Hugo Wolf - Italienisches Liederbuch (Damrau, Kaufmann, Deutsch) [2019, Flac Hi-Res]

Hace tiempo que este blog no se dedica a las "novedades" discográficas y creo que mi interés por las grabaciones clásicas es la prueba palpable de mi falta de entusiasmo por los cantantes actuales...
Para salir un poco del modo avestruz, les traigo acá el último lanzamiento de los "Italienisches Liederbuch" de Hugo Wolf con la pareja estelar de Jonas Kaufmann y Diana Damrau acompañados del no menos estelar Helmut Deutsch.

Los "Italienisches Liederbuch" son una compilación de poemas anónimos italianos traducidos al alemán por Paul Heyse y publicados en 1860. Hugo Wolf los recopiló y musicalizó en lo que terminaría por convertirse en una de sus últimas obras y probablemente una de las cimas de toda su producción. El total de 46 canciones están construidas todas sobre versos cortos de no mas de 8 lineas, por la misma razón las canciones son cortas (algunas no superan los dos minutos de duración) y el ciclo completo tiende a parecer una especie de "viñetas operáticas". Por lo mismo el ciclo es especialmente apropiado para un par de cantantes mas ligados a la ópera que al mundo de la canción.

En el mercado discográfico se pueden encontrar varias versiones en diferentes combinaciones de registro pero por sobre todas resalta el registro clásico a cargo de Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf y Gerald Moore en el acompañamiento. Tres leyendas que, hay que decir, hasta el día de hoy suenan imbatibles en el estilo, la comprensión del texto y el despliegue vocal.

Si bien el sello se empeña en vender a Diana Damrau y Jonas Kaufmann como "consumados artistas de la canción", lo cierto es que el desempeño es correcto en lo musical e idiomático (cómo no...) pero la falta de magia y fantasía en la ejecución no sorprende al tratarse de dos artistas que dedican casi la totalidad de su tiempo al mundo de la ópera y no precisamente al mundo menos lucrativo de los conciertos de lied.

La grabación es el resultado de una gira de 10 conciertos realizados en Enero y Febrero de 2018 por varias ciudades europeas. El disco se grabó en la Philharmonie de Essen el 18 de Febrero del mismo año.


Tracklist:

1. No. 1, 'Auch kleine Dinge konnen uns entzucken' (Damrau)
2. No. 4, 'Gesegnet sei, durch den die Welt entsund' (Kaufmann)
3. No. 39, 'Gesegnet sei das Grun' (Damrau)
4. No. 3, 'Ihr seid die Allerschonste' (Kaufmann)
5. No. 21, 'Man sagt mir, deine Mutter woll es nicht' (Damrau)
6. No. 41, 'Heut Nacht erhob ich mich um Mitternacht' (Kaufmann)
7. No. 40, 'O war dein Haus durchsichtig wie ein Glas' (Damrau)
8. No. 27, 'Schon streckt' ich aus im Bett die muden Glieder' (Kaufmann)
9. No. 18, 'Heb' auf dein blondes Haupt' (Kaufmann)
10. No. 20, 'Mein Liebster singt am Haus' (Damrau)
11. No. 22, 'Ein Standchen Euch zu bringen' (Kaufmann)
12. No. 42, 'Nicht langer kann ich singen' (Kaufmann)
13. No. 43, 'Schweig einmal still' (Damrau)
14. No. 44, 'O wusstest du, wie viel ich deinetwegen' (Kaufmann)
15. No. 6, 'Wer rief dich denn?' (Damrau)
16. No. 31, 'Wie soll ich frohlich sein' (Kaufmann)
17. No. 10, 'Du denkst mit einem Fadchen mich zu fangen' (Damrau)
18. No. 14, 'Geselle, woll'n wir uns in Kutten hullen' (Kaufmann)
19. No. 45, 'Verschling' der Abgrund meines Liebsten Hutte' (Damrau)
20. No. 8, 'Nun lass uns Frieden schliessen' (Kaufmann)
21. No. 29, 'Wohl kenn' ich Euren Stand' (Damrau)
22. No. 38, 'Wenn du mich mit den Augen streifst' (Kaufmann)
23. No. 36, 'Wenn du, mein Liebster, steigst zum Himmel auf' (Damrau)
24. No. 23, 'Was fur ein Lied soll dir gesungen werden' (Kaufmann)
25. No. 19, 'Wir haben Beide lange Zeit geschwiegen' (Damrau)
26. No. 34, 'Und steht Ihr fruh am Morgen auf' (Kaufmann)
27. No. 16, 'Ihr jungen Leute' (Damrau)
28. No. 9, 'Dass doch gemalt all deine Reize waren' (Kaufmann)
29. No. 2, 'Mir ward gesagt' (Damrau)
30. No. 17, 'Und willst du deinen Liebsten sterben sehen' (Kaufmann)
31. No. 33, 'Sterb' ich, so hullt in Blumen meine Glieder' (Kaufmann)
32. No. 15, 'Mein Liebster ist so klein' (Damrau)
33. No. 35, 'Benedeit die sel'ge Mutter' (Kaufmann)
34. No. 24, 'Ich esse nun mein Brot nicht trocken mehr' (Damrau)
35. No. 7, 'Der Mond hat eine schwere Klag' erhoben' (Kaufmann)
36. No. 25, 'Mein Liebster hat zu Tische mich geladen' (Damrau)
37. No. 26, 'Ich liess mir sagen und mir ward erzahlt' (Kaufmann)
38. No. 11, 'Wie lange schon war immer mein Verlangen' (Damrau)
39. No. 37, 'Wie viele Zeit verlor ich, dich zu lieben!' (Kaufmann)
40. No. 32, 'Was soll der Zorn, mein Schatz' (Damrau)
41. No. 5, 'Selig ihr Blinden' (Kaufmann)
42. No. 12, 'Nein, junger Herr' (Damrau)
43. No. 13, 'Hoffartig seid Ihr, schones Kind' (Kaufmann)
44. No. 28, 'Du sagst mir, dass ich keine Furstin sei' (Damrau)
45. No. 30, 'Lass sie nur gehn' (Kaufmann)
46. No. 46, 'Ich hab in Penna einen Liebsten wohnen' (Damrau)

