jueves, 22 de agosto de 2019

Bellini - Beatrice di Tenda (Sutherland - Veasey - Pavarotti - Opthof) Bonynge [HD 96kHz-24bit]



A partir de este post me voy a dedicar por unas semanas a un Box publicado por Decca en 2014 con motivo del cumplimiento de los 50 años de relación entre la casa inglesa y Luciano Pavarotti. El box incluye varias óperas en formato HD que ya están publicadas en este blog pero hay un par de títulos que no habían sido posteados y que me dispongo ahora a completar.

"Beatrice di Tenda" es la penúltima ópera de Bellini, escrita entre "Norma" e "I Puritani" y marcó además la última colaboración entre el compositor y el libretista Felice Romani. Bellini planeó la ópera para lucimiento de Giuditta Pasta, su musa absoluta, quién incluso eligió el tema luego de ver una representación teatral del drama original escrito por Carlo Tebaldi-Fores. La intención de Bellini era claramente repetir el éxito de "Norma", si bien la ópera presentaba muchas similitudes con "Anna Bolena" de Donizetti y la falta de tiempo de Romani en la composición del libreto pusieron en peligro la ópera desde un comienzo.

El retraso de Romani, empleado al mismo tiempo en trabajos de Donizetti, Mercadante y Coccia, es tal que el compositor terminó por denunciarlo por incumplimiento de contrato tras recibir presiones de las autoridades venecianas con el cumplimiento de las fechas planeadas. Romani decidió entonces trasladarse a la ciudad para terminar junto a Bellini la ópera pero aun así el tiempo les pasa la cuenta y el compositor debe hacer cortes en el acto segundo. La ópera queda finalmente lista apenas una semana antes del cierre de temporada de La Fenice y su estreno ocurre el 16 de marzo de 1833 en medio de un recibimiento mas bien frío. Si bien volvería a ser representada en 1838, 1843, 1844 y 1871.

El reparto original incluía a la mencionada Giuditta Pasta (primera "Norma" y Amina en "La Sonnambula") en el rol titular y a Anna del Serre en el rol de Agnese, su rival. La del Serre estaba aun en su etapa inicial y antes de convertirse en la tempestuosa Prima Donna que protagonizó los famosos incidentes con Giuseppina Ronzi de Begnis, durante los ensayos de "Maria Stuarda", donde la del Serre estaba programada para debutar el rol de Elisabetta, antes que la censura prohibiera la ópera.

Luego de su tibio estreno veneciano, Bellini llevó la ópera a Palermo en 1834, donde tuvo un gran éxito para alivio del compositor. Luego se escenificó en Napoles, Milán y tras la muerte del compositor, Roma, Messenia y Trieste. Fuera de Italia, se hicieron montajes en Viena, Madrid y Barcelona en 1836 y en años posteriores fue representada en Londres, Berlin, Praga y Lisboa. En 1840 se presentó en París y en 1844 en New York y San Petersburgo.

Como la mayoría de los títulos belcantistas, al llegar las ultimas décadas del siglo XIX la ópera prácticamente desapareció de los escenarios. Recién en 1935 fue exhumada en una representación de gala en el Teatro Massimo Bellini de Catania en la voz de la gran Giannina Arangi-Lombardi en el titular y en medio de las conmemoraciones del centenario de la muerte del compositor. Luego de esto la ópera reaparecerá en 1961 en New York y Milán en la voz de Joan Sutherland. A La Fenice de Venecia regresará recién 1964 en la voz de Leyla Gencer, luego de casi 90 años de ausencia.

Esta grabación está dominada por la presencia de Joan Sutherland, responsable directa de la restitución del título y es un claro testimonio de su arte e importancia en el rescate de todo el repertorio belcantista. Grabada en la plenitud vocal de La Stupenda, podemos oír su maestría en el cantabile belliniano como también su maquinaria pirotécnica de trinos, escalas y sobreagudos hasta la cima del Mi natural. Otro punto de interés está en el Orombello de un joven Luciano Pavarotti, captado acá en su primera grabación de una ópera completa y que marcará el inicio de lo que sería una fructífera colaboración con la australiana.

La grabación se realizó entre Enero y Febrero de 1966 en el Walthamstow Assembly Hall en Londres.


Joan Sutherland (Beatrice di Tenda)
Josephine Veasey (Agnese)
Luciano Pavarotti (Orombello)
Cornelius Opthof (Filippo)

Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Digital Booklet + Cover

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jueves, 15 de agosto de 2019

Bizet - Carmen (de los Angeles - Gedda - Micheau - Blanc) Beecham [HD 96kHz-24bit]




Volviendo al mundo de las remasterizaciones, aquí está la célebre "Carmen" de Beecham en su última edición en Alta Definición.

Los planes de EMI para grabar una versión estereofónica de la opera de Bizet surgieron en 1957. Sería realizada por Columbia, la división americana de EMI y Walter Legge seria el encargado de producirla. El reparto debía estar encabezado por Maria Callas, Jussi Björling y la dirección de Herbert von Karajan. El proyecto se truncó cuando Karajan y Callas rompieron relaciones luego que el director se negara a pagarle una suma bastante alta a la soprano para cantar Violetta en la Opera Estatal de Viena. Con el proyecto parado, la EMI encargó a la HMV, la división inglesa de la compañía, conseguir un posible reparto y director. Victor Olof se encargó de la producción y dispuso inmediatamente de Thomas Beecham. Al parecer Walter Legge trató de detener la grabación pues esperaba de algún modo conseguir a Karajan y un buen reparto para la obra pero lo cierto es que la producción de Victor Olof funcionó mejor que la suya y agendó las grabaciones para Junio de 1958.

Sir Thomas Beecham bordeaba los 79 años cuando se embarcó en este proyecto, que terminaría por convertirse en su última grabación de una opera completa. El título de Bizet estaba en el repertorio activo del director por mas de 56 años; la había dirigido por primera vez el 2 de abril de 1902 en la Imperial Grand Opera. La visión que tenía el director sobre el personaje de la gitana variaba bastante de la Carmen verista y desbordada que imperaba en esos años, sobretodo en la escena norteamericana. Según sus propias palabras "Cualquier cantante que no logre crear su Carmen en concordancia con el refinamiento de la música, está cometiendo una ofensa estética". Quizás por esto, la elección de Victoria de los Ángeles le venia como anillo al dedo.

