miércoles, 5 de diciembre de 2018

Strauss - Die Fledermaus (Varady - Prey - Popp - Rebroff - Kollo) Kleiber [HD 96kHz-24bit]



Este posteo es otra actualización de un publicación de noviembre de 2013 (muchos años!) pero ahora en su edición en Alta Definición.

Para muchos esta edición es una de las grandes versiones de "Die Fledermaus" principalmente por la trepidante dirección de Carlos Kleiber pero la elección de Iwan Rebroff como Orlofsky me sigue pareciendo incomprensible y sólo por eso no puede ser considerada una versión redonda.

El reparto está encabezado por la estupenda Rosalinde de Julia Varady, segura en la amplia tesitura y lo suficientemente dúctil para hacer frente a la batuta de Kleiber. El Eisenstein de Hermann Prey es uno de los mas bellamente cantados de toda la discografia a pesar de que el rol está escrito originalmente para tenor. Nuestra Lucia se luce como Adele, sacando a relucir su experiencia en la operetta y su plateado y flexible instrumento. Rene Kollo saca adelante un brillante Alfred, dejando constancia de lo bien que le venía la operetta. El Orlofsky de Rebroff es un desperdicio y un error de distribución que priva a la opera de un pilar fundamental.

A pesar de las excelencias del reparto la verdadera estrella de la grabación es Carlos Kleiber. El director austriaco fue una de las figuras musicales mas interesantes del siglo pasado y, a pesar de su restringido repertorio y las numerosas cancelaciones, su popularidad y renombre entre fanáticos y colegas se mantiene intacto. La carrera discográfica del director comenzó en 1973 con un aplaudido "Der Freischütz" y culminó en 1982 con un conflictivo "Tristan und Isolde". En total solo realizó 8 grabaciones para la DG y una para EMI por lo que sus acercamientos al estudio deben tenerse por verdaderos tesoros.

La dirección de Kleiber está a la altura de su leyenda, los tempos son rápidos y muchas veces frenéticos, son notables la claridad y flexibilidad rítmica y los contrastes entre el lirismo y los momentos mas jubilosos de la partitura de Strauss.

La grabación se realizo en el Munich Herkulessaal Concert Hall durante el mes de octubre de 1975.


Julia Varady (Rosalinde)
Hermann Prey (Gabriel von Eisenstein)
Lucia Popp (Adele)
Iwan Rebroff (Prinz Orlofsky)
René Kollo (Alfred)
Bernd Weikl (Dr. Falke)
Benno Kusche (Frank)
Ferry Gruber (Dr. Blind)
Evi List (Ida)
Franz Muxeneder (Frosch)
Nikolai Lugowoi (Ivan)

Bayerischer Staatsopernchor
Bayerisches Staatsorchester
Carlos Kleiber (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

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lunes, 19 de noviembre de 2018

Grieg - Peer Gynt, Incidental Music op. 23 (Popp) Marriner [FLAC]



Este post es en realidad una actualización y conmemoración de un posteo que subí en noviembre de 2013, cuando en un ataque de fanatismo me di a la tarea de recolectar la discografía de Lucia Popp para conmemorar los 20 años de su fallecimiento. El link estaba caído así que lo subo ahora también en formato Flac.

A los recien llegados hay que recordarles que este blog tiene un apego importante a la figura de Lucia Popp (es una de mis cantantes favoritas) y siempre vuelve, ya sea en re-subidas o material "nuevo". Y si alguien me dice ahora que todo es cíclico pues en este momento le creería mucho: La Popp cumplió años el pasado 12 de noviembre y el 15 de este mismo mes se cumplieron ya 25 años de su muerte... ¿Coincidencias?

A pesar del tiempo y la carátula del disco, es muy justo decir que esta selección de "Peer Gynt" de Grieg es una de las mejores disponibles en el mercado, no sólo por la sensibilidad y el brío de la dirección de Marriner sino también por la selección en sí, que sigue el orden teatral partiendo por la Escena de la Boda y finalizando con la Canción de Solveig, delicadamente interpretada por Lucia Popp.

La grabación se realizó en el estudio No. 1 de Abbey Road en Londres entre el 28 y 30 de Julio de 1982.


Tracklist:

1. Act 1: Prelude (Wedding Scene)
2. Wedding March
3. Act 2: Prelude (Abduction & Ingrid's Lament)
4. In The Hall Of The Mountain King
5. Dance Of The Mountain King's Daughter
6. Aase's Death
7. Prelude To Act 4 (Morning)
8. Arabian Dance
9. Anitra's Dance
10. Solveig's Song
11. Act 5: Prelude (Return Of Peer Gynt, Storm Scene)
12. Solveig's Cradle Song

Lucia Popp (Soprano)
Academy of St. Martin in the Fields
Neville Marriner (Conductor)

EMI
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans


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viernes, 16 de noviembre de 2018

Wagner - Götterdämmerung (Windgassen - Nilsson - Frick - Fischer-Dieskau - Watson - Ludwig) Solti [HD 48kHz-24bit]




La última jornada del anillo fue la tercera ópera en grabarse. Para estas alturas el equipo de producción encabezado por John Culshaw se atrevía cada vez mas con los efectos de sonido disponibles con la tecnología de la época y sugeridos, de alguna manera, por Wagner mismo a sabiendas de que eran casi imposibles de lograr en su tiempo. El equipo trabajó incansablemente para asegurarse que el sonido logrado entregara tanto drama como fuese posible y así, casi todas las sugerencias de la obra están presentes y tratadas a través de efectos sonoros, desde los truenos del acto primero, los cornos y la aparición de Alberich del segundo, la pelea de espadas entre Gunther y Hagen y el derrumbe del Hall de los Gibichungos de la escena final. Probablemente el mas controversial sea el micrófono pegado a la garganta y el filtro aplicado a la voz de Windgassen cuando aparece disfrazado de Gunther ante Brünnhilde en la escena que cierra el acto primero. Muchos oyentes lo encontraran sobrecargado (y hasta Kitsch) pero es indudable el ambiente que agrega a la grabación.

El reparto está dominado por la enjundiosa Brünnhilde de Birgit Nilsson, tocando la cima absoluta en lo que se refiere a arrojo vocal, dominio del registro agudo y conocimiento de las diferentes aristas dramáticas de su personaje. Se la puede oír en la gloria absoluta en el trío que cierra el acto segundo y, como no, en la larga escena de inmolación. Windgassen entrega la parte mas lírica de Siegfried sin mayores signos de desgaste y con las mismas cuotas de inteligencia y entendimiento de su personaje que mostrara en la jornada anterior. Gottlob Frick por su parte crea el retrato mas malévolo de Hagen disponible en disco, haciéndonos recordar tanto vocal como dramáticamente a su padre, Alberich, nuevamente interpretado por el gran Gustav Neidlinger. La pareja de Gibichungos está estupendamente servida por una ideal Claire Watson como Gutrune y Dietrich Fischer-Dieskau como Gunther, quizás demasiado lírico para la parte pero logra crear un personaje mucho mas interesante que el de otros colegas.