Erato
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Puccini - Tosca (Price - Di Stefano - Taddei) Karajan [1963/2017, Flac Hi-Res]

Cualquier discusión sobre la discografía de "Tosca" comienza obligatoriamente con la grabación monofónica de EMI encabezada por Maria Callas en 1953. La dirección de Victor de Sabata, como el ensemble perfecto entre la Callas, di Stefano y Tito Gobbi hacen de ésta una de las mejores grabaciones del siglo anterior. A su lado, todas las versiones posteriores palidecen ya sea por el enfoque, por problemas de reparto o simplemente por la falta de dramatismo que en la versión de De Sabata está presente a raudales.

En la comparación con la versión en EMI, esta versión estereofónica surge probablemente como la mejor competencia, tanto en términos de reparto como en las grandes diferencias de enfoque que presenta la lectura de Karajan en comparación con la batuta de De Sabata.

La Floria Tosca de la Price es temperamentalmente lánguida al lado de la lectura de la Callas pero a cambio entrega su suntuoso timbre de soprano spinto y logra varios momentos de fuerza dramática a pesar de la languidez imperante en su lectura. Di Stefano ya está muy pasado de sus mejores años. La voz está totalmente erosionada tanto en el pasaje al agudo como en el centro pero la entrega dramática sigue siendo su fuerte y Karajan compensa las tensiones del timbre sumergiéndolo en la orquesta. Por su lado Giuseppe Taddei compone la mejor contraparte a la lectura de Gobbi. El barítono genovés tiene una belleza de timbre que se hecha muy en falta en la lectura de Gobbi, además de gran temperamento dramático con el que opta por sobresaltar las facetas malévolas y seductoras del Baron Scarpia.

Karajan está captado aquí en su mejor momento y logra extraer un sonido opulento de la Filarmonica de Viena, sin caer en la exageración de su segunda versión en Deutsche Grammophon publicada en 1984. Por otro lado la tensión y el desarrollo dramático esta estupendamente servido.

La grabación fue producida por John Culshaw, por entonces ya firmemente instalado como el Rey Midas de las grabaciones. La marca de fabrica del productor está presente en los efectos sonoros usados (cañones en el Te Deum, las campanas en el preludio al acto tercero) como también en el sumo cuidado con el que se realizó toda la ingeniería de grabación. Siguen sorprendiendo la amplia gama, la claridad con la que están captadas todas las voces y el empuje de la sección de bronces. Y es precisamente este factor con el que la versión termina de constituirse como la mejor opción a la lectura de De Sabata.

La grabación se realizó en la Sofiensaal de Viena, durante el mes de septiembre de 1962. La remasterización se realizó en 2017 y estuvo a cargo de Paschal Byrne.



Leontyne Price (Floria Tosca)
Giuseppe di Stefano (Mario Cavaradossi)
Giuseppe Taddei (Il Barone Scarpia)
Fernando Corena (Il Sagrestano)
Carlo Cava (Cesare Angelotti)
Piero de Palma (Spoletta)
Leonardo Monreale (Sciarrone)
Alfredo Mariotti (Un Carceriere)
Herbert Weiss (Un Pastore)

Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Decca
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Verdi - Ernani (Bergonzi - Price - Sereni - Flagello) Schippers [1968/2016, Flac]

En el proceso de desempolvar y remasterizar, la RCA le ha hecho un tremendo favor a Leontyne Price y todos sus fans que ahora pueden oírla en alta definición en la seguidilla de grabaciones que realizó en la década del '60. Siguiendo esa senda aquí está su famosa lectura de Elvira en este "Ernani" estelar grabado por la casa americana en sus cuarteles romanos en el verano de 1967.

