Verdi - Don Carlo (Carreras - Freni - Ghiaurov - Baltsa - Cappuccilli - Raimondi) Karajan [1979/2026, Flac]

 

Warner Classics, embarcada por estos días en una serie de lanzamientos de remasterizaciones provenientes del vasto catálogo de EMI, ha relanzado al mercado en febrero de 2026 esta histórica versión bajo la batuta de Herbert von Karajan. Sin embargo, el entusiasmo parece no haber alcanzado para todo: no hay edición en alta definición como con la versión de Giulini. Y, por qué no decirlo, también se echa de menos un booklet de aquellos de antaño, de esos que invitaban a detenerse en la edición, leer sus notas y disfrutar el lanzamiento casi tanto como la propia música.

La grabación es una versión discográfica de una producción de "Don Carlo" de Verdi con dirección escénica y musical del propio Karajan que se montó en el Festival de Salzburgo durante cinco temporadas consecutivas entre 1975 y 1979, tanto en las ediciones de Pascua como de Verano, y que tuvo además un famoso revival en 1986 que se llevó al video.

El elenco es bastante similar al equipo de cantantes que se presentó en el Festival. El protagonista original de la primera temporada fue Plácido Domingo, Carreras lo sustituyó en 1976 con gran éxito de criticas. Karajan terminó por elegirlo a él para la grabación de estudio y hay que decir que su desempeño es encomiable. Nos entrega un protagonista juvenil, de hermoso timbre y canto apasionado. Un complemento ideal para el lirismo de la Freni (protagonista en las cinco temporadas consecutivas) que nos deja una Elisabetta encantadora, de hermosa voz y gran canto. Nicolai Ghiaurov está captado ya en su curva descendente pero mantiene el hermoso timbre, la musicalidad y el legato, si la voz suena mas añosa que en su versión con Solti (por razones obvias) esto solo ayuda en la caracterización del personaje que surge contundente y proyectado. Por su parte Piero Cappuccilli está a la altura de sus credenciales con un Rodrigo de señorial linea de canto, admirable sentido del legato y un fraseo verdiano de primera categoría. Agnes Baltsa nos regala un de las mejores Eboli de la discografía, con agudos seguros, arrojo y gran linea de canto, el director la prefirió por encima de otras colegas que habían cantado el rol durante las funciones de las cuatro primeras temporadas (Ludwig, Randová, Cossotto, Obraztsova). Lo mas conflictivo del elenco lo podemos escuchar en Ruggero Raimondi y su versión del Inquisidor que no tiene ni el peso ni el color esperable.

Lujos extras son José van Dam como el Fraile/Carlos V, Edita Gruberova como Tebaldo y Barbara Hendricks como la Voz del Cielo. Todos provenientes de la producción escénica original.

Las sesiones de grabación se realizaron entre el 15 y 20 de Septiembre de 1978, en la Philharmonie de Berlín. La presente edición apareció el 27 de febrero de 2026.

José Carreras (Don Carlo)

Mirella Freni (Elisabetta di Valois)

Nicolai Ghiaurov (Filippo II)

Piero Cappuccilli (Rodrigo, Marchese di Posa)

Agnes Baltsa (La Principessa d'Eboli)

Ruggero Raimondi (Il Grande Inquisitore)

José van Dam (Un Frate)

Edita Gruberova (Tebaldo)

Horst Nitsche (Il Conte di Lerma)

Barbara Hendricks (Una voce dal Cielo)

Chor der Deutschen Oper Berlín

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

Warner Classics

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Puccini - La Bohème (Freni - Pavarotti - Harwood - Panerai - Ghiaurov) Karajan [1973/2025, Hi-Res]

 

Con motivo del centenario del fallecimiento de Giacomo Puccini, el año pasado el sello Decca re-editó un par de títulos clásicos de su catalogo de óperas completas del compositor italiano. Esta versión de "La Bohème" ha sido re editada en varias ocasiones en la última década desde su traspaso al catálogo digital en 1990. En 2013 se hizo un estupendo trabajo usando el traspaso a 96Khz/24 bit, posteriormente en 2024 se realizó una nueva remasterización desde las cintas originales, utilizando esta vez un rango aún mayor que el utilizado en 2013, esta vez a 192kHz-24bit. De esta remasterización provienen estas tres ediciones que aquí les traigo: formato SACD (DSD), Flac en alta definición y Flac en formato estándar para quienes no quieran descargar archivos de gran tamaño.

Desde su publicación en 1973 a esta versión de "La Bohème" le han llovido todos los elogios posibles. Con el paso del tiempo claramente se ha ganado un sitial de referencia, compartiendo honores con las versiones de Beecham, Votto y Serafin. Quizás lo mas especial de esta Bohème radica en el nivel colectivo alcanzado por los solistas, la batuta inspirada de Karajan y el equipo técnico estelar que logra plasmar en sonido las diferentes atmósferas presentes a lo largo de la ópera.

Pavarotti y Freni están captados en su mejor etapa vocal. La Freni plantea su Mimí desde un enfoque vocal parecido al de la Tebaldi, con sonidos redondos, especialmente hermosos en el centro pero con un agudo mas estable y una paleta de matices mas variada que la de su compatriota. Por otro lado es capaz de sugerir mayor vulnerabilidad y fragilidad, quizás no a la altura de Victoria de los Angeles pero se le acerca bastante. Rodolfo se acomoda tan bien a la vocalidad de Pavarotti que pareciera que el rol hubiese sido escrito para él. Logra momentos gloriosos gracias a la técnica depurada y el arrojo con el que cantaba la música de Puccini, ciertamente inigualable. Panerai compone un Marcello algo bullicioso pero con la flexibilidad necesaria para acomodarse a los momentos mas íntimos. La Harwood logra una Musetta de gran canto e histrionismo, quizás sin la sensualidad latina de la Moffo pero indudablemente de gran presencia tanto en las partes cómicas como en las mas intensas del acto final. Ghiaurov es un lujo en Colline.

Karajan evidentemente amaba la música de Puccini y se propone desde los compases iniciales presentarla con toda la belleza posible y vaya que lo logra con espectacularidad. En términos dramáticos hay grandes momentos en el acto tercero donde se acerca peligrosamente al sentimentalismo del que se salva gracias a la firme tensión que es capaz de imprimir a la partitura. El acto cuarto está coronado por uno de los finales mas desgarradores de la discografía.

La grabación se realizó durante el mes de octubre de 1972 en la Jesus Christ Kirche de Berlin. El equipo estelar de ingenieros a cargo estaba formado por Ray Minshull, James Mallison, Gordon Parry, James Lock y Colin Moorfoot. El producto final es uno de los mejores logrados en la era análoga, logrando captar con amplio espectro tanto los momentos mas poderosos como las partes delicadas y suaves. La remasterización logra remover algunas pequeñas saturaciones presentes en el traspaso anterior y agrega mayor amplitud en la gama, especialmente disfrutable en la copia en HD.

Mis agradecimientos por sus aportes a la cuenta de Pay Pal que me permiten mantener el blog y su almacenamiento a flote.

Luciano Pavarotti (Rodolfo)

Mirella Freni (Mimí)

Rolando Panerai (Marcello)

Elizabeth Harwood (Musetta)

Gianni Maffeo (Schaunard)

Nicolai Ghiaurov (Colline)

Michel Sénéchal (Benoit, Alcindoro)

Gernot Pietsch (Parpignol)

Hans-Dietrich Pol (Doganiere)

Hans-Dieter Appelt (Sergente dei Doganiei)

Schöneberger Sängerknaben

Chor der Deutschen Oper Berlin

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

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Verdi - Rigoletto (Cappuccilli - Cotrubas - Domingo - Obraztsova - Ghiaurov) Giulini [1980/2016, Flac Hi-Res]

He aquí un posteo de 2013 actualizado al formato de alta definición y que se suma al ya amplio catalogo disponible en este blog. 

