miércoles, 17 de octubre de 2018

Weber - Der Freischütz (Janowitz - Schreier - Adam - Mathis) Kleiber [HD 96kHz-24bit]




"El Cazador Furtivo" es considerada la piedra fundacional de la ópera alemana del romanticismo, se estrenó el 18 de Junio de 1821 en el histórico Konzerthaus de Berlín, mismo lugar que elegiría Leonard Bernstein en la navidad de 1989 para dirigir su famosa versión de la Novena Sinfonía de Beethoven que celebraba la caída del Muro de Berlín con una orquesta y coro compuestos por músicos de ambos lados de la extinta cortina de hierro.

Desde su estreno la ópera gozó de gran éxito, sobrepasando rápidamente los limites de Alemania. A fines del mismo año de estreno, se presentó en Viena, a lo que siguieron producciones en Karlsruhe, Praga y Copenhage. Finalmente en 1824 llegó a Londres y París con sendas producciones en idioma local.

Ya sea por el mero goce sonoro, la gran calidad del canto o por la apabullante batuta de Kleiber, esta grabación se pone a la cabeza de todas las versiones, teniendo en cuenta que la competencia es bastante fuerte, especialmente Jochum en DG o Davis en Philips.

El reparto está encabezado por el Max de Peter Schreier, estupendamente cantado y lleno de detalles en la caracterización, a su lado la Janowitz produce en Agathe uno de sus mejores trabajos legados al disco. A la esperable belleza vocal, la soprano logra además darle profundidad a un rol bastante ingrato en términos interpretativos. Lujos extras son el Kaspar de Theo Adam, la Ännchen de Edith Mathis y el Hermita de Franz Crass.

Esta grabación fue el primer proyecto en la corta y accidentada carrera discográfica de Carlos Kleiber, por entonces una estrella en ascenso. Las principales características de su batuta ya están presentes: el extremo cuidado que ponía a los detalles de la partitura, los tempi ágiles (algunos controvertidos) y el carácter atrevido, autoritario y fresco que imprime a la música de Weber.

En sus dos traspasos anteriores al formato digital, esta grabación siempre ha sonado muy bien. Si bien el audio en Alta Definición agrega una cuota extra de espacio, hay que decir que no hay gran diferencia con la remasterización de 1998.

La grabación se realizó en la Lucaskirche de Dresden, entre el 22 de enero y el 6 de febrero de 1973.



Gundula Janowitz (Agathe)
Peter Schreier (Max)
Edith Mathis (Ännchen)
Theo Adam (Kaspar)
Bernd Weikl (Ottokar)
Siegfried Vogel (Kuno)
Franz Crass (Ein Ermit)
Günther Leib (Killian)
Renate Hoff
Brigitte Pfretzschner
Renate Krahmer
Ingeborg Springer (Brautjungfern)

Rundfunkchor Leipzig
Staatskapelle Dresde
Carlos Kleiber (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

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viernes, 12 de octubre de 2018

Montserrat Caballé - Great Operatic Recordings [iTunes Plus AAC M4A]




El pasado 6 de octubre falleció en Barcelona la gran Montserrat Caballé. Sirva este post como homenaje a una de las última divas de la ópera y, aunque no lo parezca, una de las favoritas de este blog.

María de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folch nació en Barcelona el 12 de abril de 1933. Según cuenta la biografía de Robert Pullen, la Caballé sobrevivió al parto sólo de milagro: vino al mundo con el cordón umbilical fuertemente enrollado al cuello y se tuvo que improvisar una operación a fin de salvarla. La niñez de Caballé estuvo marcada por las penurias económicas  resultantes del crack del '29 y los problemas de desabastecimientos que enfrentó Barcelona durante la guerra civil. Con gran esfuerzo pudo inscribirse en el Conservatorio Superior del Liceo, de donde se graduó en 1954 con medalla de oro.

Tras una serie de audiciones por Nápoles, Roma, Florencia y Stuttgart, la soprano fue contratada por la Opera Estatal de Basilea entre 1956-58 y luego la de Bremen entre 1959-62. Durante este período aprendió al menos una cincuentena de roles que la llevaron a cantar desde el barroco hasta música contemporánea, incluido un par de estrenos mundiales. Pudo también hacer apariciones en Hannover como "Aida", un auspicioso debut en Viena con el titular de "Salomé", una modesta aparición en La Scala de Milan como Muchacha Flor en "Parsifal" y un exitoso debut en el Liceo de Barcelona con el titular de "Arabella" de Richard Strauss.

Las exigencias impuestas por su contrato con Bremen, el escaso control que tenía a la hora de escoger repertorio y varias dolencias físicas atribuibles a la depresión la llevaron a no renovar contrato y darse un plazo de un año para replantear su carrera que esta vez sería dirigida por su hermano menor, Carlos Caballé. Durante este periodo como artista independiente se presentó en el Festival de San Sebastián (1962) y el Festival de Granada (1963), además pudo debutar en Florencia, Asis y Toulouse con el Oratorio "El Pesebre" de Juan Pablo Casals. Su carrera escénica siguió desarrollándose con sus debuts en Rouen como Elisabetta en "Don Carlo", Pamina en "La Flauta Mágica" en el Festival de Lausanne y Cio Cio San en "Madama Butterfly" en La Coruña en donde cantó por primera vez con Bernabé Martí, su futuro marido.  En 1964 debutó en México con "Manon", "Un ballo in Maschera" y Tosca" junto a Giuseppe di Stefano. Le siguió una serie de conciertos por Venezuela, Colombia, Perú y Brasil y finalmente un puñado de funciones de "Manon Lescaut" en el Liceo.

En Marzo de 1965 la American Opera Society hacía los últimos preparativos para producir "Lucrezia Borgia" de Donizetti, todo iba viento en popa cuando a mediados de marzo Marilyn Horne canceló su participación por problemas surgidos en su séptimo mes de embarazo. Allen Oxenburg, el fundador y director de la compañía no pudo reclutar ni a la Sutherland ni a Gencer, por entonces las máximas exponentes belcantistas, y debió hacer llamados de última hora a varios agentes con lo que ya había trabajado. La Caballé se encontraba por entonces preparando su debut en Glyndebourne como Marschallin en "El Caballero de la Rosa" cuando recibió el llamado desde New York. Siguiendo el consejo de su hermano y del director Carlo Felice Cillario, decidió aceptar la oferta y el 20 de abril de 1965 se presentó en el Carnegie Hall como Lucrezia. Obtuvo un éxito abrumador y recién terminada la presentación ya tenía ofrecimientos de la RCA para un contrato discográfico y del Met para concretar un debut en el mas corto plazo.

Una vez alcanzada la fama, y antes de terminar el año, la Caballé hizo debuts en el Colón de Buenos Aires, la Civic Opera de Dallas e ingresó casi de manera improvisada a los estudios de la RCA para grabar su disco debut llamado "Presenting Montserrat Caballé" que vendió mas de 75.000 copias en tan solo cinco días. El 14 de diciembre volvió al Carnegie Hall para presentarse en "Roberto Devereux" y 22 del mismo mes hizo su debut en el Metropolitan de New York como Marguerite en "Faust" al lado de John Alexander, Justino Diaz y Sherril Milnes.

Caballé decidió entonces fijar el grueso de su actividad internacional en Norteamerica y gracias a su posición privilegiada de popularidad pudo negociar un contrato con Rudolf Bing en el que prácticamente se le daba carta blanca para elegir qué quería cantar temporada a temporada. Si bien en el Met se presentó no mas de 100 veces (número muy inferior a las mas de 230 de Joan Sutherland, las 385 de Luciano Pavarotti o las 850 de Plácido Domingo), las características de su contrato le permitieron mantener una independencia que la soprano siempre, desde sus años en Bremen, privilegiaría por encima de todo.