Lo que en el papel parecía ser un Dream Team, en la práctica fue el caldo de cultivo ideal para uno de los grandes impasses de la historia de la discografía: La sesiones de Junio fueron un desastre. Duraron una semana y sólo se pudieron grabar los interludios orquestales y algunas partes corales del acto cuarto pero no surgió ninguna toma completa de arias, dúos ni ensembles. Al parecer Beecham venía de una larga gira de conciertos. algo estresado y el choque con la soprano fue inevitable. Finalmente de los Ángeles telefoneó al ejecutivo de la Emi en Londres, David Bricknell, diciéndole que ya no aguantaba a Beecham y que se iba a Barcelona. Bricknell le rogó que lo esperara para poder solucionar las cosas pero la soprano solo accedió a conversar con él en el aeropuerto de Orly. De los Ángeles no cambió de opinión a pesar de los ruegos y de paso le informó que Beecham no tenía idea que ella se bajaba del proyecto...

Tomó mas de un año calmar los ánimos y honrar los contratos comprometidos (incluso hubo demandas interpuestas) pero finalmente se pudo agendar una sesión de grabación para el 1 de Septiembre de 1959. Cuando finalmente director y soprano se encontraron, Beecham la recibió con los brazos abiertos y un sonoro "Aquí viene mi Carmen". Parece ser que la reconciliación fue real y el resultado artístico se puede oír de principio a fin, pasando inadvertido para cualquier oyente el hecho de que fue un proyecto que estuvo a punto de naufragar y que se grabó en un espacio de dos años, con tres sesiones de grabación.

El resultado final es estupendo a pesar de las reservas que se puedan tener a priori sobre el desempeño de la soprano. Victoria de los Angeles tuvo una relación muy estrecha con el mundo de la opera francesa, hacía magia con Marguerite, Manon o Melisande y además supo adentrarse en la chanson con gran manejo del idioma, el estilo y la expresión. Sin embargo "Carmen" representaba un escollo bastante difícil de superar debido a la personalidad desbordante y los desplantes de la gitana que poco o nada tenían que ver con la sensibilidad de la soprano. A pesar de estas consideraciones el resultado sorprende por la gracia, el humor y la grandeza con la que sabe enfrentar el personaje, si bien es cierto que las facetas mas fuertes de la gitana no aparecen por ningún lado en su lectura. A su lado Nicolai Gedda entrega el lado mas lírico de Don José, alejado del modelo vociferante dejado por otros colegas y completamente en concordancia con el estilo y el idioma. Por otro lado la faceta femicida del personaje no aparece ni está delineada en ningún momento en su interpretación. El resto del elenco se completa con estrellas del canto francés de la época, Ernest Blanc saca a relucir su hermoso timbre en Escamillo y Janine Micheau entrega una cálida versión de Micaëla. La dirección de Beecham brilla por su magnetismo y el detalle con el que sabe entregar la elegancia, la pasión y la tragedia de la partitura.

Una hecho bastante curioso es que el rol de Mercédès está cantado por dos artistas diferentes. La razón es que Marcelle Croisier falleció entre las sesiones de grabación por lo que su trabajo fue terminado por Monique Linval.

El trabajo de remasterización es estupendo, de alguna manera los ingenieros lograron abrir el sonido, quitando casi todo el ruido de roce de las cintas originales y además impregnarlo de una calidez que no estaba presente en el último trabajo producido el año 2000 en el serie "Great Recordings of the Century" de la Emi.

Las sesiones de grabación se realizaron en la Salle Wagram de Paris del 4 al 10 de Junio de 1958, 1 al 6 de Septiembre y 11 de Octubre de 1959. La presente edición fue remasterizada en los estudios de Abbey Road en Londres y saló a la venta en octubre de 2016.


Victoria de los Angeles (Carmen)
Nicolai Gedda (Don José)
Janine Micheau (Micaëla)
Ernest Blanc (Escamillo)
Denise Monteil (Frasquita)
Marcelle Croisier & Monique Linval (Mercédès)
Jean-Christophe Benoit (Le Dancaïre)
Michel Hamel (Le Remendado)
Bernard Plantey (Moralès)
Xavier Depraz (Zuniga)

Petits Chanteurs de Versailles
Maîtrise de la Radiodiffusion Francaise
Choeurs de la Radiodiffusion Francaise
Orchestre National de la Radiodiffusion Francaise
Sir Thomas Beecham (Conductor)

Warner Classical
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Digital Booklet + Cover

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lunes, 12 de agosto de 2019

Schoeck - Venus (O'Neal - Popp - Lang - Skovhus) Venzago [FLAC]




"Venus" del compositor y director austriaco Othmar Schoeck, es una ópera en tres actos, con libreto de Armin Rueger, inspirado en "La Venus d'Ille" de Prosper Merimée. Tuvo su estreno el 10 de mayo de 1922 en la Ópera de Zurich.

Schoeck nació el 1 de Septiembre de 1886 en Brunnen, cerca de Lucerna. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio de Zurich y entre 1907-1908, fue pupilo de Max Reger en el Conservatorio de Leipzig. A pesar de esta breve estancia, su carrera estuvo firmemente ligada a su patria.

La figura de Schoeck es reconocida principalmente por su producción de canciones, si bien su trabajo en el genero de la ópera logró también puntos de interés en títulos como "Das Wandbild" (con textos de Ferrucio Busoni) y "Penthesilea", estrenada en 1927 en la Semperoper de Dresden y revivida en el Festival de Lucerna en 1999.

Schoeck fue un hombre de relaciones complicadas. En 1916 conoció a Ferrucio Busoni, quien se había mudado desde Berlín para huir de la guerra. La presencia del músico italiano en la ciudad le permitió a Schoeck entrar en contacto con la vanguardia musical de su tiempo y moldear así su estilo de composición. La relación entre ambos produjo "Das Wandbild", una de las creaciones mas inusuales del compositor.

En 1918 conoció a la pianista Mary de Senger, e inició una turbulenta relación que duró por lo menos hasta 1923, con peleas, reconciliaciones y depresiones de por medio. La figura de de Senger es fundamental en la producción de su ciclo de canciones "Elegie" y en el cambio estilístico en su música, que se evidencia también en las técnicas de composición que utiliza en "Venus", con un guiño a la bitonalidad y una complejidad rítmica que deja entrever un acercamiento a la obra de Alban Berg.

