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miércoles, 7 de octubre de 2026

R. Strauss - Salomé (Behrens - Böhm - Baltsa - van Dam - Ochmann) Karajan [1978/2026, Flac]

 


Continuamos con la serie de relanzamientos del sello Warner con esta clásica versión de "Salomé" de Richard Strauss bajo la batuta de Herbert von Karajan.

Esta versión de "Salomé" sigue la misma lógica de producción que vimos en los posteos anteriores dedicados a Karajan y sus versiones de "Don Carlo" e "Il Trovatore", es decir, corresponde a una versión discográfica de una producción con dirección musical y escénica del propio Karajan que se montó en el Festival de Salzburgo durante las temporadas de 1977 y 1978.

La producción del registro discográfico fue bastante inusual pues primero se realizaron las sesiones de grabacion durante el mes de mayo de 1977 en Viena para luego hacer el montaje en Salzburgo durante julio y agosto de ese mismo año. Por lo general sucede al revés y así los cantantes llegan a las sesiones de grabación con todo el bagaje del trabajo teatral encima. Para hacer las cosas mas inusuales aun, se sumaron sesiones de grabacion extras durante el mes de mayo de 1978.

"Salomé" fue una ópera que Karajan evitó por largos años. A parte de un par de funciones en Salzburgo en 1929 y Milán en 1956, no volvió a acercarse a la obra hasta que a principios de la década del 70' comenzó a rondar en su cabeza la idea de llevar el título al Festival de Salzburgo, sólo si podía encontrar una interprete completamente adecuada a las exigencias vocales y escénicas del rol y al ideal que el director tenía en mente.

Las exigencias vocales y escénicas que requiere el rol han sido siempre fruto de problemas, encontrar una interprete que sea capaz de lidiar con la densa orquestación y además parecer físicamente una muchacha de 16 años parece ser una tarea imposible. Al parecer Karajan encontró en Hildegard Behrens una suma total que se acercaba mucho al ideal de interprete. El anecdotario cuenta que el director conoció a la soprano en 1974 durante un ensayo de "Wozzeck" en la ópera de Düsseldorf y se decidió a invitarla a convertirse en su "Salome".

Lo que nos llega en la grabación es una cantante inteligente como pocas, capaz de extraer la variedad de detalles del texto y al mismo tiempo lidiar con la orquestación apoyada en una técnica impecable, siempre sonando fresca y juvenil. En la comparación con la competencia, Behrens enfoca mejor que nadie su personaje desde la juventud, equiparando la expresión con la vocalidad adolescente de Salomé. La voz es clara, fresca y flexible pero con el peso y el metal necesarios para oírse por entre la maraña orquestal. La flexibilidad le permite colorear mejor que nadie las diferentes facetas del personaje, la suya es además una de las lecturas mas eróticas y sensuales captadas en disco, ayudada en gran medida por la batuta de Karajan que da preeminencia a la claridad camerística de la partitura llena de elementos sugerentes, mas que a los elementos expresionistas y atronadores de una orquesta de mas de 100 músicos. Así mismo el director parece entender mejor que nadie los nudos de la trama reflejados en la orquestación, jugando de manera magistral con los momentos de "descanso" que permiten al oyente recopilar la información necesaria para entender el drama psicológico que se despliega desde los compases iniciales, sin pausa aparente. Usando esta estructura la ópera no pierde nunca la tensión en el desenvolvimiento del drama y permite crear una atmósfera lineal mas que meros momentos de tensión pues "Salomé" esta pensada y estructurada para ser una experiencia sin cortes ni pausas.

Si bien la gran atracción es Hildegard Behrens, sus compañeros de elenco no se quedan atrás, la Baltsa y Böhm logran una de las mejores parejas de decadentes, bastante sutiles en la caracterización comparado con otras lecturas. Por su lado José van Dam nos regala un Jochanaan de bella y expresiva vocalidad, quizás un poco liviano para la parte que otros colegas sirven con mayor peso.

Mención especial merece el sonido de la Filarmonica de Viena captado estupendamente por la ingeniería de la época.

Las sesiones de grabación se realizaron entre el 9 y 20 de mayo de 1977 y el 2 de mayo de 1978 en la Sofiensaal de Viena. Este relanzamiento apareció el 17 de julio de 2026 y no presenta mayores diferencias con el trabajo de remasterización aparecido en la serie Great Recordings of the Century del sello EMI en 1999.

Mis agradecimientos por sus aportes a la cuenta de Pay Pal que me permiten mantener el blog y su almacenamiento a flote.


Hildegard Behrens (Salomé)
Karl-Walter Böhm (Herodes)
Agnes Baltsa (Herodias)
José van Dam (Jochanaan)
Wieslaw Ochamann (Narraboth)
Heljä Angervo (Page der Herodias)

Wiener Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Warner Classics
Flac | Cover

lunes, 28 de septiembre de 2026

Verdi - Don Carlo (Carreras - Freni - Ghiaurov - Baltsa - Cappuccilli - Raimondi) Karajan [1979/2026, Flac]

 



Warner Classics, embarcada por estos días en una serie de lanzamientos de remasterizaciones provenientes del vasto catálogo de EMI, ha relanzado al mercado en febrero de 2026 esta histórica versión bajo la batuta de Herbert von Karajan. Sin embargo, el entusiasmo parece no haber alcanzado para todo: no hay edición en alta definición como con la versión de Giulini. Y, por qué no decirlo, también se echa de menos un booklet de aquellos de antaño, de esos que invitaban a detenerse en la edición, leer sus notas y disfrutar el lanzamiento casi tanto como la propia música.