Por el escenario del Met se presentó en las ropas de Leonora en "Il Trovatore", Desdémona en "Otello", los titulares de "La Traviata" (1967) y "Luisa Miller" (1968), Liu en "Turandot" (1969), Amelia en "Un ballo in Maschera" (1970), Elisabetta en "Don Carlo" (1972), el titular de "Norma" (1973), Elena en "I vespri Siciliani" (1974), los titulares de "Manon Lescaut" (1975),  "Aida" y "Ariadne auf Naxos", Mimí en "La Boheme" (1976), y los titulares de "Adriana Lecouvreur" (1978) y "Tosca" (1980). Con este mismo rol se despidió de la compañía el 10 de octubre de 1985, casi 20 años después de su debut.

Desde 1966 la carrera internacional de la Caballé se disparó al mas alto nivel. En 1969 apareció en la Arena de Verona como Elisabetta en "Don Carlo", al año siguiente hizo su debut (ya como estrella) en La Scala de Milan con el titular de "Lucrezia Borgia". En el teatro milanés la lista de producciones incluye a "Maria Stuarda" (1971), "Norma" (1972, 1975 y 1977), "Un Ballo in Maschera" (1975), "Aida" y "Luisa Miller (1976), "La Forza del Destino" (1978), "Anna Bolena" (1982) y "Salomé" (1987).

En 1972 le tocó el turno al Covent Garden de Londres y la Civic Opera de Chicago, ambos con sendas producciones de "La Traviata". En 1974 apareció en el Bolshoi de Moscú y en 1977 agregaría San Francisco con el titular de "Turandot".

A partir de la década de 1980, la carrera escénica de la Caballé fue decayendo sostenidamente. Aquejada por problemas de salud y el sobrepeso, lo cierto es que su figura terminó por llevarla hacia el mundo de los conciertos en donde podía además sacar tanto o mas ganancias económicas sin el desgaste que implica montar una ópera.

La faceta mas mediática y pública de la Caballé llegó en 1987 cuando colaboró con Freddie Mercury en la canción "Barcelona" que terminaría por convertirse en el Himno de las Olimpiadas de 1992. La canción vendió millones de copias y le dio a la carrera de la Caballé un último período de fama.

En 2002 realizó un exitoso regreso a los escenario con "Henri VIII" y repitió la formula en el 2004 con el titular de "Cléopâtre", ambas de Camille Saint-Saëns. Finalmente en abril de 2007 se presentó en la Opera Estatal de Viena como la Duquesa de Crackenthorp en "La Fille du Regiment" de Donizetti.

Igual de importante y exitosa fue su carrera discográfica, en donde se conservan buena parte de momentos estelares. En un caso parecido al desarrollo de su carrera escénica, la soprano logró mantener una actividad en los estudios de grabación de Emi, RCA, Philips y Deutsche Grammophone, sin llegar nunca a firmar un contrato de exclusividad con ninguno de estos sellos.

La voz de la Caballé era la de una soprano lírica neta, quizás sin el fuste ni la densidad en el centro del registro que exhibían colegas provenientes de otras latitudes pero adornada a cambio con un timbre hermoso, suave, acariciador y a la vez personalísimo. Al mismo tiempo el registro era amplio, sin problemas hasta el Re bemol sobreagudo. En sus primeros años, el pasaje a la voz de pecho estaba cuidadosamente delimitado y la soprano prefería extender el registro central hacia el grave en vez de pasar directamente a la voz de pecho. Se unía a esto una técnica de respiración verdaderamente prodigiosa que le permitía arcos eternos y una variedad de contrastes dinámicos que pocas colegas podían igualar.

El pianissimo fue su marca de fábrica y probablemente la proeza técnica por la que será recordada siempre. La mayoría de las crónicas sobre la cantante atribuyen su maestría en el arte de cantar en matiz piano a su perfecto control del aire, dejando de lado un factor crucial que la Caballé manejaba como nadie: El control milimétrico del cierre glótico, es decir, el cierre del espacio entre las cuerdas vocales. Así la Caballé unía al perfecto control del chorro de aire, el control aún mas perfecto de la resistencia que podían oponer sus cuerdas vocales, convirtiendo sus sonidos en piano no solo en colores flotantes sino en verdaderos hilos dorados que adornaban su canto con la precisión de un láser.

Su talón de aquiles fueron los sonidos en matiz forte, en donde se apreció siempre una peligrosa tendencia al entubamiento. Este defecto se agravó con los años debido probablemente al desgaste natural del instrumento al estar expuesto a una actividad incesante, las dolencias físicas (incluidas varias operaciones) y la insistencia en el repertorio mas pesado que terminaron por desestabilizar el andamiaje técnico sobre el que se sostenía su instrumento, resultando en la aparición de un vibrato lento y sonidos metálicos. Para empeorar las cosas, desde mediados de los setenta, la soprano optó por abordar el sector grave abusando de un registro de pecho que por naturaleza era bastante modesto.

Este compilatorio de cuatro discos fue editado originalmente por Emi en 2009 dentro de la serie Icon. La selección recoge un buen puñado de momentos estelares en la carrera discográfica de la Caballé en el sello inglés.



Tracklist:
CD1:
1. Guillaume Tell: Sombre fôret
2. Il Pirata: Sorgete...Lo sognai ferito
3. Il Pirata: Quando a un tratto...Sventurata, anchi'io delirio
4. Il Pirata: Oh! s'io potessi dissipar le nubi
5. Il Pirata: Col sorriso d'innocenza
6. Il Pirata: Qual suono...Oh Sole! ti vela
7. I Puritani: Son vergin vezzosa
8. I Puritani: O rendetemi la speme ... Qui la voce sua soave mi chiamava
9. I Puritani: Tornò il riso...Vien diletto
10. I Puritani: Finì, me lassa!...Ch' ei provò lontan da me?
11. I Puritani: Vieni, fra queste braccia
12. Poliuto: Donna! ... Malvagio!
13. Poliuto: Ah fuggi da morte...Il suon dell' arpe angeliche

CD2:
1. Les Huguenots: Oh ciel! où courez-vous?
2. Les Huguenots: Tu l'as dit, oui, tu m'aimes
3. Les Huguenots: Plus d'amour! plus d'ivresse!
4. Giovanna d'Arco: Oh, ben s'addice questo torbido...Sempre all'alba ed alla sera
5. Macbeth: Vegliammo invan due notti
6. Un Ballo in Maschera: Teco io sto
7. La forza del destino: La Vergine degli angeli
8. La forza del destino: Pace, pace, mio Dio
9. Don Carlo: Io vengo a domandar...Oh! Carlo! Oh! Carlo!
10. Don Carlo: Non pianger, mia compagna
11. Don Carlo: Tu che le vanità

CD3:
1. Aida: Ritorna vincitor!
2. Aida: Qui Radamès verrà...O patria mia
3. Aida: Pur ti riveggo, mia dolce Aida...Aida!...Tu non m'ami
4. Aida: O terra, addio
5. Otello: Era più calma?...Mia madre aveva una povera ancella
6. Otello: Ave Maria
7. Mefistofele: L'altra notte in fondo al mare
8. Manon Lescaut: In quelle trine morbide
9. Manon Lescaut: Oh, sarò la più bella!
10. Manon Lescaut: Sola, perduta, abbandonata
11. La Bohème: Si, mi chiamano Mimi
12. La Bohème: Donde lieta uscì (Mimì's Farewell)