Esta grabación se realizó para conmemorar los 70 años del estreno de la ópera. El elenco está encabezado por Peter Lang, quien logra encontrar la fuerza necesaria para delinear a Horace y salir airoso de las facetas mas heroicas de la parte, un ejemplo claro es la incandescente escena final, donde la orquesta no muestra misericordia alguna con el cantante.  A su lado, Lucia Popp crea una Simone de brillante timbre y gran variedad expresiva, si bien su personaje no alcanza el protagonismos de los roles masculinos. El resto de los personajes están todos hábilmente creados, sobresaliendo Frieder Lang con un colorido Barón.

La grabación se realizó en la Kirche Albisrieden en Zürich, durante los días 26 y 27 de Agosto de 1991.



Frieder Lang (Baron de Zarandelle)
James O'Neal (Horace, Sobrino del Baron)
Lucia Popp (Simone, Esposa de Horace)
Hedwig Fassbender (Madre de Simone)
Boje Skovhus (Raimond, Primo de Simone)
Zsuzsa Alföldi (Lucile, Amiga de Simone)

Kammerchor Heidelberg
Knabenkantorei Basel
Philharmonische Werkstatt Schweiz
Mario Venzago (Conductor)

Musikszene Schweiz
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans

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sábado, 27 de julio de 2019

Gluck - Orfeo ed Euridice (Lipovšek - Popp - Kaufmann) Hager [FLAC]




En un caso bastante similar al anterior post de "Der Zarewitsch", esta grabación del "Orfeo" de Gluck (descatalogada hace mas de 20 años) la busqué por cielo, mar y tierra y fue imposible localizarla en internet, por lo que siguiendo mi costumbre de "váyanse a la mierda, me la compro", la encontré finalmente en manos de un coleccionista alemán, sellada y sin uso. El booklet tiene algunos signos de haber estado guardado demasiado tiempo pero ambos discos están impecables.

Existen por lo menos 3 versiones de la ópera de Gluck. La primera data de 1762 y fue escenificada en Viena con Gaetano Guadagni en el rol principal. En 1769 el compositor arregló una versión en italiano y con un castrato soprano, Giuseppe Millico, que se estrenó en Parma. Finalmente llegó a Francia, traducida a "Orpheé et Eurydice", en una versión severamente revisada, adaptada al diapasón y al gusto francés el 2 de agosto de 1774, esta vez con un haute-contre, Joseph Legros, en el rol protagónico.

En 1859, Hector Berlioz revisó la ópera y la adaptó para la voz de Pauline Viardot. Berlioz trabajó con la partitura de Gluck como base pero re-orquestó y traspuso casi todo el material al gusto romántico de la época. Mucha de la popularidad de este título se lo debemos precisamente a la versión de Berlioz pero no se puede considerar a esta como una versión más de la ópera de Gluck.

La presente grabación usa la versión original de 1762 y está encabezada por el Orfeo de Marjana Lipovšek, quien se acomoda con bastante facilidad a la tessitura grave de su parte. Si bien se la oye siempre atenta al texto, se echa de menos una mayor profundidad y mayor variedad de emociones en su lectura. Lucia Popp canta la breve parte de Euridice con la musicalidad, el timbre redondo y el encanto de siempre. Por su parte Julie Kaufmann crea un Amor que no llega a molestar pero al que claramente le falta carácter y urgencia.

No podríamos llamar a este Orfeo como un indispensable de la discografía de la ópera de Gluck ni tampoco un imperdible de la discografía de la Popp, pero ciertamente es una rareza que vale la pena escuchar.

Parte del material musical de este "Orfeo" perteneciente a la Popp, ya había sido editado por Eurodisc en un disco compilatorio titulado "Recital" (no eran precisamente originales con los títulos) publicado en 1989 y que aún se puede conseguir en algunos blog.

La grabación se realizó en los estudios de la Radiodifusión Bávara en Munich, entre los días 7 y 14 de Noviembre de 1986. La presente edición fue publicada en 1987 por Ariola-Eurodisc.


Marjana Lipovšek (Orfeo)
Lucia Popp (Euridice)
Julie Kaufmann (Amore)

Chor des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester
Leopold Hager (Conductor)

Eurodisc
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans

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martes, 16 de julio de 2019

Lehár - Der Zarewitsch (Popp - Kollo - Höbarth - Orth - Rebroff) Wallberg [FLAC]




Esta versión de "El Zarévich" de Franz Lehár (actualmente descatalogada) ha sido uno de los discos que mas trabajo me costó encontrar en mi búsqueda de la discografía de Lucia Popp. Alguna vez pasó por mis manos en la biblioteca de una Universidad y no le presté demasiada atención, cuando finalmente caí en cuenta lo imposible que era encontrarla en internet, decidí tomar el toro por las astas y comprarla a un coleccionista por ebay.

"Der Zarewitsch" es una operetta en tres actos de Franz Lehár con libreto de Heinz Reichert y Béla Jenbach basado en la obra homónima de la autora polaca Gabriela Zapolska. Lehár compuso la obra para lucimiento de Richard Tauber, el famoso tenor austriaco, rey indiscutido de la operetta. Se estrenó en el Deutsches Künstlertheater de Berlín el 21 de febrero de 1927, con Tauber y Rita Georg en los papeles principales.

El argumento está basado (de manera muuuy libre) en una historia real: el exilio auto impuesto del hijo de Pedro el Grande, el Zarévich Alexei Petrovich, quién logró eludir las ordenes de su padre de seguir la carrera militar o convertirse en monje, al huir hacia Viena acompañado de su sirvienta y amante finlandesa, Afrosinya Fedorova, quien iba disfrazada de paje. La pareja logró establecerse en Nápoles, en el Castel Sant'Elmo, donde finalmente el Zarévich aceptó volver a Rusia, gracias a la insistencia del Conde Pedro Tolstoi y bajo la condición que su padre no lo castigaría. Eventualmente el Zar inició un proceso de investigación para aclarar la huida de su hijo, que termino con la mayoría de sus amistades sometidas a juicio y muchos de ellos condenados a muerte. Incluso la madre de Alexei, la Zarina Eudoxia Lopukhina, quien por entonces se encontraba recluida en un convento, fue involucrada en lo que Pedro el Grande creía una conspiración para derrocarlo. Alexei fue encarcelado y se inició un proceso en el que se obligó a Afronsinya a declarar en su contra y a presentar toda clase de pruebas para inculparlo. Como golpe de gracia se la obligó a enfrentar a Alexei en presencia del Zar y firmar una confesión donde declaraba que el Zarévich tenía planes para derrocar al Zar. Finalmente el Senado Ruso condenó a muerte al Zarévich, culpándolo de traición pero Alexei falleció antes de que se llevara a cabo la sentencia, producto del encarcelamiento y las torturas a las que fue sometido.