La versión cuenta ademas con varios lujos extras en los roles menores; Christa Ludwig como una aguerrida Waltraute, y un equipo inmejorable de Nornas que incluye a Helen Watts, Grace Hoffmann y la estupenda Anita Välkki, además de un trío estelar de Hijas del Rhin donde sobresalen Gwyneth Jones y una juvenil Lucia Popp.

La dirección de Solti es dramática, con agudo sentido del detalle y una precisión rítmica que eran su marca de fábrica. Logra grandes momentos dramáticos en el trío del segundo acto, la marcha fúnebre y la colosal escena de la inmolación. Tanta intensidad termina dañando un poco los momentos mas líricos pero ya sea por la fuerza o el simple goce sonoro, la suya sigue siendo una versión referencial en muchos aspectos.

El remaster agrega mas rango dinámico, claridad en los efectos de movimientos espacial y también mas decibles en comparación a la versión de 1997. El nuevo tratamiento devela también muchos mas detalles de la orquestación perfectamente captada en la grabación original.


Wolfgang Windgassen (Siegfried)
Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Gottlob Frick (Hagen)
Claire Watson (Gutrune)
Dietrich Fischer-Dieskau (Gunther)
Gustav Neidlinger (Alberich)
Christa Ludwig (Waltraute)
Lucia Popp (Woglinde)
Gwyneth Jones (Wellgunde)
Maureen Guy (Flosshilde)
Helen Watts (Erste Norn)
Grace Hoffman (Zweite Norn)
Anita Välkki (Dritte Norn)

Wiener Staastopernchor
Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
Flac@48kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

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miércoles, 14 de noviembre de 2018

Wagner - Siegfried (Windgassen - Nilsson - Hotter - Neidlinger - Stolze - Böhme) Solti [HD 48kHz-24bit]




Como todos los ciclos del Anillo del Nibelungo, el de Solti también tiene sus altos y bajos. Quizás el punto mas alto se logran en "Das Rheingold", gracias al cast de lujo y la dirección poderosa y llena de nervio de Solti. "Siegfried" y "Götterdämmerung" se ubican también a gran nivel pero claramente un par de escalones por detrás de la primera jornada. El cast tiene puntos altísimos en la vocalidad e interpretación y por otro lado el equipo de grabación estaba totalmente consolidado y respaldado por la recepción de la critica, las ventas de "Das Rheingold" y con una nueva consola de grabación instalada en la Sofiensaal para empujar el límite un poco mas lejos.

La grabación no estuvo exenta de problemas y el mas grande fue encontrar al tenor protagonista. John Culshaw le dedica un par de páginas a este tema en su libro "Ring Resounding". Al parecer la idea era encontrar a un cantante joven para incluirlo en el proyecto a modo de "artista revelación". La búsqueda no fue fácil pero en el camino se encontraron con Ernst Kozub, un Heldentenor alemán de 38 años quien se convirtió fácilmente en la primera opción. Se hicieron ensayos y pruebas de grabación y rápidamente quedó al descubierto que Kozub no se sabía el rol a cabalidad y debió ser reemplazado a última hora por Wolfgang Windgassen, quien era 10 años mayor y se encontraba ya entrando a la última etapa de su carrera.

A Windgassen le falta el tono heroico y baritonal típico de las voces de Heldentenor (siendo Melchior el arquetipo) pero a falta de fuste y color oscuro, el tenor entrega grandes cuotas de lirismo e inteligencia para abordar la parte. El tenor logra su mejor versión de Siegfried (ayudado por los ensayos entre tomas para no terminar exhausto) y se coloca fácilmente entre las mejores versiones captadas en disco. Gerhard Stolze crea a su lado un malévolo y calculador Mime, alcanzando una profundidad interpretativa que aun no ha sido superada. Hans Hotter está en mucho mejor estado vocal que en "Die Walküre", su Wanderer está lleno de nobleza en la interpretación y en la linea de canto (aun no tan afectada por el vibrato amplio). Gustav Neidlinger repite su retrato de Alberich a la misma altura que lo hiciera en "Das Rheingold", agregando cuotas extras de desesperación. Kurt Böhme entrega una cavernosa lectura de Fafner (ayudado por los efectos de sonido) y Marga Höffgen logra algo parecido en Erda. Un lujo extra es el Waldvogel de Joan Sutherland, por entonces en el comienzo de su carrera internacional.

A pesar de las excelencias del reparto, el triunfo indiscutido de la grabación es la Brünnhilde de Birgit Nilsson. El enfoque vocal es lo mas cercano a la perfección que se puede oír y la tesitura imposible, plagada de Si naturales y Do agudos, no le presenta ningún problema.

Solti empuja a la Filarmonica de Viena a tocar con gran intensidad y control rítmico, especialmente en la escena de la forja, pero también sabe entregar la parte mas lírica de los Murmullos del Bosque y el despertar de Brünnhilde.

La grabación se realizó entre 8 al 18 de Mayo y del 22 de octubre al 5 de Noviembre de 1962  en la Sofiensaal de Viena.




Wolfgang Windgassen (Siegfried)
Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Hans Hotter (Der Wanderer)
Gerhard Stolze (Mime)
Gustav Neidlinger (Alberich)
Kurt Böhme (Fafner)
Marga Höffgen (Erda)
Joan Sutherland (Der Waldvogel)

Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
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sábado, 10 de noviembre de 2018

Wagner - Die Walküre (Nilsson - Hotter - King - Crespin - Ludwig) Solti [HD 48kHz-24bit]





La segunda jornada del ciclo se grabaría entre octubre y noviembre de 1965. Si el proyecto se hubiese grabado según el orden argumental, "Die Walküre" debió haber seguido a "Das Rheingold", sin embargo la Nilsson ya había grabado su Brünnhilde para la versión de Leinsdorf en 1961 publicada al año siguiente en RCA, lo que imposibilitó mantener el orden, debido a las restricciones que le imponía el contrato a la soprano. Así las cosas, la Decca grabó "Siegfried" en las sesiones de 1962 y dejó "Die Walküre" para cerrar el ciclo con su lanzamiento en 1966, lo suficientemente espaciada con la versión RCA para no crear problemas contractuales entre las disqueras.

La versión está dominada por el impresionante retrato sonoro que hace la Nilsson del rol de Brünnhilde. La soprano está captada en sus mejores años y hace frente al personaje con formidable energía, arrojo y seguridad vocal inigualada. Puede que falten matices interpretativos pero lo que se oye echa por tierra cualquier consideración negativa que se pueda tener. Hans Hotter entra en reemplazo de George London, quién sufriría una parálisis en las cuerdas vocales que terminó por acabar con su carrera. El bajo alemán bordeaba los 56 años de edad y ya los signos de desgaste vocal son demasiado evidentes. El vibrato amplio y la dificultad para abordar el extremo del registro terminan por arruinar un retrato interpretativo que aun logra construir con grandes cuotas de autoridad y pathos. La pareja de hermanos está estupendamente cantada en las voces de Regine Crespin, aun en plena forma, y James King entregando el lado mas viril de Siegmund. Christa Ludwig es todo un lujo en el rol de Fricka. El elenco se completa con un amenazante Hunding a cargo de Gottlob Frick y un estupendo equipo de Valquirias encabezadas por una joven Brigitte Fassabaender como Waltraute.