CD4:
1. Tosca: Vissi d'arte
2. Madama Butterfly: Un bel dì vedremo
3. Madama Butterfly: Tu? tu? piccolo iddio
4. Turandot: Signore, ascolta
5. Turandot: Tu che di gel sei cinta
6. Turandot: In questa reggia
7. Gianni Schicchi: O mio babbino caro
8. La Rondine: Chi il bel sogno di Doretta
9. Cavalleria Rusticana: Regina Coeli ... Inneggiamo, il Signor non è morto
10. Cavalleria Rusticana: Voi lo sapete, o mamma
11. Cavalleria Rusicana: Tu qui, Santuzza?...No, no, Turiddu
12. Andrea Chénier: Vicino a te
13. Canto a Sevilla, Op.37: Las Fuenecitas del Parque
14. Cinco Canciones Negras: Cuba dentro de un piano (R.Alberti)
15. Cinco Canciones Negras: Chevère (N.Guillén)
16. Cinco Canciones Negras: Punto de Habanera (N.Lujan)
17. Cinco Canciones Negras: Canción de cuna para dormir a un negrito (I.P. Valdes)
18. Cinco Canciones Negras: Canto negro (N.Guillén)

Montserrat Caballé (Soprano)

Warner Classics
m4a@256Kbps | Cover
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jueves, 4 de octubre de 2018

Javier Camarena - Contrabandista [HD 96kHz-24bit]



Javier Camarena se convierte con este álbum en el primer artista en debutar en el flamante nuevo sello discográfico de Cecilia Bartoli, un subsidiario de Decca Classics llamado "Mentored by Cecilia Bartoli", ni mas ni menos.

En "Contrabandista", Camarena se anima a explorar el repertorio y la figura histórica de Manuel García, famoso tenor del siglo XIX para quien Rossini escribiera el rol del Conde de Almaviva en el "Barbero de Sevilla". El nuevo álbum sigue la senda iniciada por la misma Bartoli en 2007 cuando se animó a grabar "María", en donde la mezzo romana hacía lo propio con el repertorio y la figura de otro miembro de la familia García; la célebre María García, apodada La Malibrán, hija de Manuel García.

La voz de Camarena tiene un color en apariencia mas cálido que el de Flórez y definitivamente mas hermoso que los de Blake, Gimenez u otros rossinianos del pasado. Sin embargo el color mas carnoso disfraza muy bien a un instrumento que muchas veces se oye falta de peso y fuste para afrontar el repertorio que por hoy frecuenta (Ernesto, Edgardo y Nadir...). Incluso en terreno rossiniano, queda en evidencia cuando se acerca a papeles mas cercanos al baritenor que al contraltino. En cuanto al estilo, no deja de sorprender lo rudimentario de su agilidad, resuelta a punta de sonidos aspirados; un efecto falso para afrontar la coloratura martellato.

El álbum presenta tres estrenos discográficos en las arias de "El amor gitano", "La mort du Tasse" y "Florestán" nunca antes llevadas al disco, pero el interés principal de todo el recital son las piezas dedicadas a Rossini, terreno donde Camarena logra el mayor impacto vocal. A pesar de su evidente identificación con el mundo rossiniano, hay que decir que se lo oye mas cómodo en el lirismo de Rinaldo (junto a una disminuida Cecilia Bartoli como Armida) que en la bravura mas extrema del Conde d'Almaviva donde no logra hacer sombra a Rockwell Blake, Almaviva de referencia ni tampoco a Florez, quién con un material vocal similar, ha resuelto el martellato de manera mucho mas clara y contundente.


Tracklist:

1. García: Cara gitana del alma mia (El gitano por amor)*
2. García: Yo que soy contrabandista (El poeta calculista)
3. Rossini: Sì, ritrovarla io giuro (La Cenerentola)
4. García: Vous dont l’image toujours chère (La Mort du Tasse)*
5. Zingarelli: Là dai regni dell’ombre, e di morte (Giulietta e Romeo)
6. Rossini: Amor… (Possente nome!) (Armida) Duet with CECILIA BARTOLI
7. García: Ô ciel ! de ma juste furie comment réprimer le transport? (Florestan ou Le Conseil des dix)*
8. Rossini: Cessa di più resistere (Il barbiere di Siviglia)
9. García: Formaré mi plan con cuidado (El poeta calculista)
10. Rossini: S’ella mi è ognor fedele … Qual sarà mai la gioia (Ricciardo e Zoraide)

Javier Camarena (Tenor)
Cecilia Bartoli (Mezzosoprano)
Les Musiciens du Prince
Gianluca Capuano (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet


* Envíenme un mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.

viernes, 28 de septiembre de 2018

Verdi - La Forza del Destino (Price - Tucker - Merrill - Verrett - Tozzi) Schippers [HD 96kHz-24bit]



(Tres meses después...)

Continuando en el mundo de las remasterizaciones (les prometo unas ediciones bien jugosas), tenemos esta versión de "La forza del destino" grabada en Roma durante el verano de 1964 y encabezada por Leontyne Price y Richard Tucker, dos glorias de la escena americana de aquel momento, dirigidos por Thomas Schippers.

Esta es la primera versión de la Price en el rol de Donna Leonora, uno de los grandes papeles de su carrera y que la acompañaría hasta su retiro de la escena en la temporada 1984-85. Grabada antes de cumplir los cuarenta, se la puede oír en inmejorable estado vocal y confirmando además sus credenciales verdianas: estupendo sentido del legato y el canto spianato, amplia gama de dinámicas (incluidos los pianissimi) y adornado además por un timbre voluptuoso como pocos. Trece años mas tarde la soprano llevó el papel nuevamente al estudio de grabación bajo la batuta de James Levine pero los resultados son mucho mas modestos que en este primer y juvenil acercamiento.

Richard Tucker graba aquí su segunda versión de Don Alvaro (la primera fue con la Callas en 1954), y si bien se lo oye siempre al borde del canto lacrimógeno, es innegable el empuje y la lozanía de su instrumento teniendo en cuenta que ya bordeaba los 52 años. A su lado se puede oír el estupendo Don Carlo de Robert Merrill, un rol al que servía con bellisimo timbre y sentido del legato. Completan el elenco un noble Padre Guardián en la voz de Giorgio Tozzi, una juvenil y pujante Preziosilla a cargo de Shirley Verrett y un aburrido Melitone a cargo de Ezio Flagello. Schippers dirige correctamente pero sin el dramatismo mas urgente de otras batutas mas experimentadas en el repetorio verdiano.

La remasterización agrega mas profundidad y mayor rango dinámico al sonido, en comparación al trabajo realizado por Anthony Salvatore y David Frost en 1988.

La grabación se realizó en los estudios de la RCA Italiana en Roma durante los meses de Julio y Agosto de 1964.


Leontyne Price (Donna Leonora)
Richard Tucker (Don Alvaro)
Robert Merrill (Don Carlo di Vargas)
Shirley Verrett (Preziosilla)
Giorgio Tozzi (Padre Guardiano)
Ezio Flagello (Fra Melitone)
Giovanni Foiaini (Il Marchese di Calatrava)
Corinna Vozza (Curra)
Ron Betcher (Un Alcalde)
Piero di Palma (Maestro Trabuco)
Mario Rinaudo (Un Chirurgo)

RCA Italiana Orchestra & Chorus
Thomas Schippers (Conductor)


RCA
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover

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martes, 5 de junio de 2018

Verdi - La Traviata (Cotrubas - Domingo - Milnes) Kleiber [HD 96kHz-24bit]



Siguiendo en el mundo de las remasterizaciones, DG nos presenta la enésima edición de esta clásica versión a cargo de Carlos Kleiber, esta vez con el avance técnico innegable del audio en HD.