El libreto de Heinz Reichert difiere en varios puntos con la vida real de Alexei. El libretista cambió el nombre y la identidad de Afrosinya y creó el personaje de Sonja. quien hace su entrada en escena disfrazada de bailarín circasiano, así cuando el Zarévich huye con Sonja, él cree que se trata de un hombre, abriendo así una arista argumental que Richard Traubner, indiscutido experto en Operetta, llamaba una "emoción homosexual subyacente". Con el pasar de los compases, el Zarévich descubre que Sonja es en realidad una mujer disfrazada de hombre y se enamora de ella. La segunda y mas notable diferencia con la vida real de Alexei es que el final no es trágico ni termina con la muerte de éste... pero tampoco es feliz: el Zarévich descubre que su padre ha muerto y comprende que su relación con Sonja no puede continuar pues ahora él es el nuevo Zar y decide volver a Rusia, dejando a Sonja en Nápoles.

El reparto de esta grabación está encabezado por René Kollo en el rol protagonista, por ese entonces en lo mas alto de su popularidad. Si bien la variedad de expresión es amplia, la voz ya muestra muchos signos de desgaste, tanto en el timbre árido como en la dureza de la emisión y una paleta de colores algo reducida. Por otro lado, y a pesar de ser solo dos años menor que Kollo, la Popp no muestra signos de desgaste y aun mantiene el brillo en la emisión y la elasticidad en la fonación, logrando gran variedad de matices de color y dinámica. La expresión esta servida a la altura acostumbrada, ayudada por el estupendo manejo del estilo y musicalidad. El resto del reparto lo completan Ivan Rebroff como un colorido Gran Duque, el estupendo Norberth Orth como un Iwan de gran vocalidad y Elfriede Höbarth sacando lo mejor de Mascha. Wallberg dirige con el brío acostumbrado.

La grabación se realizó en los estudios de la Radiodifusión Bávara en Munich, durante el mes de diciembre de 1980. La presente edición fue publicada en 1984 por Ariola-Eurodisc.



Lucia Popp (Sonja)
René Kollo (Der Zarewitsch)
Norbeth Orth (Iwan, der Leiblakei)
Elfriede Höbarth (Mascha)
Ivan Rebroff (Der Grossfürst)
Günther Sauer (Der Ministerpräsident)

Chor des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester
Heinz Wallberg (Conductor)

Eurodisc
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans

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jueves, 11 de julio de 2019

Weinberger - Schwanda Der Dudelsackpfeifer (Prey - Popp - Jerusalem - Nimsgern) Wallberg [FLAC]




"Švanda Dudák" o "Schwanda el Gaitero" de Jaromir Weinberger es una ópera en dos actos con libreto de Miloš Kareš, basada en "El gaitero de Strakonice" de Josef Kajetán Tyl. Se estrenó en el Teatro Nacional de Praga el 27 de abril de 1927. En su versión alemana, se estrenó traducida por Max Brod ya bajo el titulo de "Schwanda der Dudelsackpfeifer" en Breslau, el 16 de diciembre de 1928.

Gracias a la traducción alemana, la ópera se convirtió rápidamente en un fenómeno de popularidad durante la década del '30, llegando a completar mas de 2000 funciones durante ese periodo. Fuera del mundo alemán, la ópera se presentó en Ljubljana (1929), Riga (1930), Sofía (1931), Metropolitan de New York (1931) y Covent Garden de Londres (1934). En su momento de mayor popularidad llegó a ser traducida hasta 17 diferentes idiomas.

Nacido en Praga, en 1896, en el seno de una familia judía, Jaromir Weinberger comenzó sus estudios primero de manera autodidacta (tocaba el piano a los 5 y comenzó a componer a los 10) para posteriormente iniciar estudios de Composición y Dirección con Václav Talich y Rudolf Karel en Praga y con Max Reger en Leipzig. Entre 1922-26 se estableció en Estados Unidos para dictar clases de composición en el Conservatorio de Ithaca. Regresó luego a Checoslovaquia, donde fue designado Director de la Opera Nacional de Bratislava.

Con el ascenso de los Nazis al poder, su obra fue censurada y el compositor terminó por huir hacia Estados Unidos en 1939. Se instaló en New York donde comenzó a dictar clases. Durante la década del '50 se mudó a Florida. En años posteriores padeció de cáncer cerebral, lo que sumado a los problemas económicos y, muy posiblemente, la falta de reconocimiento artístico, le llevo a tomar una sobredosis de sedantes que le provocaron la muerte en Agosto de 1967.

En su momento de mayor popularidad, el compositor llegó a estrenar en Berlín, el 19 de Enero de 1933, su operetta "Frühlingsstürme" con un elenco que incluía a Richard Tauber y Jarmila Novotná. Sin embargo en marzo del mismo año la producción fue censurada por el Partido Nazi.

Weinberger compuso mas de 100 obras, incluyendo operas, operettas, obras corales y música orquestal. Sin embargo ninguna de estas logró alcanzar la popularidad lograda por Schwanda.

En años mas reciente ha surgido cierto interés en revivir la obra del compositor: en Septiembre próximo la Komische Oper de Berlín presentará una nueva producción de Schwanda y la Opera Nacional de Praga hará lo propio en Mayo de 2020.

Esta versión dirigida por Heinz Wallberg usa la traducción alemana de Max Brod y es la primera grabación de estudio de la ópera.

El elenco está encabezado por el encantador y colorido protagonista de Hermann Prey, secundado estupendamente por Siegfried Jerusalem como Babinsky, aun en buenas condiciones vocales y de sobradas dotes interpretativas. Lucia Popp se enfrenta en Dorota a un rol escrito originalmente para una soprano spinto pero logra salir adelante sin deformar su instrumento y apelando siempre a lo mejor de su canto: la brillantez de la emisión, el legato y la expresividad. Completan el elenco estelar Siegmund Nimsgern como El Diablo y Gwendolyn Killebrew como La Reina. Heinz Wallberg dirige con el nervio y lirismo acostumbrado. Sobresale también la actuación del coro, todos estupendamente captados por la ingeniera alemana de la época.

La grabación se realizó en el Concert Hall de la Radiodifusión Bávara en Febrero de 1979 y Abril de 1980. Fue editada en 1984 al formato digital y pasó varios años fuera del catalogo activo hasta que Sony Classical la volvió a editar en Octubre de 2017 en la presente edición.