Esta versión de "Rigoletto" se grabó en 1979 y su principal atractivo es la combinación de estrellas en los roles principales y  la presencia de Carlo Maria Giulini en la dirección.

Ha recibido criticas mixtas, los principales dardos caen sobre Domingo, demasiado exigido en una vocalidad que no es la suya y que termina por transformar cualquier intención de arrogancia vocal en un sufrido intento de un cantante fuera de foco. Cappuccilli por su parte desborda gran canto, fiato, linea, estilo y sonoridad pero parece contenerse en la expresión a tal punto que termina por dibujar un personaje carente del peso acostumbrado en otros bufones de referencia.

En el resto del cast resalta la magnifica Gilda de Ileana Cotrubas de hermosa y frágil voz, ideal para el personaje, que además sabe combinar con enormes cuotas de talento dramático. A mi modo de ver es una de las mejores de la discografía. Obraztsova y Ghiaurov son verdaderos lujos en sus respectivos papeles.

La dirección de Giulini es magnifica y dramática como de costumbre y se opta por suprimir los agudos y sobreagudos tradicionales, algo por lo que Domingo debió haber estado agradecido durante mucho tiempo.

Como siempre agradezco los aportes al botón de PayPal que permiten mantener el almacenamiento y también acceder a material nuevo.

Piero Cappuccilli (Rigoletto)
Ileana Cotrubas (Gilda)
Placido Domingo (Il Duca di Mantova)
Elena Obraztsova (Maddalena)
Nicolai Ghiaurov (Sparafucile)
Kurt Moll (Il Conte di Monterone)
Hanna Schwarz (Giovanna)
Luigi de Corato (Marullo)
Walter Gullino (Borsa Matteo)
Dirk Sagemüller (Il Conte di Ceprano)
Olive Fredricks (La Contessa di Ceprano)

Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker
Carlo Maria Giulini

Deutsche Grammophon

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Verdi - Messa da Requiem (Schwarzkopf - Ludwig - Gedda - Ghiaurov) Giulini [1964/2020, Flac Hi-Res]

 

Como doble remate en recuerdo de Christa Ludwig les dejo acá la celebre versión de la "Misa de Requiem" registrada por Carlo Maria Giulini junto a la Philharmonia Orchestra.

A pesar de haber alcanzado la categoría indiscutida de clásico de la discografía, las circunstancias que rodearon a la producción de esta grabación fueron bastante especiales y polémicas. 

Walter Legge, el mítico productor de la Emi, se decidió a poner en marcha el proyecto luego del exitoso debut en Londres de Carlo Mara Giulini. El director italiano se presentó en el Royal Festival Hall y el Festival de Edimburgo en junio y agosto de 1960 con gran éxito de público y critica. Dos años mas tarde el productor ya se había decidido por Ludwig, Gedda y Ghiaurov pero aun buscaba a su soprano. Al parecer la parte fue un sueño incumplido de la Callas, quien estuvo a punto de cantarlo y grabarlo en varias oportunidades. Cuando Legge se decidió finalmente por su esposa, Elisabeth Schwarzkopf, la Callas rompió relaciones para siempre con él.

Por otro lado las relaciones entre el productor y la Philharmonia Orchestra (fundada por él mismo en 1945) terminaron por romperse en marzo de 1964 cuando el productor anunció su intención de disolver la Orquesta y el Coro. Para cuando se programó una sesión extra el 7 de abril de 1964, los ánimos ya estaban muy caldeados. 

El quiebre con el productor se materializó en el cambio de nombre (New Philharmonia Orchestra) y en la elección de Otto Klemperer como director y Presidente Honorario de la Orquesta. Eventualmente la agrupación logró recuperar los derechos sobre su nombre original (1977) y se convirtió con los años en la orquesta mas grabada del mundo. Por su lado el Coro se convirtió en un ente independiente (tanto de la Emi como de la Orquesta) y auto-gobernado por un Concejo de Gestión de 12 directores elegidos por sus miembros. Un sistema de gobierno que se mantiene hasta el día de hoy.

A pesar de Legge creo que es justo decir que lo mejor de esta grabación es el trabajo de la Orquesta y el Coro comandado por Wilhelm Pitz. El altísimo nivel técnico alcanzado por ambos cuerpos se encuentra además con la lectura inspirada y llena de brío de la batuta de Giulini. El cuarteto de solistas presenta varios reparos a excepción de Nicolai Giaurov, inmenso por donde se lo mire. Ni Gedda ni Ludwig están totalmente cómodos ni en su elemento en la vocalidad verdiana, si bien el nivel musical y expresivo es altísimo. Por su parte la Schwarzkopf está captada ya en su curva descendente y se la oye expuesta muchas veces a pruebas que no logra superar. La anécdota cuenta que en la sesión de abril de 1964 se debió repetir varias veces la sección final del Libera Me con la ascensión al Do agudo que la soprano no logra dominar del todo. Legge no ayudó en el impase y se dedicó a culpar al coro acusando problemas de afinación (mi coro no desafina, diría Wilhelm Pitz). Eventualmente se decidió que un cuarteto de sopranos del coro la apoyaran y con la ingeniería de sonido disponible en la época se logró camuflar bastante bien este problema.

El sonido captado tampoco es óptimo, según muchos por intervención directa de Legge. Hay mucha distorsión en los forte y si bien la remasterización logra maravillas, parece ser que el problema es la fuente original que deja muy poco espacio para posibles mejoras.

El grueso de las sesiones de grabación se realizaron en el Kingsway Hall de Londres entre el 16 y 21 y entre el 23 y 27 de septiembre de 1963. A esto se añadió una última sesión el 7 de abril de 1964. 

Elisabeth Schwarzkopf (Soprano)
Christa Ludwig (Mezzo-Soprano)
Nicolai Gedda (Tenor)
Nicolai Ghiaurov (Bass)

Philharmonia Orchestra and Chorus
Carlo Maria Giulini (Conductor)

Warner Classics

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Donizetti - La Favorita (Cossotto - Pavarotti - Bacquier - Ghiaurov - Cotrubas) Bonynge [1974/2013, Flac Hi-Res]

Cerrando esta seguidilla de posteos dedicados a las discografía de Pavarotti en Alta Definición, les traigo aquí esta versión de algo controvertida de "La Favorita", en su versión en italiano.

Compuesta en 1840 para lucimiento de Rosine Stolz y Gilbert Duprez, "La Favorite" de Donizetti se convirtió en unos de sus títulos mas populares en la escena francesa de la segunda mitad del siglo XIX. El estreno tuvo lugar en la Salle Peletier el 2 de diciembre de 1840. L'Opéra de París organizó en 1875 un revival con una producción completamente nueva y en 1896 volvió al escenario en una producción que ampliaba la escala a niveles dignos de la Grand Opera. El éxito alcanzado le permitió mantenerse en el repertorio de l'Opéra de manera ininterrumpida hasta 1894 y para 1904 ya había superado las 650 representaciones en la sala.

En 1847 se preparó una traducción al italiano que fue la versión con la que el título se dio a conocer en el resto de Europa y Norteamérica y que terminó por imponerse a la versión original con el transcurso de los años. Esta edición, sin embargo, no contó con la colaboración de Donizetti y se adaptó pensando en la censura italiana, razón por la cual parece ser que los traductores tomaron camino propio y reemplazaron el texto original de Eugène Scribe con un montón de arcaísmos poéticos que incluso a un nativo italiano le costaría entender su real significado. Demás está decir que, a parte del "traduttore traditore", la versión italiana corta de cuajo la música del Ballet del segundo acto.