El foco de atención de esta grabación es la batuta ágil, dramática y precisa de Carlos Kleiber, quien presiona los tempos de manera insistente hacia velocidades no acostumbradas en otras versiones de estudio. A pesar de la prisa, Kleiber nunca pierde el control sobre el ensemble ni la masa orquestal. Verdaderos elogios merecen tanto la orquesta como el Coro de la Ópera Estatal Bávara por la precisión y el frenesí al que son sometidos. Kleiber limpia la partitura del acostumbrado sentimentalismo lacrimógeno que era tradición obligada en este título y logra a cambio poner el foco de atención en el desarrollo de la relación entre Violetta y Alfredo, figuras centrales del drama.

Perfectamente ajustados al engranaje construido por Kleiber suenan también el trío de solistas en el que sobresale la lectura de la Cotrubas, llena de teatralidad y belleza vocal. La mezcla que logra entre la fragilidad y pasión la colocan al tope de la lista de las versiones de estudio. Por su parte Domingo crea un Alfredo viril y juvenil pero quizás demasiado muscular frente a su frágil Violetta. Tiene que sobrepasar grandes escollos en el primer acto, especialmente en la cabaletta, en donde ni la mas moderna tecnología logra disfrazar el pegoteado del Do final. Milnes está captado en gran estado vocal pero nunca logra sugerir la edad de su personaje.

Como trivia operático me gustaría agregar que esta grabación se realizó en el Hall de la Bürgerbräukeller de Munich, una famosa cervecería construida en 1895, una de las mas grandes de la compañía Bürgerliches Brauhaus. Fue el sitio elegido por Adolf Hitler para lanzar el "Munich Putsch", el fallido intento de golpe de estado el 8 de noviembre de 1923 y fue también el lugar elegido por Georg Elser para realizar un atentado en contra del Führer el 8 de noviembre 1939. El lugar sobrevivió los bombardeos de la Segunda Guerra y fue finalmente demolido en 1979.

La grabación se realizó en la Bürgerbräu-Keller de Munich entre el 14 y 21 de mayo de 1976 y junio de 1977. La remasterización se publicó en mayo de 2017 para conmemorar los 40 años de su lanzamiento.



Ileana Cotrubas (Violetta Valery)
Placido Domingo (Alfredo Germont)
Sherrill Milnes (Giorgio Germont)
Stefania Malagu  (Flora Bervoix)
Bruno Grella (Barone Douphol)
Helena Jungwirth (Annina)
Walter Gullino (Gastone)
Alfredo Giacomotti (Marchese d'Obigny)
Giovanni Foiani (Dottore Grenvil)
Walter Gullino (Giuseppe)
Paul Friess (Domestico di Flora)
Paul Winter (Commissionario)

Bayerischer Staatsopernchor
Bayerisches Staatsorchester
Carlos Kleiber (Conductor)

Deutsche Grammophone
Flac@96kHz-24bit | m4a@256Kbps | Cover + Digital Booklet

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sábado, 28 de abril de 2018

Verdi - Aida (Price - Domingo - Bumbry - Milnes) Leinsdorf [HD 96kHz-24bit]



Varias de las grabaciones de fines de la década del 60 realizadas por la RCA tienen una historia bastante problemática en términos sonoros. En 1963 el sello introdujo el "Dynagroove", un proceso de grabación que usaba un computador análogo para modificar la señal de audio original al grabarla en un master. Lo que hacía, en términos generales, era ecualizar la grabación original con graves mas potentes y señales agudas sin distorsión prometiendo además mayor espacio y eliminar el ruido de roce. El sello lo utilizó a gran escala durante sus primeros años con resultados diversos. Con el paso de los años comenzó a recibir criticas pues alteraba el sonido original pensado por los artistas y lo convertía en una manufactura que muchas veces poco a nada tenía que ver con la realidad. A fines de la década el sistema ya venía en retirada, época en la que se grabó esta versión de "Aida" y también el problemático "Il Trovatore" de Mehta.

La grabación estaba encabezada por dos de las estrellas afro-americanas mas importantes de la época: Leontyne Price y Grace Bumbry. La soprano se embarcó en su segunda grabación de "Aida", nueve años después de la famosa versión dirigida por Solti en Decca. Para esta época la voz había ganado mas peso y un color mas oscuro pero la elasticidad, el brillo y la facilidad para matizar se mantenía intacta, gracias a esto logra superar los escollos del tercer acto con grandeza y nos regala varios agudos en piano de gran factura, incluyendo el famoso do agudo de "O Patria mia" que tantas colegas gritan a mas no poder y que la Price conservó intacto hasta su retiro de los escenarios. Asi también comienzan aparecer signos de amaneriamiento en el fraseo y los efectos "jazzy" que contaminaron su canto en la siguiente década.

La Bumbry, graba aquí su segunda Amneris, cuatro años después de la grabación con la Nilsson. El timbre es el mismo, de color oscuro y atractivo centro y con facilidad en el agudo pero sin el arrojo al registro grave de otras colegas. La interpretación si bien ha ganado en femineidad, le sigue faltando la profundidad de otras grandes de su cuerda. En la combinación con Price hay que decir que la grabación falla al confrontar dos emisiones vocales muy parecidas tanto en color como en fraseo, perdiendo así la necesaria diferencia tímbrica a la hora de caracterizar a las rivales.

El resto del reparto se completa con Plácido Domingo, quien registra su primera de 4 (!) grabaciones completas del rol de Radamés. El tenor rebosa juventud y gracias a eso canta con un arrojo que perderá poco a poco en la próxima década. El registro agudo suena mucho mas seguro y atractivo que de costumbre y la musicalidad y el timbre mediterráneo le permiten redondear una gran entrega de su personaje. Milnes crea un Amonasro de gran vocalidad y efecto dramático mientras que Raimondi desluce en Ramfis, un rol que a todas luces le queda grande. Por su parte Leinsdorf dirige con la parsimonia de siempre.

En términos sonoros hay que decir que la remasterización no agrega nada nuevo en la comparación con la edición de 1997. Al parecer las cosas son mucho mas difíciles de arreglar que con "Il Trovatore" y el nuevo proceso no logra devolver el brillo ni la definición a la toma original.

La grabación se realizó en el Walthamstow Hall de Londres entre el 9 y el 23 de Julio de 1970. La remasterización se publicó en octubre de 2016.



Leontyne Price (Aida)
Placido Domingo (Radames)
Grace Bumbry (Amneris)
Sherrill Milnes (Amonasro)
Ruggero Raimondi (Ramfis)
Hans Sotin (Il re d'Egitto)
Joyce Mathis (Una Sacerdotessa)
Bruce Brewer (Un Messaggero)

John Alldis Choir
London Symphony Orchestra
Erich Leinsdorf (Conductor)


RCA
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jueves, 19 de abril de 2018

Bellini - Norma (Caballé - Domingo - Cossotto - Raimondi) Cillario [FLAC]




Siguiendo en esta senda de remasterizaciones, les traigo aquí la controvertida versión de "Norma" encabezada por una Caballé algo apurada por el sello para grabar una ópera en la que aun era bastante inexperta. Esta versión se editó en 1973 y en 1988 pasó al formato digital en una transferencia que dejaba bastante que desear. Con esta edición publicada en septiembre de 2015, Sony Classical corrige en gran medida su error ochentero.

La Norma de la Caballé se mueve en un espectro bastante estrecho en términos dramáticos: a veces conmueve y muchas otras exaspera con su indiferencia interpretativa. En términos vocales probablemente sea una de las versiones mejor cantadas de la discografía, logrando momentos celestiales en el uso del legato y el pianissimo pero en la suma total, a su Norma le falta brío, nervio, urgencia y carácter para ser el personaje trágico, heroíco y tridimensional que Bellini delineó tan bien en su partitura. A su lado Domingo hace lo que puede con Pollione, lejos del impacto vocal que lograban Del Monaco o Corelli y sin ahondar demasiado en el estilo belcantista. La Cossotto está captada en un momento de gloria vocal y los años de experiencia en el rol le ayudan a sacar una Adalgisa ya mas alejada de sus atronadoras versiones de los años sesenta y mucho mas cercana al modelo sopranil original. Raimondi no convence en un rol que a todas luces le queda grande.

