jueves, 30 de julio de 2015

Mario del Monaco - Decca Recitals 1952-1969 [iTunes AAC M4A]


Este compendio de los recitales de Mario del Monaco fue publicado en 2006 y fue el primero de la serie "Original Masters" dedicado a un cantante,  recoge en 5 CD's un resumen de la carrera discográfica del tenor en el sello, expandiéndose desde 1952 a 1969.
Lo interesante de la compilación es que da un vistazo extenso a las facetas del arte del tenor, no solamente en los ítmes mas asociados a su nombre, sino también a alguno puntos muchos mas controvertidos como su acercamiento a los roles mas líricos, sus lecturas de las canzonettas napolitanas o sus versiones para arias de Lohengrin y Siegmund, en un alemán precario pero absolutamente glorioso en la vocalidad, lo que nos hace lamentar el poco empeño que puso en un repertorio que le habría venido como anillo al dedo.


Tracklist:

CD 1
1 O! fede negar potessi … Quando le sere al placido (Luisa Miller)
2 Ch’ella mi creda (La fanciulla del west)
3 Ah! Guai a chi la tocca … No! pazzo son! Guardate (Manon Lescaut)
4 Non piangere Liù (Turandot)
5 Recondita armonia (Tosca)
6 E lucevan le stelle (Tosca)
7 O figli, o figli miei … Ah, la paterna mano (Macbeth)
8 Lungi da lei … De’ miei bollenti spiriti (La Traviata)
9 Si può? Signore! Signori! (Pagliacci)
10 La vita è un inferno … O tu che in seno agli angeli (La forza del destino)
11 Questa o quella (Rigoletto)
12 La donna è mobile (Rigoletto)
13 Cielo e mar! (La Gioconda)
14 Rachel quand du seigneur (La Juive)
15 Nel verde maggio (Loreley)
16 Hai ben ragione (Il tabarro)
17 Colpito qui m’avete … Un dì all’azzurro spazio (Andrea Chénier)
18 Nessun dorma (Turandot)
19 Una parola sola … or son sei mesi (La fanciulla del west)
20 Che gelida manina (La Bohème)
21 Svanir le voci! … Meco all’altar di Venere (Norma)

1-14.  Rome, 1952. Orchestra dell'Accademia di Santa Cecilia, Alberto Erede
15-20. Milan, 1954. Studio Orchestra, Franco Chione
21.    Rome, 1955. Orchestra dell'Accademia di Santa Cecilia, Alberto Erede

CD 2
1 I milioni di Arlecchino · Drigo
2 Musica proibita · Gastaldon
3 Mattinata · Leoncavallo
4 ’Na lettera cucente · Carocci
5 Addio a Napoli · Contrau
6 Mattinata veneziana · Cinque
7 Core ’ngrato · Cardillo
8 Forse la soglia attinse … Ma se m’è forza perderti (Un ballo in maschera)
9 Amor ti vieta (Fedora)
10 Giulietta, son io (Giulietta e Romeo)
11 Addio, fiorito asil (Madama Butterfly)
12 Ah! tout est bien fini … O souverain! O juge! O père! (Le Cid)
13 La fleur que tu m’avais jetée (Carmen)
14 Mercè, diletti amici … Come rugiada al cespite (Ernani)
15 Mi batte il cor … O paradiso (L’africana)
16 M’hai salvato … O come furon lunghi (La Wally)
17 Quando a Sölden (La Wally)
18 Tombe degli avi miei … Fra poco a me ricovero (Lucia di Lammermoor)
19 Tu che a Dio spiegasti l’ali (Lucia di Lammermoor)
20 In fernem Land (Lohengrin) *Prevously Unreleased

1-7.  Italy, 1954. Studio Orchestra, Ernesto Nicelli
8-19. London, 1956. New Symphony Orchestra of London, Alberto Erede
20.   Rome, 1955. Orchestra dell'Accademia di Santa Cecilia, Alberto Erede

CD 3
1 Trobadorica · Cinque
2 ’Na sera ’e maggio · Cioffi
3 ’O sole mio · Di Capua
4 Tu ca nun chiagne · De Curtis
5 Varca d’ ’o primo ammore · Mainardi
6 Granada · Lara
7 Serenata The Student Prince Romberg
8 Musica proibita · Gastaldon
9 Love’s last word is spoken · Bixio
10 Ti voglio tanto bene · De Curtis
11 Tonight West Side Story Bernstein
12 Core ’ngrato · Cardillo
13 Be my love · Brodszky
14 Girls were made to love and kiss Paganini Lehár
15 Cara mia · Trapani
16 Lolita · Buzzi-Peccia
17 Ciao ciao bambina · Modugno *Prevously Unreleased
18 The white dove ·  Zigeunerliebe Lehár *Prevously Unreleased


1-6.  Rome, 1958. Studio Orchestra, Ernesto Nicelli
7-18. London, 1962. Mantovani & His Orchestra

CD 4
1 Vengo! … O gioia della mia dimora … Testa adorata (La Bohème)
2 È la solita storia … Anch’ io vorrei così (L’Arlesiana)
3 Ah ha! Ah ha! … tu ch’odi lo mio grido (Isabeau)
4 O popolo di vili (Isabeau)
5 Inghirlandata di violette* (Francesca da Rimini)
6 Firenze è come un albero fiorito (Gianni Schicchi)
7 Ein Schwert verhieß mir der Vater (Die Walküre)
8 Winterstürme wichen dem Wonnenmond (Die Walküre)
9 Siegmund hiess’ ich und Siegmund bin ich* (Die Walküre)
10 In fernem Land (Lohengrin)
11 La mia letizia infondere (I Lombardi)
12 La rivedrà nell’ estasi (Un ballo in maschera)
13 Sotto il sol di Siria ardente (Aroldo)
14 Ah sì, ch’io senta ancora … Dal più remoto esiglio (I due Foscari)
15 O figli, o figli miei … Ah, la paterna mano (Macbeth)
16 Dì tu se fedele (Un ballo in maschera)
17 O! fede negar potessi … Quando le sere al placido (Luisa Miller)
18 Irne lungi ancor dovrei (Alzira)
19 Son gli ebbri inverecondi … O mio castel paterno (I masnadieri)
20 Come splendido e grande … Di ladroni attorniato (I masnadieri)
21 Lungi da lei … De’ miei bollenti spiriti (La traviata)

5-9. Lucilla Cipriano, soprano
1-10.  Rome, 1964. Orchestra dell'Accademia di Santa Cecilia, Carlo Franci
11-21. Monte Carlo, 1969. L'Orchestre National de l'Opera de Monte-Carlo, Nicola Rescigno

