrario bastante heterogéneo del arte de Mady Mesplé. No solamente se incluyen sus grandes papeles de la Opera y la Operetta sino también sus incursiones en la música contemporánea y en el repertorio de la Chanson, del cual fue una de sus mas grandes exponentes.


Tracklist:

CD1:

1. Lakme: Où Va la Jeune Hindoue
2. Lakme: Les Fleurs Me Paraissent Plus Belles..Pourquoi Dans Les Grands Bois
3. Lakme: Tu M'as Donné Le Plus Doux Rêve
4. Werther: Frère, Voyez!...Du Gai Soleil, Plein de Flamme
5. Mignon: Oui Pour Ce Soir...Je Suis Titania la Blonde
6. Le Roi D'Ys: Duet: Cher Mylio...A L'autel J'allais Rayonnant
7. Les Contes D'Hoffmann: Les Oiseaux Dans La Charmille
8. La Gazza Ladra: Di Placer Mi Balza Il Cor
9. La Fille Du Régiment: C'en Est Donc Fait...Par Le Rang...Salut à la France
10. Lucia di Lammermoor: Il Dolce Suono...Ardon Gl'incensi..Spargi D'amaro Pianto

CD2:

1. Les Noces de Jeannette: Au Bord Du Chemin...Voix Légère
2. Madame Chrysanthème: Le Jour Sous Le Soleil Béni...Ecoutez C'est Le Chant Des Cigales...
3. Véronique: Petite Dinde!
4. Véronique: Duet: Poussez, Poussez L'escarpolette
5. Les Saltimbanques: C'est la Première Fois
6. Les Saltimbanques: La Bergère Colinette
7. Ciboulette: Y'a Des Arbres
8. Ciboulette: Non Avons Fair Un Beau Voyage
9. La Vie Parisienne: Je Suis Veuve D'un Colonel
10. La Vie Parisienne: On Va Courir, On Va Sortir
11. Pomme D'Api: J'en Prendal Un, Deux, Trois
12. Monsieur Choufleuri Restera Chez Lui Le...: Pedro Possède Une Guitare
13. Les Cen Vierges: O Paris Gai Séjour
14. La Veuve Joyeuse: Là-bas Dans Nos Rudes Vallées
15. Johann Strauss: Légendes de la Forêt Viennoise
16. Weckerlin: Maman Dites-Moi
17. Weckerlin: Non, De N'irai Plus Au Bois
18. Weckerlin: Jenues Fillettes
19. Gounod: O Ma Belle Rebelle
20. Fauré: Arpège, Op. 76 No. 2
21. Liszt: Bist Du!

CD3:

1. Hahn: A Chloris
2. Hahn: Quand Je Fus Pris Au Pavillon
3. Hahn: Infidélité
4. Hahn: L'Heure Exquise
5. Debussy: Pantomime
6. Debussy: Clair De Lune
7. Debussy: Pierrot
8. Debussy: Apparition
9. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: I. Chanson de la Mariée
10. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: II. Là-bas, Vers L'église
11. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: III. Qual Galant M'est Comparable
12. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: IV. Chanson De Cueilleuses De Lentisques
13. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: V. Tout Gai!
14. Ravel: Ballade de la Reine Morte D'almer
15. Ravel: Manteau de Fleurs
16. Roussel: Deux Poèmes de Ronsard: Rossignol, Mon Mignon
17. Roussel: Deux Poèmes de Ronsard: Ciel, Aer, Et Vens
18. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: I. La Dame D'André
19. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: II. Dans L'Herbe
20. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: III. Il Vole
21. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: IV. Mon Cadavre Est Doux Comme Un Gant
22. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: V. Violon
23. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: VI. Fleurs
24. Poulenc: C
25. Poulenc: A Sa Guitare
26. Poulenc: Les Chemins de L'Amour
27. Satie: Le Chapelier
28. Satie: Daphénéo
29. Satie: La Diva de L'Empire
30. Satie: Je Te Veux

CD4:

1. Jolas: Quatuor Il For Soprano, Violin, Viola And Cello
2. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Eros Qui Donne la Douleur
3. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Gongyla, Gongyla, Si Je Te Vois Un Instant
4. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Tu Es Venu Gyla, Tu As Bien Fait, Comme J'avais Envie de Toi
5. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Tiakika, Tiakika, Gygyla Ao Gay Kaoé
6. Vivaldi: In Furore
7. Villa-Lobos: Bachianas Brasileiras No. 5: Aria (Cantilena)
8. Poulenc: La Dame de Monte-Carlo
9. Rodrigo: Cuatro Madrigales Amatorios: De Los álamos Vengo, Madre
10. Delibes: Les Filles de Cadix


Erato
Flac | m4a@256Kbps | Cover

FLAC: DESCARGAR

iTunes AAC M4A: DESCARGAR