Hermann Prey (Schwanda)
Lucia Popp (Dorota)
Siegfried Jerusalem (Babinksy)
Gwendolyn Killebrew (La Reina)
Siegfried Nimsgern (El Diablo)
Alexander Malta (El Mago)
Karl Kreile (El Juez)
Albert Gassner (El Verdugo)
Heinrich Weber (El Espíritu Familiar)
Georg Baumgartner (Capitán de la Guardia del Infierno)

Chors des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester
Heinz Wallberg (Conductor)

Sony Classical 
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sábado, 6 de julio de 2019

Tchaikovsky - Pique Dame (Gougaloff - Vishnevskaya - Resnik - Weikl - Schwarz - Iordăchescu - Popp) Rostropovich [FLAC]




Esta grabación de "La Dama de Picas" de Tchaikovsky es un caso bastante extraño para comentar. Probablemente es la referencia de muchos a la hora de elegir una grabación de la obra pero hay que tener en cuenta que si bien el resultado final es intenso y musicalmente refinado, la pareja de protagonistas presenta bastantes problemas a la hora de la apreciación final.

La Vishnevskaya estaba ya en su última etapa artística para cuando se realizó la grabación. El personaje de Lisa estuvo siempre en su lista de grandes creaciones escénicas pero por los problemas políticos, la grabación comercial llega demasiado tarde en su carrera. La soprano ya bordeaba los 51 años cuando se grabó la ópera y en ningún momento se la oye cómoda en la emisión, ni fresca, ni muchos menos joven. Por otro lado la interpretación es vívida y comprometida. A su lado Peter Gougaloff crea un German demasiado elemental en la expresión y la musicalidad. Si bien la voz es poderosa y directa, es incapaz de ejecutar cualquier matiz.

El resto del elenco es estupendo. Bernd Weikl crea un inteligente y expresivo Principe Yeletsky, Hanna Schwarz hace lo propio como Polina. Un punto flojo se puede oír en el desempeño de Dan Iordăchescu como Tomsky, bastante tosco y elemental pero la verdadera revelación llega con la Condesa de Regina Resnik, quien realiza un trabajo de antología tanto en la contundencia del canto como en lo electrizante de la caracterización. Su aparición ante German, ya como fantasma, con la voz sin vida y el tono sepulcral que logra imprimir a toda la escena, es un efecto que muchas otras han tratado de imitar sin llegar al mismo nivel. Simplemente se roba el show.

Lucia Popp aparece brevemente en la Pastoral del baile de Máscaras del Segundo Acto, interpretando a Prilepa, en estupendo estado vocal y con la musicalidad acostumbrada.

La grabación se realizó entre Diciembre de 1976 y Enero de 1977 en los estudios de Radio France en París.


Peter Gougaloff (German)
Galina Vishnevskaya (Lisa)
Dan Iordăchescu (Conde Tomsky)
Regina Resnik (Condesa)
Bernd Weikl (Principe Yeletsky)
Hanna Schwarz (Polina)
Fausto Tenzi (Chekalinsky)
Dimiter Petkov (Surin)
Heinz Kruse (Chaplitsky / Mayordomo)
Rudolf Alexander Sutey (Narumov)
Eva Dobrowska (Gobernanta)
Christine Mitlehner (Masha)

Intermezzo:
Lucia Popp (Prilepa/Chloë)
Hanna Schwarz (Milovzor/Daphnis)
Dan Iordachescu (Zlatogor/Plutus)

Choeur Tchaikovsky
Maitrise de Radio France
Orchestre National de France
Mstislav Rostropovich (Conductor)

Deutsche Grammophon
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sábado, 29 de junio de 2019

Mozart - Il Re Pastore (Grist - Popp - Alva - Saunders - Monti) Vaughan [FLAC]




Mozart comenzó a trabajar en "Il Re Pastore" cuando recién bordeaba los 19 años. La obra fue comisionada para una visita del Archiduque Maximiliano Francisco de Austria, el hijo menor de la Emperatriz María Teresa. El compositor demoró seis semanas en terminar la obra, que recibió su primera presentación el 23 de Abril de 1775 en la Rittersaal del Palacio del Arzobispo Hieronymus von Colloredo en Salzburgo.

El libreto es obra de Pietro Metastasio, quien lo escribió en 1751 basándose en una obra de Torquato Tasso llamada "Aminta" (1573). Mozart eligió el libreto luego de ver una versión musicalizada por Felice Giardini.

Esta versión está encabezada por Reri Grist en el rol travestido de Aminta, el pastor heredero al trono de Sidon, y Lucia Popp en el rol de Elisa, la enamorada de Aminta. Es interesante, desde un punto de vista meramente farandulero, el hecho de que ambas sopranos se enfrascaron durante esta época en una rivalidad en la Opera de Viena, específicamente por el rol de Sophie en "El Caballero de la Rosa". En abril de 1968 fue producida por Otto Schenk y dirigida por Leonard Bernstein, quien prefirió a la Grist. Esta decisión debió enfurecer a la Popp, quién compró un ticket en primera fila y apareció espléndidamente vestida en la noche de estreno para responder sin tapujos a cualquier pregunta que la prensa le hizo referente a la producción. La venganza le llegaría en 1970 en el revival de la producción, donde finalmente Bernstein la incluyó. La relación con el director mejoró notablemente pues finalmente fue ella quién llevó el rol al disco, en la grabación que la CBS hizo en 1971.

Al parecer la relación entre ambas sopranos disfrutaba de buena salud durante las sesiones de grabación de este Re Pastore, pues ambas amalgaman a la perfección. La Grist se lleva el aria mas famosa de la ópera (L'Amero saró costante) y le hace justicia gracias al fraseo y lo hermoso del timbre. Es cierto que el rol de Aminta, originalmente escrito para el castrato soprano Tommaso Consoli, es mucho mas lucido que la música que el compositor escribió para Elisa, pero nuestra Lucía logra sacarle el jugo a su personaje gracias al manejo del estilo, la elasticidad del instrumento y la brillantez de su emisión. El resto del reparto se completa con un exigido Luigi Alva como Alessandro, la estupenda Arlene Saunders como Tamiri y un Agenore a cargo de un Nicola Monti de agradable timbre.

La grabación se realizó en el Palazzo Reale de Napoles, durante el mes de Junio de 1967.