Fuera de Francia se presentó en el Drury Lane de Londres en 1843, con un elenco encabezado por Emma Romer. El mismo año llegó a Norteamérica gracias al trabajo pionero de la New Orleans French Opera Company. En 1885 llegó a la Academy of Music de New York, en su versión italiana y con Sofia Scalchi en el rol protagónico, junto a la Compañía del Coronel Mapleson. En 1895 llegó al recientemente fundado Metropolitan de New York con Eugenia Mantelli, Giuseppe Cremonini, Mario Ancona y Pol Plancon en los roles principales, nuevamente en italiano. En 1905 se montó una nueva producción para lucimiento de Enrico Caruso, con un elenco que incluía ademas a Edyth Walker, Antonio Scotti y Pol Plancon. Después de 5 funciones desapareció de la programación de la sala por 72 años hasta que fue programada en 1978 en una producción encabezada por Luciano Pavarotti, Shirley Verrett, Sherrill Milnes y Bonaldo Giaiotti.

Su gran popularidad en la escena francesa hizo posible que se realizara una pionera grabación completa del título en 1912 con Ketty Lapeyrette y Robert Lassalle en los roles principales.

Fuera de Francia, en cambio, el título nunca logró entrar de lleno al repertorio habitual de los teatros y si se mantuvo en cartelera fue gracias a la proyección del rol de Fernand y la popularidad de sus arias dentro del repertorio tenoril. Quizás por este status de "rareza", la ópera fue bastante ignorada por las disqueras. En 1930 se produjo una selección con Giuseppina Zinetti en el protagónico y Lorenzo Molajoli en la batuta. En 1954, la Cetra produjo una versión radial de la RAI de Turín encabezada por la Barbieri, Gianni Raimondi, Carlo Tagliabue y Giulio Neri y al año siguiente la Decca grabó la primera versión de estudio con la Simionato, Poggi, Bastianini y Hines en los roles principales. A pesar de este primer puntapié inicial, ni la Emi, ni Deutsche Grammophon ni RCA mostraron interés alguno en grabar la ópera.

Por la suma de todas las anteriores circunstancias es que esta versión estelar sigue estando al tope de la lista a pesar de los defectos bastante evidentes en su plantilla de estrellas.

La Cossotto hace frente al personaje ya entrando en la última etapa de su canto, el que se encuentra bastante afectado por el engolamiento de la zona central y la inestabilidad del tramo mas agudo. Si la mezzo hubiera grabado el rol 4 o 5 años antes, cuando los Si naturales y Do agudos surgían libres, brillantes y poderosos, probablemente nos habría legado una versión de referencia. Para 1974, en cambio, las cosas ya son mas dificultosas y la mezzo prefiere evitar el Si agudo del final de su "O mio Fernando" y cuando se lanza sobre el Do agudo con el que finaliza el dúo del primer acto, el resultado es bastante estridente, destemplado e inestable en la afinación. Por otro lado la faceta interpretativa, que fue siempre bastante elemental, no se encuentra delineada del todo.

A Pavarotti tampoco se lo oye con la soltura de años anteriores y si bien su canto sigue calificando como espectacular, el resultado final no logra impactar. El rol de Fernando tiene una escritura inclemente cuando se trata de lucir el extremo agudo: exije un Do sostenido en "Una vergine, un angiol di Dio", un aria que además tiene una tessitura constantemente aguda. Se puede decir algo parecido de "Spirto gentil", que se encumbra al Do agudo después de cantar un legato interminable escrito sobre el pasaje del tenor. Pavarotti claramente tenía las notas pero me atrevo a decir que para el verano de 1974 la voz ya había abandonado esta cualidad cercana al leggero y se ha asentado de lleno en el lirico neto, razón por la cual la tessitura termina por aprisionar a su voz en vez de darle el espacio que encontraba en Puccini o la Giovane Scuola, en donde los agudos extremos seguían surgiendo con soltura, al no estar condicionados por una tessitura inclemente.

El resto del elenco se completa con un estupendo y señorial Alfonso, en la voz de Gabriel Bacquier y un robusto y sonoro Baldassarre a cargo de Nicolai Ghiaurov. Un lujo extra es la Ines a cargo de una joven Ileana Cotrubas.

La grabación se realizó en el Teatro Comunale de Bologna, durante el mes de Agosto de 1974.

Fiorenza Cossotto (Leonora di Gusman)
Luciano Pavarotti (Fernando)
Gabriel Bacquier (Alfonso XI, Re di Castiglia)
Nicolai Ghiaurov (Baldassarre)
Piero de Palma (Don Gasparo)
Ileana Cotrubas (Ines)
Bruno de Franceschi (Un Cortigiano)

Orchestra e Coro del Teatro Comunale di Bologna
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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Bellini - I Puritani (Sutherland - Pavarotti - Cappuccilli - Ghiaurov) Bonynge [1973/2013, Flac Hi-Res]

La Sutherland registra aquí su segunda versión de Elvira, diez años después de su primera grabación del rol completo. Los años no pasan en vano y la soprano gana en variedad de expresión pero por otro lado la voz ha perdido el brillo de juventud y se encuentra ya asentada en una modalidad en donde abundan los sonidos engolados. Por la misma razón hay serios problemas de dicción y el texto pasa totalmente a un segundo plano en su lectura del rol. Si bien los trinos, agudos y sobreagudos aun están ahí, (con un mi bemol sobreagudo de firme presencia) se la oye opaca en la comparación con sí misma.

Por su parte Pavarotti se enfrenta a Arturo sin grandes credenciales belcantistas y si bien sortea la empresa de manera espectacular, gracias a la técnica y el arrojo del registro agudo, se lo oye encorsetado por un estilo con el que nunca congenió del todo. Cappuccilli saca lo mejor de un rol que no tiene grandes momentos de lucimiento pero que el barítono logra delinear gracias a la expresión intensa y la noble linea de canto. Por su parte Nicolai Ghiaurov hace lo propio creando un Giorgio de paternal expresión y canto señorial.

Richard Bonynge realiza un estupenda labor tanto en la batuta como en el trabajo de investigación. Logra abrir todos los cortes e incluso "regalarnos" una breve pieza final con que Elvira cierra la ópera.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, entre los meses de Mayo y Julio de 1973.


Joan Sutherland (Elvira)
Luciano Pavarotti (Lord Arturo Talbo)
Piero Cappuccilli (Sir Riccardo Forth)
Nicolai Ghiaurov (Sir Giorgio)
Anita Caminada (Enricchetta di Francia)
Gian Carlo Luccardi (Lord Gualtiero Valton)
Renato Cazzaniga (Sir Bruno Roberton)

Chorus of The Royal Opera House Covent Garden
London Symphony Orchestra
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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Puccini - La Bohème (Freni - Pavarotti - Harwood - Panerai - Ghiaurov) Karajan [1973/2013, Flac Hi-Res]

Desde su publicación en 1973 a esta versión de "La Bohème" le han llovido todos los elogios posibles. Con el paso del tiempo claramente se ha ganado un sitial de referencia, compartiendo honores con las versiones de Beecham, Votto y Serafin. Quizás lo mas especial de esta Bohème radica en el nivel colectivo alcanzado por los solistas, la batuta inspirada de Karajan y el equipo técnico estelar que logra plasmar en sonido las diferentes atmósferas presentes a lo largo de la ópera.