La grabación es una versión discográfica de una producción de "Don Carlo" de Verdi con dirección escénica y musical del propio Karajan que se montó en el Festival de Salzburgo durante cinco temporadas consecutivas entre 1975 y 1979, tanto en las ediciones de Pascua como de Verano, y que tuvo además un famoso revival en 1986 que se llevó al video.

El elenco es bastante similar al equipo de cantantes que se presentó en el Festival. El protagonista original de la primera temporada fue Plácido Domingo, Carreras lo sustituyó en 1976 con gran éxito de criticas. Karajan terminó por elegirlo a él para la grabación de estudio y hay que decir que su desempeño es encomiable. Nos entrega un protagonista juvenil, de hermoso timbre y canto apasionado. Un complemento ideal para el lirismo de la Freni (protagonista en las cinco temporadas consecutivas) que nos deja una Elisabetta encantadora, de hermosa voz y gran canto. Nicolai Ghiaurov está captado ya en su curva descendente pero mantiene el hermoso timbre, la musicalidad y el legato, si la voz suena mas añosa que en su versión con Solti (por razones obvias) esto solo ayuda en la caracterización del personaje que surge contundente y proyectado. Por su parte Piero Cappuccilli está a la altura de sus credenciales con un Rodrigo de señorial linea de canto, admirable sentido del legato y un fraseo verdiano de primera categoría. Agnes Baltsa nos regala un de las mejores Eboli de la discografía, con agudos seguros, arrojo y gran linea de canto, el director la prefirió por encima de otras colegas que habían cantado el rol durante las funciones de las cuatro primeras temporadas (Ludwig, Randová, Cossotto, Obraztsova). Lo mas conflictivo del elenco lo podemos escuchar en Ruggero Raimondi y su versión del Inquisidor que no tiene ni el peso ni el color esperable.

Lujos extras son José van Dam como el Fraile/Carlos V, Edita Gruberova como Tebaldo y Barbara Hendricks como la Voz del Cielo. Todos provenientes de la producción escénica original.

Las sesiones de grabación se realizaron entre el 15 y 20 de Septiembre de 1978, en la Philharmonie de Berlín. La presente edición apareció el 27 de febrero de 2026.


José Carreras (Don Carlo)
Mirella Freni (Elisabetta di Valois)
Nicolai Ghiaurov (Filippo II)
Piero Cappuccilli (Rodrigo, Marchese di Posa)
Agnes Baltsa (La Principessa d'Eboli)
Ruggero Raimondi (Il Grande Inquisitore)
José van Dam (Un Frate)
Edita Gruberova (Tebaldo)
Horst Nitsche (Il Conte di Lerma)
Barbara Hendricks (Una voce dal Cielo)

Chor der Deutschen Oper Berlín
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Warner Classics
Flac | Cover

sábado, 1 de agosto de 2026

Poulenc - Dialogues des Carmélites (Dubosc - Yakar - Fournier - Gorr - Dupuy - van Dam) Nagano [Flac, 1992/2006]

 




Para finalizar este homenaje y revisión de la discografía de la mezzosoprano belga Rita Gorr, y siguiendo el orden cronológico que hemos implementado, regresamos a "Diálogo de las Carmelitas" de Poulenc, uno de los títulos mas importantes en su carrera artística, habiendo participado en la primera e histórica grabación de estudio a cargo de Pierre Dervaux como Madre María,  reaparece 34 años después en esta versión digital a cargo de Kent Nagano, esta vez dando vida al intenso personaje de la Priora, Madame de Croissy, poniendo fin con broche de oro a su ilustre carrera discográfica.

La ópera de Poulenc no posee un catálogo discográfico demasiado variado. En el mundo del video existen varias grabaciones provenientes de producciones teatrales, sin embargo en el mundo discográficos son mas las versiones tomadas del vivo que las realizadas en estudio. La versión de Pierre Dervaux (Emi/1958) fue durante décadas la única versión de estudio disponible. El sello EMI y sus filiales americana y francesa, se encargaron de reeditarla varias veces en el formato LP y también al CD. Recién en la década del 90, el sello francés Erato se animó a registrar esta versión estereofónica de estudio proveniente de una producción montada en la Ópera de Lyon durante la temporada de 1989 con similar elenco, orquesta y director.

El elenco es casi completamente francés, está encabezado por la juvenil Blanche de Catherine Dubosc, quien es también capaz de agregar variedad de expresión en su versión del personaje. Rita Gorr hace gala a sus 64 años de edad de un registro grave y central sonoro y sin quiebres aparentes. El personaje no le exige internarse en el registro agudo y gracias a sus dotes interpretativas puede dejarnos una intensa y autoritaria versión de Madame de Croissy, especialmente expresiva en su larga escena de agonía en el final del acto primero. A su lado Martine Dupuy logra las mismas alturas expresivas en su temerosa versión de la Madre Maria. La soprano suiza Brigitte Fournier nos entrega una cristalina versión de Soeur Constance, mientras que en el elenco masculino destaca la presencia de José van Dam como el Marquis de la Force.

La dirección de Nagano está enriquecida por la experiencia teatral, sus tempi son dramáticos y su atención al balance nos permiten apreciar los momentos mas camerísticos de la partitura de Poulenc. La ingeniería de sonido saca a relucir la instrumentación y los detalles que en la toma monofónica de Dervaux quedan ocultos. El sonido de la guillotina al final de la ópera es uno de los mejor logrados entre las versiones disponibles.

La grabación se realizó en el Auditórium Maurice Ravel en Lyon, Francia, entre el 21 y 30 de Junio de 1990. 

Mis agradecimientos por sus aportes a la cuenta de Pay Pal que me permiten mantener el blog y su almacenamiento a flote.