La principal atracción de la grabación es la pareja de Bergonzi y Price, captados acá en la cúspide de sus posibilidades. Bergonzi entrega musicalidad, fraseo y aliento verdiano a cambio de un timbre algo pequeño y sin el dramatismo que le imprimían Del Monaco o Corelli al rol. La Price por su lado se controla en los amaneramientos (tampoco tanto eh) y entrega una Elvira de vocalidad opulenta. Hay momentos donde simplemente suena genial, por ejemplo en el trío final, y otros donde se echa de menos una musicalidad mas apropiada al belcanto y el canto ornamentado. Sereni cumple pero sin la grandeza de otros famosos Carlo y Flagello hace una lectura sonora y convencional del malvado Ruy Gomez de Silva. Schippers por su lado entrega energía a la dirección sin llegar a la urgencia dramática de Muti.

La grabación se realizó en los estudios de la Rca Italiana en Roma, durante el mes de Julio de 1967.



Carlo Bergonzi (Ernani)
Leontyne Price (Donna Elvira)
Mario Sereni (Don Carlo)
Ezio Flagello (Don Ruy Gomez de Silva)
Fernando Iacopucci (Don Riccardo)
Hartje Mueller (Iago)
Julia Hamari (Giovanna)

RCA Italiana Orchestra and Chorus
Thomas Schippers (Conductor)

RCA

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Anne Sofie von Otter - Rendezvous with Korngold: Songs and Chamber Music [1999, Flac]

A pesar de las complicaciones de la música de Korngold, que en mi caso personal tienen que ver con la longitud de ciertas piezas instrumentales, este disco encabezado por la von Otter logra sacar adelante un programa muy variado, lleno de melodías hermosas y con la mezzo dando una verdadera lección de canto, musicalidad y buen gusto.

A pesar de las hermosas melodías del Quinteto para 2 Violines, hay que decir que lo mejor del álbum se encuentra en los ítems donde la von Otter puede lucir su lustroso timbre y la impecable musicalidad. En el ciclo "Vier Lieder des Abschieds" al arte de la mezzo se suma el estupendo acompañamiento de Forsberg quien logra delinear en el teclado una respuesta similar en la variedad de colores que logra exponer la von Otter con su voz. Otro tanto se puede decir en las "Four Shakespeare Songs" donde la mezzo da una lección de cómo cantar en inglés aun no siendo éste su idioma nativo. A pesar de las excelencias antes expuestas, hay que decir que la verdadera joya del disco es el arreglo del mismo Bengt Forsberg para la Canción de Marietta de la ópera "Die Tote Stadt", en donde la von Otter saca adelante una lectura poética, apoyada por una técnica soberbia.

Las sesiones de grabación estuvieron esparcidas en un periodo de siete años, entre 1991 y 1998 en las ciudades de Berlín, Estocolmo y Nijmegen.


Tracklist:

 CD1:
1. Vier Lieder des Abschieds op. 14 - 1. Sterbelied
2. Vier Lieder des Abschieds op. 14 - 2. Dies kann mein Sehnen nimmer fassen
3. Vier Lieder des Abschieds op. 14 - 3. Mond, so gehst du wieder auf
4. Vier Lieder des Abschieds op. 14 - 4. Gefaßter Abschied
5. Quintett für 2 Violinen, Viola, Violoncello und Klavier E-dur op. 15 - 1. Mäßiges Zeitmaß, mit schwungvoll blühendem Ausdruck
6. Quintett für 2 Violinen, Viola, Violoncello und Klavier E-dur op. 15 - 2. Adagio. Mit größter Ruhe, stets äußerst gebunden und ausdrucksvoll
7. Quintett für 2 Violinen, Viola, Violoncello und Klavier E-dur op. 15 - 3. Finale. Gemessen, beinahe pathetisch
8. Songs of the Clown op. 29 - 1. Come Away, Death
9. Songs of the Clown op. 29 - 2. O Mistress Mine
10. Songs of the Clown op. 29 - 3. Adieu, Dood Man Devil
11. Songs of the Clown op. 29 - 4. Hey Robin
12. Songs of the Clown op. 29 - 5. For the Rain, It Raineth Every Day
13. Einfache Lieder o. op. - Nachts
14. Einfache Lieder o. op. - Die Geniale