En términos sonoros esta Walküre está estupendamente captada por lo ingenieros de la Decca quienes se las arreglan para grabar y captar de manera satisfactoria las voces de la Crespin y Nilsson, dos legendarios cañones. El remaster agrega profundidad y se hacen evidentes además los efectos de sonido aplicados a las Valquirias para sugerir su movimiento en el espacio. Recomiendo oír la versión en alta definición en el mejor equipo posible para apreciar esto último.



Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Hans Hotter (Wotan)
James King (Siegmund)
Regine Crespin (Sieglinde)
Gottlob Frick (Hunding)
Christa Ludwig (Fricka)
Brigitte Fassbaender (Waltraute)
Berit Lindholm (Helmwige)
Helga Dernesch (Ortlinde)
Vera Schlosser (Gerhilde)
Helen Watts (Schwertleite)
Vera Little (Siegrune)
Claudia Hellmann (Rossweisse)
Marilyn Tyler (Grimgerde)

Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
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martes, 6 de noviembre de 2018

Wagner - Das Rheingold (London - Flagstad - Neidlinger - Svanholm - Wächter) Solti [HD 48kHz-24bit]



El historial de remasterizaciones editadas del Anillo de Solti es largo y complicado pero a través de esta edición de lujo publicada por Decca en 2015 (ya oficialmente la penúltima) trataré de contar el cuento de manera mas o menos ordenada.

El primer traspaso a formato digital ocurrió en 1984, el resultado, como el de la mayoría de los primeros traspasos a cd, estaba lleno de sonido de roce y durezas en la amplitud total de las frecuencias (no nos olvidemos de la discografía de la Callas que apareció en Emi por esos mismos años y con los mismos defectos...).
En 1997 se "corrigió" este defecto sometiendo la cinta a la tecnología Cedar que elimina casi en su totalidad el sonido de roce pero se lleva consigo un gran numero de frecuencias graves y agudas. El resultado fue polémico pero en términos generales un gran avance. Este remaster se publicó tanto de manera íntegra como también formando parte del box "Wagner: The Operas"
En 2012 se editó un tercer y último remaster publicado en tres tandas entre 2012 y 2015. Este tercer intento sin embargo está elaborado sobre el mismo trabajo realizado en 1997. Al parecer las cintas originales ya están estropeadas y no pueden ser sometidas a un nuevo proceso. Teniendo esto en cuenta, el resultado es ligeramente superior a lo ocurrido en 1997 y se aprecia en mayor medida en la edición en bluray, donde el audio en alta definición abre una nueva perspectiva al reproducirse con el equipamiento adecuado.

De manera paralela al trabajo realizado en Decca, la firma japonesa Esoteric publicó en Enero de 2009 una remasterización en Super Audio CD. Este trabajo se reproduce a 96kHz/24bit, lo que lo pone a la cabeza de todos los anteriores y (hasta ahora) posteriores intentos de restauración.

Por otro lado durante este año Stereo Sound editó, también en Japón, un nuevo remaster pero proveniente de una fuente diferente. Se trata en este caso de una "Copia de Seguridad" enviada por Decca durante los '70 a King Records en Japón. La copia fue creada de manera exacta al master original y por lo tanto preserva la grabación sin ninguna interferencia de tecnologías anti-ruido a la que fue sometida en 1997. Este nuevo remaster aun no está disponible fuera de Japón.

Así las cosas, y mientras pienso en cómo conseguir este último remaster, les presento aquí la primera jornada del Anillo en la remasterización de 2012 en Alta Definición y también en una copia apta para uso mas doméstico.

En términos artísticos, la grabación de Solti es sin dudas una piedra angular no solo de la discografía wagneriana sino también de toda la historia del sonido grabado. Fue la primera grabación del ciclo completo y por lo tanto tuvo una preparación y un despliegue técnico sin precedentes, tanto artístico como logístico y tecnológico. John Culshaw, el productor, ideó el proyecto con la naciente tecnología del Stereo como base y creó a partir de esta una tetralogía llena de efectos de sonido sin precedentes para la época. Su versión del Anillo (sería bastante justo decir que es mas suya que de Solti...) fue una empresa que además de potenciar el naciente mercado de las operas completas llevadas al disco, potenció de manera significativa la difusión del Stereo porque para apreciar el LP en su totalidad había que reproducirlo en un equipo Stereo.

El plantel de estrellas con las que cuenta Solti para este "Rheingold" es simplemente insuperable. George London encarna con monumental voz a Wotan y a su lado brilla casi como un testimonio de una época dorada del canto, la Fricka de la legendaria Kirsten Flagstad. La soprano tenía 63 años para la época, salió de su retiro artístico y aprendió el rol especialmente para la grabación y nos lega aquí una última y vibrante muestra de lo que fue probablemente el instrumento mas glorioso ligado al repertorio wagneriano de todos los tiempos. A este dúo de gigantes se suma Gustav Neidlinger, quien crea en Alberich el arquetipo del Nibelungo por el que se medirán todos los demás. A pesar de las durezas de emisión, el retrato detallado que logra de la psicología de su personaje sigue impresionando. Cierra el círculo Set Svanholm, otra leyenda de su tiempo, en su lírico retrato de Loge. El resto del elenco está a una altura inigualada por ninguna otra versión. Sobresale la interpretación de Paul Kuen como Mime y los timbres heroicos y brillantes de Claire Watson como Freia, Waldemar Kmentt como un poderoso Froh y Eberhard Wächter como un vibrante Donner. En el espectro mas grave, la cavernosa voz de Kurt Böhme como Fafner y Jean Madeira como Erda. El trío de Hijas del Rhin está estupendamente servido por Oda Balsborg, Hetty Plumacher e Ira Malaniuk.

La grabación se realizó entre Septiembre y Noviembre de 1958 (hace exactamente 60 años), en la Sofiensaal de Viena.



George London (Wotan)
Kirsten Flagstad (Fricka)
Gustav Neidlinger (Alberich)
Set Svanholm (Loge)
Claire Watson (Freia)
Waldemar Kmentt (Froh)
Eberhard Wächter (Donner)
Paul Kuen (Mime)
Jean Madeira (Erda)
Walter Kreppel (Fasolt)
Kurt Böhme (Fafner)
Oda Balsborg (Woglinde)
Hetty Plumacher (Wellgunde)
Ira Malaniuk (Flosshilde)

Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
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miércoles, 31 de octubre de 2018

Donizetti - Parisina (Caballé - Pruett - Quilico - Morris) Queler [FLAC]




La carrera discográfica de la Caballé está plagada de desaprovechamientos, probablemente el caso mas emblemático sea su Leonora de "Il Trovatore" que nunca llevó al estudio de grabación a pesar de varias tentativas. Pero detrás de este caso, existe una nutrida lista de papeles que la soprano visitó, principalmente en terreno belcantista y que los sellos discográficos decidieron ignorar por completo. La lista es larga pero hay que citar obligadamente al ciclo Tudor: "Anna Bolena", "Roberto Devereux" y "Maria Stuarda", "Semiramide" de Rossini, "La Straniera" de Bellini y, como no, a "Parisina d'Este" del mismo Donizetti.