CD 5
1 Pietà signore · attrib. Stradella
2 Benedictus Messa Te Deum laudamus Perosi
3 Hostias et preces tibi Messa da Requiem Perosi
4 In questa tomba oscura · Beethoven
5 Crucifixus Petite Messe solennelle Rossini
6 Domine Deus
7 Ave verum corpus, K618 · Mozart
8 Agnus Dei · Bizet
9 Frondi tenere … Ombra mai fù Serse Handel
10 Ingemisco Messa da Requiem Verdi
11 Panis angelicus · Franck
12 Dicitencello vui · Falvo
13 Piscatore ‘e pusilleco · Tagliaferri
14 Vurria · Rendine
15 ‘O paese d’’o sole · D’Annibale
16 Autunno · De Curtis
17 Torna a Surriento · De Curtis

1-11.  Geneva, 1965. Brian Runnet - ORGAN
12-17. Rome, 1960. Studio Orchestra, Ernesto Nicelli

Decca

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miércoles, 29 de julio de 2015

Verdi - Otello (Vickers - Freni - Glossop) Karajan [iTunes AAC M4A]



La relación con Karajan le permitió a Vickers grandes oportunidades de lucimiento. La colaboracion de ambos en el Festival de Salzburgo dio como resultado dos famosas producciones: "Carmen" y "Otello". En el caso de la ópera de Verdi, la producción se presentó con enorme éxito durante tres ediciones consecutivas (1970-72), sumando un total de once funciones. Para Karajan no había mejor interprete del rol de "Otello" que Jon Vickers y a pesar de la diferencia de caracteres, ambos artistas lograron colaborar con éxito tanto en escena como en el estudio de grabación.

La década del 70' dio paso a una vocalidad mucho menos homogénea, el registro agudo sonaba cada vez mas esforzado y el verdadero mosaico de colores que se podía apreciar a lo largo del registro comenzó a hacerse cada vez mas evidente. Por otro lado el arte expresivo de Vickers siguió en desarrollo y podemos decir que en este "Otello" logra uno de sus triunfos mas grandes.

La Freni está captada en un momento de relativa juventud. Muchas veces el instrumento parece no dar la talla pero la cantante ofrece a cambio una fragilidad muy bienvenida y acorde con el personaje. En términos interpretativos su Desdemona suena algo indiferente, defecto que se hace quizás mas evidente al tener a Vickers a su lado. Glossop no termina de convencer en Iago, si bien por un lado establece un personaje con la profundidad necesaria para hacer frente a Vickers, la voz carece de verdadero atractivo. Hay lujos extras en los roles menores de Lodovico a cargo de Jose van Dam y Roderigo a cargo de Michel Sénéchal.

La grabación se realizó en la Philharmonie de Berlin durante los meses de abril y mayo de 1973.


Jon Vickers (Otello)
Mirella Freni (Desdemona)
Peter Glossop (Iago)
Aldo Bottion (Cassio)
Michel Sénéchal (Roderigo)
José van Dam (Lodovico)
Mario Machi (Montano)
Hans Helm (Un araldo)
Stefania Malagù (Emilia)

Chor der Deutschen Oper Berlin
Walter Hagen-Groll (Chorus Master)
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Emi/Warner Classics
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martes, 28 de julio de 2015

Giordano - Andrea Chenier (Del Monaco - Tebaldi - Silveri) De Sabata (Highlights) [MP3]



La temporada de 1949 marcó el despegue definitivo de la carrera de Mario del Monaco en La Scala de Milan. Había debutado en ese escenario en 1945 como Pinkerton en "Madama Butterfly". En 1949 fue invitado nuevamente pero esta vez en roles mas enjundiosos. En enero fue Des Grieux en "Manon Lescaut" y en marzo el protagonista de "Andrea Chenier". Dos años antes Beniamino Gigli (probablemente el mas grande exponente del rol en este siglo) había cantado su última función escalígera precisamente en las ropas de Chénier. La presencia de Del Monaco no sólo marcó su reconocimiento como nueva figura de la lírica sino también una clara intención de sucesión de la fama de Gigli.

Los fragmentos que sobreviven son una joya por donde se los mire. Del Monaco gozaba de la juventud y a su voz resonante de siempre se agrega una cuota de sinceridad algo ausente en sus años posteriores. Su acercamiento al personaje proviene de un polo opuesto al enfoque de Gigli, optando por una vocalidad aguerrida y frontal en vez del poeta acariciante que entregaba el tenor de Recanati.

La Tebaldi está captada también en la flor de la juventud. El timbre luce especialmente bello y aun no se hace evidente la inestabilidad en el agudo, la soprano se permite incluso varios juegos de dinámica en esa zona. Silveri entrega un poderoso Gerard y la Barbieri un lujo de Madelon. De Sabata redondea la versión con la vehemencia acostumbrada en su batuta.

La grabación proviene de una función del 6 de marzo de 1949 y fue publicada por el sello Fonit Cetra.


Mario Del Monaco (Andrea Chénier)
Renata Tebaldi (Maddalena di Coigny)
Paolo Silveri (Carlo Gérard)
Ebe Ticozzi (La Contessa di Coigny)
Fedora Barbieri (Madelon)
Giuseppe Modesti (Roucher)
Attilio Barbesi (Pietro Fléville)
Carmelo Maugeri (Il Sanculotto Mathieu)
Mariano Caruso (Un "Incredibile")
Giuseppe Nessi (L'Abate)

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano
Victor de Sabata, Conductor

Fonit Cetra
mp3@160Kbps | Cover
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lunes, 27 de julio de 2015

Wagner - Tristan und Isolde (Vickers - Dernesch - Ludwig - Berry - Ridderbusch) Karajan [iTunes AAC M4A]



El repertorio wagneriano fue un terreno bastante propicio para el lucimiento de Jon Vickers, sin embargo a lo largo de su carrera sólo llegó a cantar cuatro roles del compositor alemán: Siegmund (1958, Bayreuth), Parsifal (1959, Covent Garden), Erik (1965, Metropolitan) y Tristan (1974, Buenos Aires). De estos cuatro personajes, sólo Siegmund y Tristan se mantuvieron en su repertorio por varios años. Wieland Wagner le ofreció la parte de Siegfried en "Götterdämmerung" insistentemente pero el tenor terminó rechazando el ofrecimiento. Otro tanto se puede decir de Tannhäuser que el tenor terminó por desechar al considerar la opera como una "blasfemia".

La principal atracción y razón de ser de esta grabación es la batuta de Karajan que se acerca a la partitura por primera y única vez en estudio. El tratamiento es el esperable y el director se esmera por crear un producto altamente pulido y de gran belleza. La acústica de la Jesus Christ Kirche le agrega un elemento fantasmal muy bienvenido y si bien a muchos les parece demasiado calculado hay que decir que el resultado es espectacular ya sea por la belleza, la gran variedad en los contrastes o la tensión dramática que en partes como el acto tercero alcanza cúspides bastante difíciles de superar.