Catherine Dubosc (Blanche de la Force)
Rachel Yakar (Madame Lidoine, Nouvelle Prieure)
Brigitte Fournier (Soeur Constance)
Rita Gorr (Madame de Croissy, La Prieure du Carmel)
Martine Dupuy (Mère Marie)
José van Dam (Le Marquis de la Force)
Jean-Luc Viala (Le Chevalier de la Force)

Chorus and Orchestra of the Opéra de Lyon
Kent Nagano (Conductor)

Erato
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miércoles, 1 de mayo de 2024

Wagner - Die Meistersinger von Nürnberg (van Dam - Popp - Kollo - Yachmi - Gahmlich - Hartmann - Salminen) Davis [1990, Flac]

 


Recording Venue: Wiener Staatsoper, Viena. Noviembre 22, 1990 

Del mismo año de 1990 proviene esta grabación tomada del vivo de una producción de "Los Maestros Cantores de Nürnberg" de la Opera Estatal de Viena captada en noviembre con un elenco estelar bajo la dirección de Sir Colin Davis.

El reparto esta encabezado por el Hans Sachs de José van Dam de bella y expresiva voz. Nuestra Lucia aun brilla como Eva y a su lado un otoñal René Kollo hace frente a la tessitura de Walther con varias angustias de emisión y sonidos inestables. A su lado el David de Wilfried Gahmlich se oye mucho mas cómodo y juvenil. Matti Salminen nos entrega un imponente Pogner y Rudolf Hartmann un Beckmesser muy bien delineado en lo actoral.

En esta oportunidad se incluyen dos versiones provenientes de distintas fuentes y con distinta calidad de audio. A elección.

José van Dam (Hans Sachs)
Lucia Popp (Eva)
René Kollo (Walther von Stozing)
Rohangiz Yachmi (Magdalena)
Wilfried Gahmlich (David)
Rudolf A. Hartmann (Sixtus Beckmesser)
Matti Salminen (Veit Pogner)
Walter Berry (Fritz Kothner)
Richard Decker (Kunz Vogelsang)
John Antoniou (Konrad Nachtigall)
Franz Kasemann (Balthasar Zorn)
Anton Wendler (Ulrich Eißlinger)
Peter Jelosits (Augustin Moser)
Hans Christian (Hermann Ortel)
Alexander Trauner (Hans Schwarz)
Jaroslav Štajnc (Hans Foltz)
Manfred Hemm (Ein Nachtwächter)

Chor und Orchester der Wiener Staatsoper 
Colin Davis (Conductor)

Flac | Info

Wagner - Die Meistersinger von Nürnberg (van Dam - Popp - Orth - Schaer - Fink - Schulte - Hölle) Janowski [1990, Mp3]

 


Recording Venue: Radio France, Paris. Febrero 21, 1990

De el año 1990 nos llegan dos grabaciones del vivo que testimonian el trabajo de nuestra Lucia en las ropas de Eva, un personaje que la llevó a presentarse por toda Europa y que lamentablemente los sellos discográficos ignoraron. Afortunadamente existen estas grabaciones que nos recuerdan la exitosa carrera wagneriana de nuestra Lucia.

La grabación es una transmisión de Radio France dirigida por Marek Janowski en Febrero de 1990. El elenco está encabezado por el Hans Sachs de José van Dam, uno de los grandes exponentes del personaje. A su lado nuestra Lucia saca adelante su personaje quizás con un talla vocal menor pero con el gran canto de siempre. Norberth Orth hace lo que puede con la extenuante tessitura de Walther.

José van Dam (Hans Sachs)
Lucia Popp (Eva)
Norbert Orth (Walther von Stolzing)
Hanna Schaer (Magdalene)
Manfred Fink (David)
Eike Wilm Schulte (Sixtus Beckmesser)
Mathias Hölle (Veit Pogner)
Gunther Schneider (Fritz Kothner)
Petros Evangelidis (Kunz Vogelsang)
Jean Paul Bogart (Konrad Nachtigall)
Willy Müller (Balthasar Zorn)
Marcel Guillever (Ulrich Eisslinger)
Guy Gabelle (Augustin Moser)
Wolfgang Vater (Hermann Ortel)
Jean Louis Soumagnas (Hans Schwarz)
Andreas Becker (Hans Foltz)
Cornelius Hauptmann (Nachtwächter)

Choeurs de l'Opera de Chambre Varsovic 
Choeurs et Orchestre Philharmonique de Radio France 
Marek Janowski (Conductor)

Mp3 | Info

domingo, 4 de febrero de 2024

Mozart - Le Nozze di Figaro (Raimondi - Popp - van Dam - Hendricks - Baltsa) Marriner [1986, Flac]


Recording Venue: St. John's, Smith Square, Londres. Agosto 19-24, 1985.
Original Release Date: 1986

A pesar de lo innecesario que puede parecer una nueva versión de "La Bodas de Figaro" en el ya mas que abultado catalogo mozartiano, hay que decir que esta grabación dirigida por Neville Marriner tiene puntos muy interesantes a tener en cuenta.

Lo primero es la Condesa de Lucia Popp. Para la época nuestra soprano ya se había jubilado del rol de Susanna (uno de sus roles favoritos) y la experiencia adquirida le ayuda mucho a perfilar al papel protagonista. Se la puede oír especialmente atenta y receptiva en los recitativos y logra construir un personaje conmovedor desde todo punto de vista. La voz sigue manteniendo la cualidad cristalina de siempre pero el timbre ya tiene el cuerpo esperable en el rol. van Dam crea un estupendo Figaro, algo mas furioso de lo habitual mientras que Ruggero Raimondi alcanza con su Conde las alturas de caracterización acostumbradas a falta de una voz interesante. Barbara Hendricks se mueve con cautela con Susanna, en un estilo que parece no sentarle del todo bien mientras que Agnes Baltsa crea uno de los Cherubino mas impetuosos de la discografía.