Desde el momento de su salto a la fama con la "Lucrezia Borgia" en el Carnegie Hall en Julio de 1965, el futuro mas inmediato de la soprano estuvo fuertemente ligado tanto a la sala neoyorkina como al repertorio belcantista, con especial énfasis en Donizetti. Así, en diciembre del mismo año apareció en "Roberto Devereux", seguido de "Il Pirata" (1966), "Maria Stuarda" y "Giulio Cesare" (1967), La Straniera (1969), "Parisina d'Este" (1974), Gemma di Vergy (1976) y "Aroldo" (1979).

La ópera narra la trágica historia de Laura Malatesta, decapitada en 1425 a los 21 años junto a su hijastro y amante Ugo, apenas un año menor, por orden de su marido Nicolò III d´Este, marqués de Ferrara (1383-1431), padre del joven por su unión ilegítima con Stella de´ Tolomei. La vida de Laura Malatesta fascinó a una larga lista de autores desde Matteo Bandello (1554) hasta Lord Byron (1816), en quien se basa el libreto escrito por Felice Romani.

A pesar de la inspiración directa, el libreto altera varios elementos de la historia original para hacerlos aceptables a la mentalidad de la corte toscana de los Habsburgo: aquí Ugo es hijo legítimo, pero secreto, de Azzo; su desmesurado y compartido amor por Parisina, que data de una infancia vivida en común, permanece platónico y no ha llegado a consumarse, mientras el enamorado Azzo revive en sus celos operáticos la presunta traición que causó la muerte a la madre de Ugo; un libreto muy telenovelesco acorde al gusto de la época. Y Parisina, por su parte, no es decapitada sino que, siguiendo el estilo donizettiano y melodramático esperable, muere de dolor entre el drama y la coloratura al contemplar el cadáver de Ugo.

La ópera se estrenó el 17 de marzo de 1833 en el Teatro della Pergola de Florencia y fue uno de los títulos mas apreciados por su autor. Gozó de buena popularidad en sus primeros años como parte del repertorio. Al año siguiente se montó una producción en Madrid, en 1836 el título cruzó el Atlántico y se presentó en La Habana, New Orleans en 1837, Lima en 1841 y Santiago en 1844. Siguiendo el destino de la amplia mayoría del repertorio belcantista, la ópera desapareció de los escenarios rápidamente y sólo volvió a ser escenificada en Siena (1964) protagonizada por Marcella Pobbe. A pesar de esto la ópera no despertó el interés ni de Callas, Sutherland, Sills o Gencer y a pesar de los esfuerzos de la Caballé, hay que decir que el titulo no forma parte del repertorio habitual.

La ópera le ofrece a la Caballé un gran vehículo para el lucimiento de los mejor de su canto: legato de linea amplía y un buen numero de oportunidades para adornar con sus famosos pianissimi, especialmente en su aria del segundo acto "Sogno talor di correre". El resto del elenco la acompaña a gran nivel y si bien la voz de Jerome Pruett no suena todo lo estelar esperable, tanto Quilico como Morris, captado en el comienzo de su carrera, sirven con autoridad a sus personajes.



Montserrat Caballé (Parisina d'Este)
Jerome Pruett (Ugo)
Louis Quilico (Azzo)
James Morris (Ernesto)
Eleanor Bergquist (Imelda)

Opera Orchestra odf New York
Eve Queler (Conductor)

Myto Records
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miércoles, 17 de octubre de 2018

Weber - Der Freischütz (Janowitz - Schreier - Adam - Mathis) Kleiber [HD 96kHz-24bit]




"El Cazador Furtivo" es considerada la piedra fundacional de la ópera alemana del romanticismo, se estrenó el 18 de Junio de 1821 en el histórico Konzerthaus de Berlín, mismo lugar que elegiría Leonard Bernstein en la navidad de 1989 para dirigir su famosa versión de la Novena Sinfonía de Beethoven que celebraba la caída del Muro de Berlín con una orquesta y coro compuestos por músicos de ambos lados de la extinta cortina de hierro.

Desde su estreno la ópera gozó de gran éxito, sobrepasando rápidamente los limites de Alemania. A fines del mismo año de estreno, se presentó en Viena, a lo que siguieron producciones en Karlsruhe, Praga y Copenhage. Finalmente en 1824 llegó a Londres y París con sendas producciones en idioma local.

Ya sea por el mero goce sonoro, la gran calidad del canto o por la apabullante batuta de Kleiber, esta grabación se pone a la cabeza de todas las versiones, teniendo en cuenta que la competencia es bastante fuerte, especialmente Jochum en DG o Davis en Philips.

El reparto está encabezado por el Max de Peter Schreier, estupendamente cantado y lleno de detalles en la caracterización, a su lado la Janowitz produce en Agathe uno de sus mejores trabajos legados al disco. A la esperable belleza vocal, la soprano logra además darle profundidad a un rol bastante ingrato en términos interpretativos. Lujos extras son el Kaspar de Theo Adam, la Ännchen de Edith Mathis y el Hermita de Franz Crass.

Esta grabación fue el primer proyecto en la corta y accidentada carrera discográfica de Carlos Kleiber, por entonces una estrella en ascenso. Las principales características de su batuta ya están presentes: el extremo cuidado que ponía a los detalles de la partitura, los tempi ágiles (algunos controvertidos) y el carácter atrevido, autoritario y fresco que imprime a la música de Weber.

En sus dos traspasos anteriores al formato digital, esta grabación siempre ha sonado muy bien. Si bien el audio en Alta Definición agrega una cuota extra de espacio, hay que decir que no hay gran diferencia con la remasterización de 1998.

La grabación se realizó en la Lucaskirche de Dresden, entre el 22 de enero y el 6 de febrero de 1973.



Gundula Janowitz (Agathe)
Peter Schreier (Max)
Edith Mathis (Ännchen)
Theo Adam (Kaspar)
Bernd Weikl (Ottokar)
Siegfried Vogel (Kuno)
Franz Crass (Ein Ermit)
Günther Leib (Killian)
Renate Hoff
Brigitte Pfretzschner
Renate Krahmer
Ingeborg Springer (Brautjungfern)

Rundfunkchor Leipzig
Staatskapelle Dresde
Carlos Kleiber (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

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viernes, 12 de octubre de 2018

Montserrat Caballé - Great Operatic Recordings [iTunes Plus AAC M4A]




El pasado 6 de octubre falleció en Barcelona la gran Montserrat Caballé. Sirva este post como homenaje a una de las última divas de la ópera y, aunque no lo parezca, una de las favoritas de este blog.

María de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folch nació en Barcelona el 12 de abril de 1933. Según cuenta la biografía de Robert Pullen, la Caballé sobrevivió al parto sólo de milagro: vino al mundo con el cordón umbilical fuertemente enrollado al cuello y se tuvo que improvisar una operación a fin de salvarla. La niñez de Caballé estuvo marcada por las penurias económicas  resultantes del crack del '29 y los problemas de desabastecimientos que enfrentó Barcelona durante la guerra civil. Con gran esfuerzo pudo inscribirse en el Conservatorio Superior del Liceo, de donde se graduó en 1954 con medalla de oro.