El equipo de cantantes está encabezado por el intenso Tristan de Jon Vickers que hace frente a la prueba con gran cantidad de recursos expresivos y una buena reserva de energía para los momentos mas extenuantes. Su interpretación del acto tercero es insuperable. La Dernesch es el punto mas bajo del reparto, si bien es una cantante expresiva la voz no responde a la altura esperable. Su instrumento es tenso, de vibrato corto y monocorde. No tiene la flexibilidad ni la variedad de colores esperables para dar vida al fraseo de Isolde. La Ludwig crea una estupenda Brangäne, agregando gran vocalidad y compromiso expresivo. Berry hace lo propio con su fiel Kurwenal y Ridderbusch saca a flote el lado mas amable del Rey Marke.

La grabación se realizó en la Jesus Christ Kirche de Berlin entre el 2 y 13 de diciembre de 1971.


Jon Vickers (Tristan)
Helga Dernesch (Isolde)
Christa Ludwig (Brangäne)
Karl Ridderbusch (König Marke)
Walter Berry (Kurwenal)
Peter Schreier (Stimme eines Jungen Seemanns/Ein Hirt)
Bernd Weikl (Melot)
Martin Vantin (Der Steuermann)

Chor der Deutschen Oper Berlin
Walter Hagen-Groll (Chorus Master)
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Emi
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Mario del Monaco - The Rare HMV & London Records (1948-1958) [iTunes AAC M4A]



El 27 de julio de 2015 se cumple el centenario del nacimiento de Mario del Monaco y para ponernos a tono con la celebración dedicaré unas semanas a la grandisima figura del tenor haciendo un repaso por su extensa discografía. El hilo dedicado a Jon Vickers no quedará incompleto y por algunos días irá turnándose con Del Monaco.

Mario del Monaco nació en Florencia el 27 de julio de 1915. Fue aficionado al canto desde joven y con la aprobación del padre logró tomar cursos en el Conservatorio de Pesaro bajo la guía inicial de Raffeli. Mas tarde entró en contacto con Arturo Melocchi, su verdadero formador. Siguiendo el consejo de Tullio Serafin, se inscribió en la escuela lírica de la Opera de Roma donde ganó una plaza en 1935. Su debut oficial se produjo en 1941 en el Teatro Puccini de Milán como Pinkerton en "Madama Butterfly". Su carrera se desarrolló rápido por los teatros de provincia , así hubieron funciones de "Madama Butterfly" en Florencia junto a Toti dal Monte, "La Traviata" en Verona junto a Mercedes Capsir y una gira por varias localidades de Sicilia en "Lucia di Lammermoor" junto a Lina Pagliughi.

Su llegada a La Scala se produjo en diciembre de 1945 nuevamente en la ropas de Pinkerton. Regresó a la sala en enero de 1949 como Des Grieux en "Manon Lescaut" iniciando así una intensa colaboración con la sala que se extendió sin interrupciones por mas de 14 años. El público milanés lo pudo apreciar en "Andrea Chenier" (marzo de 1949, enero de 1951, enero de 1955 y enero de 1960), "Aida" (febrero de 1950, febrero de 1951), "La Wally" (diciembre de 1953), "Otello" (enero de 1954, diciembre de 1959) "Norma" (diciembre de 1955), "La Fanciulla del West" (marzo de 1957), "Lohengrin" (diciembre de 1957), "Carmen" (abril de 1959 y marzo de 1963), "Francesca da Rimini" (mayo de 1959), "I Troiani" (mayo de 1960) y "Sansone e Dalila" (abril de 1961).

Las presentaciones fuera de Italia comenzaron una vez finalizada la guerra y coincidieron con sus primeros triunfos en la península. En 1946 llegó al Covent Garden de Londres integrando una gira de la compañía del San Carlo de Napoles y fue aplaudido en "Pagliacci", "Tosca" y "Madama Butterfly". Regresó al escenario londinense en 1962 para una producción de "Otello" junto a la Kabaivanska y Gobbi, dirigidos por Solti. En 1946 fue Canio en el Liceo de Barcelona y se presentó luego en México y Brasil. Llegó al Colón de Buenos Aires en 1949 como Calaf en "Turandot" causando verdaderos delirios en la audiencia rioplatense. Al año siguiente volvió para exitosas producciones de "Il Trovatore" y "La Forza del Destino", sin embargo el hecho mas destacable de esta temporada fue su debut en "Otello".

Su debut en los Estados Unidos se produjo en septiembre de 1950 en la Opera de San Francisco como Radamès en "Aida" al lado de la Tebaldi. Poco después agregó "Andrea Chenier" y "Manon Lescaut". En 1952 se presentó en "Tosca", "Aida", "Il Tabarro" e "Il Trovatore". Regresó a la compañía en 1959 con funciones de "Andrea Chenier" y "Otello". Volvió por última vez en 1962 con una "Carmen" y un "Pagliacci" que tuvo a Bastianini como Tonio y la insólita Nedda de Marilyn Horne, entonces en el comienzo de su carrera.

Del Monaco llegó al Metropolitan de New York como Des Grieux en "Manon Lescaut" sustituyendo a última hora a un indispuesto Jussi Björling. El debut fue auspicioso y le valió ser invitado al año siguiente de manera mas estable y formal. Así en noviembre de 1951 se presentó como Radamès en "Aida" al lado de la Milanov y Nicolai. En diciembre agregó Turiddu en "Cavalleria Rusticana" nuevamente al lado de la Milanov. Cantó también una aislada función de "Lucia di Lammermoor" al lado de Lily Pons pero la consagración definitiva llegó de la mano de "Otello" en febrero de 1952. En los años siguientes el tenor se lució como Don José en "Carmen", Manrico en "Il Trovatore", Don Alvaro en "La Forza del Destino", Enzo en "La Gioconda", Cavaradossi en "Tosca", Canio en "Pagliacci", Pollione en "Norma", los protagonistas de "Andrea Chenier" y "Ernani", Samson en "Samson et Dalila" y un aislado Pinkerton en "Madama Butterfly".

Otras salas que lo escucharon fueron Toronto, Viena y Tokyo. No se puede dejar de mencionar sus apariciones en el Teatro Bolshoi de Moscú que dejaron históricas grabaciones bilingües de sus títulos mas famosos.