La grabación se realizó en Londres, entre el 19 y 24 de Agosto de 1985.


Lucia Popp (La Contessa di Almaviva)
Barbara Hendricks (Susanna)
Ruggero Raimondi (Il Conte di Almaviva)
José van Dam (Figaro)
Agnes Baltsa (Cherubino)
Robert Lloyd (Bartolo)
Felicity Palmer (Marcellina)
Aldo Baldin (Basilio)
Neil Jenkins (Don Cruzio)
Donald Maxwell (Antonio)
Cathryn Pope (Barbarina)

Academy of St. Martin in the Fields
Sir Neville Marriner (Conductor)

Decca
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miércoles, 29 de julio de 2015

Verdi - Otello (Vickers - Freni - Glossop) Karajan [1974/2010, Flac]



La relación con Karajan le permitió a Vickers grandes oportunidades de lucimiento. La colaboracion de ambos en el Festival de Salzburgo dio como resultado dos famosas producciones: "Carmen" y "Otello". En el caso de la ópera de Verdi, la producción se presentó con enorme éxito durante tres ediciones consecutivas (1970-72), sumando un total de once funciones. Para Karajan no había mejor interprete del rol de "Otello" que Jon Vickers y a pesar de la diferencia de caracteres, ambos artistas lograron colaborar con éxito tanto en escena como en el estudio de grabación.

La década del 70' dio paso a una vocalidad mucho menos homogénea, el registro agudo sonaba cada vez mas esforzado y el verdadero mosaico de colores que se podía apreciar a lo largo del registro comenzó a hacerse cada vez mas evidente. Por otro lado el arte expresivo de Vickers siguió en desarrollo y podemos decir que en este "Otello" logra uno de sus triunfos mas grandes.

La Freni está captada en un momento de relativa juventud. Muchas veces el instrumento parece no dar la talla pero la cantante ofrece a cambio una fragilidad muy bienvenida y acorde con el personaje. En términos interpretativos su Desdemona suena algo indiferente, defecto que se hace quizás mas evidente al tener a Vickers a su lado. Glossop no termina de convencer en Iago, si bien por un lado establece un personaje con la profundidad necesaria para hacer frente a Vickers, la voz carece de verdadero atractivo. Hay lujos extras en los roles menores de Lodovico a cargo de Jose van Dam y Roderigo a cargo de Michel Sénéchal.

La grabación se realizó en la Philharmonie de Berlin durante los meses de abril y mayo de 1973.


Jon Vickers (Otello)
Mirella Freni (Desdemona)
Peter Glossop (Iago)
Aldo Bottion (Cassio)
Michel Sénéchal (Roderigo)
José van Dam (Lodovico)
Mario Machi (Montano)
Hans Helm (Un araldo)
Stefania Malagù (Emilia)

Chor der Deutschen Oper Berlin
Walter Hagen-Groll (Chorus Master)
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Emi/Warner Classics
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sábado, 15 de marzo de 2014

Mozart - Le Nozze di Figaro (Krause - Tomowa-Sintow - van Dam - Cotrubas - von Stade) Karajan [1979/2005, Flac]


Herbert von Karajan estuvo al frente de la Opera Estatal de Viena entre 1957 y 1964, desde entonces decidió centrar su actividad en el Festival de Salzburgo y regresó al escenario de la Opera recién en 1977 para una serie de funciones de Il Trovatore y Le Nozze di Figaro. Esta grabación de estudio se realizó un año después como resultante de esas funciones ocurridas en mayo de 1977.

Para muchos es una versión destinada a los mas fanáticos de von Karajan debido principalmente al enfoque romántico que hace el director desde el comienzo mismo de la obertura. Es cierto que para 1978 esta decisión ya podía sonar algo anticuada pero por otro lado la hermosa sonoridad, los acentos y los matices que obtiene de la Filarmonica de Viena son una delicia.

El reparto esta encabezado por el expresivo Figaro de Jose van Dam, estupendo en la vocalidad y los diferentes matices presentes en su canto. La Condesa de Anna Tomowa-Sintow suena algo estática pero a cambio logra controlar en gran medida el vibrato rápido típico de su instrumento. El Conde de Tom Krause es quizás el punto mas atractivo del reparto. El cantante logra dotar a su personaje con toda la nobleza y autoridad esperable pero también salen a flote los acentos seductores algo ausentes en otras lecturas. La Cotrubas hace maravillas con Susanna, mientras que la von Stade está a un nivel similar al de su posterior (y definitiva) lectura junto a Solti, una delicia de estilo, carácter y vocalidad.

La grabación se realizó en la Sofiensaal de Viena entre Abril y Mayo de 1978.


Tom Krause (Il Conte di Almaviva)
Anna Tomowa-Sintow (La Contessa di Almaviva)
Ileana Cotrubas (Susanna)
Jose van Dam (Figaro)
Frederica von Stade (Cherubino)
Jane Berbie (Marcellina)
Julest Bastin (Bartolo)
Heinz Zednik (Basilio)
Kurt Equiluz (Don Curzio)
Christiane Barbaux (Barbarina)
Zoltan Kelemen (Antonio)

Wiener Philharmoniker
Wiener Staatsopernchor
Herbert von Karajan (Conductor)

Decca
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lunes, 28 de octubre de 2013

Debussy - Pelléas et Mélisande (Stilwell - von Stade - van Dam - Raimondi) Karajan [1979/2008, Flac]



Pese al consenso general sobre la belleza de la música de "Pelléas et Mélisande" de Claude Debussy, parece no existir el mismo consenso a la hora de apreciar y comprender la carga dramática de la obra. No es que Pelléas sea una opera especialmente difícil de oír pero sí requiere una aproximación distinta, pues no encontraremos en ella el mismo lenguaje acostumbrado en las operas "tradicionales".