Tras una serie de audiciones por Nápoles, Roma, Florencia y Stuttgart, la soprano fue contratada por la Opera Estatal de Basilea entre 1956-58 y luego la de Bremen entre 1959-62. Durante este período aprendió al menos una cincuentena de roles que la llevaron a cantar desde el barroco hasta música contemporánea, incluido un par de estrenos mundiales. Pudo también hacer apariciones en Hannover como "Aida", un auspicioso debut en Viena con el titular de "Salomé", una modesta aparición en La Scala de Milan como Muchacha Flor en "Parsifal" y un exitoso debut en el Liceo de Barcelona con el titular de "Arabella" de Richard Strauss.

Las exigencias impuestas por su contrato con Bremen, el escaso control que tenía a la hora de escoger repertorio y varias dolencias físicas atribuibles a la depresión la llevaron a no renovar contrato y darse un plazo de un año para replantear su carrera que esta vez sería dirigida por su hermano menor, Carlos Caballé. Durante este periodo como artista independiente se presentó en el Festival de San Sebastián (1962) y el Festival de Granada (1963), además pudo debutar en Florencia, Asis y Toulouse con el Oratorio "El Pesebre" de Juan Pablo Casals. Su carrera escénica siguió desarrollándose con sus debuts en Rouen como Elisabetta en "Don Carlo", Pamina en "La Flauta Mágica" en el Festival de Lausanne y Cio Cio San en "Madama Butterfly" en La Coruña en donde cantó por primera vez con Bernabé Martí, su futuro marido.  En 1964 debutó en México con "Manon", "Un ballo in Maschera" y Tosca" junto a Giuseppe di Stefano. Le siguió una serie de conciertos por Venezuela, Colombia, Perú y Brasil y finalmente un puñado de funciones de "Manon Lescaut" en el Liceo.

En Marzo de 1965 la American Opera Society hacía los últimos preparativos para producir "Lucrezia Borgia" de Donizetti, todo iba viento en popa cuando a mediados de marzo Marilyn Horne canceló su participación por problemas surgidos en su séptimo mes de embarazo. Allen Oxenburg, el fundador y director de la compañía no pudo reclutar ni a la Sutherland ni a Gencer, por entonces las máximas exponentes belcantistas, y debió hacer llamados de última hora a varios agentes con lo que ya había trabajado. La Caballé se encontraba por entonces preparando su debut en Glyndebourne como Marschallin en "El Caballero de la Rosa" cuando recibió el llamado desde New York. Siguiendo el consejo de su hermano y del director Carlo Felice Cillario, decidió aceptar la oferta y el 20 de abril de 1965 se presentó en el Carnegie Hall como Lucrezia. Obtuvo un éxito abrumador y recién terminada la presentación ya tenía ofrecimientos de la RCA para un contrato discográfico y del Met para concretar un debut en el mas corto plazo.

Una vez alcanzada la fama, y antes de terminar el año, la Caballé hizo debuts en el Colón de Buenos Aires, la Civic Opera de Dallas e ingresó casi de manera improvisada a los estudios de la RCA para grabar su disco debut llamado "Presenting Montserrat Caballé" que vendió mas de 75.000 copias en tan solo cinco días. El 14 de diciembre volvió al Carnegie Hall para presentarse en "Roberto Devereux" y 22 del mismo mes hizo su debut en el Metropolitan de New York como Marguerite en "Faust" al lado de John Alexander, Justino Diaz y Sherril Milnes.

Caballé decidió entonces fijar el grueso de su actividad internacional en Norteamerica y gracias a su posición privilegiada de popularidad pudo negociar un contrato con Rudolf Bing en el que prácticamente se le daba carta blanca para elegir qué quería cantar temporada a temporada. Si bien en el Met se presentó no mas de 100 veces (número muy inferior a las mas de 230 de Joan Sutherland, las 385 de Luciano Pavarotti o las 850 de Plácido Domingo), las características de su contrato le permitieron mantener una independencia que la soprano siempre, desde sus años en Bremen, privilegiaría por encima de todo.

Por el escenario del Met se presentó en las ropas de Leonora en "Il Trovatore", Desdémona en "Otello", los titulares de "La Traviata" (1967) y "Luisa Miller" (1968), Liu en "Turandot" (1969), Amelia en "Un ballo in Maschera" (1970), Elisabetta en "Don Carlo" (1972), el titular de "Norma" (1973), Elena en "I vespri Siciliani" (1974), los titulares de "Manon Lescaut" (1975),  "Aida" y "Ariadne auf Naxos", Mimí en "La Boheme" (1976), y los titulares de "Adriana Lecouvreur" (1978) y "Tosca" (1980). Con este mismo rol se despidió de la compañía el 10 de octubre de 1985, casi 20 años después de su debut.

Desde 1966 la carrera internacional de la Caballé se disparó al mas alto nivel. En 1969 apareció en la Arena de Verona como Elisabetta en "Don Carlo", al año siguiente hizo su debut (ya como estrella) en La Scala de Milan con el titular de "Lucrezia Borgia". En el teatro milanés la lista de producciones incluye a "Maria Stuarda" (1971), "Norma" (1972, 1975 y 1977), "Un Ballo in Maschera" (1975), "Aida" y "Luisa Miller (1976), "La Forza del Destino" (1978), "Anna Bolena" (1982) y "Salomé" (1987).

En 1972 le tocó el turno al Covent Garden de Londres y la Civic Opera de Chicago, ambos con sendas producciones de "La Traviata". En 1974 apareció en el Bolshoi de Moscú y en 1977 agregaría San Francisco con el titular de "Turandot".

A partir de la década de 1980, la carrera escénica de la Caballé fue decayendo sostenidamente. Aquejada por problemas de salud y el sobrepeso, lo cierto es que su figura terminó por llevarla hacia el mundo de los conciertos en donde podía además sacar tanto o mas ganancias económicas sin el desgaste que implica montar una ópera.

La faceta mas mediática y pública de la Caballé llegó en 1987 cuando colaboró con Freddie Mercury en la canción "Barcelona" que terminaría por convertirse en el Himno de las Olimpiadas de 1992. La canción vendió millones de copias y le dio a la carrera de la Caballé un último período de fama.

En 2002 realizó un exitoso regreso a los escenario con "Henri VIII" y repitió la formula en el 2004 con el titular de "Cléopâtre", ambas de Camille Saint-Saëns. Finalmente en abril de 2007 se presentó en la Opera Estatal de Viena como la Duquesa de Crackenthorp en "La Fille du Regiment" de Donizetti.

Igual de importante y exitosa fue su carrera discográfica, en donde se conservan buena parte de momentos estelares. En un caso parecido al desarrollo de su carrera escénica, la soprano logró mantener una actividad en los estudios de grabación de Emi, RCA, Philips y Deutsche Grammophone, sin llegar nunca a firmar un contrato de exclusividad con ninguno de estos sellos.