Quizás lo peor de la grabación sea la batuta de Cillario, al que muchos le alaban el tempo estable que utiliza a lo largo de la ópera. A mi personalmente me aburre de sobremanera y tiendo a pensar que por su culpa la Caballé, el foco principal de la ópera, no logra ahondar más en el personaje, ni siquiera en términos musicales.

El trabajo de remasterización agrega mas espacio y definición en comparación con el primer traspaso a CD. La grabación se realizó en el Walthamstow Town Hall de London, durante el mes de septiembre de 1972.


Montserrat Caballé (Norma)
Placido Domingo (Pollione)
Fiorenza Cossotto (Adalgisa)
Ruggero Raimondi (Oroveso)

Ambrosian Opera Chorus
London Philharmonic Orchestra
Carlo Felice Cillario (Conductor)

Sony Classical
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viernes, 13 de abril de 2018

Meyerbeer - Le Prophète (McCracken - Horne - Scotto - Hines) Lewis [FLAC]



"Le Prophète" fue el tercer título que Giacomo Meyerbeer escribió para la Opera de París y uno de sus mas grandes y perdurables éxitos. Tal como lo hiciera en "Robert le diable" (1831) y "Les Huguenots (1836) trabajó junto a Eugène Scribe, maestro del drama y el efectismo, sobre un tema histórico que le permitiera el despliegue de todas las posibilidades del género de la Grand Opéra, imperante en la época y que él mismo ayudó a popularizar.

La historia gira en torno a la figura de Jean de Leiden, líder del movimiento de los anabaptistas, quién en 1534 tomó el control de la ciudad de Münster y fue coronado Rey. La opera sigue su ascenso al poder gracias a su carisma y la traición final que lo lleva a la muerte. Scribe retrata con detalle los aspectos mas contradictorios del personaje y crea en la relación con su madre, Fidés, y su amada, Berthe, un poderoso drama psicológico bastante inusual para el género.

El estreno ocurrió el 16 de abril de 1849, Meyerbeer se tomó varios años para terminar la partitura, tuvo a su disposición a la brillante Pauline Viardot, la hermana de la Malibrán, y creó en Fidés uno de los roles mas difíciles escritos para la cuerda de contralto. La producción no reparó en ningún gasto. No menos de cuatro diseñadores se repartieron los cinco actos de la ópera, que incluía una escena de coronación, calabozos y castillos en llamas. En su estreno en la Sala Peletier, contó además con una audiencia llena de celebridades de la época: Chopin, Verdi, Berlioz, Gaultier y Delacroix. El sensacional éxito obtenido le permitió presentarse al año siguiente en el Covent Garden y durante la siguiente década por toda Alemania y los teatros de Viena, Lisboa, Amberes, Budapest, Praga e incluso New Orléans. Su popularidad se mantuvo intacta hasta la muerte del compositor pero los ataques anti semitas encabezados por Richard Wagner comenzaron poco a poco a hacer merma. Desapareció lentamente de los escenarios europeos y el golpe de gracia vino con la prohibición nazi sobre toda la obra de Meyerbeer que terminó por borrar al compositor de los teatros.

En Estados Unidos tuvo mejor suerte y fue una favorita del publico del Met por varios años. Se presentó todas las temporadas, casi sin interrupciones, entre 1884-1892 con nombres tan importantes como Roberto Stagno y Jean de Rezske como Jean, Lilli Lehmann como Berthe y Sofia Scalchi como Fidés. En 1895 el teatro montó una nueva producción por la que desfilaron nombres como Francesco Tamagno, Suzanne Adams y Ernestine Schumann-Heink. Una tercera producción se realizó en 1918 para lucimiento de Enrico Caruso. Se contó además con la presencia de Margarete Matzenauer y Louise Homer como Fidés, Claudia Muzio y Florence Easton como Berthe, José Mardones como Zacharie y Adam Didur como el Conde de Oberthal. En 1927 se montó un revival esta vez con Giovanni Martinelli como Jean, Margarete Matzenauer y Karin Branzell como Fidés y Ezio Pinza como Zacharie.

La presente grabación es reflejo de la última producción que el Met montara, tras casi cincuenta años de ausencia de su cartelera y es además la única grabación de estudio disponible hasta el momento. Esta encabezada por la Fidés de Marilyn Horne, ya un poco pasada de años pero aun capaz de lidiar con la extensa tesitura, los momentos extenuantes y el canto ornamentado. A la Scotto también se la oye añosa pero logra un buen desempeño en los momentos mas dramáticos de su personaje. McCracken a pesar de las buenas intenciones no esta a la altura de las damas. La dirección de Henry Lewis pasa por alto grandes posibilidades para el drama y la ingeniera de sonido es bastante peculiar, todos suenan como si cantaran en una caverna. Aun así se agradece el trabajo de remasterización y la presencia en el catalogo.

La grabación se realizó en el Henry Wood Hall de la Trinity Church de Londres, entre el 30 de junio y el 14 de julio de 1976.


James McCracken (Jean de Leiden)
Marilyn Horne (Fidès)
Renata Scotto (Berthe)
Jerome Hines (Zacharie)
Jules Bastin (Le Comte d'Oberthal)
Jean Dupouy (Jonas)
Christian du Plessis (Mathisen)

Ambrosian Opera Chorus
Royal Philharmonic Orchestra
Henry Lewis (Conductor)

Sony Classical
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domingo, 8 de abril de 2018

Halévy - La Juive (Arroyo - Tucker - Moffo - Giaiotti) de Almeida [iTunes Plus AAC M4A]




Inicialmente concebida como la primera versión completa estereofónica producida en estudio, esta versión de "La Juive" de Halévy quedó reducida finalmente a una selección de poco mas de cuarenta minutos. Las razones nunca fueron explicadas del todo pero los desacuerdos en torno a su producción continuaron incluso después de que fuera publicada en 1974 y tras tres años de presencia, el sello (para terminar de cagarla) la retiró de su catalogo en 1977. Desde entonces nunca había sido ni re-editada en LP ni en el formato digital. Finalmente en enero de 2017, y después de mas de cuarenta años de ausencia, vuelve flamante y restaurada.

Richard Tucker bordeaba los sesenta años y quería presentar la ópera nuevamente en el Metropolitan. Eléazar había sido el último rol de Enrico Caruso en el Met y fue precisamente en sus ropas que se despidió (sin saberlo) del público neoyorkino en la navidad de 1920. El rol pasó entonces a manos de Giovanni Martinelli, quien lo había presentado por última vez en 1936. Desde ese entonces el Met se había negado a volver a escenificarlo. Con Rudolf Bing no lo tenía fácil pues el director detestaba la ópera de Halévy y se negó rotundamente a producirla. Tucker debió conformarse con llevarla al Carnegie Hall en 1964 en formato concierto. En 1972 la era Bing llegó a su fin y con ello el tenor se propuso nuevamente llevar la ópera al Met.

De forma paralela el tenor inició negociaciones con la RCA para poder grabar el título de manera completa. Para terminar de convencer a los ejecutivos, durante 1973 Tucker llevó la ópera a Londres y New Orléans y al año siguiente a Barcelona. El proyecto obtuvo luz verde por parte del sello que pretendía producir "I Vespri Siciliani" y "La Juive" durante el mes de agosto de 1973 empleando a la Caballé, por aquel entonces la máxima estrella del sello. Sin embargo la soprano debió someterse a una cirugía y cancelar su participación en las sesiones de grabación siendo reemplazada por Martina Arroyo. Tiendo a pensar que los productores consideraron demasiado riesgoso producir ambas óperas sin la Caballé y sopesando la popularidad de ambas óperas se decidieron por el titulo verdiano que en Enero de 1974 subiría al escenario del Met por primera vez y con la misma Caballé en el protagónico.