Pavarotti y Freni están captados en su mejor etapa vocal. La Freni plantea su Mimí desde un enfoque vocal parecido al de la Tebaldi, con sonidos redondos, especialmente hermosos en el centro pero con un agudo mas estable y una paleta de matices mas variada que la de su compatriota. Por otro lado es capaz de sugerir mayor vulnerabilidad y fragilidad, quizás no a la altura de Victoria de los Angeles pero se le acerca bastante. Rodolfo se acomoda tan bien a la vocalidad de Pavarotti que pareciera que el rol hubiese sido escrito para él. Logra momentos gloriosos gracias a la técnica depurada y el arrojo con el que cantaba la música de Puccini, ciertamente inigualable. Panerai compone un Marcello algo bullicioso pero con la flexibilidad necesaria para acomodarse a los momentos mas íntimos. La Harwood logra una Musetta de gran canto e histrionismo, quizás sin la sensualidad latina de la Moffo pero indudablemente de gran presencia tanto en las partes cómicas como en las mas intensas del acto final. Ghiaurov es un lujo en Colline.

Karajan evidentemente amaba la música de Puccini y se propone desde los compases iniciales presentarla con toda la belleza posible y vaya que lo logra con espectacularidad. En términos dramáticos hay grandes momentos en el acto tercero donde se acerca peligrosamente al sentimentalismo del que se salva gracias a la firme tensión que es capaz de imprimir a la partitura. El acto cuarto está coronado por uno de los finales mas desgarradores de la discografía.

La grabación se realizó durante el mes de octubre de 1972 en la Jesus Christ Kirche de Berlin. El equipo estelar de ingenieros a cargo estaba formado por Ray Minshull, James Mallison, Gordon Parry, James Lock y Colin Moorfoot. El producto final es uno de los mejores logrados en la era análoga, logrando captar con amplio espectro tanto los momentos mas poderosos como las partes delicadas y suaves. La remasterización logra remover algunas pequeñas saturaciones presentes en el traspaso anterior y agrega mayor amplitud en la gama, especialmente disfrutable en la copia en HD.



Luciano Pavarotti (Rodolfo)
Mirella Freni (Mimí)
Rolando Panerai (Marcello)
Elizabeth Harwood (Musetta)
Gianni Maffeo (Schaunard)
Nicolai Ghiaurov (Colline)
Michel Sénéchal (Benoit, Alcindoro)
Gernot Pietsch (Parpignol)
Hans-Dietrich Pol (Doganiere)
Hans-Dieter Appelt (Sergente dei Doganiei)

Schöneberger Sängerknaben
Chor der Deutschen Oper Berlin
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Decca
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Puccini - Turandot (Sutherland - Pavarotti - Caballé - Ghiaurov) Mehta [1973/2013, Flac Hi-Res]

Siguiendo con este viaje me encontré con esta joyita en la tienda de la Opera de París y por supuesto no me pude resistir a la compra. Se trata de la remasterización en audio HD de la clásica versión de "Turandot" dirigida por Zubin Mehta.

El reparto es casi perfecto si no fuera por la Sutherland que está absolutamente fuera de foco en un rol que nunca cantó en escena y en el que no puede agregar nada interesante ni en el plano vocal ni en el dramático. Pavarotti logra maravillas con la vocalidad de "Calaf", lo mismo se puede decir de la delicada "Liù" de la Caballé, adornada por una gran variedad en el juego de las dinámicas. Lujos extras son el "Timur" de Nicolai Ghiaurov, el "Ping" de Tom Krause y el "Emperador Altoum" de Peter Pears.

Las diferencias con la primera y única publicación a formato CD realizada en la década de los 80' es bastante notoria. El sonido es menos metálico y con mayor "espacio", así mismo se ha incrementado el volumen (algo que para muchos es bastante criticable) y la definición en graves y agudos es mucho mas clara.

La caja incluye un disco Blu-ray con el audio en formato HD y dos CD en el formato tradicional. Como no tengo la capacidad técnica para extraer el audio en alta calidad, les dejo una copia que me envió hace unos meses un amigo del blog. Por mi parte les dejo la copia de los dos discos hecha por medio de iTunes. Les advierto que el audio HD pesa bastante (sobre las 2Gb) pero es muy recomendable si tienen el equipo necesario para reproducirlo como se debe.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres entre el 12 y 24 Agosto de 1972. El traspaso a 96kHz-24bit estuvo a cargo de Philip Siney.

Joan Sutherland (Turandot)
Luciano Pavarotti (Calaf)
Montserrat Caballé (Liù)
Nicolai Ghiaurov (Timur)
Peter Pears (L'Imperatore Altoum)
Tom Krause (Ping)
Piero de Palma (Pong)
Pier Francesco Poli (Pang / Il Principe di Persia)
Sabin Markov (Un Mandarino)

John Alldis Choir
London Philharmonic Orchestra
Zubin Mehta (Conductor)

Decca
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Donizetti - Lucia di Lammermoor (Sutherland - Pavarotti - Milnes - Ghiaurov) Bonynge [1972/2013, Flac Hi-Res]

Por suerte para los fanáticos del belcanto, "Lucia di Lammermoor" goza de muy buena salud a la hora de los recuentos discográficos y cuenta con varias grabaciones (aún activas en el catálogo) que pueden considerarse verdaderos hitos del título de Donizetti. Esta grabación estelar es uno de ellos.

Lucia es el personaje que catapultó a la Sutherland a la fama internacional y el que mayores triunfos le otorgó incluso en la etapa final de su carrera. La australiana tenía todo lo necesario para hacerle justicia en términos vocales y si bien el factor interpretativo es un claro retroceso frente a lo logrado por Callas en la década del '50, hay que decir que la Stupenda logra perfilar el personaje con mucho mejor resultado en la comparación con otros roles de su repertorio. Así las cosas, su Lucia se aleja bastante del verdadero thriller psicológico que lograba mostrar la Callas y crea en cambio una Lucia mas contemplativa y en vez de presentarnos de manera evidente los síntomas de locura que ya se adivinan en su primera aria, prefiere ir poco a poco construyendo un personaje ensimismado. El resultado final es algo opaco y ni se acerca a la intensidad de la Callas.

En términos vocales, Sutherland pone a disposición todo su virtuosismo en el canto ornamentado, con un gran despliegue de canto spianato y un legato que se extraña mucho en estos días. Así mismo se anima con trinos, staccati y sobreagudos, incluido el mi bemol de la escena de la locura, con pasmosa facilidad. Para la fecha la soprano ya bordeaba los 45, una edad en la que la mayoría de las soprano coloratura han abandonado el personaje, y si bien su engolamiento caracterísitco ya está firmemente asentado en su canto, hay que decir que la solvencia y brillantez del registro agudo sigue impresionado.

Pavarotti es uno de los mejores Edgardo de la discografía, algo alejado del belcanto pero con las cuotas justas de lirismo y vehemencia, estupendamente servidas gracias al desparpajo de la zona aguda. La tessitura parece no presentarle ningún problema y gracias a la técnica es capaz de hacer frente a la escena final con gran despliegue de squillo y arrojo. La faceta interpretativa está muy bien delineada y el arco de su personaje, desde el enamoramiento del duetto del primer acto, hasta el suicidio del tercero, se hace bastante evidente. Por su parte Milnes crea un Enrico bastante rustico en la interpretación y con la impostación extraña de siempre. Ghiaurov crea un Raimondo afectuoso y de bellisima línea.

Bonynge realiza una gran labor musicológica al abrir varios cortes que eran tradicionales y restaurar la escena de la torre, con la que se abre el tercer acto. Se notan además los años dedicados a este repertorio y es capaz de presentar las melodías con las cuotas justas de lirismo y nervio.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, entre los meses de Junio y Julio de 1971.


Joan Sutherland (Lucia)
Luciano Pavarotti (Edgardo)
Sherrill Milnes (Enrico)
Nicolai Ghiaurov (Raimondo)
Ryland Davies (Arturo)
Huguette Tourangeau (Alisa)
Pier Francesco Poli (Normanno)

Orchestra and Chorus of the Royal Opera House Covent Garden
Richard Bonynge

Decca

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Verdi - Macbeth (Fischer-Dieskau - Suliotis - Pavarotti - Ghiaurov) Gardelli [1971/2013, Flac Hi-Res]

Esta fue la primera grabación completamente integral de la ópera de Verdi y vino a coronar un proceso de redescubrimiento del título que se inició en los años de la Segunda Guerra Mundial.