El libreto de "Pelléas et Melisande" esta basado en la obra teatral de Maurice Maeterlinck, un escritor simbolista con el que Debussy sintió particular atracción. La composición de la obra comenzó en 1897 y avanzó a paso lento hasta completarse en 1900. El estreno se fue retrasando por la reticencia de Debussy al estreno, al parecer por los temores que le despertaba la recepción del público, como también por el desinterés de Albert Carré, director de la Opéra-Comique, a incluirla en la temporada.

Si bien el trabajo entre Debussy y Maeterlinck se había dado de manera cordial, la relación entre ambos se rompió cuando el compositor no aceptó la imposición de Georgette Leblanc, la amante de Maeterlinck, en el rol de Mélisande. Desde ese momento el dramaturgo se desentendió del proyecto y comenzó una campaña publica con la intención de convertir la ópera en un fracaso. Así las cosas, Debussy decidió entregarle el rol a la joven soprano escocesa Mary Garden, quien con el tiempo terminaría asociada indisolublemente al papel de Mélisande.

La campaña iniciada por Maeterlinck dio sus frutos y el ensayo general realizado el 28 de abril de 1902 se convirtió en una gran trifulca entre publico e interpretes, azuzada por un programa de mano distribuido en la puerta en donde se parodiaba a la obra. Las cosas no fueron diferentes en el estreno del 30 de abril en donde se oyeron sonoras carcajadas en el publico, hubo intervenciones de la policía para calmar el escandalo, llantos del director y la orquesta y un compositor que se negaba a salir de la oficina del director.

La recepción por parte de la critica y los compositores de la época tampoco fue del todo alentadora, incluso algunos como Strauss, Saint-Saëns o d'Indy llegaron a decretar a la partitura de Pelléas como intrascendente. Sea como sea, el caso es que la obra de Debussy sobrevivió a la trifulca de su estreno y las criticas de sus contemporáneos para afirmarse finalmente como una de las obras mas importantes del siglo XX.

La estructura musical sobre la que se sostiene la partitura de "Pelléas et Melisande" es bastante osada en su concepción armónica y abre la puerta a toda la evolución desarrollada en este campo por los compositores del siglo XX. La influencia de Wagner fue fuerte en el joven Debussy, pero luego de un período de admiración le siguió otro de oposición absoluta. El compositor llegó a la conclusión que el modelo wagneriano solo aplicaba a wagner y no era, por lo tanto, el camino a seguir, así optó por trascender un modelo que consideraba muy largo en su forma, muy absorto en la visión filosófica del compositor, con una orquestación grandilocuente y demasiado Alemán. Si en Wagner el tratamiento armónico era llevado al extremo gracias al uso del cromatismo, en Pelléas la noción de tonalidad comienza definitivamente a desaparecer debido al abundante uso de acordes no resueltos y la paulatina eliminación de los patrones melódicos tradicionales en donde una frase musical estaba siempre balanceada con una contraparte simétrica en forma y extensión.

Esta versión dirigida por Karajan no está exenta de polémica, la critica la ha considerado siempre como una visión alemana de una partitura cumbre del impresionismo francés. Existen otras versiones que se pueden enmarcar dentro de la tradición francesa mas pura, desde la famosísima lectura de Roger Desormière hasta la de Ernest Ansermet, pasando por la de André Cluytens. El problema principal de esas versiones es el sonido borroso que no deja oír con claridad la bellisima orquestación de Debussy, algo que afecta directamente en la apreciación final pues Debussy con sonido mediocre es menos Debussy, creo yo. Por su parte la versión de Karajan es una joya del sonido análogo y gracias a eso podemos oír con perfecta precisión toda la gama de recursos orquestales empleados por el compositor en su partitura. El equipo de cantantes tiene sus altos y bajos, el Pelléas de Stilwell es algo corto en la tesitura aguda y muchas veces la emisión es dura e ingrata pero compensa con una lectura apasionada. Algo parecido se puede decir de la Mélisande de von Stade, que si bien se esmera en la interpretación, no logra nunca sonar del todo cómoda en la tesitura mas aguda. El Golaud de José van Dam es estupendo en todo sentido y logra componer con maestría los diferentes aspectos de su personaje. El Arkel de Ruggero Raimondi puede que no tenga el peso vocal ni que logre el contraste tímbrico necesario con Golaud pero es una de sus creaciones mas acabadas desde el punto de vista interpretativo. Un lujo adicional es el Yniold de Christine Barbaux.

La grabación se realizó en Diciembre de 1978 en la Philharmonie de Berlín. Esta edición está tomada de la integral de grabaciones de Karajan en EMI publicada en 2008. El remaster fué hecho por Wolfgang Gülich en 1999 y es el mismo que se usó en las series "Great Recordings of the Century" y "The Greatest Opera Recordings". Curiosamente esta edición de 2008 usa el mismo esquema en su tracklist que el primer traspaso al CD.


Richard Stilwell (Pélleas)
Frederica von Stade (Mélisande)
José van Dam (Golaud)
Ruggero Raimondi (Arkel)
Nadine Denize (Geneviève)
Christine Barbaux (Yniold)
Pascal Thomas (Sheperd & Doctor)

Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

EMI
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miércoles, 21 de agosto de 2013

Bizet - Carmen (Crespin - Py - Van Dam - Pilou) Lombard [1975/1992, Flac]



El papel de la gitana llegó bastante tarde a la carrera de Régine Crespin, apodada "La Lionne" (la leona) por su gran contingente de fanáticos. La soprano comenzó su carrera en 1950 en escenarios de la provincia francesa, el éxito internacional llegó en 1958, de la mano de Wieland Wagner, quien la invitó a presentarse en Bayreuth como Kundry en "Parsifal". En su mejor momento fue capaz de una gran versatilidad vocal, e idiomática, logrando dominar el canto francés nativo (Charlotte, Margarita en "La condenación de Fausto", Dido y Cassandre en "Les Troyens" y Madame Lidoine en "El Dialogo de las Carmelitas"), las heroínas alemanas (Kundry, Sieglinde, Elisabeth, Senta, Mariscala) y de la misma forma triunfar con las italianas (Tosca, Amelia, Santuzza). La insistencia en el repertorio enjundioso fue dejando huella en su órgano vocal, que comenzó a mostrar un progresivo deterioro, bastante notorio en la zona aguda cada vez mas difícil de abordar.