CD2:
1. Four Shakespeare Songs op. 31 - 1. Desdemona's Song
2. Four Shakespeare Songs op. 31 - 2. Under the Greenwood Tree
3. Four Shakespeare Songs op. 31 - 3. Blow, Blow, Thou Winter Wind
4. Four Shakespeare Songs op. 31 - 4. When Birds Do Sing
5. Drei Lieder op. 22 - 1. Was Du mir bist?
6. Drei Lieder op. 22 - 2. Mit Dir zu schweigen
7. Drei Lieder op. 22 - 3. Welt ist stille eingeschlafen
8. Suite für 2 Violinen, Violoncello und Klavier (linke Hand) op. 23 - 1. Präludium und Fuge
9. Suite für 2 Violinen, Violoncello und Klavier (linke Hand) op. 23 - 2. Walzer
10. Suite für 2 Violinen, Violoncello und Klavier (linke Hand) op. 23 - 3. Groteske
11. Suite für 2 Violinen, Violoncello und Klavier (linke Hand) op. 23 - 4. Lied
12. Suite für 2 Violinen, Violoncello und Klavier (linke Hand) op. 23 - 5. Rondo-Finale (Variationen)
13. Mariettas Lied (aus der Oper »Die tote Stadt« op. 12)

Anne Sofie von Otter (Mezzo-Soprano)
Bengt Forsberg (Piano)
Kjell Lysell (Violin I)
Ulf Forsberg (Violin II)
Nils-Erik Sparf  (Viola)
Mats Lidström (Violoncello)

Deutsche Grammophone
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Mascagni - Cavalleria Rusticana & Leoncavallo - Pagliacci (Bergonzi - Cossotto - Carlyle - Taddei - Guelfi) Karajan [1966/2018, Flac Hi-Res]

Con Karajan al mando de un equipo de artistas casi completamente italiano, la Deutsche Grammophon produjo en octubre de 1965 este "binomio verista" con tintes sinfónicos y de canto "higiénico", algo bastante distinto a lo acostumbrado en este repertorio de larga tradición.

La producción gira en torno de la figura estelar de Carlo Bergonzi quien logra, con grandes cuotas de musicalidad, técnica y sobriedad expresiva, uno de los Canio/Turiddu mejor cantados de la discografía.

Cavalleria está encabezado por la Santuzza de Fiorenza Cossotto quién derrocha juventud y gran canto, con buenas cuotas de arrojo, sin embargo se queda algo corta en la expresividad, sin llegar a las profundidades de Bruna Rasa o Simionato. Bergonzi aporta el que sea probablemente el Turiddu mas elegante de la discografía, sacando a relucir la linea y los matices ausentes en tenores de corte mas verista, por otro lado hay que decir que no tiene ni el squillo ni la potencia de otros colegas.

Pagliacci es probablemente donde el tenor se oye mas cómodo. Tanto la tessitura como el factor expresivo de Canio se adecua mejor a sus posibilidades vocales, si bien siempre queda en deuda frente a otros colegas mas atronadores (Corelli, Del Monaco, Vickers...) hay que decir que logra entregar una lectura sin los amaneramientos y los lugares comunes en los que caen casi todos. A su lado Joan Carlyle desluce como Nedda tanto en lo vocal como lo expresivo y Giuseppe Taddei entrega su noble y hermoso timbre para un Tonio de referencia.

Karajan logra un estupendos resultados con la orquesta de la Scala, descubriendo los aspectos mas sinfónicos de las partituras de Leoncavallo y Mascagni.

La grabación se realizó en La Scala de Milan durante lo meses de Septiembre y Octubre de 1965.



Cavalleria Rusticana:

Carlo Bergonzi (Turiddu)
Fiorenza Cossotto (Santuzza)
Giangiacomo Guelfi (Alfio)
Adriane Martino (Lola)
Mariagrazia Allegri (Mamma Lucia)

Pagliacci:

Carlo Bergonzi (Canio)
Joan Carlyle (Nedda)
Giuseppe Taddei (Tonio)
Ugo Benelli (Beppe)
Rolando Panerai (Silvio)
Giuseppe Morresi (Un contadino)
Franco Ricciardi (Un altro contadino)

Coro e Orchestra del Teatro alla Scala di Milano
Herbert von Karajan (Conductor)


Deutsche Grammophon
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Wagner - Götterdämmerung (Windgassen - Nilsson - Frick - Fischer-Dieskau - Watson - Ludwig) Solti [1965/2012, Flac Hi-Res]

La última jornada del anillo fue la tercera ópera en grabarse. Para estas alturas el equipo de producción encabezado por John Culshaw se atrevía cada vez mas con los efectos de sonido disponibles con la tecnología de la época y sugeridos, de alguna manera, por Wagner mismo a sabiendas de que eran casi imposibles de lograr en su tiempo. El equipo trabajó incansablemente para asegurarse que el sonido logrado entregara tanto drama como fuese posible y así, casi todas las sugerencias de la obra están presentes y tratadas a través de efectos sonoros, desde los truenos del acto primero, los cornos y la aparición de Alberich del segundo, la pelea de espadas entre Gunther y Hagen y el derrumbe del Hall de los Gibichungos de la escena final. Probablemente el mas controversial sea el micrófono pegado a la garganta y el filtro aplicado a la voz de Windgassen cuando aparece disfrazado de Gunther ante Brünnhilde en la escena que cierra el acto primero. Muchos oyentes lo encontraran sobrecargado (y hasta Kitsch) pero es indudable el ambiente que agrega a la grabación.