Reri Grist (Aminta)
Lucia Popp (Elisa)
Arlene Saunders (Tamiri)
Nicola Monti (Agenore)
Luigi Alva (Alessandro)

The Orchestra of Naples
Denis Vaughan (Conductor)

RCA
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans

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martes, 25 de junio de 2019

Mozart - La Clemenza di Tito (Krenn - Berganza - Casula - Popp - Fassbaender) Kertész [FLAC]



Si mi memoria no falla, esta versión de "La Clemenza di Tito" fue la primera grabación estereofónica de la ópera. Aunque está repleta de excelentes cantantes (algunos legendarios), la estrella de la grabación es la batuta ágil de Kertész, quien logra sacar a la luz los elementos fuertes de la partitura, despojándola del carácter parco con el que por mucho tiempo se la asoció.

El elenco esta encabezado por Werner Krenn quién saca adelante un Tito de gran linea lírica, sin llegar a las profundidades interpretativas de Peter Schreier en la versión de Böhm. La Berganza crea un Sesto que sugiere siempre nobleza, tanto en el carácter como en el despliegue vocal que a ratos roza la perfección. A su lado Maria Casula compone una Vitellia de gran arrojo en lo vocal y gran variedad de emociones en los interpretativo. Por su lado Lucia Popp y Brigitte Fassbaender crean una Servillia y Annio de referencia tanto en lo vocal y estilístico, como también en lo interpretativo.

La Popp tuvo una relación muy cercana con "La Clemenza di Tito" y nos legó otras dos versiones: En 1976 participó en la famosa versión dirigida por Colin Davis, en la que es probablemente su mas lograda lectura del personaje de Servilia, y donde se encuentra acompañada además por el estupendo Tito de Stuart Burrows y la intensa Vitellia de Janet Baker. En 1993 participó en una versión dirigida por Harnoncourt pero esta vez en el rol de Vitellia.

La grabación se realizó en la Sofiensaal de Viena, durante el mes de Junio de 1967.



Werner Krenn (Tito)
Teresa Berganza (Sesto)
Maria Casula (Vitellia)
Lucia Popp (Servillia)
Brigitte Fassbaender (Annio)
Tugomir Franc (Publio)

Wiener Staatsopernchor
Winer Staatsopernorchester
István Kertész (Conductor)

Decca
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans

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sábado, 22 de junio de 2019

Krenek - Jonny spielt auf (Stewart - Lear - Popp) Hollreiser [iTunes Plus AAC M4A]




"Jonny spielt auf" del compositor austríaco Ernst Krenek fue uno de los iconos culturales mas representativos de la República de Weimar y un fenómeno de popularidad pocas veces visto en el mundo musical Alemán.

Krenek comenzó el trabajo de composición en el otoño de 1925, completándola en menos de 10 meses de trabajo. El compositor trató de escenificar la ópera primero en la Opera de Hamburgo pero fue rechazada. Pronto fue aceptada en el Stadttheater de Leipzig, un escenario relativamente mas pequeño, en donde recibió su estreno el 10 de febrero de 1927, dirigida por Gustav Brecher y escenificada por Walter Brügmann. La música de Krenek combina la tradición alemana con el atonalismo y el jazz. La mezcla, que a priori puede parecer muy extraña, funciona de manera soprendente gracias al genio del compositor.

A pocos días de su estreno ya se había convertido en un "Succès de Scandale" entre la critica especializada y el imparable éxito de publico: solo en su temporada de estreno fue representada 421 veces en 45 ciudades diferentes. Prácticamente se presentó en todos los teatros de Alemania y recibió además montajes en Francia, Finlandia, Hungría, Checoslovaquia, Polonia y Yugoslavia. En las Operas de Berlín y Viena, las presentaciones excedieron las cincuentena con facilidad y finalmente se presentó en el Metropolitan de New York el 19 de enero de 1929. Con un elenco que incluía a Florence Easton, Editha Fleischer y Friedrich Schorr, dirigidos por Arthur Bodanzki.

Sin embargo, con la llegada de los Nazis al poder, la suerte cambió por completo. En 1938 Hans Ziegler incluyó el titulo en su exhibición en Düsseldorf sobre la Entartete Musik (Música Degenerada) y la influencia del judaísmo en la música. De inmediato la obra fue censurada y se prohibió su representación. Tan grande fue la animosidad nazi contra Krenek, que fue incluido en el "Lexikon der Juden in der Musik", una enciclopedia publicada en 1940 en donde se catalogaba a todos los artistas involucrados en la industria musical y que podían ser definidos bajo la ley nazi como "judíos", a pesar de que Krenek no tenía parentesco alguno.

Ya para principios de la década del '40, la popularidad de la ópera había desaparecido por completo. La censura Nazi y el cambio cultural desatado por el estallido de la guerra, la convirtieron en una pieza de museo y su popularidad nunca más alcanzaría las cotas de su año de estreno.

Cuando se realizó esta grabación, Lucia Popp (nuestra Lucia), era un nombre relativamente desconocido en el mundo discográfico y este es, de hecho, su debut en el estudio de grabación. Un par de meses mas tarde vendría su Reina de la Noche para la "Flauta Mágica" estelar junto a Klemperer, que terminaría por catapultarla a la fama. Para cuando se editó esta versión de "Jonny spielt auf" en CD, el sello decidió poner su nombre en primer lugar pero lo cierto es que la soprano interpreta a Yvonne, quién claramente no es el personaje principal. El resto del reparto se completa con un puñado bastante ilustre de cantantes encabezados por Evelyn Lear y Thomas Stewart en los roles de Anita y Daniello, respectivamente y Gerd Feldhoff en el rol principal.

Con esta entrega abro un nuevo hilo dedicado a la Popp, en donde subiré algunas grabaciones que se quedaron en el tintero, incuidas un par de novedades...


Thomas Stewart (Daniello)
Evelyn Lear (Anita)
Lucia Popp (Yvonne)
William Blankenship (Max)
Gerd Feldhoff (Jonny)
Leo Heppe (Manager)
Kurt Equiluz (Bahnangestellter)
Anton Wendler (Erster Polizist)
Hans Handlos (Zweiter Polizist)

Wiener Volksoper
Wiener Akademie Kammerchor
Heinrich Hollreiser (Conductor)

Vanguard Classics
m4a@256Kbps | Cover
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martes, 18 de junio de 2019

Renée Fleming - Brahms, Schumann & Mahler Lieder [HD 48kHz-24bit]



Gracias a la prodigiosa técnica con la que ha sostenido su instrumento, la Fleming se perfila hoy en día como quizás el único ejemplo de un tipo de cantante que nos retrotrae a la década del '50: una Diva capaz de sostener una carrera de mas de tres décadas y de constante presencia en los centros musicales mas importantes del mundo, y que ha sabido desarrollar un repertorio que se expande desde el jazz hasta Wagner, pasando por el barroco, Mozart, Massenet, Verdi y Puccini, llegando incluso hasta los soundtracks de "El Señor de los Anillos" y convertirse en la voz de Bianca Castafiore en la versión animada de "The Adventures of Tintin" dirigida por Steven Spielberg.