En 1973 la soprano estaba sumida en una crisis personal fruto de su divorcio y decidió cancelar todas sus presentaciones. Se sometió entonces a un proceso de re-educación de la técnica que la llevó a enfocar su carrera hacia los roles de mezzosoprano. Así, y recién ahí, apareció "Carmen". En las ropas de la gitana la Crespin se presentó en la Ópera del Rhin en 1974 y también con ella volvió al Metroplitan en octubre de 1975, tras dos años de ausencia.

El éxito de la soprano en Carmen lo obtuvo gracias a su profundo conocimiento del canto y el estilo francés. Tiendo a pensar que si el rol hubiese ingresado a su repertorio a mediados de los 60's habríamos podido oír la Carmen de referencia, pero la Crespin mezzo es muy distinta a la Crespin soprano, la paleta de colores es mas limitada, la carnosidad del centro y la igualdad de los registros esta desestabilizada por el desgaste natural y la crisis emocional y vocal que enfrentó la artista. Aparte de las consideraciones vocales, es notable la sofisticación con la que se enfrenta al personaje, evitando la sobreactuación en todo momento.

El resto del reparto es sencillamente brillante, el José de Gilbert Py se acerca mucho al ideal, tanto en color como en expresión, lo mismo que la Micaëla de Jeanette Pilou. José van Dam es todo un lujo como Escamillo. Es lamentable que no se optara por la versión original con los diálogos hablados, teniendo un equipo de cantantes galos (salvo Pilou que era griega, a pesar del apellido) podríamos haber oído la obra en todo su esplendor idiomático.

Régine Crespin (Carmen)
Gilbert Py (Don José)
José van Dam (Escamillo)
Jeanette Pilou (Micaëla)
Nadine Denize (Mercédès)
Maria Rosa Carminati (Frasquita)
Rémy Corazza (Le Remendado)
Jacques Trigeau (Le Dancaïre)
Pierre Thau (Zuniga)
Paul Guigue (Moralès)

Choeurs de l'Opéra du Rhin
Choeur d'Enfants de Saint-Maurice
Orchestre Philharmonique de Strasbourg
Alain Lombard (Conductor)

Erato
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domingo, 4 de agosto de 2013

R. Strauss - Salomé (Behrens - van Dam - Baltsa - Böhm - Ochmann) Karajan [1978/1999, Flac]



Por ahí me dijeron que la tenía olvidada así que aquí la posteo en una de sus grandes versiones, comandada por Karajan y con una Hildegard Behrens en la cúspide de sus medios.

La Behrens era bastante desconocida cuando se publicó esta grabación, su carrera había comenzado tardíamente en 1971, a los 34 años de edad. Y si bien ya era miembro de la Opera Estatal de Berlin, su nombre no estaba entre las estrellas internacionales. La soprano se encontraba en una carrera confinada a Berlin y algunas apariciones en Frankfurt. Por su parte Herbert von Karajan estaba en la búsqueda de una soprano para una próxima escenificación de "Salomé" en el Festival de Salzburg. En su ardua búsqueda por encontrar a la cantante ideal dio finalmente con Hildegard Behrens en un ensayo de "Wozzeck" en Düsseldorf en 1974 y tras la audición de rigor se anunció su debut en el Festival de Salzburgo de 1977.

El contrato con Karajan le abrió las puertas a la soprano a otros escenarios importantes y aun antes de su publicitada aparición en Salzburg debutó en el Covent Garden como Leonora en "Fidelio" y en octubre de 1976 en el Metropolitan de New York como Giorgetta en "Il Tabarro".

La producción del registro discográfico fue bastante inusual pues primero se realizaron las sesiones de grabacion durante el mes de mayo de 1977 en Viena para luego hacer el montaje en Salzburgo durante julio y agosto de ese mismo año. Por lo general sucede al revés y así los cantantes llegan a las sesiones de grabación con todo el bagaje del trabajo teatral encima. Para hacer las cosas mas inusuales aun, se sumaron sesiones de grabacion extras durante el mes de mayo de 1978.

Las exigencias vocales y escénicas que exige el rol han sido siempre fruto de problemas, encontrar una interprete que sea capaz de lidiar con la densa orquestación y además parecer físicamente una muchacha de 16 años parece ser una tarea imposible. Al parecer Karajan encontró en la Behrens una suma total que se acercaba mucho al ideal de interprete. Lo que nos llega en la grabación es una cantante inteligente como pocas, capaz de extraer la variedad de detalles del texto y al mismo tiempo lidiar con la orquestación apoyada en una técnica impecable, siempre sonando fresca y juvenil. En la comparación con la competencia, Hildegard Behrens enfoca mejor que nadie su personaje desde la juventud, equiparando la expresión con la vocalidad adolescente de Salomé. La voz es clara, fresca y flexible pero con el peso necesario para oírse por entre la maraña orquestal. La flexibilidad le permite colorear mejor que nadie las diferentes facetas del personaje, la suya es además una de las lecturas mas eróticas y sensuales captadas en disco, ayudada en gran medida por la batuta de Karajan que da preeminencia a la claridad cameristica de la partitura llena de elementos sugerentes, mas que a los elementos expresionistas y atronadores de una orquesta de mas de 100 músicos. Así mismo el director parece entender mejor que nadie los nudos de la trama reflejados en la orquestación, jugando de manera magistral con los momentos de "descanso" que permiten al oyente recopilar la información necesaria para entender el drama psicológico que se despliega desde los compases iniciales, sin pausa aparente. Usando esta estructura la ópera no pierde nunca la tensión en el desenvolvimiento del drama y permite crear una atmósfera lineal mas que meros momentos de tensión pues "Salomé" esta pensada y estructurada para ser una experiencia sin cortes ni pausas.