El reparto está dominado por la enjundiosa Brünnhilde de Birgit Nilsson, tocando la cima absoluta en lo que se refiere a arrojo vocal, dominio del registro agudo y conocimiento de las diferentes aristas dramáticas de su personaje. Se la puede oír en la gloria absoluta en el trío que cierra el acto segundo y, como no, en la larga escena de inmolación. Windgassen entrega la parte mas lírica de Siegfried sin mayores signos de desgaste y con las mismas cuotas de inteligencia y entendimiento de su personaje que mostrara en la jornada anterior. Gottlob Frick por su parte crea el retrato mas malévolo de Hagen disponible en disco, haciéndonos recordar tanto vocal como dramáticamente a su padre, Alberich, nuevamente interpretado por el gran Gustav Neidlinger. La pareja de Gibichungos está estupendamente servida por una ideal Claire Watson como Gutrune y Dietrich Fischer-Dieskau como Gunther, quizás demasiado lírico para la parte pero logra crear un personaje mucho mas interesante que el de otros colegas.

La versión cuenta ademas con varios lujos extras en los roles menores; Christa Ludwig como una aguerrida Waltraute, y un equipo inmejorable de Nornas que incluye a Helen Watts, Grace Hoffmann y la estupenda Anita Välkki, además de un trío estelar de Hijas del Rhin donde sobresalen Gwyneth Jones y una juvenil Lucia Popp.

La dirección de Solti es dramática, con agudo sentido del detalle y una precisión rítmica que eran su marca de fábrica. Logra grandes momentos dramáticos en el trío del segundo acto, la marcha fúnebre y la colosal escena de la inmolación. Tanta intensidad termina dañando un poco los momentos mas líricos pero ya sea por la fuerza o el simple goce sonoro, la suya sigue siendo una versión referencial en muchos aspectos.

El remaster agrega mas rango dinámico, claridad en los efectos de movimientos espacial y también mas decibles en comparación a la versión de 1997. El nuevo tratamiento devela también muchos mas detalles de la orquestación perfectamente captada en la grabación original.


Wolfgang Windgassen (Siegfried)
Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Gottlob Frick (Hagen)
Claire Watson (Gutrune)
Dietrich Fischer-Dieskau (Gunther)
Gustav Neidlinger (Alberich)
Christa Ludwig (Waltraute)
Lucia Popp (Woglinde)
Gwyneth Jones (Wellgunde)
Maureen Guy (Flosshilde)
Helen Watts (Erste Norn)
Grace Hoffman (Zweite Norn)
Anita Välkki (Dritte Norn)

Wiener Staastopernchor
Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
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Wagner - Siegfried (Windgassen - Nilsson - Hotter - Neidlinger - Stolze - Böhme) Solti [1963/2012, Flac Hi-Res]

Como todos los ciclos del Anillo del Nibelungo, el de Solti también tiene sus altos y bajos. Quizás el punto mas alto se logran en "Das Rheingold", gracias al cast de lujo y la dirección poderosa y llena de nervio de Solti. "Siegfried" y "Götterdämmerung" se ubican también a gran nivel pero claramente un par de escalones por detrás de la primera jornada. El cast tiene puntos altísimos en la vocalidad e interpretación y por otro lado el equipo de grabación estaba totalmente consolidado y respaldado por la recepción de la critica, las ventas de "Das Rheingold" y con una nueva consola de grabación instalada en la Sofiensaal para empujar el límite un poco mas lejos.

La grabación no estuvo exenta de problemas y el mas grande fue encontrar al tenor protagonista. John Culshaw le dedica un par de páginas a este tema en su libro "Ring Resounding". Al parecer la idea era encontrar a un cantante joven para incluirlo en el proyecto a modo de "artista revelación". La búsqueda no fue fácil pero en el camino se encontraron con Ernst Kozub, un Heldentenor alemán de 38 años quien se convirtió fácilmente en la primera opción. Se hicieron ensayos y pruebas de grabación y rápidamente quedó al descubierto que Kozub no se sabía el rol a cabalidad y debió ser reemplazado a última hora por Wolfgang Windgassen, quien era 10 años mayor y se encontraba ya entrando a la última etapa de su carrera.