Su nuevo álbum, dedicado al mundo del lieder, es en realidad una mezcla de dos grabaciones: los lieder acompañados al piano por Hartmut Höll se grabaron a comienzos de 2017, mientras que los Rückert-Lieder fueron registrados en 2010. La diferencia de fechas entre ambas sesiones de grabación pasa bastante desapercibida, mas que nada porque la soprano ha logrado mantener el esmalte de su voz en muy buenas condiciones a pesar de que ya bordeaba los 58 cuando grabó las canciones con piano y los 51 en los Rückert-Lieder. Una edad en la que muchas de sus coetáneas ya no les queda voz.

El nivel musical y expresivo del álbum está a la altura esperable: hay gran cuidado en la enunciación del texto, el tratamiento del legato y la distribución de las dinámicas. La Fleming aun es capaz de arcos de largo aliento y agudos en piano, ejemplo de esto es su versión para "Liebst du um Schönheit" de los Rückert-Lieder . Solo en las canciones al piano se puede advertir una ligera tendencia a los sonidos guturales y, de vez en cuando, un color vocal que deja en evidencia que estamos en presencia de una cantante que ya se acerca a los 60 años de vida.

Las sesiones de grabación correspondientes a los lieder de Brahms y Schubert se realizaron el 17, 19 & 20 de Enero de 2017 en el Instituto Italiano de Cultura en Budapest. La grabación de los Rückert-Lieder se realizó el 21, 22 & 24 de Octubre de 2010 en la Philharmonie im Gasteig en Munich.



Tracklist:

01. Brahms: Wiegenlied, Op. 49 - No. 4 (Lullaby)
02. Brahms: Lieder (5), Op. 106 - 1. Ständchen "Der Mond steht über dem Berg"
03. Brahms: Gesänge, Op. 70 Nos. 1-4 - 2. Lerchengesang
04. Brahms: Mondnacht, WoO 21
05. Brahms: Neun Gesänge, Op. 69 - 4. Des Liebsten Schwur
06. Brahms: Gesänge, Op. 43 Nos. 1-4 - 2. Die Mainacht
07. Brahms: 49 Deutsche Volkslieder, WoO 33 - Book I - 6. Da unten im Tale
08. Brahms: 5 Romanzen und Gesänge, Op. 84 - 4. Vergebliches Ständchen

Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42

09. 1. Seit ich ihn gesehen
10. 2. Er, der Herrlichste von allen
11. 3. Ich kann's nicht fassen, nicht glauben
12. 4. Du Ring an meinem Finger
13. 5. Helft mir, ihr Schwestern
14. 6. Süsser Freund, du blickest mich verwundert an
15. 7. An meinem Herzen, an meiner Brust
16. 8. Nun hast du mir den ersten Schmerz getan

Mahler: Rückert-Lieder

17. 1. Ich atmet' einen linden Duft
18. 2. Liebst du um Schönheit (Arr. Puttmann)
19. 3. Um Mitternacht
20. 4. Blicke mir nicht in die Lieder
21. 5. Ich bin der Welt abhanden gekommen


Renée Fleming (Soprano)
Hartmut Höll (Piano)
Münchner Philharmoniker
Christian Thielemann (Conductor)

Decca
Flac@48kHz-24bit | m4a@256Kbps | Digital Booklet + Cover

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jueves, 6 de junio de 2019

Berlioz - La Damnation de Faust (Verreau - Roux - Rubio - Mollet) Markevitch [HD 192kHz-24bit]



Es probable que los nombres que encabezan el reparto de esta clásica grabación de la obra de Berlioz no sean del todo familiares para la mayoría de los oyentes actuales, pero hay que decir que los puntos fuertes de esta versión siguen ubicandola al tope de la lista de las grabaciones disponibles en el catalogo.

El protagonista absoluto es la intensidad de la batuta de Igor Markevitch y su gran atención a los detalles de la orquestación y su maestría en el balance, que permite sacar a la luz todos los detalles de la partitura de Berlioz, imprimiéndole de paso su sello personal. La Marcha Húngara es un claro ejemplo del estilo del director; el tempo elegido es frenético pero firme y las secciones de bronces y percusión logran tomar la delantera por sobre el resto de los instrumentos no sólo en términos de decibeles sino también en nervio, conducción y emoción.

El Faust de Richard Verreau recuerda mucho a Nicolai Gedda. Aborda la tessitura aguda del personaje con aplomo y gran técnica pero palidece frente al sueco en la escena de la Invocatión à la Nature, donde en la comparación se queda corto de poderío e intensidad dramática. Michel Roux recrea un Méphistophélès de gran estilo y claridad en la dicción pero sin el color oscuro con el que tradicionalmente se asocia al personaje. Por su parte Consuelo Rubio cumple con una Marguerite de bello color vocal.

Mención especial merece el equipo de técnicos de sonido liderados por Hans Ritter y Günter Hermanns, quienes logran una de las mejores grabaciones estereofónicas de los años '50. El trabajo de remasterización es estupendo y saca a la luz la brillantez del sonido original. Lo lamentable es que DG no haya querido incluir "Harold en Italie" como lo hizo en 2002 cuando presentó esta Damnation en la serie Originals.

La grabación se realizó en la Salle de la Mutualité en París, durante el mes de Mayo de 1959. La remasterización proviene de los estudios Emil Berliner.


Richard Verreau (Faust)
Michel Roux (Méphistophélès)
Consuelo Rubio (Marguerite)
Pierre Mollet (Brander)

Choeurs Elisabeth Brasser
Choeurs Enfants RTF
Orchestre Lamoureux
Igor Markevitch (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@192kHz-24bit | m4a@256Kbps | Digital Booklet + Cover

HD 192kHz-24bit: Part 1    Part 2

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jueves, 30 de mayo de 2019

Lise Davidsen [HD 96kHz-24bit]




El sello Decca no escatima recursos en el debut discográfico de la soprano noruega Lise Davidsen, quien de paso se convierte en la primera artista venida desde Escandinavia en firmar contrato con Decca desde Birgit Nilsson y en la primera noruega en grabar bajo el sello inglés desde Kirsten Flagstad.