A pesar del revés discográfico, el Met siguió mostrando interés y el 1 de enero de 1975, Chapin le comunicó a Tucker su interés de producir la ópera en la siguiente temporada. Lamentablemente Tucker falleció una semana después, el 8 de enero de 1975, de un ataque cardíaco repentino y fulminante mientras estaba en una gira de conciertos junto a Robert Merrill.

La ópera de Halévy se estrenó en París el 23 de Febrero de 1835. La costosa producción original incluía todos los elementos esperables en la Grand Opéra: Cinco actos, ballet, escenas multitudinarias y un argumento basado en hechos históricos (el concilio de Constanza) para dar pie a grandes gestos dramáticos por parte del elenco estelar de cantantes. Para la ocasión el compositor trabajó estrechamente con Adolphe Nourrit, tenor estrella de la Ópera de París, quién al parecer influyó de tal manera que terminó por transformar el rol de Eleazar de bajo a tenor y ademas proporcionar el texto para "Rachel quand du seigneur", el aria mas famosa de la ópera. El rol de Rachel estuvo a cargo de la fugaz Marie-Cornélie Falcon quién logró uno de los éxitos mas importantes de su corta carrera. El resto del elenco se completó con Julie Dorus como la Princesa Eudoxia y Nicolas Levasseur como el Cardenal de Brogni. La ópera disfrutó de gran éxito durante el siglo XIX y las primeras décadas del XX pero lentamente fue desapareciendo de los teatros, como la mayoría de los títulos provenientes de la Grand Opéra. 

Tucker es la principal atracción de esta grabación. La voz le sigue respondiendo a gran altura, con la frescura y la seguridad de siempre a pesar de ya alcanzar los 60 años de edad. Por otro lado se aprecia la gran identificación que sentía con su personaje, componiendo uno de sus roles con mayor proyección dramática. Felizmente el resto del elenco está a gran altura. Martina Arroyo pone a disposición su gran caudal vocal y logra ademas una de las caracterizaciones mas expresiva de su discografía. Si bien la Moffo estaba ya en su curva descendente, logra sacar adelante su Bolero con buena afinación y con un mi natural sobreagudo que recuerda a sus mejores años. Giaiotti logra estar a la altura de sus compañeros de reparto pero se echa de menos la confrontación con Eleazar (que el sello prefirió no grabar) para terminar de redondear su personaje. Mención especial merece el trabajo de Juan Sabaté, totalmente olvidado en nuestros días y la batuta de Antonio de Almeida, siempre atenta al drama y que logra en la dramática escena final uno de los puntos mas altos de toda la grabación.


Martina Arroyo (Rachel)
Richard Tucker (Eléazar)
Anna Moffo (La Princesse Eudoxia)
Bonaldo Giaiotti (Le Cardinal de Brogni)
Juan Sabaté (Prince Léopold)
Leslie Fyson (Ruggiero)

Ambrosian Opera Chorus
New Philharmonia Orchestra
Antonio de Almedia (Conductor)

Sony Classical
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miércoles, 4 de abril de 2018

Mascagni: Cavalleria Rusticana & Leoncavallo: Pagliacci (Tucker - Amara - Harshaw - Valdengo - Guarrera) Cleva [HD 96kHz-24bit]



Esta grabación proveniente del baúl de los recuerdos del catálogo de Columbia (ahora en manos de Sony Classical) fue en su momento la primera grabación de "Cavalleria Rusticana" compuesta exclusivamente por cantantes americanos. El binomio verista compuesto por "Cavalleria Rusticana" y "Pagliacci" fue siempre una de las máximas atracciones del Old Met y para principios de 1953, cuando ambas grabaciones habían sido publicadas, "Pagliacci" alcanzaba ya las 403 representaciones en la compañía, siendo superado sólo por "Aida" (558), "Faust" (500), "Lohengrin" (497), "Carmen" (494) y "La Boheme" (472). Por su parte "Cavalleria Rusticana" alcanzaba un total de 364 funciones, siendo superada sólo por "Die Walküre" (371) y "Tannhäuser" (366). La popularidad de ambas era tal que incluso superaban a títulos como "La Traviata" (362), "Tristan und Isolde" (352), "Rigoletto" (329), "Madama Butterfly" (327), "Tosca" (306) o "Il Trovatore" (270).

Ambas grabaciones están producidas en torno a la figura de Richard Tucker, el tenor americano mas popular del momento y el único estadounidense que podía hacer frente a la popularidad de otros colegas venidos desde Europa como Björling, Del Monaco o Di Stefano. La juventud, el empuje y la técnica le permiten salir airoso de ambos roles a pesar de tener poca experiencia en ambos titulos pues si bien ya había cantado a Turiddu en escena el año anterior, el protagónico de "Pagliacci" sólo aparecería en su repertorio escénico casi al final de su carrera.

La primera en grabarse fue "Pagliacci", registrada entre el 4 y 5 de junio de 1951. Fue publicada el 17 de agosto del mismo año y contó con un elenco casi completamente americano a excepción de Giuseppe Valdengo, figura obligada de su cuerda por ese entonces.  Sobresale la intensa Nedda de una joven Lucine Amara. La soprano había debutado en la compañía el año anterior y se mantuvo activa en el teatro durante 40 años. Valdengo hace lo que puede con la vocalidad de Tonio pero a cambio logra extraer los matices y la expresión que en otros colegas pasaba a segundo plano.

Cavalleria se grabó entre el 18 y 25 de enero de 1953. Fue publicada en marzo de 1953 tanto de manera separada como también en una edición junto a "Pagliacci". El elenco ensamblado es completamente americano. A Tucker se suma la Santuzza de Margaret Harshaw, algo rutinaria en la vocalidad pero de sincera expresión y el Alfio de Frank Guarrera que a cambio de expresividad no logra entregar la vocalidad de su personaje. Cierran el elenco una apagada Lola a cargo de Mildred Miller y la Mamma Lucia a cargo de la legendaria Thelma Votipka, la cantante que mas funciones ha cantado en toda la historia del Met.

Se agradece no sólo la aparición en el catalogo digital sino también el estupendo trabajo de remasterización realizado en ambas tomas.



Cavalleria Rusticana:

Richard Tucker (Turiddu)
Margaret Hearshaw (Santuzza)
Frank Guarrera (Alfio)
Mildred Miller (Lola)
Thelma Votipka (Mamma Lucia)

Pagliacci:

Richard Tucker (Canio)
Lucine Amara (Nedda)
Giuseppe Valdengo (Tonio)
Thomas Hayward (Beppe)
Clifford Harvout (Silvio)

Chorus and Orchestra of the Metropolitan Opera Association
Fausto Cleva (Conductor)

Sony Classical
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martes, 20 de marzo de 2018

Massenet - La Navarraise (Popp - Vanzo - Souzay) de Almeida [iTunes Plus AAC M4A]



Se conoce usualmente a "La Navarraise" como la respuesta de Massenet a la fiebre verista que inundó Italia y llegó incluso a influenciar la escena francesa durante la última década del siglo XIX. Cuatro años antes de su estreno, Mascagni había presentado su "Cavalleria Rusticana" con increíble éxito en el Constanzi de Roma. Fue tal la recepción del publico que en menos de dos años la ópera de Mascagni ya se había escenificado por toda Italia y recibido producciones en Londres, París, Berlín e incluso en los Estados Unidos.