La voz de la Caballé era la de una soprano lírica neta, quizás sin el fuste ni la densidad en el centro del registro que exhibían colegas provenientes de otras latitudes pero adornada a cambio con un timbre hermoso, suave, acariciador y a la vez personalísimo. Al mismo tiempo el registro era amplio, sin problemas hasta el Re bemol sobreagudo. En sus primeros años, el pasaje a la voz de pecho estaba cuidadosamente delimitado y la soprano prefería extender el registro central hacia el grave en vez de pasar directamente a la voz de pecho. Se unía a esto una técnica de respiración verdaderamente prodigiosa que le permitía arcos eternos y una variedad de contrastes dinámicos que pocas colegas podían igualar.

El pianissimo fue su marca de fábrica y probablemente la proeza técnica por la que será recordada siempre. La mayoría de las crónicas sobre la cantante atribuyen su maestría en el arte de cantar en matiz piano a su perfecto control del aire, dejando de lado un factor crucial que la Caballé manejaba como nadie: El control milimétrico del cierre glótico, es decir, el cierre del espacio entre las cuerdas vocales. Así la Caballé unía al perfecto control del chorro de aire, el control aún mas perfecto de la resistencia que podían oponer sus cuerdas vocales, convirtiendo sus sonidos en piano no solo en colores flotantes sino en verdaderos hilos dorados que adornaban su canto con la precisión de un láser.

Su talón de aquiles fueron los sonidos en matiz forte, en donde se apreció siempre una peligrosa tendencia al entubamiento. Este defecto se agravó con los años debido probablemente al desgaste natural del instrumento al estar expuesto a una actividad incesante, las dolencias físicas (incluidas varias operaciones) y la insistencia en el repertorio mas pesado que terminaron por desestabilizar el andamiaje técnico sobre el que se sostenía su instrumento, resultando en la aparición de un vibrato lento y sonidos metálicos. Para empeorar las cosas, desde mediados de los setenta, la soprano optó por abordar el sector grave abusando de un registro de pecho que por naturaleza era bastante modesto.

Este compilatorio de cuatro discos fue editado originalmente por Emi en 2009 dentro de la serie Icon. La selección recoge un buen puñado de momentos estelares en la carrera discográfica de la Caballé en el sello inglés.



Tracklist:
CD1:
1. Guillaume Tell: Sombre fôret
2. Il Pirata: Sorgete...Lo sognai ferito
3. Il Pirata: Quando a un tratto...Sventurata, anchi'io delirio
4. Il Pirata: Oh! s'io potessi dissipar le nubi
5. Il Pirata: Col sorriso d'innocenza
6. Il Pirata: Qual suono...Oh Sole! ti vela
7. I Puritani: Son vergin vezzosa
8. I Puritani: O rendetemi la speme ... Qui la voce sua soave mi chiamava
9. I Puritani: Tornò il riso...Vien diletto
10. I Puritani: Finì, me lassa!...Ch' ei provò lontan da me?
11. I Puritani: Vieni, fra queste braccia
12. Poliuto: Donna! ... Malvagio!
13. Poliuto: Ah fuggi da morte...Il suon dell' arpe angeliche

CD2:
1. Les Huguenots: Oh ciel! où courez-vous?
2. Les Huguenots: Tu l'as dit, oui, tu m'aimes
3. Les Huguenots: Plus d'amour! plus d'ivresse!
4. Giovanna d'Arco: Oh, ben s'addice questo torbido...Sempre all'alba ed alla sera
5. Macbeth: Vegliammo invan due notti
6. Un Ballo in Maschera: Teco io sto
7. La forza del destino: La Vergine degli angeli
8. La forza del destino: Pace, pace, mio Dio
9. Don Carlo: Io vengo a domandar...Oh! Carlo! Oh! Carlo!
10. Don Carlo: Non pianger, mia compagna
11. Don Carlo: Tu che le vanità

CD3:
1. Aida: Ritorna vincitor!
2. Aida: Qui Radamès verrà...O patria mia
3. Aida: Pur ti riveggo, mia dolce Aida...Aida!...Tu non m'ami
4. Aida: O terra, addio
5. Otello: Era più calma?...Mia madre aveva una povera ancella
6. Otello: Ave Maria
7. Mefistofele: L'altra notte in fondo al mare
8. Manon Lescaut: In quelle trine morbide
9. Manon Lescaut: Oh, sarò la più bella!
10. Manon Lescaut: Sola, perduta, abbandonata
11. La Bohème: Si, mi chiamano Mimi
12. La Bohème: Donde lieta uscì (Mimì's Farewell)

CD4:
1. Tosca: Vissi d'arte
2. Madama Butterfly: Un bel dì vedremo
3. Madama Butterfly: Tu? tu? piccolo iddio
4. Turandot: Signore, ascolta
5. Turandot: Tu che di gel sei cinta
6. Turandot: In questa reggia
7. Gianni Schicchi: O mio babbino caro
8. La Rondine: Chi il bel sogno di Doretta
9. Cavalleria Rusticana: Regina Coeli ... Inneggiamo, il Signor non è morto
10. Cavalleria Rusticana: Voi lo sapete, o mamma
11. Cavalleria Rusicana: Tu qui, Santuzza?...No, no, Turiddu
12. Andrea Chénier: Vicino a te
13. Canto a Sevilla, Op.37: Las Fuenecitas del Parque
14. Cinco Canciones Negras: Cuba dentro de un piano (R.Alberti)
15. Cinco Canciones Negras: Chevère (N.Guillén)
16. Cinco Canciones Negras: Punto de Habanera (N.Lujan)
17. Cinco Canciones Negras: Canción de cuna para dormir a un negrito (I.P. Valdes)
18. Cinco Canciones Negras: Canto negro (N.Guillén)

Montserrat Caballé (Soprano)

Warner Classics
m4a@256Kbps | Cover
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jueves, 4 de octubre de 2018

Javier Camarena - Contrabandista [HD 96kHz-24bit]



Javier Camarena se convierte con este álbum en el primer artista en debutar en el flamante nuevo sello discográfico de Cecilia Bartoli, un subsidiario de Decca Classics llamado "Mentored by Cecilia Bartoli", ni mas ni menos.

En "Contrabandista", Camarena se anima a explorar el repertorio y la figura histórica de Manuel García, famoso tenor del siglo XIX para quien Rossini escribiera el rol del Conde de Almaviva en el "Barbero de Sevilla". El nuevo álbum sigue la senda iniciada por la misma Bartoli en 2007 cuando se animó a grabar "María", en donde la mezzo romana hacía lo propio con el repertorio y la figura de otro miembro de la familia García; la célebre María García, apodada La Malibrán, hija de Manuel García.

La voz de Camarena tiene un color en apariencia mas cálido que el de Flórez y definitivamente mas hermoso que los de Blake, Gimenez u otros rossinianos del pasado. Sin embargo el color mas carnoso disfraza muy bien a un instrumento que muchas veces se oye falta de peso y fuste para afrontar el repertorio que por hoy frecuenta (Ernesto, Edgardo y Nadir...). Incluso en terreno rossiniano, queda en evidencia cuando se acerca a papeles mas cercanos al baritenor que al contraltino. En cuanto al estilo, no deja de sorprender lo rudimentario de su agilidad, resuelta a punta de sonidos aspirados; un efecto falso para afrontar la coloratura martellato.