Del Monaco se retiró de los escenarios en 1975 con una función de "Pagliacci" en Palermo. Falleció en Mestre, a las afueras de Venecia, el 16 de octubre de 1982 por complicaciones derivadas de una nefritis crónica. Fue sepultado con su traje de Otello, que (según él) había cantado en mas de cuatrocientas oportunidades.

La fama de Del Monaco se extendió rápidamente desde su debut en 1941 gracias a su tipo de voz robusta, oscura, sana y poderosa que no se oía desde hacía mucho tiempo en los escenarios. Lograba gran impacto con personajes como Otello, RadamèsCanio, en donde su voz se expandía con espectacular sonoridad y seguridad por encima de la masa orquestal y coral. Si bien este enfoque le permitía grandes efectos de derroche vocal, era también la razón por la que nunca pudo acercarse adecuadamente a las partes mas líricas del repertorio. Por otro lado la faceta actoral parecía provenir de décadas anteriores, no faltaron nunca los brazos en alto a la hora de los agudos y las grandes frases, la posición estática y de cara a la galería en mitad del escenario y toda la batería de clichés teatrales esperables. La critica americana fue especialmente majadera en subrayar estas limitaciones pero el poderío vocal era tal que las audiencias parecían perdonarle cualquier desplante anacrónico al tenor.

La voz era bella y en el registro grave adquiría características baritonales. Esto no se debía a una debilidad de la zona aguda sino al trabajo técnico de años de estudio para enfocar lo mejor de su resonancia en el centro del registro. La técnica de la laringe baja, aprendida con Melocchi, le permitía cantar con inusual amplitud y robustez sobre el pasaje y ascender a los agudos con gran fuerza y resonancia. Debido a esto y a pesar de cubrir el pasaje, daba siempre la idea de estar cantando abierto y de pecho.

Este disco recoge las primeras grabaciones del tenor realizadas para La Voce del Padrone en Milán durante noviembre de 1948 y sesiones posteriores esparcidas por 1951 y 1952. Se incluyen también tres tracks captados en Londres en 1956 y 1958. Las sesiones de Milán fueron captadas en 78rpm, antes que el tenor firmara contrato con Decca en 1952, por lo que son habituales las distorsiones y saturaciones del sonido pero por otro lado se puede apreciar al tenor en su etapa de juventud, cuando aun no abusaba de su generoso instrumento con énfasis innecesarios.


Tracklist:

1. Otello: Esultate
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: January 16, 1951

2. Otello: Tu! Indietro!... Ora e per sempre addio
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: January 16, 1951

3. Otello: Dio mi potevi scagliar
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: January 16, 1951

4. Otello: Niun mi tema
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: January 16, 1951

5. Aida: Se quel guerrier io fossi... Celeste Aida
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: April 5, 1951

6. L'Africana: Mi batte il cor... O paradiso!
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: November 22, 1948

7. Lohengrin: Da voi lontan
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: November 22, 1948

8. Martha: M'appari
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Tomaso B. Neglia - Rec: July 23, 1952

9. Carmen: Il fior che avevi a me tu dato
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: December 20, 1951

10. Werther: Ah! non mi ridestar
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: January 9, 1952

11. Manon Lescaut: Donna non vidi mai
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: November 22, 1948

12. Turandot: Nessun dorma
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: November 22, 1948

13. Pagliacci: Recitar! Vesti la giubba
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: April 5, 1951

14.  Pagliacci: No, Pagliaccio non son                    
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: April5, 1951

15.  La Boheme: Musette... Testa adorata
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: September 1951

16. Cavalleria Rusticana: Mamma, quel vino egeneroso   
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: December 20, 1951

17. Andrea Chenier: Un di all'azzurro spazio       
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: November 22, 1948

18. Andrea Chenier: Come un bel di di maggio
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Argeo Quadri - Rec: January 9, 1952

19. Adriana Lecouvreur: La dolcissima effigie                 
Orchestra Sinfonica di Milano conducted by Tomaso B. Neglia - Rec: July 24, 1952

20. Ernani: Merce, diletti amici... Come rugiada                  
New Symphony Orchestra of London conducted by Alberto Erede - Rec: 1958

21. Un ballo in maschera: Forse la soglia attinse          
New Symphony Orchestra of London conducted by Alberto Erede - Rec: 1958

22. Madama Butterfly: Addio, fiorito asil             
New Symphony Orchestra of London conducted by Alberto Erede - Rec: 1956

Archipel Records
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domingo, 26 de julio de 2015

Bizet - Carmen (Bumbry - Vickers - Freni - Paskalis) Frühbeck de Burgos [iTunes Plus AAC M4A]



En el abultado catalogo discográfico de "Carmen" esta versión a cargo de Rafael Frühbeck de Burgos ocupa un lugar especial pues fue la primera grabación estereofónica en dejar de lado los recitativos de Guiraud y optar por los diálogos hablados originales ideados por Bizet. En 1950 Cluytens lo había hecho ya en su famosa grabación monofonica.

La Bumbry era considerada entonces la mejor exponente del rol de la gitana, cuatro años antes de esta grabación había asumido el personaje en la famosa producción dirigida por Karajan en el Festival de Salzburgo y que dio como resultado un film igualmente famoso. La mezzo tiene todas las herramientas para entregar una gran Carmen, la voz era hermosa, redonda y extendida a los extremos del registro además tenía un físico atractivo que calzaba a la perfección al personaje. Sin embargo la paleta emocional y la profundidad interpretativa es bastante limitada dando como resultado una gitana algo opaca y sin la intensidad de otras grandes. Vickers logra una de sus grandes creaciones en el personaje de Don José, dando profundidad extra a sus facetas maníacas y violentas que hacen mas comprensible y coherente el desenlace final. La Freni entrega una Micaëla de hermosa y redonda voz mientras que Kostas Paskalis un Escamillo sin el estilo de otros grandes pero perfectamente creíble en su faceta de macho. Un lujo extra es la Mercédès de Viorica Cortez.

Los diálogos hablados fueron grabados por un grupo de actores franceses que poco o nada tienen que ver con su contraparte cantada, si perdonamos ese defecto evidente podemos disfrutar de una muy buena versión.

Frühbeck de Burgos dirige con el ímpetu y variedad esperable dado su origen español. La grabación se realizó en la Salle Wagram de París entre julio-septiembre de 1969 y enero-febrero de 1970. Fue publicada por el sello Emi y actualmente se encuentra en el catalogo de Warner Classics. La edición es una remasterización del año 2003. La caratula elegida pertenece a la edicion al LP.