Si bien la gran atracción es Hildegard Behrens, sus compañeros de elenco no se quedan atrás, la Baltsa y Böhm logran una de las mejores parejas de decadentes, bastante sutiles en la caracterización comparado con otras lecturas. Por su lado van Dam logra una labor de gran expresión como Jochanaan, si bien el timbre se queda corto en riqueza y rotundidad de sonido a la hora de caracterizar el fervor y la castidad de la que la misma Salomé se fascina.

Mencion especial merece el sonido de la Filarmonica de Viena captado estupendamente por la ingeniería de la época.

Hildegard Behrens (Salomé)
Jose van Dam (Jochanaan)
Karl-Walter Böhm (Herodes)
Agnes Baltsa (Herodias)
Wieslaw Ochamann (Narraboth)
Heljä Angervo (Page der Herodias)

Wiener Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

EMI
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jueves, 16 de mayo de 2013

Massenet - Manon (Cotrubas - Kraus - Quilico - van Dam) Plasson [1983/1988, Flac]


He aquí una versión poco valorada de la ópera de Massenet. La razón principal puede ser la competencia de otras versiones legendarias, a pesar de eso esta versión tiene varios puntos altos y muy disfrutables.

La Manon de Cotrubas se beneficia de una caracterización frágil, sensual y delicada. Vocalmente la Cotrubas viste a su Manon con sonidos hermosos en el centro y un parlato quizá insuperable en lo sugerente. En el canto de agilidad cumple, pero no alcanza las cuotas de virtuosismo. El Des Grieux de Alfredo Kraus tiene todos los elementos de excelencia canora esperables en el español, por otro lado la paleta de colores se vuelve insuficiente. A cambio del amaneramiento de otros Des Grieux del pasado, Kraus limpia la lectura y entrega grandes cuotas de arrojo. El Lescaut de Quilico cumple, quizás con una caracterización floja, mientras el Comte Des Grieux de José van Dam suena todo lo señorial que uno espera en un papel de este tipo.

A cambio de un cast internacional (una rumana, un español, un canadiense y un belga), los roles menores están todos cantados idiomaticamente por el equipo del Capitolio de Toulouse. Plasson, famoso exponente de la ópera francesa, está a la altura de sus credenciales. La grabación se llevo a cabo entre el 1 y 15 de julio de 1982 en el Halle-aux-Grains de Toulouse.

Ileana Cotrubas (Manon)
Alfredo Kraus (Les Chevalier Des Grieux)
Gino Quilico (Lescaut)
José van Dam (Le Comte Des Grieux)
Charles Burles (Guillot de Morfontaine)
Jean-Marie Frémeau (De Brétigny)
Ghyslaine Raphanael (Poussette)
Colette Alliot-Lugaz (Javotte)
Martine Mahé (Rosette)
Jacques Loreau (L'Hôtelier)
Roger Trentin, Jean Melac (Deux Gardes)

Orchestre et Choeur du Capitole de Toulouse
Michel Plasson (Conductor)

EMI
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domingo, 28 de abril de 2013

Verdi - Simon Boccanegra (Cappuccilli - Freni - Carreras - Ghiaurov - van Dam) Abbado [1977/1997, Flac]


"Simon Boccanegra" fue por muchos años una suerte de "patito feo" entre las obras de madurez de Giuseppe Verdi. Se estrenó originalmente en La Fenice de Venecia en 1857, ocupando un lugar entre "I Vespri Siciliani" y "Aroldo" (revisión de "Stiffelio") en la producción verdiana. El compositor sometió la partitura original a un extenso trabajo de re-estructuración tanto musical como dramática y, con la ayuda de Arrigo Boito en el libreto, re-estrenó la opera en La Scala de Milán en 1881. Esta última versión es la que se representa mas asiduamente en la actualidad.

Tuvo un despegue lento en su popularidad y recién en 1932 fue escenificada por primera vez en el Metropolitan de New York bajo la batuta de Tullio Serafin y las voces de Lawrence Tibbet, Maria Müller, Giovanni Martinelli y Ezio Pinza y desde entonces, salvo pequeños hiatos, ha estado presente constantemente en la programación del teatro neoyorkino.  En La Scala de Milán tuvo una suerte parecida pero no sería hasta la aparición de la producción diseñada por Ezio Frigerio y regie de Giorgio Strehler que abrió la stagione 1971-72, que la ópera sería apreciada en su real magnitud.

La famosa producción de Streher dirigida por Claudio Abbado estuvo presente casi de manera ininterrumpida en La Scala hasta 1982 y viajó a otros escenarios como Covent Garden, Washington o el Bunka Kaikan de Japón, como parte de las giras de la compañía y es precisamente esta producción la que sirve de base para la grabación hecha por DG usando un cast muy similar al de la noche de apertura del 7 de diciembre de 1971.