El álbum presenta tres estrenos discográficos en las arias de "El amor gitano", "La mort du Tasse" y "Florestán" nunca antes llevadas al disco, pero el interés principal de todo el recital son las piezas dedicadas a Rossini, terreno donde Camarena logra el mayor impacto vocal. A pesar de su evidente identificación con el mundo rossiniano, hay que decir que se lo oye mas cómodo en el lirismo de Rinaldo (junto a una disminuida Cecilia Bartoli como Armida) que en la bravura mas extrema del Conde d'Almaviva donde no logra hacer sombra a Rockwell Blake, Almaviva de referencia ni tampoco a Florez, quién con un material vocal similar, ha resuelto el martellato de manera mucho mas clara y contundente.


Tracklist:

1. García: Cara gitana del alma mia (El gitano por amor)*
2. García: Yo que soy contrabandista (El poeta calculista)
3. Rossini: Sì, ritrovarla io giuro (La Cenerentola)
4. García: Vous dont l’image toujours chère (La Mort du Tasse)*
5. Zingarelli: Là dai regni dell’ombre, e di morte (Giulietta e Romeo)
6. Rossini: Amor… (Possente nome!) (Armida) Duet with CECILIA BARTOLI
7. García: Ô ciel ! de ma juste furie comment réprimer le transport? (Florestan ou Le Conseil des dix)*
8. Rossini: Cessa di più resistere (Il barbiere di Siviglia)
9. García: Formaré mi plan con cuidado (El poeta calculista)
10. Rossini: S’ella mi è ognor fedele … Qual sarà mai la gioia (Ricciardo e Zoraide)

Javier Camarena (Tenor)
Cecilia Bartoli (Mezzosoprano)
Les Musiciens du Prince
Gianluca Capuano (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet


* Envíenme un mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.

viernes, 28 de septiembre de 2018

Verdi - La Forza del Destino (Price - Tucker - Merrill - Verrett - Tozzi) Schippers [HD 96kHz-24bit]



(Tres meses después...)

Continuando en el mundo de las remasterizaciones (les prometo unas ediciones bien jugosas), tenemos esta versión de "La forza del destino" grabada en Roma durante el verano de 1964 y encabezada por Leontyne Price y Richard Tucker, dos glorias de la escena americana de aquel momento, dirigidos por Thomas Schippers.

Esta es la primera versión de la Price en el rol de Donna Leonora, uno de los grandes papeles de su carrera y que la acompañaría hasta su retiro de la escena en la temporada 1984-85. Grabada antes de cumplir los cuarenta, se la puede oír en inmejorable estado vocal y confirmando además sus credenciales verdianas: estupendo sentido del legato y el canto spianato, amplia gama de dinámicas (incluidos los pianissimi) y adornado además por un timbre voluptuoso como pocos. Trece años mas tarde la soprano llevó el papel nuevamente al estudio de grabación bajo la batuta de James Levine pero los resultados son mucho mas modestos que en este primer y juvenil acercamiento.

Richard Tucker graba aquí su segunda versión de Don Alvaro (la primera fue con la Callas en 1954), y si bien se lo oye siempre al borde del canto lacrimógeno, es innegable el empuje y la lozanía de su instrumento teniendo en cuenta que ya bordeaba los 52 años. A su lado se puede oír el estupendo Don Carlo de Robert Merrill, un rol al que servía con bellisimo timbre y sentido del legato. Completan el elenco un noble Padre Guardián en la voz de Giorgio Tozzi, una juvenil y pujante Preziosilla a cargo de Shirley Verrett y un aburrido Melitone a cargo de Ezio Flagello. Schippers dirige correctamente pero sin el dramatismo mas urgente de otras batutas mas experimentadas en el repetorio verdiano.

La remasterización agrega mas profundidad y mayor rango dinámico al sonido, en comparación al trabajo realizado por Anthony Salvatore y David Frost en 1988.

La grabación se realizó en los estudios de la RCA Italiana en Roma durante los meses de Julio y Agosto de 1964.


Leontyne Price (Donna Leonora)
Richard Tucker (Don Alvaro)
Robert Merrill (Don Carlo di Vargas)
Shirley Verrett (Preziosilla)
Giorgio Tozzi (Padre Guardiano)
Ezio Flagello (Fra Melitone)
Giovanni Foiaini (Il Marchese di Calatrava)
Corinna Vozza (Curra)
Ron Betcher (Un Alcalde)
Piero di Palma (Maestro Trabuco)
Mario Rinaudo (Un Chirurgo)

RCA Italiana Orchestra & Chorus
Thomas Schippers (Conductor)


RCA
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

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martes, 5 de junio de 2018

Verdi - La Traviata (Cotrubas - Domingo - Milnes) Kleiber [HD 96kHz-24bit]



Siguiendo en el mundo de las remasterizaciones, DG nos presenta la enésima edición de esta clásica versión a cargo de Carlos Kleiber, esta vez con el avance técnico innegable del audio en HD.

El foco de atención de esta grabación es la batuta ágil, dramática y precisa de Carlos Kleiber, quien presiona los tempos de manera insistente hacia velocidades no acostumbradas en otras versiones de estudio. A pesar de la prisa, Kleiber nunca pierde el control sobre el ensemble ni la masa orquestal. Verdaderos elogios merecen tanto la orquesta como el Coro de la Ópera Estatal Bávara por la precisión y el frenesí al que son sometidos. Kleiber limpia la partitura del acostumbrado sentimentalismo lacrimógeno que era tradición obligada en este título y logra a cambio poner el foco de atención en el desarrollo de la relación entre Violetta y Alfredo, figuras centrales del drama.

Perfectamente ajustados al engranaje construido por Kleiber suenan también el trío de solistas en el que sobresale la lectura de la Cotrubas, llena de teatralidad y belleza vocal. La mezcla que logra entre la fragilidad y pasión la colocan al tope de la lista de las versiones de estudio. Por su parte Domingo crea un Alfredo viril y juvenil pero quizás demasiado muscular frente a su frágil Violetta. Tiene que sobrepasar grandes escollos en el primer acto, especialmente en la cabaletta, en donde ni la mas moderna tecnología logra disfrazar el pegoteado del Do final. Milnes está captado en gran estado vocal pero nunca logra sugerir la edad de su personaje.

Como trivia operático me gustaría agregar que esta grabación se realizó en el Hall de la Bürgerbräukeller de Munich, una famosa cervecería construida en 1895, una de las mas grandes de la compañía Bürgerliches Brauhaus. Fue el sitio elegido por Adolf Hitler para lanzar el "Munich Putsch", el fallido intento de golpe de estado el 8 de noviembre de 1923 y fue también el lugar elegido por Georg Elser para realizar un atentado en contra del Führer el 8 de noviembre 1939. El lugar sobrevivió los bombardeos de la Segunda Guerra y fue finalmente demolido en 1979.