Grace Bumbry (Carmen)
Jon Vickers (Don José)
Mirella Freni (Micaëla)
Kostas Paskalis (Escamillo)
Eliane Lublin (Frasquita)
Viorica Cortez (Mercédès)
Michel Trempont (Le Dancaïre)
Albert Voli (Le Remendado)
Claude Meloni (Moralès)
Bernard Gontcharenko (Zuniga)

Les Petits Chanteurs à la Croix de Bois
Choeurs et Orchestre du Theatre National de l'Opéra de Paris
Rafael Frühbeck de Burgos (Conductor)

Emi/Warner Classics
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viernes, 24 de julio de 2015

Berlioz : Les Troyens (Vickers - Veasey - Lindholm - Glossop - Soyer) Davis [iTunes AAC M4A]



Preparaba este post hoy cuando me enteré recién, con el anuncio de la LSO, del fallecimiento de Sir Colin Davis, grandisimo director. Espero que este post sirva también como un merecido y sencillo homenaje.

Berlioz concibió a "Les Troyens" como su trabajo mas ambicioso y ciertamente el mas largo de toda su creación. Para ello echó mano a todas las posibilidades musicales de su pluma e ideó una ópera en el mas puro estilo de la Grand Opéra, con 5 actos y una escena de ballet. Se encargó él mismo de la escritura del libreto basándose en la "Eneida" de Virgilio en un proceso creativo que se extendió entre 1856 y 1858. Sin embargo, una vez finalizada la creación, su estreno se convirtió en una tarea imposible para el compositor. La Opéra de Paris se negó a escenificarla argumentando que la envergadura de la obra la hacía muy cara de producir, además los recuerdos del fracaso de "Benvenuto Cellini" aún estaban frescos. Recién en 1863 el Théâtre-Lyrique aceptó producirla, en una versión abreviada de sus últimos tres actos, suprimiendo por completo la caída de Troya y el personaje central de Cassandra. El estreno de esta versión abreviada ocurrió el 4 de noviembre de 1863.

Los últimos días del compositor estuvieron rodeados por la amargura que le produjo el ver toda su obra musical relegada a segundo plano en Francia, sumado al fallecimiento de su mujer y al alejamiento de Amelie, una mujer 35 años menor con quien desarrolló una corta relación y cuyo fallecimiento sólo descubrió cuando visitaba el Cementerio de Montmarte y vió su tumba. El fallecimiento de su hijo Louis sería el golpe de gracia en el estado de ánimo y la salud del compositor. Berlioz fallecería finalmente el 8 de marzo de 1869. "Les Troyens" nunca fué escenificada en su forma original mientras Berlioz vivía y el compositor llegó a decir "Oh mi noble Cassandra, mi virgen heroica, debo resignarme a no escucharte jamás".

La primera escenificación completa de la ópera ocurrió en 1890 en Karlsruhe, separada eso si en dos noches consecutivas, traicionando una vez mas la concepción original. En Francia, siguiendo el mismo modelo, la ópera siguió presente en las temporadas y sólo recién en 1921 se escenificaría de manera integra, en 1929 se produjo un revival encabezado por la mítica Germaine Lubin. La obra volvería a la Opéra de Paris recién en 1961 en una producción dirigida por Pierre Dervaux y con Regine Crespin como Didon. En años posteriores la soprano francesa haría historia al abordar los dos roles principales en una misma noche.

En Londres la ópera se presentó por primera vez en una versión de concierto para la BBC en 1947 dirigida por Sir Thomas Beecham. Recién en 1957 la ópera se estrena en el Covent Garden, en inglés y bajo la dirección de Rafael Kubelik. En La Scala de Milán aparecería en 1960, en italiano y con las voces de Mario del Monaco como Eneas, Giulietta Simionato como Didon y Fiorenza Cossotto como Cassandra, nuevamente dirigidos por Kubelik. En Estados Unidos la ópera se presentó por primera vez en Boston en 1955. La Ópera de San Francisco la presentó en 1966 en una versión llena de cortes encabezada por la Crespin y Vickers. La primera producción completa se llevó a cabo en Boston en 1972, dirigida por Sarah Caldwell y con Crespin como Didon. Al Metropolitan de New York llegó recién en 1973, con Shirley Verrett como Cassandra y Didon (por enfermedad de Christa Ludwig) y Jon Vickers como Eneas.

Para las conmemoraciones del centenario de la muerte de Berlioz se preparó una edición critica de la partitura a cargo de Hugh Macdonald, publicada por Bärenreiter en 1969 y que incluía todo el material escrito por el compositor y sin los cortes a los que se sometió la obra desde su estreno en 1863. Esta edición critica sería usada para la escenificación en el Covent Garden de Londres dirigida por Sir Colin Davis el 17 de Septiembre de 1969 que marcó la primera vez en que la obra se vió en toda su real magnitud de mas de 4 horas de extensión. Desde entonces se opta por usar esta versión y aun así se somete la obra a cortes arbitrarios en las secciones del ballet.

Como contraparte a las funciones del centenario, Colin Davis llevó la obra al estudio convirtiéndose en el primero en grabar la ópera de manera íntegra. La grabación se llevó a cabo durante octubre de 1969 en Londres. Está encabezada por el Eneas de Jon Vickers, quizás con alguna dureza de emisión pero triunfador absoluto en la paleta de emociones expuestas en su canto. Josephine Veasey supera la prueba gracias a la belleza de tono, con algunas falencias en la dicción mientras que Berit Lindholm cumple con la extenuante intensidad de Cassandra con una dicción problemática, por decir lo menos. La dirección de Davis se mantiene en pie gracias a la belleza de sonido y el balance justo que sabe sacar de la orquesta del Covent Garden, mas que la atención a los detalles o la tensión que podría alcanzar niveles superiores con una partitura tan soberbia como la de Berlioz.

Jon Vickers (Enée)
Josephine Veasey (Didon)
Berit Lindholm (Cassandre)
Peter Glossop (Chorèbe)
Heather Begg (Anna)
Roger Soyer (Narbal/L'ombre d'Hector)
Anthony Reffell (Panthée)
Anne Howells (Ascagne)
Ian Patridge (Poète Tyrien)
Pierre Thau (Priamus/Soldat Troyen/Mercure)
Elizabeth Bainbridge (Hécube/Spectre de Cassandre)
Ryland Davies (Hylas)
Raimund Herincx (Premier Sentinelle/Spectre de Priamus)
Dennis Wicks (Deuxième Sentinelle/Spectre d'Hector/Chef Grec)
David Lennox (Hélénus)

Wandsworth School Boy's Choir
Orchestra and Chorus from The Royal Opera House, Covent Garden
Sir Colin Davis (Conductor)

Philips
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Verdi : Messa da Requiem (Caballé - Cossotto - Vickers - Raimondi) Barbirolli [MP3]



Esta versión de la Misa de Requiem de Verdi tiene como principal atractivo un cuarteto de cantantes en la cúspide de sus posibilidades vocales y un director de tremenda trayectoria en el repertorio sinfónico y de concierto.