Los años de maduración de la partitura se notan en gran manera en la dirección de Claudio Abbado, que sabe entregar de manera contundente las cuotas de drama, tensión y belleza pura de los momentos mas líricos de la partitura de Verdi. Todos los cantantes brillan en sus roles, Cappuccilli no solo entrega una lección de interpretación sino también de canto verdiano de pura cepa, lleno de arcos y fiatos extendidos. Algo parecido se puede decir del Fiesco de Nicolai Ghiaurov de imponente sonoridad y manejo del legato, magnífico en su famosa aria de entrada y en la confrontación con Simon en el Prologo. La Freni logra en el rol de Maria Boccanegra lo que quizás sea su mejor y mas legitimo rol verdiano, derrochando belleza vocal y seguridad en el extremo agudo, estupenda en su aria y conmovedora hasta las lagrimas en el dúo con Simon, cuando finalmente lo reconoce como padre. Carreras está captado acá en su mejor momento vocal mientras que van Dam logra maravillas en la expresión del malvado Paolo Albiani.

La grabación se hizo en enero de 1977 en el CTC Studio de Milán y apareció en la serie "Originals" en 1997, con el cover original de la producción de Strehler y el sonido mejorado al nivel acostumbrado en esta serie.

Piero Cappuccilli.(Simon Boccanegra)
Mirella Freni (Maria Boccanegra)
Nicolai Ghiaurov (Jacopo Fiesco)
José Carreras (Gabriele Adorno)
José van Dam (Paolo Albiani)
Giovanni Foiani (Pietro)
Antonio Savastano (Capitano)
Maria Fausta Gallamini (Un'ancella di Amelia)

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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domingo, 20 de enero de 2013

The Greatest Opera Show On Earth [1997, Flac]


El principal problema con los discos con títulos tan rimbombantes como este es que por lo general solo logran condensar un buen numero de tracks inconexos y en el mejor de los casos con una que otra buena versión entre el sinnúmero de tracks que ofrecen.

Claramente no es el caso de este disco doble editado por Decca/London en septiembre de 1997. El sello opta por echar un vistazo a su amplio catálogo de grabaciones de operas completas como también al de recitales para componer un mosaico bastante variado y representativo de los nombres anclas del sello (Solti, Pavarotti, Sutherland, Freni, Te Kanawa) junto a otros artistas por aquél entonces mas jóvenes y en alza (Fleming, Gheorghiu, Alagna, Bocelli, Bartoli). El resultado es de lo mejor que se puede oír en este tipo de recopilaciones.


Disc 1:
1. Prélude from "Carmen" (London Philharmonic Orchestra/Georg Solti)
2. Brindisi from "La Traviata" (Joan Sutherland/Luciano Pavarotti)
3. Che gelida manina from "La Boheme" (Luciano Pavarotti)
4. Flower Duet from "Lakmé" (Joan Sutherland/Jane Berbié)
5. Amor ti vieta from "Fedora" (Jussi Björling)
6. Habanera from "Carmen" (Tatiana Troyanos)
7. Va pensiero from "Nabucco" (Chicago Symphony Orchestra/Georg Solti)
8. Dove sono from "Le nozze di Figaro" (Kiri te Kanawa)
9. La donna è mobile from "Rigoletto" (Luciano Pavarotti)
10. Bridal Chorus from "Lohengrin" (Wiener Staatsopernchor/Georg Solti)
11. O mio babbino caro from "Gianni Schicchi" (Renata Tebaldi)
12. Largo al factotum from "Il barbiere di Siviglia" (Leo Nucci)
13. Ebben? Ne andrò lontana from "La Wally" (Angela Gheorghiu)
14. Humming Chorus from "Madama Butterfly" (Wiener Staatsopernchor/Georg Solti)
15. La fleur que tu m'avais jetée from "Carmen" (Placido Domingo)
16. Barcarolle from "Les côntes d'Hoffmann" (Joan Sutherland/Huguette Tourangeau)
17. E lucevan le stelle from "Tosca"(Plácido Domingo)
18. Un bel dì from "Madama Butterfly" (Mirella Freni)
19. Au fond du temple saint from "Les pêcheurs de perles" (Gregory Cross/Gino Quilico)

Disc 2:

1. The Ride of the Valkyries from "Die Walküre" (Wiener Philharmoniker/Georg Solti)
2. Voi che sapete from "Le nozze di Figaro" (Cecilia Bartoli)
3. Recitar!... Vesti la giubba from "Pagliacci" (Luciano Pavarotti)
4. O soave fanciulla from "La Bohème" (Luciano Pavarotti/Mirella Freni)
5. Anvil Chorus from "Il Trovatore" (Chicago Symphony Orchestra & Chorus/Georg Solti)
6. Donna non vidi mai from "Manon Lescaut" (José Carreras)
7. Là ci darem la mano from "Don Giovanni" (Tom Krause/Lucia Popp)
8. Mattinata (Andrea Bocelli)
9. Soldier's Chorus from "Faust" (Ambrosian Opera Chorus/Richard Bonynge)
10. Una furtiva lagrima from "L'elisir d'amore" (Roberto Alagna)
11. Signore, ascolta! from "Turandot" (Montserrat Caballé)
12. Finch'han dal vino (Bryn Terfel)
13. Soave sia il vento from "Cosi fan Tutte" (Renée Fleming/Anne Sofie von Otter/Michele Pertusi)
14. Di quella pira from "Il Trovatore" (Luciano Pavarotti)
15. Vissi d'arte from "Tosca" (Kiri te Kanawa)
16. Toreador song from "Carmen" (Jose van Dam)
17. Love duet from "Madama Butterfly" (Luciano Pavarotti/Mirella Freni)
18. Intermezzo from "Cavalleria Rusticana" (National Philharmonic Orchestra/Gianandrea Gavazzeni)
19. O silver moon from "Rusalka" (Renée Fleming)
20. Si, Mi chiamano Mimi from "La Bohème" (Angela Gheorghiu)
21. Nessun dorma from "Turandot" (Luciano Pavarotti)

Decca
Flac | Cover