A Windgassen le falta el tono heroico y baritonal típico de las voces de Heldentenor (siendo Melchior el arquetipo) pero a falta de fuste y color oscuro, el tenor entrega grandes cuotas de lirismo e inteligencia para abordar la parte. El tenor logra su mejor versión de Siegfried (ayudado por los ensayos entre tomas para no terminar exhausto) y se coloca fácilmente entre las mejores versiones captadas en disco. Gerhard Stolze crea a su lado un malévolo y calculador Mime, alcanzando una profundidad interpretativa que aun no ha sido superada. Hans Hotter está en mucho mejor estado vocal que en "Die Walküre", su Wanderer está lleno de nobleza en la interpretación y en la linea de canto (aun no tan afectada por el vibrato amplio). Gustav Neidlinger repite su retrato de Alberich a la misma altura que lo hiciera en "Das Rheingold", agregando cuotas extras de desesperación. Kurt Böhme entrega una cavernosa lectura de Fafner (ayudado por los efectos de sonido) y Marga Höffgen logra algo parecido en Erda. Un lujo extra es el Waldvogel de Joan Sutherland, por entonces en el comienzo de su carrera internacional.

A pesar de las excelencias del reparto, el triunfo indiscutido de la grabación es la Brünnhilde de Birgit Nilsson. El enfoque vocal es lo mas cercano a la perfección que se puede oír y la tesitura imposible, plagada de Si naturales y Do agudos, no le presenta ningún problema.

Solti empuja a la Filarmonica de Viena a tocar con gran intensidad y control rítmico, especialmente en la escena de la forja, pero también sabe entregar la parte mas lírica de los Murmullos del Bosque y el despertar de Brünnhilde.

La grabación se realizó entre 8 al 18 de Mayo y del 22 de octubre al 5 de Noviembre de 1962  en la Sofiensaal de Viena.




Wolfgang Windgassen (Siegfried)
Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Hans Hotter (Der Wanderer)
Gerhard Stolze (Mime)
Gustav Neidlinger (Alberich)
Kurt Böhme (Fafner)
Marga Höffgen (Erda)
Joan Sutherland (Der Waldvogel)

Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
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Wagner - Die Walküre (Nilsson - Hotter - King - Crespin - Ludwig) Solti [1965/2012, Flac Hi-Res]

La segunda jornada del ciclo se grabaría entre octubre y noviembre de 1965. Si el proyecto se hubiese grabado según el orden argumental, "Die Walküre" debió haber seguido a "Das Rheingold", sin embargo la Nilsson ya había grabado su Brünnhilde para la versión de Leinsdorf en 1961 publicada al año siguiente en RCA, lo que imposibilitó mantener el orden, debido a las restricciones que le imponía el contrato a la soprano. Así las cosas, la Decca grabó "Siegfried" en las sesiones de 1962 y dejó "Die Walküre" para cerrar el ciclo con su lanzamiento en 1966, lo suficientemente espaciada con la versión RCA para no crear problemas contractuales entre las disqueras.

La versión está dominada por el impresionante retrato sonoro que hace la Nilsson del rol de Brünnhilde. La soprano está captada en sus mejores años y hace frente al personaje con formidable energía, arrojo y seguridad vocal inigualada. Puede que falten matices interpretativos pero lo que se oye echa por tierra cualquier consideración negativa que se pueda tener. Hans Hotter entra en reemplazo de George London, quién sufriría una parálisis en las cuerdas vocales que terminó por acabar con su carrera. El bajo alemán bordeaba los 56 años de edad y ya los signos de desgaste vocal son demasiado evidentes. El vibrato amplio y la dificultad para abordar el extremo del registro terminan por arruinar un retrato interpretativo que aun logra construir con grandes cuotas de autoridad y pathos. La pareja de hermanos está estupendamente cantada en las voces de Regine Crespin, aun en plena forma, y James King entregando el lado mas viril de Siegmund. Christa Ludwig es todo un lujo en el rol de Fricka. El elenco se completa con un amenazante Hunding a cargo de Gottlob Frick y un estupendo equipo de Valquirias encabezadas por una joven Brigitte Fassabaender como Waltraute.

En términos sonoros esta Walküre está estupendamente captada por lo ingenieros de la Decca quienes se las arreglan para grabar y captar de manera satisfactoria las voces de la Crespin y Nilsson, dos legendarios cañones. El remaster agrega profundidad y se hacen evidentes además los efectos de sonido aplicados a las Valquirias para sugerir su movimiento en el espacio. Recomiendo oír la versión en alta definición en el mejor equipo posible para apreciar esto último.



Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Hans Hotter (Wotan)
James King (Siegmund)
Regine Crespin (Sieglinde)
Gottlob Frick (Hunding)
Christa Ludwig (Fricka)
Brigitte Fassbaender (Waltraute)
Berit Lindholm (Helmwige)
Helga Dernesch (Ortlinde)
Vera Schlosser (Gerhilde)
Helen Watts (Schwertleite)
Vera Little (Siegrune)
Claudia Hellmann (Rossweisse)
Marilyn Tyler (Grimgerde)

Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
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Wagner - Das Rheingold (London - Flagstad - Neidlinger - Svanholm - Wächter) Solti [1959/2012, Flac Hi-Res]

El historial de remasterizaciones editadas del Anillo de Solti es largo y complicado pero a través de esta edición de lujo publicada por Decca en 2015 (ya oficialmente la penúltima) trataré de contar el cuento de manera mas o menos ordenada.

El primer traspaso a formato digital ocurrió en 1984, el resultado, como el de la mayoría de los primeros traspasos a cd, estaba lleno de sonido de roce y durezas en la amplitud total de las frecuencias (no nos olvidemos de la discografía de la Callas que apareció en Emi por esos mismos años y con los mismos defectos...).
En 1997 se "corrigió" este defecto sometiendo la cinta a la tecnología Cedar que elimina casi en su totalidad el sonido de roce pero se lleva consigo un gran numero de frecuencias graves y agudas. El resultado fue polémico pero en términos generales un gran avance. Este remaster se publicó tanto de manera íntegra como también formando parte del box "Wagner: The Operas"
En 2012 se editó un tercer y último remaster publicado en tres tandas entre 2012 y 2015. Este tercer intento sin embargo está elaborado sobre el mismo trabajo realizado en 1997. Al parecer las cintas originales ya están estropeadas y no pueden ser sometidas a un nuevo proceso. Teniendo esto en cuenta, el resultado es ligeramente superior a lo ocurrido en 1997 y se aprecia en mayor medida en la edición en bluray, donde el audio en alta definición abre una nueva perspectiva al reproducirse con el equipamiento adecuado.

De manera paralela al trabajo realizado en Decca, la firma japonesa Esoteric publicó en Enero de 2009 una remasterización en Super Audio CD. Este trabajo se reproduce a 96kHz/24bit, lo que lo pone a la cabeza de todos los anteriores y (hasta ahora) posteriores intentos de restauración.

Por otro lado durante este año Stereo Sound editó, también en Japón, un nuevo remaster pero proveniente de una fuente diferente. Se trata en este caso de una "Copia de Seguridad" enviada por Decca durante los '70 a King Records en Japón. La copia fue creada de manera exacta al master original y por lo tanto preserva la grabación sin ninguna interferencia de tecnologías anti-ruido a la que fue sometida en 1997. Este nuevo remaster aun no está disponible fuera de Japón.

Así las cosas, y mientras pienso en cómo conseguir este último remaster, les presento aquí la primera jornada del Anillo en la remasterización de 2012 en Alta Definición y también en una copia apta para uso mas doméstico.

En términos artísticos, la grabación de Solti es sin dudas una piedra angular no solo de la discografía wagneriana sino también de toda la historia del sonido grabado. Fue la primera grabación del ciclo completo y por lo tanto tuvo una preparación y un despliegue técnico sin precedentes, tanto artístico como logístico y tecnológico. John Culshaw, el productor, ideó el proyecto con la naciente tecnología del Stereo como base y creó a partir de esta una tetralogía llena de efectos de sonido sin precedentes para la época. Su versión del Anillo (sería bastante justo decir que es mas suya que de Solti...) fue una empresa que además de potenciar el naciente mercado de las operas completas llevadas al disco, potenció de manera significativa la difusión del Stereo porque para apreciar el LP en su totalidad había que reproducirlo en un equipo Stereo.

El plantel de estrellas con las que cuenta Solti para este "Rheingold" es simplemente insuperable. George London encarna con monumental voz a Wotan y a su lado brilla casi como un testimonio de una época dorada del canto, la Fricka de la legendaria Kirsten Flagstad. La soprano tenía 63 años para la época, salió de su retiro artístico y aprendió el rol especialmente para la grabación y nos lega aquí una última y vibrante muestra de lo que fue probablemente el instrumento mas glorioso ligado al repertorio wagneriano de todos los tiempos. A este dúo de gigantes se suma Gustav Neidlinger, quien crea en Alberich el arquetipo del Nibelungo por el que se medirán todos los demás. A pesar de las durezas de emisión, el retrato detallado que logra de la psicología de su personaje sigue impresionando. Cierra el círculo Set Svanholm, otra leyenda de su tiempo, en su lírico retrato de Loge. El resto del elenco está a una altura inigualada por ninguna otra versión. Sobresale la interpretación de Paul Kuen como Mime y los timbres heroicos y brillantes de Claire Watson como Freia, Waldemar Kmentt como un poderoso Froh y Eberhard Wächter como un vibrante Donner. En el espectro mas grave, la cavernosa voz de Kurt Böhme como Fafner y Jean Madeira como Erda. El trío de Hijas del Rhin está estupendamente servido por Oda Balsborg, Hetty Plumacher e Ira Malaniuk.