Sir John Barbirolli (captado acá en los últimos meses de vida) opta por tempos lentos y calmados, quizá en una visión personal de lo que es su propia misa de requiem. No se oyen las tremendas explosiones dramáticas del Dies Irae o Tuba mirum por las que optaría Toscanini, De Sabata o Solti, aun así la calma y el aplomo presente en toda la versión no se oyen nunca faltos del nervio y la conducción necesarias para no caer en el aburrimiento.

En el cuarteto principal la triunfadora absoluta es ciertamente Montserrat Caballé que tiene en este "rol" verdiano un vehículo de lucimiento que le calza como un guante. Para 1969 la voz estaba aun fresca y  lo suficientemente bajo control como para ofrecer tanto fortes y fortissimos de gran control y expansión como sus famosos pianissimos, administrados acá con gusto y acierto musical. Su versión del "Libera me" es sin duda la mejor cantada y la mejor matizada, hace maravillas en la sección media, cantada en alientos interminables y con un sentido del legato de primer orden. En suma la mas emocionante de las grabadas en disco.


La española logra ponerse a la cabeza de la larga lista de sopranos que se han medido con esta obra. Quizá la competencia mas cercana sea Leontyne Price, pero supera por largo trecho a la amanerada Schwarzkopf y a la insuficiencia de Joan Sutherland o Renata Scotto.

La voz firme, cavernosa y directa de Fiorenza Cossotto sirve de contraste ideal al timbre etéreo de la Caballé. Tiene momentos de gran impacto en "Liber Scriptus" y en el "Recordare", donde la amalgama obtenida con la Caballé es simplemente espectacular.

Jon Vickers tiende a sobre enfatizar algunas frases muy "a la italiana", sin embargo la paleta de colores y dinámicas del tenor canadiense es tan variada que este defecto pasa a segundo plano. Raimondi canta con el aplomo de siempre, sin el impacto vocal y sonoro esperable.

La grabación original editada en LP doble en 1970 tuvo la mala suerte de aparecer tan solo unos años después de la famosísima lectura de Giulini, también en Emi y unos años antes de la también celebre versión de Solti en Decca. Así las cosas era obvio que Emi prefiriera la versión de Giulini (a pesar de lo inapropiado del cuarteto, salvo Ghiaurov) para competir con Decca y mas tarde las versiones de Karajan en DG. El paso al formato digital no sirvió de mucho para revalorizar esta versión que sólo obtuvo una edición en CD en un disco doble en 1990 junto al Requiem de Mozart dirigido por Barenboim.

Esta toma proviene de la edición de 1990 que no tiene ningún trabajo de remasterización de por medio. Una lástima.

Montserrat Caballé
Fiorenza Cossotto
Jon Vickers
Ruggero Raimondi
New Philharmonia Chorus (Wilhelm Pitz, director)
New Philharmonia Orchestra
Sir John Barbirolli (Conductor)

EMI
mp3 @320 kbps | Cover
CD1     CD2

jueves, 23 de julio de 2015

Saint-Saëns - Samson et Dalila (Vickers - Gorr - Blanc) Prêtre [iTunes AAC M4A]



La carrera discografica de Vickers parece haber estado planeada con todo detalle pues es una seguidilla de éxitos que con el tiempo se convirtieron en clásicos y referentes en el repertorio. Tal es el caso de esta versión de "Samson et Dalila" producida por Pathé-Marconi, la filial francesa de Emi, pues en primera instancia fue pensada como un producto de consumo local. Frente al éxito alcanzado, la producción salio fuera de las fronteras francófonas al mercado internacional para convertirse en la versión de referencia de la era del LP.

Vickers aun no debutaba el rol de Samson cuando se realizó esta grabación pero desde su primera función en Buenos Aires en 1963, se convirtió en uno de sus personajes mas solicitados, presentándolo en puntos tan alejados como Chicago, Ginebra, Tel Aviv, New York, Tokyo y Londres. Samson lo acompañó casi hasta el final de su carrera y fue precisamente en sus ropas que se despidió del publico del Metropolitan en abril de 1987.

La grabación lo presenta en su mejor momento vocal y como siempre con una cuidada caracterización del personaje. En décadas posteriores pudo profundizar más en él pero a costa de una voz que se fue volviendo cada vez mas dura en la emisión y difícil en el agudo.

La presencia de Rita Gorr termina de confirmar a esta grabación como un referente discográfico hasta el dia de hoy. Gorr poseía una voz opulenta y de un color muy personal y hermoso. Manejaba el estilo a la perfección y es capaz de crear un personaje tan seductor como imponente, se mueve por este amplio espectro emocional y vocal con tal intensidad que hace palidecer al resto de las colegas que han grabado el rol.  El elenco se completa con la carta segura de Ernest Blanc, de hermosa voz y gran presencia y la mediocridad de Anton Diakov como Abimelech que de todas maneras no logra empañar el resultado final.

La grabación se realizó en la Sale Wagram de París del 25 al 28 de Septiembre y del 1 al 10 de Octubre de 1962. La edición pertenece a la remasterización del año 2001 aparecida en la serie "Great Recordings of the Century".


Jon Vickers (Samson)
Rita Gorr (Dalila)
Ernest Blanc (Le Grand Prêtre de Dagon)
Anton Diakov (Abimelech & Un vieillard hébreu)
Rémy Corazza (Un messager)
Jacques Poitier (Premier Philistin)
Jean-Pierre Hurteau (Deuxième Philistin)

Cheours René Duclos
Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris
Georges Prêtre (Conductor)

Emi
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martes, 21 de julio de 2015

Verdi - Aida (Price - Vickers - Gorr - Merrill - Tozzi) Solti [iTunes AAC M4A]



Otro gran clásico de la discografía es esta versión de "Aida" dirigida por Georg Solti. La producción estuvo rodeada de polémicas tanto en el proceso de grabación como en su impacto en la critica de la época y apareció primero en la serie "Living Stereo" de la RCA para ser transferida posteriormente a Decca.

Si siguiéramos el orden cronológico de las grabaciones de Vickers hay que colocar esta "Aida" inmediatamente después de su recital de arias italianas. Ambas grabaciones se realizaron en Roma durante el verano boreal de 1961.