Este tipo de guiños recorren todo el álbum, explícitamente en el mini-ensayo de Andrew Mello, como también en el repertorio escogido: una especie de homenaje-comparación con la figura de la Flagstad, la ilustre coterranea de Davidsen.

El debut discográfico de la soprano viene precedido de éxitos. Tras graduarse de la Opera Academy de Copenhagen recibió el Premio Léonie Sonning  y el Danis Singers Award. El mismo año comenzó a recibir ayuda financiera de las Fundaciones Skipsreder Tom Wilhelmsen, Karen and Arthur Feldthusens & Sine Butenschøns.

En 2015 participó en Operalia y ganó el Premio Birgit Nilsson y el Premio del Público. El mismo año ganó el Queen Sonja International Music Competition y el Hans Gabor Belvedere Competition en Amsterdam. El debut escénico de la soprano había ocurrido en 2014 en los roles de Perro y Búho en "La Zorrita Astuta" escenificada por la Opera Real Danesa. Se presentó también en ese mismo escenario como Emilia en el "Otello" de Verdi y Rosalinde de "Die Fledermaus" de Johann Strauss.

Para la temporada 2018/19 la soprano tiene planeado su debut en Bayreuth como Elisabeth en "Tannhäuser" dirigida por Valery Gergiev y con el mismo rol se presentará también en la Opera de Zurich y la Bayerische Staatsoper. También se presentará como Lisa en "La Dama de Picas" en la Opera Estatal de Stuttgart y debutará en el Covent Garden de Londres en el ciclo del Anillo wagneriano.

Como podemos apreciar, las credenciales, el apoyo económico y los planes a futuro de la soprano son grandes, no así su experiencia con el repertorio elegido para este recital. En términos interpretativos la indiferencia y superficialidad con la que se acerca a las Cuatro Últimas Canciones es exasperante, algo parecido se puede decir del resto de las canciones de Strauss. En Wagner sucede algo similar, con el agregado extra de un fraseo que muchas veces carece de dirección y musicalidad.

Técnicamente la soprano está a años luz de sus ilustres antecesoras. El color medianamente aterciopelado de su voz lo consigue a base de engolamientos y vocales deformadas. El registro agudo se sostiene gracias a la juventud y el empuje, mientras que lo rudimentario de su manejo del aire, provoca constantes notas lisas, sin vibrato (usulamente en los ataques) y todas tendientes a la desafinación.

Personalmente no había visto un operativo publicitario de estas proporciones desde el protagonizado por la Netrebko y Deutsche Grammophon para su álbum "Sempre Libera" en 2004.

La grabación se realizó entre el 28 & 29 de Septiembre y el 6 & 7 de Octubre de 2018 en el Henry Wood Hall de Londres.


Tracklist:

1. Tannhäuser: Dich, teure Halle, grüß ich wieder
2. Tannhäuser: Allmächt'ge Jungfrau, hör mein Flehen!
3. Ariadne auf Naxos: Es gibt ein Reich
4. Vier Lieder Op. 27: 1. Ruhe, meine Seele!
5. Vier Lieder Op. 27: 2. Cäcilie
6. Vier Lieder Op. 27: 3. Heimliche Aufforderung (Arr. Heger)
7. Vier Lieder Op. 27: 4. Morgen!
8. Wiegenlied Op. 41, No. 1
9. Malven, TrV 297 (Arr. Rihm)
10. Vier letzte Lieder: 1. Frühling
11. Vier letzte Lieder: 2. September
12. Vier letzte Lieder: 3. Beim Schlafengehen
13. Vier letzte Lieder: 4. Im Abendrot

Lise Davidsen (Soprano)
Philharmonia Orchestra
Esa-Pekka Salonen (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Digital Booklet + Cover


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sábado, 25 de mayo de 2019

Sandrine Piau - Si J'ai Aimé [HD 96kHz-24bit]




El nuevo disco de Sandrine Piau la trae de vuelta al siglo XIX, esta vez de la mano de Le Concert de la Loge que lidera el violinista Julien Chauvin. El repertorio elegido gira en torno al mundo de la canción francesa en transcripciones orquestales recientemente sacadas a la luz por la Fundación del Palazetto Bru Zane.

El Centre de musique romantique française, asentado en el Palazetto Bru Zane, que ya en 2017 había publicado diecinueve canciones orquestadas de Camille-Saëns, recurre nuevamente a su vasta biblioteca de rarezas para presentarnos un programa que reúne a nombre famosos como los de Saint-Saëns, Berlioz, Massenet o Duparc, con otros raramente grabados como Pierné, Dubois o Bordes.

Sandrine Piau se acerca el repertorio romántico sin acceder a cambiar los aspectos mas barrocos de su técnica y emisión vocal. Consumido en su totalidad; es decir de principio a fin, el disco es muy disfrutable mas que nada por la musicalidad, el encanto y la frescura con que la soprano se dedica a presentar un programa bastante desconocido. Consumido en pequeñas dosis, en camio, salen a la luz y queda en evidencia que el canto de la soprano tiene muy poco que ver con lo que estamos acostumbrados a oír en este repertorio: un vibrato mas amplio, sin tonos lisos y un color vocal mas cálido y pastoso.

Le Concert de la Loge toca con instrumentos originales, produciendo un sonido particularmente hermoso en la gama mas central del espectro.

La grabación se realizó en marzo de 2018 en el Arsenal-Cité Musicale de Metz.



Tracklist:

1 Saint-Saëns: Extase
2 Saint-Saëns: Papillons
3 Bordes: Promenade matinale
4 Berlioz: Les Nuits d'été, H. 81: Au cimetière
5 Massenet: Le Poète et le Fantôme
6 Pierné: Album pour mes petits amis, Op. 14: Chanson d'autrefois
7 Dubois: Si j'ai parlé... Si j'ai aimé
8 Berlioz: Les Nuits d'été, H. 81: Villanelle
9 Dubois: Musiques sur l'eau: Promenade à l'étang
10 Vierne: Trois mélodies, Op. 11: Beaux papillons blancs
11 Duparc: Aux étoiles
12 Guilmant: Ce que dit le silence
13 Dubois: Sous le saule
14 Saint-Saëns: Aimons-nous
15 Massenet: Valse très lente
16 Saint-Saëns: L'enlèvement
17 Godard: Symphonie gothique, Op. 23: Grave
18 Martini: Plaisir d'amour (Orchestration d'Hector Berlioz)

Sandrine Piau (Soprano)
Le Concert de la Loge
Julien Chauvin (Violin, Conductor)

ALPHA
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Digital Booklet + Cover

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