Los primeros intentos por instalar a la ópera dentro del repertorio habitual de los teatros llegaron desde el mundo anglosajón. En 1943 se produjo en la Opera Estatal de Viena, dirigida por Karl Böhm y con Mathieu Ahlersmeyer y Elisabeth Höngen en los roles principales. En 1947 se produjo en el Festival de Glyndebourne con Frank Valentino y Margherita Grandi. Recién en 1949 la RAI de Turín produjo una transmisión dirigida por Mario Rossi y con Paolo Silveri y Lucy Kelston en los roles principales. La Opera Estatal de Berlín montó una producción en 1950 con Josef Metternich y Martha Mödl y al año siguiente, con motivo de la conmemoración del Cincuentenario de la muerte del compositor, la ópera fue producida finalmente en el Maggio Musicale Fiorentino, con Ivan Petroff y Astrid Varnay como la pareja protagonista. La Scala de Milán dió el empujón definitivo cuando eligió el titulo para abrir su temporada el 7 de diciembre de 1952 con Enzo Mascherini y María Callas, dirigidos por Victor de Sabata.

Si bien sobreviven las grabaciones del vivo, como también las transmisiones radiales de la RAI (1949) o de la WDR (1954), lo cierto es que la primera grabación comercial de estudio fue producida por la RCA en 1959, con un elenco encabezado por Leonard Warren y Leonie Rysanek, dirigidos por Erich Leinsdorf.

Esta versión tuvo desde el comienzo complicaciones con la plantilla de cantantes elegidos. En primera instancia estaba pensada para lucimiento de Tito Gobbi pero por razones médicas terminó bajándose del proyecto. El reemplazante de último minuto fue Dietrich Fischer-Dieskau y su Lady la sucesora de la Callas de aquel momento, Elena Suliotis (o Souliotis).

Fischer-Dieskau, probablemente uno de los cantantes mas completos de todos los tiempos, tiene siempre algo interesante que agregar en sus interpretaciones. Su Macbeth tiene los mismos problemas de fuste que se pueden oír en otras encarnaciones suyas del repertorio italiano. Los críticos de la época y muchos de los actuales, siguen considerándolo insuficiente en estos terrenos y si bien la voz, la emisión y el tamaño nunca dan la idea de "italianidad", hay que reconocer que el cuidado que pone al texto, las indicaciones musicales y el fraseo lo ponen en lugar aparte entre sus colegas, incluidos los que exudan "italianidad". Por su parte la Suliotis está captada aquí ya en su etapa final (tenía tan solo 27 años) y se la oye reducida en volumen, apagada, tensa en el agudo extremo y sin la fiereza de la que fue capaz en su grabación de "Nabucco" cuatro años atrás.

Los verdaderos puntos de genuino interés son el Macduff de Luciano Pavarotti, de hermosa y noble linea vocal y el estupendo Banco a cargo de Nicolai Ghiaurov ofreciendo una verdadera clase de legato verdiano. Por su parte Lamberto Gardelli saca lo mejor de la Filarmónica de Londres y entrega toda la belleza de la partitura de Verdi conducida con mano experta.

Ya desde la edición original se podía apreciar el estupendo trabajo de los ingenieros de la Decca que lograron producir una grabación con las voces perfectamente enfocadas y un sonido orquestal lleno de detalles y espacio. El trabajo de remasterización logra limpiar casi por completo el sonido de roce y realza de manera espectacular el trabajo original.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres, durante el mes de Agosto de 1970.


Dietrich Fischer-Dieskau (Macbeth)
Elena Suliotis (Lady Macbeth)
Luciano Pavarotti (MacDuff)
Nicolai Ghiaurov (Banco)
Riccardo Cassinelli (Malcolm)
Helen Lawrence (Dama di Lady Macbeth)
Raymond Myers (Medico)
John Noble (Servo)
Leslie Fyson (Sicario)
David Reed (Araldo)
John Noble (Prima Apparizione)
Andre Dance (Seconda Apparizione)
Peter Marsland (Terza Apparizione)

Ambrosian Opera Chorus
London Philharmonic Orchestra
Lamberto Gardelli (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | Digital Booklet + Cover
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Verdi - Macbeth (Cappuccilli - Verrett - Domingo - Ghiaurov) Abbado [1976/2018, Flac Hi-Res]

El montaje original de Giorgio Strehler en el que se basa esta grabación se presentó en La Scala de Milan en la apertura de la temporada el 7 de diciembre de 1975. Las funciones se extendieron hasta el 9 de enero de 1976 y se repuso en 1979 y 1985 con gran éxito. La grabación se planeó para Enero de 1976, espaciada entre las ultimas funciones, aprovechando así la carga dramática y la experiencia ganada en el teatro. El reparto se mantuvo casi idéntico con la excepción del Macduff de Franco Tagliavini reemplazado por Plácido Domingo y el Malcolm de Nicola Martinucci reemplazado por Antonio Savastano.

Originalmente se pensó grabar en La Scala pero el teatro estaba ocupado y se hacia imposible agendar fechas. Günter Hermanns, el productor de la grabación, se dio entonces a la tarea de encontrar un estudio disponible en Milán. El lugar elegido fue el Centro Cinematografico Culturale que poseía un extenso hall hecho de concreto. Los ingenieros pudieron arreglárselas con el medio hostil construyendo un escenario para los cantantes y recubriendo las paredes con madera y materiales aislantes. El resultado final es estupendo y logra satisfacer en gran medida a los amantes del sonido.

Piero Cappuccilli se desempeña con las cuotas acostumbradas de excelencia vocal y el fraseo verdiano que fueron su marca de fabrica. Se aleja bastante del modelo intenso y truculento dejado por el gran Leonard Warren y moldea a cambio un personaje introvertido y atormentado por su miedos pero con una nobleza de carácter algo ausente en otros colegas. Esta disposición del personaje protagonista le permite a Shirley Verrett crear un verdadero depredador con su personaje de Lady, adentrándose mejor que nadie en las profundidades de su oscuro y calculador rol. La vocalidad ciertamente no es italiana y los acentos del idioma están algo ausentes de su ejecución pero la cantidad de colores disponibles en su voz le permiten una enorme variedad de expresión en el decir. Por otro lado sortea con bastante éxito las exigencias técnicas del rol, tanto en las partes de agilidad como en el arrojo en los extremos del registro. Ghiaurov canta aun con la grandeza de siempre, quizás sin la emoción de su anterior lectura junto a Gardelli. Domingo está a la altura acostumbrada en un rol que ademas le ofrece una tesitura cómoda donde lucir la belleza de su centro.

Abbado estuvo al frente de La Scala durante 18 años, desde su nombramiento en 1968 hasta su salida en 1986. Sus años en el teatro estuvieron marcados por la excelencia que lograba en el repertorio tradicional como también la constante inclusión de obras contemporáneas. El rango de acción de Abbado era amplio y se desenvolvía bien en los campos estéticos y las formas musicales mas disimiles. Gracias a eso sus lecturas del repertorio tradicional gozaron siempre de un gran apego y respeto por la partitura como también de una claridad de orquestación admirables. En "Macbeth" el director captura mejor que nadie la atmósfera de crímenes y ambiciones personales que salpican la historia durante los cuatro actos. Conociendo esta estructura logra encadenar los elementos mas oscuros dentro de la acción general controlando firmemente la tensión de la partitura sin sacrificar por ello la belleza intrínseca de la música.