A pesar de su fama, esta grabación es bastante problemática en varios aspectos. Primero que todo el elenco de cantantes principales es muy heterogéneo y muy alejado del canto italiano. La Price dominó el rol de la esclava por décadas gracias a la plasticidad de su instrumento que le ofrecía una gran gama de contrastes a la hora de matizar. La linea de canto es estupenda, la voz hermosa y los agudos surgen fáciles hasta el extremo del Do. Vickers sigue sonando ajeno a la vocalidad italiana a pesar de las excelencias de fraseo, matices e intensidad dramática con la que enfrenta a Radamès. La mezzo belga Rita Gorr tenía uno de los instrumentos mas gloriosos de su época pero no tenía nada de mezzo verdiana. Los graves surgen apagados al no estar colocados en el pecho, el centro algo gutural y el agudo muchas veces estridente. Por otro lado compone una Amneris imponente y de gran intensidad. Por su parte Merrill crea un Amonasro de lujo y Tozzi un sonoro Ramfis.

Solti le añade mas polémica a la grabación con marejadas de sonido y un estilo rimbombante bastante marcado. La sección de los metales se oye con una relevancia poco acostumbrada en esta ópera y el control férreo que impone el director a sus músicos termina por traicionarlo en la escena triunfal en donde en vez de oírse un trabajo colectivo termina escuchándose una batalla campal por quien suena mas fuerte.

Las sesiones de grabación organizadas en Roma durante los meses de junio y julio de 1961 vieron además el nacimiento de la enemistad entre Jon Vickers y Georg Solti. La relación entre ambos había calentado motores con un intercambio de correspondencia para planificar el debut de Solti como director principal en el Covent Garden. Los cambios en el repertorio al parecer no gustaron a Vickers (quería cantar a Florestán con Nilsson y terminó siendo Siegmund) y el trato entre ambos en las sesiones de grabación de esta "Aida" no ayudó en nada. A fines de septiembre de 1961 comenzaron los ensayos de "Die Walküre" y en una oportunidad Solti terminó pidiéndole a Vickers que cantara la melodía del "Winterstürme" sin letra para asegurar la melodía. Vickers estalló en furia y nunca mas volvió a trabajar con Solti, calificando su manera de trabajar como "fascismo puro". La enemistad entre ambos privó al Covent Garden de varias oportunidades de lucimiento para ambos. El desquite de Vickers se dio en el escenario del Metropolitan de New York de donde Solti terminó por salir en 1963 para nunca mas volver, segun muchos debido a la amistad entre Vickers y Rudolf Bing, General Manager del teatro.

La grabación ganó el Grammy en 1962, convirtiéndose en el primero de un total de treinta y dos en la carrera discográfica de Solti.


Leontyne Price (Aida)
Jon Vickers (Radames)
Rita Gorr (Amneris)
Robert Merrill (Amonasro)
Giorgio Tozzi (Ramfis)
Plinio Clabassi (il Re)
Franco Ricciardi (Un messagero)
Mietta Sighele (Sacerdotessa)

Orchestra e Coro del Teatro dell'Opera di Roma
Sir Georg Solti (Conductor)

RCA/Decca
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lunes, 20 de julio de 2015

Beethoven - Fidelio (Ludwig - Vickers - Frick - Berry - Hallstein) Klemperer [iTunes AAC M4A]



Mas de cincuenta años han pasado desde la publicación de esta grabación de "Fidelio" y aun se la puede considerar como una referencia discografica absoluta y realmente hay poco que agregar a todos los elogios recibidos por esta grabación editada en 1962.

Vickers construye en Florestán uno de sus grandes personajes, quizás el mas significativo de toda su carrera. La concentración e intensidad dramática sacan a flote todas las aristas de su personaje sin caer en rebuscamientos, los tempos de Klemperer le permiten desarrollar a gran escala y en toda su amplitud tanto las emociones como la vocalidad del personaje. La Ludwig crea una emocionante Leonora y logra pasar la prueba de fuego en terrenos sopraniles gracias a la juventud y la técnica con la que sostenía su instrumento. Frick eleva a su personaje de Rocco por encima de la bobería con que otros colegas insisten en presentarlo y le entrega a cambio dignidad y peso dramático. Por su parte Walter Berry compone un sonoro y malévolo Don Pizarro.

La verdadera estrella de la grabación es Otto Klemperer. El director alemán tenía una amplia y algo controversial experiencia con la ópera que se remontaba a 1912 cuando dirigió su primera producción en Hamburgo en una época en que aún era discípulo de Felix Weingartner. A partir de entonces se convirtió en su carta de presentación en su debut en Strasbourg (1915), Köln (1917), Wiesbaden (1924), Berlín (1927) y Budapest (1948). En estas dos últimas se hizo cargo también de la puesta en escena pues su deseo era que el movimiento y la actuación no fuesen obstáculos para el discurso musical que según Klemperer era lo mas importante. En 1956 fue invitado a dirigir la ópera en el Covent Garden pero no le gustó el diseño de la producción y el teatro fue incapaz de proporcionarle los recursos necesarios para una nueva escenificación. Esto fue posible recién en 1961.

La experiencia es la base sobre la que construye la dirección musical de esta grabación y, como si se tratase de un trabajo de artesanía, se toma el tiempo para ir construyendo paso a paso una ópera que comienza como un modesto singspiel pero que acaba convirtiéndose en una obra sinfonico-coral de grandes proporciones. Klemperer logra construir este desarrollo como ningún otro.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres en los meses de febrero y marzo de 1962. La edición pertenece a la remasterización producida por Emi en el año 2000 para su serie "Great Recordings of the Century".


Christa Ludwig (Leonore)
Jon Vickers (Florestan)
Gottlob Frick (Rocco)
Walter Berry (Don Pizarro)
Ingeborg Hallstein (Marzelline)
Gerhard Unger (Jaquino)
Franz Crass (Don Fernando)
Kurt Wehofschitz (Erster Gefangener)
Raymond Wolansky (Zweiter Gefangener)

Philharmonia Chorus
Whilhelm Pitz (Chorus Master)
Philharmonia Orchestra
Otto Klemperer (Conductor)

EMI
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domingo, 19 de julio de 2015

Wagner - Die Walküre (Nilsson - London - Vickers - Brouwenstijn - Ward - Gorr) Leinsdorf [iTunes AAC M4A]



Un clásico absoluto de la discografía. Esta grabación producida por RCA en 1962 fue la primera versión de "Die Walküre" hecha en Stereo y contó con la dirección experta de Erich Leinsdorf y un elenco de cantantes que mezclaba talentos de diferentes generaciones.

El elenco está encabezado por la poderosa Brünnhilde de Birgit Nilsson, de sobrados medios vocales y expresivos para entregar una electrizante lectura. La Nilsson repitió el rol cuatro años mas tardes para Solti con mejores resultados en la expresión pero en esta versión se la puede oír mas fresca y luminosa en la vocalidad. Además aquí podemos disfrutarla junto al Wotan de George London, un monumento vocal a la altura de la Nilsson. La combinación de ambas voces en el acto tercero es sencillamente inigualable. London no alcanza la profundidad interpretativa de Hans Hotter, pero ahí donde la voz del alemán flaquea, London nos entrega su broncínea y poderosa vocalidad para compensar.