Si bien muchos consideran a "Carmen" como la primera ópera naturalista y por ende la inspiradora directa del verismo italiano, se suele aceptar que fue Alfred Bruneau el primer francés en copiar la fórmula italiana del naturalismo en títulos como "La rêve" o "L'attaque du moulin". Fue en medio de este panorama que Massenet ideó la composición de "La Navarraise", utilizando un libreto basado en "La Cigarrera" de Jules Claretie. El estreno ocurrió el 20 de junio de 1894 y estuvo encabezado por Emma Calvé, famosisima Carmen y primera interprete de Santuzza en el estreno francés, Albert Alvarez y Pol Plancon. El éxito estaba asegurado con la Calvé en el rol titular y la ópera disfrutó de gran fama durante las décadas sucesivas. Se presentaba usualmente emparejada con la propia Cavalleria de Mascagni, antes que a alguien se le ocurriera la formula Cavalleria-Pagliacci. Sin embargo después de la Primera Guerra Mundial, la ópera de Massenet cayó en el olvido.

Como buena pieza verista, la trama no tiene nade que envidiarle a Maria la del Barrio. La acción se centra en Anita, una campesina pobretona y huérfana que está enamorada de Araquil, un soldado. El padre de Araquil la considera indigna y para poder casarse con su hijo le exije una dote de 2000 duros. Al oír a Garrido, el comandante del ejército, maldecir al comandante enemigo, Zuccuraga, por haber asesinado a su amigo, Anita se ofrece a asesinarlo por 2000 duros. Garrido acepta y Anita se escabulle en el campamento enemigo pero es divisada por un amigo de Araquil quien asume que Anita es una espía.

Después de asesinar a Zuccuraga, Anita acepta la recompensa bajo un juramento de secreto. Confrontada por Araquil, quien ha sido mortalmente herido mientras intentaba buscarla en el campamento enemigo, Anita solo puede decir que "No hizo nada malo" pero él no le cree. Cuando descubre el dinero la acusa de prostituta pero pronto las campanas anuncian la muerte de Zuccuraga y es entonces que Araquil descubre la verdad y, antes de morir, la acusa de tomar dinero manchado con sangre. Esto lleva a Anita a la locura, trata de suicidarse pero falla y termina la ópera rompiendo en una carcajada histérica.

Esta versión fue la primera grabación de estudio de la ópera, se grabó en Londres entre el 14 y 18 de marzo de 1975 y fue publicada por Columbia Records. Tan solo dos meses mas tarde, RCA grabó su propia versión con un cast estelar encabezado por Marilyn Horne, Placido Domingo y Sherril Milnes dirigidos por Henry Lewis, el marido de la Horne. Por esas cosas del destino ambas versiones terminaron en Sony Classical, quienes optaron por comercializar la versión estelar de Lewis y dejar a esta primera versión fuera del formato digital. Recién este mes la casa discográfica se anima a publicarla por primera vez en CD.

Para quienes estén familiarizados con la versión de Henry Lewis, se encontrarán con un enfoque totalmente opuesto. La batuta de Almeida suena mucho mas dramática y urgente que el trabajo de Lewis. El reparto mucho mas idiomático; el Remigio de Souzay supera con creces a Zaccaria y Sardinero logra lo mismo frente a la extraña impostación de Sherrill Milnes. Por su parte Vanzo entrega un Araquil mas en sintonía con el estilo, sin el forte-fortissimo de la paleta de dinámicas de Domingo. Sin embargo, la verdadera atracción de la versión es la Anita de Lucia Popp, muchísimo mas variada en expresión y dinámicas que la sonora pero aburrida Marilyn Horne. Mención especial merece la risa final que pone los pelos de punta.


Lucia Popp (Anita)
Alain Vanzo (Araquil)
Gérard Souzay (Remigio)
Vicente Sardinero (Garrido)
Michel Sénéchal (Ramon)
Claude Meloni (Bustamente)

Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Antonio de Almeida (Conductor)

Sony Classical
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jueves, 1 de marzo de 2018

Verdi - Il Trovatore (Domingo - Price - Milnes - Cossotto) Mehta [HD 96kHz-24bit]




Veinte años después de la desastrosa remasterización a cargo de Thomas MacCluskey, Sony Classical corrige su epic fail con esta nueva edición, usando las cintas originales y el proceso de 96kHz-24Bit para rescatar la mayor cantidad posible de la grabación original. En esta ocasión se logra corregir en gran medida los errores del primer traspaso. Así desaparece la saturación excesiva de los pasajes en forte y se puede oír  por fin en toda su gloria las voces reunidas para la ocasión.

El equipo de cantantes está encabezado por Leontyne Price, quien logra el mejor desempeño de entre las tres versiones de estudio que llegó a grabar a lo largo de su carrera. La sedosidad, elasticidad y belleza de su sonido le ayudan a salir airosa en un repertorio que,si bien no comprendía del todo en términos estilisticos, sabía adornar con gran linea verdiana. Cuando se realizó esta grabación, Domingo era un recién llegado en el panorama de las estrellas tenoriles del momento. La juventud y el arrojo con que interpreta a Manrico no se volverá a repetir en las posteriores versiones que legó a la discografía. Algo parecido se puede decir de Sherril Milnes quien aun no está afectado por la crisis vocal que se desataría en la siguiente década. La verdadera joya de esta grabación es la Azucena de Fiorenza Cossotto, captada en un momento glorioso de su vocalidad. La mezzo se mueve con comodidad por el amplio registro requerido para su personaje y se permite incluso agregar el Do5 opcional en la cadencia de "Perigliarti ancor languente" que tantas otras colegas evitan a toda costa.

La grabación se realizó en Agosto de 1969 en el Walthamstow Hall de Londres.


Placido Domingo (Manrico)
Leontyne Price (Leonora)
Sherril Milnes (Conte di Luna)
Fiorenza Cossotto (Azucena)
Bonaldo Giaiotti (Ferrando)
Elizabeth Bainbridge (Inez)
Ryland Davies (Ruiz)
Stanley Riley (un vecchio zingaro)
Neilson Taylor (un messo)

Ambrosian Opera Chorus
New Philharmonia Orchestra
Zubin Mehta (Conductor)

Sony Classical
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martes, 2 de enero de 2018

Callas Live Remastered: Tosca [FLAC]



Desde su última aparición como Medea en La Scala el 3 de junio de 1962, la carrera teatral de la Callas entró en una larga pausa que sólo acabaría tras 18 meses con esta nueva producción de "Tosca" a cargo de Franco Zeffirelli y producida por el Covent Garden en enero de 1964. Por otro lado hay que decir que los años de 1962-64 fueron de intensa vida social y glamorosos conciertos en Berlin, Düsseldorf, Stuttgart, Londres, París y Copenhague, que mas que promover su carrera parecían confirmar el retiro de la escena y los problemas vocales.

El regreso a la escena fue promovido por David Webster, el jefe ejecutivo del Covent Garden entre 1945 y 1970, quién veía en el regreso de la Callas como la guinda de la torta en su distinguida carrera de productor. Webster tuvo el suficiente tacto para poder lidiar con todas las presiones ejercidas tanto por los medios, el publico y también por parte de la soprano. Para alivio de muchos, las dudas presentadas por el estado vocal de la Callas y su impredecible comportamiento a la hora de cancelar funciones, quedaron todas despejadas. La soprano parecía haber renacido con nuevas fuerzas y la voz, si bien ya no era la misma de la década anterior, le respondió durante las seis funciones pactadas entre el 21 de enero y el 5 de febrero y una muy publicitada transmisión televisiva del segundo acto realizada el 9 de ese mismo mes.