La grabación se realizó en el Studio CTC de Milan, entre el 3 y 9 de Enero de 1976. En 1997 había aparecido en la serie Originals con un estupendo trabajo de remasterización. La presente edición fue publicada en 2018 usando un traspaso a 192kHz para lograr obtener la mayor cantidad de datos posibles desde las cintas originales. El resultado y logra incluso mejorar la labor realizada en 1997.

Se incluye una copia en formato m4a como muestra.



Piero Cappuccilli (Macbeth)
Shirley Verrett (Lady Macbeth)
Nicolai Ghiaurov (Banco)
Plácido Domingo (Macduff)
Antonio Savastano (Malcolm)
Stefania Malagú (Dama di Lady Macbeth)
Carlo Zardo (Medico)
Giovanni Foiani (Servo di Macbeth)
Alfredo Mariotti (Sicario)
Sergio Fontana (Araldo)
Alfredo Giacomotti (Prima Apparizione)
Maria Fausta Gallamini (Seconda Apparizione)
Massimo Bartolotti (Terza Apparizione)

Coro e Orchestra del Teatro alla Scala
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@192kHz-24bit | Digital Booklet + Cover
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Nicolai Ghiaurov - in Boito's Mefistofele Selections [1967/2013, Flac]

Este volumen dedicado a Nicolai Ghiaurov es uno de los mas interesantes de la serie debido principalmente a que presenta dos grabaciones que nunca han sido publicadas en formato cd. La primera de ellas es el recital que da titulo al disco y que nos presenta a un Ghiaurov interpretando una selección del "Mefistofele" de Boito, captado en la cúspide de sus posibilidades vocales y expresivas. La segunda es el famoso dúo de "Les pécheurs des perles" grabado en 1978 junto a Luciano Pavarotti para un recital de dúos y que fue registrado especialmente como un "gancho" publicitario pues el resto del disco presentaba una recopilación de material grabado anteriormente por ambos artistas en el sello Decca.

El resto del disco está compuesto con material extraído de dos recitales grabados por el bajo a mediados de la década del 60'. Si algo se puede criticar es que no se incluye material del repertorio ruso, terreno donde Ghiaurov fue un interprete de referencia.

Agradecimientos especiales para JBGLX quien puso a disposición este material.

Tracklist:

Ghiaurov in Boito's Mefistofele (Decca SXL 6305) - CD Premiere

1. Boito : Ave Signor ! ( Mefistofele - Prologo in cielo )
2. Boito : Olá ! Chi urla ? ( Mefistofele - La Domenica di Pasqua - Act 1 )
3. Boito : Su , cammina , cammina ( Mefistofele - La notte del Sabba - Act 2 )
4. Boito : La morte de Faust ( Mefistofele - Epilogo )

Ncolai Ghiaurov (Bass)
Franco Tagliavini (Tenor)
Coro e Orchestra del Teatro dell´Opera di Roma
Silvio Varviso (Director)
Recorded in RCA-Studio , Roma - Sep. 1966


Nicolai Ghiaurov - Russian & French Arias ( Decca SXL 6147 )

5. Gounod : Le veau d´or ( Faust - Act 2 )
6. Gounod : Vous qui faites l´endormie ( Faust - Act 4 )
7. Rubinstein : I am he whom you called ( The Demon - Act 3 )

London Symphony Orchestra
Edward Downes (Director)
Recorded at Walthamstow Assembly Hal , London - July 7 to 14 , 1964


Nicolai Ghiaurov - Bass Arias ( Decca SXL 6038 )

8 Mozart : Madamina , il catalogo é questo ( Don Giovanni - Act 1 )
9 Verdi : Ella giammai m´amó ( Don Carlo - Act 4 )

London Symphony Orchestra
Edward Downes (Director)
Recorded at Kingsway Hall , London - October 26 to Nov. 2 , 1962


Luciano Pavarotti sings Duets ( Decca SXL 6858 ) - CD Premiere of the complete Duet

10 Bizet : Au fond du temple saint ( Les pécheurs des perles - Act 1 )

National Philharmonic Orchestra
Robin Stapleton (Director)
Recorded at Kingsway Hall , London - April 24 , 1977


Decca
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Verdi - Don Carlo (Bergonzi - Tebaldi - Ghiaurov - Fischer-Dieskau - Bumbry - Talvela) Solti [1966/2008, Flac]

Busqué por todos lados esta remasterización del "Don Carlo" de Solti y nunca pude encontrarla, así que decidí tomar el toro por las astas y desembolsar unos pesos para poder comprarla. La conseguí finalmente por medio de un amigo quién me la trajo directamente desde Ámsterdam, para que vean lo internacional que soy xD

La versión de Solti ha estado siempre entre mis favoritas, si bien con el tiempo ha quedado a la sombra de otras (Giulini, Karajan, Levine) mas completas en el material musical y con mayor claridad en la ingeniería de sonido, la de Solti ofrece un equipo masculino de cantantes imbatible, algo que no se puede decir de ninguna otra versión posterior.

Bergonzi puede sonar a veces demasiado liviano para la parte pero está captado aquí en su mejor momento vocal y sabe suplir la falta de arrojo con inteligencia y su técnica a toda prueba. El fraseo verdiano, como siempre, es una delicia para los oídos. El Marques de Posa de Fischer-Dieskau es probablemente su mejor rol verdiano, donde el lirismo y la elegancia de la linea se adapta a la perfección a sus posibilidades reales. Impresionante la atención que presta a las indicaciones de la partitura, su ejecución de todos los arcos del spianato como también del impecable trino en "Per me giunto il di supremo", en suma una verdadera lección de canto. Ghiaurov no sólo es capaz de entregar belleza y contundencia vocal, sino también de grandes momentos expresivos ayudado por un sentido del legato ausente en muchos otros colegas de su cuerda. Talvela está simplemente espectacular en el rol del Inquisidor, tanto por sonoridad como por la expresión.

Las damas están un par de escalones mas abajo, La Tebaldi no cantó nunca el rol de Elisabetta en escena y para 1965 la vocalidad ya está erosionada por la edad y una crisis vocal bastante severa ocurrida un par de años antes. El centro sigue siendo hermoso pero el agudo pena bastante. La profundidad de expresión nunca fue su fuerte y en Elisabetta se hace mas evidente. La Eboli de Grace Bumbry cumple con gran sonoridad y potencia pero se queda en la epidermis de un rol al que otras colegas sirven de manera espectacular.

El sonido mejora en términos de calidez y definición con respecto al anterior traspaso al CD. La grabación se realizó en el London Opera Center entre Junio y Julio de 1965.

Carlo Bergonzi (Don Carlo)
Renata Tebaldi (Elisabetta di Valois)
Nicolai Giaurov (Filippo II)
Dietrich Fischer-Dieskau (Rodrigo)
Grace Bumbry (La Principessa Eboli)
Martti Talvela (Il Grande Inquisitore)
Tugomir Frank (Un Frate)
Jeannette Sinclair (Tebaldo)
Kenneth MacDonald (Conte di Lerma)
John Wakefield (Un Araldo Reale)
Joan Carlyle (Una voce dal Cielo)

Orchestra and Chorus of the Royal Opera House, Covent Garden
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
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Verdi - Macbeth (Cappuccilli - Verrett - Domingo - Ghiaurov) Abbado [1976/1996, Flac]

Cuando en el año 2009 se anunció con gran revuelo mediático el posible regreso de Claudio Abbado a La Scala de Milán tras 16 años de ausencia, el maestro dio pie a uno de los episodios mas extravagantes de su carrera: volvería a La Scala gratis si la alcaldía de Milan se comprometía a plantar 90.000 arboles en la ciudad. Por imposible que sonara (y al parecer era esa la intención de Abbado...) al parecer por algún tiempo se pensó en llevar a cabo el proyecto pero fue finalmente cancelado cuando las estimaciones mas optimistas fijaban el costo del proyecto por sobre los 2 millones de euros.