La vocalidad de Siegmund se acomodaba a la perfección a las capacidades de Jon Vickers. Logra grandes momentos tanto en las partes mas estentóreas como en los momentos que piden mayor introspección. El personaje está construido con todo detalle y logra evocar como ningún otro los conflictos internos del torturado Siegmund. La voz lírica de Gre Brouwenstijn no parece ser la opción mas idónea para Sieglinde pero la química lograda con Vickers es excelente y aporta además una cuota extra de fragilidad muy bienvenida. David Ward no alcanza la estatura malévola de otros Hunding de la discografía mientras que Rita Gorr compone un sonoro y autoritario retrato de Fricka. El grupo completo de Valquirias fue tomado de una producción del Covent Garden y las funciones en el cuerpo ciertamente ayudan a la cohesión y fuerza con la que cantan su música.

Leinsdorf tenía a sus espaldas una amplia carrera en el repertorio wagneriano. Conduce el drama con gran ímpetu y vivacidad, logrando gran efecto en las partes mas potentes del inicio del segundo acto, la cabalgata y el emocionante adiós de Wotan pero por otro lado este ímpetu le hace pasar por alto aquellos momentos donde la tensión del drama pide menor velocidad y mayor tensión para ser apreciada en su totalidad.

La grabación fue realizada por Rca para la serie Living Stereo en el Walthamstow Assembly Hall de Londres en sesiones esparcidas entre el 9 y 23 de septiembre de 1961. En años posteriores los derechos pasaron al sello Decca y se mantiene aun como parte del catalogo del sello inglés.


Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Gré Brouwenstijn (Sieglinde)
George London (Wotan)
Jon Vickers (Siegmund)
Rita Gorr (Fricka)
David Ward (Hunding)
Marie Collier (Gerhilde)
Julia Malyon (Ortlinde)
Margreta Elkins (Waltraute)
Joan Edwards (Schwertleite)
Judith Pierce (Helmwige)
Noreen Berry (Siegrune)
Maureen Guy (Grimgerde)
Josephine Veasey (Rossweisse)

London Symphony Orchestra
Erich Leinsdorf (Conductor)

RCA/Decca
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sábado, 18 de julio de 2015

Jon Vickers - Italian Arias [iTunes AAC M4A]



Luego de sus prometedoras apariciones en el "Mesias" dirigido por Beecham y "Otello" dirigido por Serafin, Jon Vickers logró registrar su primer recital de arias de ópera en el verano de 1961.

La publicación de este recital lo llenó de elogios y se lo llegó a comparar con Enrico Caruso en varias publicaciones especializadas. Mirado a la distancia podemos decir que los elogios están bastante bien fundamentados. Si bien la dicción y emisión de la voz sigue sonando ajena al estilo italiano, el tenor logra maravillas con los matices de dinámica, obedeciendo siempre al valor del texto mas que al despliegue de la vocalidad. Los nueve personajes representados a lo largo del recital aparecen muy bien delineados dramáticamente y hay anticipos de futuros éxitos ofrecidos ya con inusitada intensidad.

A pesar del éxito, Vickers no volvió a repetir la empresa y nunca más grabó un recital de arias. Por otro lado RCA ha ignorado por completo este disco y según tengo entendido no tiene un traspaso oficial al cd. La copia que acá les traigo pertenece al sello VAI Audio.

Tracklist:

1. La Gioconda: Cielo e Mar (Ponchielli)
2. Marta: M'appari (Flotow)
3. Don Carlo: Io l'ho perduta! (Verdi)
4. L'Arlesiana: È la solita storia (Cilea)
5. Pagliacci: Vesti la giubba (Leoncavallo)
6. Pagliacci: No! Pagliaccio non son! (Leoncavallo)
7. Andrea Chénier: Un dì all'azzurro spazio (Giordano)
8. Andrea Chénier: Come un bel dì di maggio (Giordano)
9. Tosca: Recondita armonia (Puccini)
10. Il Trovatore: Ah! si ben mio (Verdi)
11. Otello: Dio! mi potevi scagliar(Verdi)
12. Otello: Niun mi tema (Verdi)

Orchestra dell'Opera de Roma
Tullio Serafin (Conductor)

RCA
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miércoles, 15 de julio de 2015

Verdi - Otello (Vickers - Rysanek - Gobbi) Serafin [iTunes AAC M4A]



Otello fue una de las mas grandes creaciones de Jon Vickers, el personaje del moro lo acompañó casi desde el principio de su carrera y se mantuvo en su repertorio hasta bien entrado en la cincuentena. El desarrollo del personaje fue madurando con el correr de los años y llegó a ser uno de los retratos mas amenazantes de los que se tienen memoria. Afortunadamente se conserva tanto en audio como en video.

En esta versión grabada en 1960 la voz luce firme, oscura y poderosa. El extremo agudo no parece darle problemas y si bien logra presentar un canto convincente y atractivo, tanto la dicción como la emisión tienen muy poco que ver con el canto italiano. A pesar de esto es innegable el talento dramático con el que el tenor da vida al moro. A estas alturas se lo oye mas introspectivo y menos volcánico, si bien la profundidad y variedad de expresión es notable. En este sentido se emparenta bastante con la visión que Ramón Vinay tenía del personaje y se aleja de la brutalidad explosiva de Mario del Monaco.

El resto del elenco lo completan Leonie Rysanek, por aquel entonces en el comienzo de su carrera internacional. La soprano tiene poca idea del estilo italiano y se dedica a empañar su canto con amaneramientos propios del enfoque alemán. El personaje luce algo deslucido y no tiene nada que hacer en la comparación con la Tebaldi, referente discográfico absoluto. Por su parte Tito Gobbi crea una fantástica contraparte expresiva con su personaje de Iago, del que fue uno de sus mas grandes interpretes.

La grabación se realizó durante los meses de julio y agosto de 1960 en la Opera de Roma. Fue producida por Richard Mohy y la ingeniera de sonido estuvo a cargo de Lewis Layton.


Jon Vickers (Otello)
Leonie Rysanek (Desdemona)
Tito Gobbi (Iago)
Florindo Andreolli (Cassio)
Myriam Pirazzini (Emilia)
Mario Carlin (oderigo)
Ferruccio Mazzoli (Lodovico)
Franco Calabrese (Montano)
Robert Kerns (A Herald)

Orchestra e Coro dell'Opera de Roma
Tullio Serafin (Conductor)

RCA
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