Luego de esta producción la carrera de la Callas se reactivó tanto en la escena como en el estudio de grabación. Durante los meses de febrero a abril grabó material que luego sería publicado en diferentes recitales y en mayo comenzó los ensayos para una nueva versión de "Norma" producida en la Opera de Paris con dirección escénica de Franco Zeffirelli. Las ocho funciones pactadas entre el 22 de mayo y el 14 de junio le presentaron mas problemas vocales que la anterior "Tosca" pero aun así pudo también completar el compromiso. Durante el mes de julio la soprano grabó "Carmen" y una prueba para un fallido recital de dúos junto a Franco Corelli que fue cancelado en último momento por desacuerdos entre el tenor y Georges Prêtre, director del proyecto. Finalmente en diciembre de ese mismo año la soprano grabó su segunda versión de "Tosca" junto a Carlo Bergonzi y Tito Gobbi.

Durante 1965 la soprano siguió apostando a la formula Callas/Zeffirelli y logró llevar la producción de "Tosca" a la Opera de París, presentándose en nueve funciones entre el 19 de febrero y el 13 de marzo. El 19 y 25 del mismo mes se produjo un apoteósico regreso al Met, con entradas agotadas semanas antes del estreno, nuevamente en las ropas de Tosca. Durante el mes de mayo se produjeron nuevas funciones de "Norma" en la Opera de París pero los problemas médicos le impidieron terminar las ocho funciones pactadas de las que solo pudo cantar cinco. Finalmente el 7 de mayo debía comenzar una serie de cuatro funciones de "Tosca" en un revival de la producción de Zeffirelli para el Covent Garden pero nuevamente los problemas médicos no le permitieron cumplir con las funciones pactadas. A duras penas terminó con la primera función, debiendo cancelar las restantes tres.Si bien la soprano tuvo planes para una nueva serie de Normas y una futura producción de Traviata, lo cierto es que aquella función de "Tosca" fue la última actuación escénica de toda su carrera.

La grabación suena sorprendentemente bien para tratarse de una grabación del vivo. Había sido editado en Emi y Golden Melodram pero el trabajo realizado por Warner los supera con creces y probablemente sea esta grabación la mejor de toda la serie en cuanto a tratamiento sonoro.

Con esta versión de "Tosca" completo la entrega total del box Callas Live Remastered. Espero lo disfruten.


Maria Callas (Floria Tosca)
Renato Cioni (Mario Cavaradossi)
Tito Gobbi (Scarpia)
Robert Bowman (Spoletta)
Denis Wicks (Sciarrone)

Orchestra and Chorus of the Royal Opera House, Covent Garden
Carlo Felice Cillario (Conductor)

Warner Classics
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lunes, 25 de diciembre de 2017

Callas Live Remastered: Poliuto [FLAC]



La actividad teatral de la Callas se redujo notoriamente una vez despedida de La Scala de Milán. El resto del año de 1958 sólo se presentó en tres producciones operáticas: "La Traviata" en el Covent Garden de Londres durante el mes de junio y "La Traviata" y "Medea" en Dallas durante el mes de noviembre. Su carrera escénica se vio aun mas comprometida cuando fue despedida del Metropolitan de New York en noviembre de ese mismo año.

Así como la carrera escénica decayó notablemente, sus apariciones en concierto se multiplicaron de manera exponencial. Entre octubre y diciembre de 1958 la soprano se presentó en mas de una decena de conciertos en ciudades de Estados Unidos y Canadá.

En el año de 1959 sólo cantaría nueve funciones en producciones de "Medea" en el Covent Garden durante el mes de junio y "Lucia di Lammermoor" y "Medea" en Dallas durante el mes de noviembre. Por otro lado la actividad de conciertos la llevó a presentarse por lugares tan disimiles como St. Louis, Philadelphia, New York, Washington, Madrid, Barcelona, Hamburgo, Stuttgart, Munich, Wiesbaden, Amsterdam, Bruselas, Bilbao, Londres, Berlin y Kansas.

Ya separada de Meneghini, el ritmo de trabajo decayó incluso mas durante el año de 1960, donde no tuvo actividad alguna hasta el mes de julio cuando ingresó al estudio de grabación para trabajar en arias de "Semiramide", "Armida" e "I vespri Siciliani". El día 20 de ese mes tenía previsto un concierto en Ostende pero debió cancelarlo debido a un fuerte resfrío y recién el 24 de agosto se subió al escenario del Anfiteatro de Epidauro para interpretar a "Norma", su primera aparición operática en Grecia en mas de 15 años.

Entre el 5 y 12 de septiembre la soprano trabajó en la segunda grabación estereofónica de "Norma" junto a Corelli y la Ludwig y regresó pronto a la comodidad del Christina, en donde pasó los siguientes meses hasta su planeado regreso a la Scala en diciembre de 1960 para esta producción de "Poliuto".

Al parecer las primeras señales de reconciliación con el teatro milanés surgieron en el verano de 1959, la Callas pasó largas temporadas en el Christina entre 1959 y 1960 preparando el que sería su último rol aprendido para la escena. Se cree que en primera instancia tuvo planes de aparecer como Alaide en "La Straniera" de Belllini pero pronto se decidió por Paolina, teniendo en cuenta su estado vocal. Por esta época tanto su situación contractual con La Scala, como los problemas vocales y de salud que la aquejaban, le impidieron aceptar grandes posibilidades de lucimiento. Se puede contar en este grupo la producción de "Francesca da Rimini" de Zandonai que finalmente cayó en manos de Magda Olivero, "Beatrice di Tenda" que se presentó con la Sutherland en mayo de 1961 y finalmente Valetina en la lujosa producción de "Gli Ugonotti" que La Scala montó en junio de 1962 y que fue a dar a manos de Giulietta Simionato, en su primera y única incursión en terreno sopranil.

El regreso a La Scala fue fugaz pues la voz se deterioró rápidamente en los primeros años de la década del 60'. A las 5 funciones de "Poliuto" durante el mes de diciembre de 1960, le siguió una ausencia de un año. La soprano regresó al teatro el 11 de diciembre de 1961 para tres funciones de "Medea" en pobre estado vocal. En 1962 se organizaron otras dos funciones el 29 de mayo y el 3 de junio que la soprano completó con grandes problemas. La misma semana se presentó la fastuosa producción de "Gli Ugonotti" que le había sido ofrecida, tras esto la Callas no volvió a aparecer en el teatro.

La producción de "Poliuto" debía estar a cargo de Luchino Visconti pero el director se retiró del proyecto en protesta por la censura de su film "Rocco e suoi fratelli". En su reemplazo, Herbert Graf, creó una producción que recordaba a las producciones de "Il Pirata" e "Ifigenia en Tauride" y además se pudo contar con un elenco estelar para acompañar el regreso de la Callas a la compañía. El auditorium fue decorado con miles de claveles y la recepción del público terminó por sellar con gran éxito el reencuentro entre la soprano y el teatro. A pesar del éxito hay que decir que la voz de la soprano ya no responde a la altura de anteriores temporadas, si bien el rol de Paolina no le exige tanto y se sitúa mucho mas en el centro del registro que otras heroínas, los signos del desgaste se evidencian tanto en el vibrato lento como en la nasalidad del timbre.

La grabación original editada por Emi en 2002 era ya bastante aceptable en comparación con otras tomas del vivo de la década del 50'. La edición Warner al parecer usa la misma fuente y mejora ligeramente la claridad general de la toma. Existen otras ediciones en Melodram y Myto que, quizás por un tema de compresión, están ligeramente mas graves en afinación que la edicion Emi/Warner y por ende las voces tienden a sonar mas grandes y con mayor cuerpo.



Maria Callas (Paolina)
Franco Corelli (Poliuto)
Ettore Bastianini (Severo)
Nicola Zaccaria (Callistene)

Orchestra and Chorus of the American Opera Society
Nicola Rescigno (Conductor)

Warner Classics
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