La extravagancia de Abbado nos recuerda instantáneamente al Macbeth shakesperiano, trazando un paralelo inmediato entre Malcolm sitiando el castillo de Dunsinane ayudado por el follaje del Bosque de Birnam y Abbado haciendo lo propio con La Scala valiéndose de 90.000 arboles para torcerle la mano a los cuerpos estables del teatro que habían forzado su salida de la sala en 1986. Lo cierto es que la cancelación del proyecto ambiental terminó por ponerle fin a las pretensiones de don Claudio en 2009 pero las conversaciones y las presiones de diferentes sectores continuaron hasta que el 30 de octubre de 2012 el director por fin se puso al frente de la Filarmonica della Scala en un memorable programa que incluía el Concierto No. 1 de Chopin con Daniel Barenboim al teclado y la Sinfonía No. 6 de Gustav Mahler.

Y ya que es a Abbado a quien hay que conmemorar y su hazaña shakesperiana la que se me viene a la memoria, qué mejor que traer a colación su "Macbeth" verdiano, verdadera referencia discográfica y uno de los puntos mas altos de su carrera scaligera.

El montaje original de Giorgio Strehler en el que se basa esta grabación se presentó en La Scala de Milan en la apertura de la temporada el 7 de diciembre de 1975. Las funciones se extendieron hasta el 9 de enero de 1976 y se repuso en 1979 y 1985 con gran éxito. La grabación se planeó para Enero de 1976, espaciada entre las ultimas funciones, aprovechando así la carga dramática y la experiencia ganada en el teatro. El reparto se mantuvo casi idéntico con la excepción del Macduff de Franco Tagliavini reemplazado por Placido Domingo y el Malcolm de Nicola Martinucci reemplazado por Antonio Savastano.

Originalmente se pensó grabar en La Scala pero el teatro estaba copado y se hacia imposible agendar fechas. Günter Hermanns, el productor de la grabación, se dio entonces a la tarea de encontrar un estudio disponible en Milán. El lugar elegido fue el Centro Cinematografico Culturale que poseía un extenso hall hecho de concreto. Los ingenieros pudieron arreglárselas con el medio hostil construyendo un escenario para los cantantes y recubriendo las paredes con madera y materiales aislantes. El resultado final es estupendo y logra satisfacer en gran medida a los amantes del sonido.

Piero Cappuccilli se desempeña con las cuotas acostumbradas de excelencia vocal y el fraseo verdiano que fueron su marca de fabrica. Se aleja bastante del modelo intenso y truculento dejado por el gran Leonard Warren y moldea a cambio un personaje introvertido y atormentado por su miedos pero con la nobleza de carácter algo ausentes en otras lecturas. Esta disposición de Macbeth permite a Shirley Verrett crear un verdadero depredador con su personaje de Lady, adentrándose mejor que nadie en las profundidades de su oscuro y calculador rol. La vocalidad ciertamente no es italiana y los acentos del idioma están algo ausentes de su ejecución pero la cantidad de colores disponibles en su voz le permiten una enorme variedad de expresión en el decir. Por otro lado sortea con bastante éxito las exigencias técnicas del rol, tanto en las partes de agilidad como en el arrojo en los extremos del registro. Ghiaurov canta aun con la grandeza de siempre, quizás sin la emoción de su anterior lectura junto a Gardelli. Domingo está a la altura acostumbrada en un rol que ademas le ofrece una tesitura cómoda donde lucir la belleza de su centro.

Abbado estuvo al frente de La Scala durante 18 años, desde su nombramiento en 1968 hasta su salida en 1986. Sus años en el teatro estuvieron marcados por la excelencia que lograba en el repertorio tradicional como también la constante inclusión de obras contemporáneas. El rango de acción de Abbado era amplio y se desenvolvía bien en los campos estéticos y las formas musicales mas disimiles. Gracias a eso sus lecturas del repertorio tradicional gozaron siempre de un gran apego y respeto por la partitura como también de una claridad de orquestación admirables. En "Macbeth" don Claudio captura mejor que nadie la atmósfera de crímenes y ambiciones personales que salpican la historia durante los cuatro actos. Conociendo esta estructura logra encadenar los elementos mas oscuros dentro de la acción general controlando firmemente la tensión de la partitura sin sacrificar por ello la belleza intrínseca de la música.

La grabación se realizó en el Studio CTC de Milan, entre el 3 y 9 de Enero de 1976. La edición que les traigo corresponde a la remasterizacion de la serie "Originals" publicada en 1997.


Piero Cappuccilli (Macbeth)
Shirley Verrett (Lady Macbeth)
Nicolai Ghiaurov (Banco)
Plácido Domingo (Macduff)
Antonio Savastano (Malcolm)
Stefania Malagú (Dama di Lady Macbeth)
Carlo Zardo (Medico)
Giovanni Foiani (Servo di Macbeth)
Alfredo Mariotti (Sicario)
Sergio Fontana (Araldo)
Alfredo Giacomotti (Prima Apparizione)
Maria Fausta Gallamini (Seconda Apparizione)
Massimo Bartolotti (Terza Apparizione)

Coro e Orchestra del Teatro alla Scala
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Verdi - Aida (Caballé - Domingo - Cossotto - Cappuccilli - Ghiaurov) Muti [1974/2010, Flac]

Riccardo Muti produjo una buena cantidad de operas verdianas durante la década del 70' y su versión de "Aida" logró convertirse en uno de los grandes clásicos de la discografía, tanto por su batuta como por el estupendo equipo de cantantes.

El rol de Aida es uno de los mas agotadores de la producción verdiana y por ende cualquier soprano que se anime a interpretarla debe tener, antes de cualquier consideración vocal, grandes cuotas de energía para sobrevivir al extenuante concertado final con el que culmina el acto segundo y pasar rápidamente al acto tercero en donde se mide, sin descanso, con una de las arias mas difíciles salidas de la pluma del compositor y un dúo que requiere grandes cantidades de arrojo y  lirismo. La vocalidad de Aida se debate entre el dramático puro del acto segundo y el canto mas lírico del tercero, por ende la soprano que lo interprete debe poseer la elasticidad suficiente para los matices en piano en el registro agudo y los fortes y el metal necesario para hacerse oír entre la orquesta y el coro.

La Caballé no posee la densidad sonora con la que tradicionalmente se asocia el rol de Aida pero la soprano opta por enfocar su lectura desde el lirismo, acudiendo para ello a todo su arsenal técnico. Si bien se echa de menos una voz mas "llena" en las escenas corales del segundo acto, en el tercero logra momentos inigualables en su "O Patria mia" con un Do agudo en pianissimo sencillamente mágico y un dúo con Radamés lleno de notas flotantes. En el dúo final alcanza las mismas alturas, tejiendo cuidadosamente las frases mas etéreas de su personaje. La faceta interpretativa no tiene la profundidad esperable y muchas veces incurre en efectos algo molestos, como la tendencia a sonar "llorona" cada vez que el personaje cae en desgracia, sin embargo su lectura se sostiene por sí sola gracias al inigualable despliegue de la vocalidad.

Radamés requiere mas o menos de las mismas condiciones de Aída, el tenor se debe enfrentar a escenas grupales de gran sonoridad y por otro lado ser capaz de la ductilidad suficiente para cumplir con escenas mas intimas e incluso agudos en piano, un claro ejemplo es el famoso morendo final de "Celeste Aida" que muy pocos ejecutan. Domingo cumple con la sonoridad necesaria pero se queda corto en el extremo mas agudo, tanto en piano como en forte. Radamés no es un rol de agudos extremos, de hecho no pasa del Si bemol, pero insiste en esa nota reiteradamente, ya sea en piano o forte. Domingo no está feliz en todos los sibemoles, hay varios emitidos con tensión en el acto tercero, no ejecuta el morendo en "Celeste Aida" y cuando la nota viene en piano, opta por el falsete. Aun así se puede decir que su Radames es correcto, siempre musical y contundente a la hora de los concertados.