La grabación se realizó en la Bürgerbräu-Keller de Munich entre el 14 y 21 de mayo de 1976 y junio de 1977. La remasterización se publicó en mayo de 2017 para conmemorar los 40 años de su lanzamiento.



Ileana Cotrubas (Violetta Valery)
Placido Domingo (Alfredo Germont)
Sherrill Milnes (Giorgio Germont)
Stefania Malagu  (Flora Bervoix)
Bruno Grella (Barone Douphol)
Helena Jungwirth (Annina)
Walter Gullino (Gastone)
Alfredo Giacomotti (Marchese d'Obigny)
Giovanni Foiani (Dottore Grenvil)
Walter Gullino (Giuseppe)
Paul Friess (Domestico di Flora)
Paul Winter (Commissionario)

Bayerischer Staatsopernchor
Bayerisches Staatsorchester
Carlos Kleiber (Conductor)

Deutsche Grammophone
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

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sábado, 28 de abril de 2018

Verdi - Aida (Price - Domingo - Bumbry - Milnes) Leinsdorf [HD 96kHz-24bit]



Varias de las grabaciones de fines de la década del 60 realizadas por la RCA tienen una historia bastante problemática en términos sonoros. En 1963 el sello introdujo el "Dynagroove", un proceso de grabación que usaba un computador análogo para modificar la señal de audio original al grabarla en un master. Lo que hacía, en términos generales, era ecualizar la grabación original con graves mas potentes y señales agudas sin distorsión prometiendo además mayor espacio y eliminar el ruido de roce. El sello lo utilizó a gran escala durante sus primeros años con resultados diversos. Con el paso de los años comenzó a recibir criticas pues alteraba el sonido original pensado por los artistas y lo convertía en una manufactura que muchas veces poco a nada tenía que ver con la realidad. A fines de la década el sistema ya venía en retirada, época en la que se grabó esta versión de "Aida" y también el problemático "Il Trovatore" de Mehta.

La grabación estaba encabezada por dos de las estrellas afro-americanas mas importantes de la época: Leontyne Price y Grace Bumbry. La soprano se embarcó en su segunda grabación de "Aida", nueve años después de la famosa versión dirigida por Solti en Decca. Para esta época la voz había ganado mas peso y un color mas oscuro pero la elasticidad, el brillo y la facilidad para matizar se mantenía intacta, gracias a esto logra superar los escollos del tercer acto con grandeza y nos regala varios agudos en piano de gran factura, incluyendo el famoso do agudo de "O Patria mia" que tantas colegas gritan a mas no poder y que la Price conservó intacto hasta su retiro de los escenarios. Asi también comienzan aparecer signos de amaneriamiento en el fraseo y los efectos "jazzy" que contaminaron su canto en la siguiente década.

La Bumbry, graba aquí su segunda Amneris, cuatro años después de la grabación con la Nilsson. El timbre es el mismo, de color oscuro y atractivo centro y con facilidad en el agudo pero sin el arrojo al registro grave de otras colegas. La interpretación si bien ha ganado en femineidad, le sigue faltando la profundidad de otras grandes de su cuerda. En la combinación con Price hay que decir que la grabación falla al confrontar dos emisiones vocales muy parecidas tanto en color como en fraseo, perdiendo así la necesaria diferencia tímbrica a la hora de caracterizar a las rivales.

El resto del reparto se completa con Plácido Domingo, quien registra su primera de 4 (!) grabaciones completas del rol de Radamés. El tenor rebosa juventud y gracias a eso canta con un arrojo que perderá poco a poco en la próxima década. El registro agudo suena mucho mas seguro y atractivo que de costumbre y la musicalidad y el timbre mediterráneo le permiten redondear una gran entrega de su personaje. Milnes crea un Amonasro de gran vocalidad y efecto dramático mientras que Raimondi desluce en Ramfis, un rol que a todas luces le queda grande. Por su parte Leinsdorf dirige con la parsimonia de siempre.

En términos sonoros hay que decir que la remasterización no agrega nada nuevo en la comparación con la edición de 1997. Al parecer las cosas son mucho mas difíciles de arreglar que con "Il Trovatore" y el nuevo proceso no logra devolver el brillo ni la definición a la toma original.

La grabación se realizó en el Walthamstow Hall de Londres entre el 9 y el 23 de Julio de 1970. La remasterización se publicó en octubre de 2016.



Leontyne Price (Aida)
Placido Domingo (Radames)
Grace Bumbry (Amneris)
Sherrill Milnes (Amonasro)
Ruggero Raimondi (Ramfis)
Hans Sotin (Il re d'Egitto)
Joyce Mathis (Una Sacerdotessa)
Bruce Brewer (Un Messaggero)

John Alldis Choir
London Symphony Orchestra
Erich Leinsdorf (Conductor)


RCA
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

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jueves, 19 de abril de 2018

Bellini - Norma (Caballé - Domingo - Cossotto - Raimondi) Cillario [FLAC]




Siguiendo en esta senda de remasterizaciones, les traigo aquí la controvertida versión de "Norma" encabezada por una Caballé algo apurada por el sello para grabar una ópera en la que aun era bastante inexperta. Esta versión se editó en 1973 y en 1988 pasó al formato digital en una transferencia que dejaba bastante que desear. Con esta edición publicada en septiembre de 2015, Sony Classical corrige en gran medida su error ochentero.

La Norma de la Caballé se mueve en un espectro bastante estrecho en términos dramáticos: a veces conmueve y muchas otras exaspera con su indiferencia interpretativa. En términos vocales probablemente sea una de las versiones mejor cantadas de la discografía, logrando momentos celestiales en el uso del legato y el pianissimo pero en la suma total, a su Norma le falta brío, nervio, urgencia y carácter para ser el personaje trágico, heroíco y tridimensional que Bellini delineó tan bien en su partitura. A su lado Domingo hace lo que puede con Pollione, lejos del impacto vocal que lograban Del Monaco o Corelli y sin ahondar demasiado en el estilo belcantista. La Cossotto está captada en un momento de gloria vocal y los años de experiencia en el rol le ayudan a sacar una Adalgisa ya mas alejada de sus atronadoras versiones de los años sesenta y mucho mas cercana al modelo sopranil original. Raimondi no convence en un rol que a todas luces le queda grande.

Quizás lo peor de la grabación sea la batuta de Cillario, al que muchos le alaban el tempo estable que utiliza a lo largo de la ópera. A mi personalmente me aburre de sobremanera y tiendo a pensar que por su culpa la Caballé, el foco principal de la ópera, no logra ahondar más en el personaje, ni siquiera en términos musicales.

El trabajo de remasterización agrega mas espacio y definición en comparación con el primer traspaso a CD. La grabación se realizó en el Walthamstow Town Hall de London, durante el mes de septiembre de 1972.


Montserrat Caballé (Norma)
Placido Domingo (Pollione)
Fiorenza Cossotto (Adalgisa)
Ruggero Raimondi (Oroveso)

Ambrosian Opera Chorus
London Philharmonic Orchestra
Carlo Felice Cillario (Conductor)

Sony Classical
Flac | m4a@256Kbps | Cover + Scans

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