La Cossotto tenía para la época una de las voces de mezzosoprano mas voluminosas pero el micrófono pocas veces captó en toda su gloria el timbre, el metal y lo punzante de su emisión, que en el teatro corría y llenaba hasta las salas mas grandes. Su Amneris es un retrato vocal de gran impacto, la Cossotto fue siempre una interprete extrovertida, quizás sin la profundidad interpretativa de otras pero no se quedaba corta en aspavientos ni en demagogia vocal para suplir la superficialidad con la que se acercaba a muchos de los grandes roles de su cuerda, incluida Amneris. Para 1974 la voz aun le respondía y era capaz de grandes momentos de "electricidad". Si bien la vocalidad parece ser la adecuada, muchas veces se extraña una voz mas tersa y redonda en el centro.

El cast se completa con el Amonasro de Cappuccilli, sonoro, expresivo e italiano como pocos y el estupendo Ramfis a cargo de Nicolai Ghiaurov. Muti maneja con mano de hierro a los grupos orquestales y corales que logran responderle con exactitud ritmica y además sabe imprimir la necesaria carga dramática a la partitura sin caer en las rimbombancias de Solti ni las sonoridades atronadoras de Karajan.

La grabación se realizó entre el 2 y 11 de Julio de 1974 en el Walthamstowe Assembly Halls de Londres. Los diferentes traspasos al CD nunca han sido del todo satisfactorios, restandole bastante de la sonoridad que lograba el LP original. Según tengo entendido la primera edición venia en sonido cuadrofónico y quizás sea esta la razón principal de la perdida de presencia en las ediciones en CD. En el año 2000 apareció una edición en DVD y con sonido DTS que presentaba por primera vez en sonido Digital Surround la edición cuadrofonica y al parecer con muy buenos resultados en el traspaso.

Esta edición corresponde a la remasterizacion publicada por EMI en 1997. En el año 2001 la grabación se volvió a remasterizar y apareció en la serie "Great Recordings of the Century" en el 2010, el resultado es prácticamente el mismo.


Montserrat Caballe (Aida)
Placido Domingo (Radames)
Fiorenza Cossotto (Amneris)
Piero Cappuccilli (Amonasro)
Nicolai Ghiaurov (Ramfis)
Luigi Roni (Il Re D'Egitto)
Nicola Martinucci (Un Messaggero)
Esther Casas (Una Sacerdotessa)

Chorus of The Royal Opera House, Covent Garden
The Trumpeters of the Royal Military School of Music, Kneller Hall
New Philharmonia Orchestra
Riccardo Muti (Conductor)

EMI
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Verdi - Simon Boccanegra (Cappuccilli - Freni - Carreras - Ghiaurov - van Dam) Abbado [1977/1997, Flac]

"Simon Boccanegra" fue por muchos años una suerte de "patito feo" entre las obras de madurez de Giuseppe Verdi. Se estrenó originalmente en La Fenice de Venecia en 1857, ocupando un lugar entre "I Vespri Siciliani" y "Aroldo" (revisión de "Stiffelio") en la producción verdiana. El compositor sometió la partitura original a un extenso trabajo de re-estructuración tanto musical como dramática y, con la ayuda de Arrigo Boito en el libreto, re-estrenó la opera en La Scala de Milán en 1881. Esta última versión es la que se representa mas asiduamente en la actualidad.

Tuvo un despegue lento en su popularidad y recién en 1932 fue escenificada por primera vez en el Metropolitan de New York bajo la batuta de Tullio Serafin y las voces de Lawrence Tibbet, Maria Müller, Giovanni Martinelli y Ezio Pinza y desde entonces, salvo pequeños hiatos, ha estado presente constantemente en la programación del teatro neoyorkino.  En La Scala de Milán tuvo una suerte parecida pero no sería hasta la aparición de la producción diseñada por Ezio Frigerio y regie de Giorgio Strehler que abrió la stagione 1971-72, que la ópera sería apreciada en su real magnitud.

La famosa producción de Streher dirigida por Claudio Abbado estuvo presente casi de manera ininterrumpida en La Scala hasta 1982 y viajó a otros escenarios como Covent Garden, Washington o el Bunka Kaikan de Japón, como parte de las giras de la compañía y es precisamente esta producción la que sirve de base para la grabación hecha por DG usando un cast muy similar al de la noche de apertura del 7 de diciembre de 1971.

Los años de maduración de la partitura se notan en gran manera en la dirección de Claudio Abbado, que sabe entregar de manera contundente las cuotas de drama, tensión y belleza pura de los momentos mas líricos de la partitura de Verdi. Todos los cantantes brillan en sus roles, Cappuccilli no solo entrega una lección de interpretación sino también de canto verdiano de pura cepa, lleno de arcos y fiatos extendidos. Algo parecido se puede decir del Fiesco de Nicolai Ghiaurov de imponente sonoridad y manejo del legato, magnífico en su famosa aria de entrada y en la confrontación con Simon en el Prologo. La Freni logra en el rol de Maria Boccanegra lo que quizás sea su mejor y mas legitimo rol verdiano, derrochando belleza vocal y seguridad en el extremo agudo, estupenda en su aria y conmovedora hasta las lagrimas en el dúo con Simon, cuando finalmente lo reconoce como padre. Carreras está captado acá en su mejor momento vocal mientras que van Dam logra maravillas en la expresión del malvado Paolo Albiani.

La grabación se hizo en enero de 1977 en el CTC Studio de Milán y apareció en la serie "Originals" en 1997, con el cover original de la producción de Strehler y el sonido mejorado al nivel acostumbrado en esta serie.

Piero Cappuccilli.(Simon Boccanegra)
Mirella Freni (Maria Boccanegra)
Nicolai Ghiaurov (Jacopo Fiesco)
José Carreras (Gabriele Adorno)
José van Dam (Paolo Albiani)
Giovanni Foiani (Pietro)
Antonio Savastano (Capitano)
Maria Fausta Gallamini (Un'ancella di Amelia)

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon

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Donizetti - Anna Bolena (Souliotis - Horne - Ghiaurov - Alexander) Varviso [1970/1997, Flac]

En su momento de gloria, la Souliotis fue la primera belcantista en tener bajo su brazo una grabación de estudio de "Anna Bolena" (1970), antes que Sills y antes que Sutherland. Eso, y versiones de "Nabucco", "Norma" y "Macbeth", parecen ser prueba suficiente de las intenciones que tuvo Decca para perfilarla como sucesora de la Callas, intenciones todas que terminaron truncadas cuando la voz de la soprano dejó de responder a principio de los años 70's.

Grabada de manera bastante completa, sin los cortes indecentes de Gavazzeni con la Callas en vivo (1957), el cast se completa con la Giovanna de Marilyn Horne de impecable desempeño vocal, aunque quizás muy masculino en el enfoque y Nicolai Ghiaurov de imponente vocalidad, superado solo por Ramey en los 80's.

La Souliotis está como siempre; aguerrida en la vocalidad, con varios momentos de belleza vocal contrastados con otros muchos de insuficiencia en la coloratura y un enfoque bastante básico tanto estilístico como interpretativo.

Elena Souliotis (Anna Bolena)
Marilyn Horne (Giovanna Seymour)
Nicolai Ghiaurov (Enrico VIII)
John Alexander (Lord Riccardo Percy)
Janet Coster (Smeton)
Stafford Dean (Rochefort)
Piero de Palma (Hervey)

Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker
Silvio Varviso (Conductor)

Decca

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