La grabación se realizó entre Septiembre y Noviembre de 1958 (hace exactamente 60 años), en la Sofiensaal de Viena.



George London (Wotan)
Kirsten Flagstad (Fricka)
Gustav Neidlinger (Alberich)
Set Svanholm (Loge)
Claire Watson (Freia)
Waldemar Kmentt (Froh)
Eberhard Wächter (Donner)
Paul Kuen (Mime)
Jean Madeira (Erda)
Walter Kreppel (Fasolt)
Kurt Böhme (Fafner)
Oda Balsborg (Woglinde)
Hetty Plumacher (Wellgunde)
Ira Malaniuk (Flosshilde)

Wiener Philharmoniker
Sir Georg Solti (Conductor)

Decca
Flac@44.1kHz-24bit | Cover + Digital Booklet
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Donizetti - Parisina (Caballé - Pruett - Quilico - Morris) Queler [1974, Flac]

La carrera discográfica de la Caballé está plagada de desaprovechamientos, probablemente el caso mas emblemático sea su Leonora de "Il Trovatore" que nunca llevó al estudio de grabación a pesar de varias tentativas. Pero detrás de este caso, existe una nutrida lista de papeles que la soprano visitó, principalmente en terreno belcantista y que los sellos discográficos decidieron ignorar por completo. La lista es larga pero hay que citar obligadamente al ciclo Tudor: "Anna Bolena", "Roberto Devereux" y "Maria Stuarda", "Semiramide" de Rossini, "La Straniera" de Bellini y, como no, a "Parisina d'Este" del mismo Donizetti.

Desde el momento de su salto a la fama con la "Lucrezia Borgia" en el Carnegie Hall en Julio de 1965, el futuro mas inmediato de la soprano estuvo fuertemente ligado tanto a la sala neoyorkina como al repertorio belcantista, con especial énfasis en Donizetti. Así, en diciembre del mismo año apareció en "Roberto Devereux", seguido de "Il Pirata" (1966), "Maria Stuarda" y "Giulio Cesare" (1967), La Straniera (1969), "Parisina d'Este" (1974), Gemma di Vergy (1976) y "Aroldo" (1979).

La ópera narra la trágica historia de Laura Malatesta, decapitada en 1425 a los 21 años junto a su hijastro y amante Ugo, apenas un año menor, por orden de su marido Nicolò III d´Este, marqués de Ferrara (1383-1431), padre del joven por su unión ilegítima con Stella de´ Tolomei. La vida de Laura Malatesta fascinó a una larga lista de autores desde Matteo Bandello (1554) hasta Lord Byron (1816), en quien se basa el libreto escrito por Felice Romani.

A pesar de la inspiración directa, el libreto altera varios elementos de la historia original para hacerlos aceptables a la mentalidad de la corte toscana de los Habsburgo: aquí Ugo es hijo legítimo, pero secreto, de Azzo; su desmesurado y compartido amor por Parisina, que data de una infancia vivida en común, permanece platónico y no ha llegado a consumarse, mientras el enamorado Azzo revive en sus celos operáticos la presunta traición que causó la muerte a la madre de Ugo; un libreto muy telenovelesco acorde al gusto de la época. Y Parisina, por su parte, no es decapitada sino que, siguiendo el estilo donizettiano y melodramático esperable, muere de dolor entre el drama y la coloratura al contemplar el cadáver de Ugo.

La ópera se estrenó el 17 de marzo de 1833 en el Teatro della Pergola de Florencia y fue uno de los títulos mas apreciados por su autor. Gozó de buena popularidad en sus primeros años como parte del repertorio. Al año siguiente se montó una producción en Madrid, en 1836 el título cruzó el Atlántico y se presentó en La Habana, New Orleans en 1837, Lima en 1841 y Santiago en 1844. Siguiendo el destino de la amplia mayoría del repertorio belcantista, la ópera desapareció de los escenarios rápidamente y sólo volvió a ser escenificada en Siena (1964) protagonizada por Marcella Pobbe. A pesar de esto la ópera no despertó el interés ni de Callas, Sutherland, Sills o Gencer y a pesar de los esfuerzos de la Caballé, hay que decir que el titulo no forma parte del repertorio habitual.

La ópera le ofrece a la Caballé un gran vehículo para el lucimiento de los mejor de su canto: legato de linea amplía y un buen numero de oportunidades para adornar con sus famosos pianissimi, especialmente en su aria del segundo acto "Sogno talor di correre". El resto del elenco la acompaña a gran nivel y si bien la voz de Jerome Pruett no suena todo lo estelar esperable, tanto Quilico como Morris, captado en el comienzo de su carrera, sirven con autoridad a sus personajes.



Montserrat Caballé (Parisina d'Este)
Jerome Pruett (Ugo)
Louis Quilico (Azzo)
James Morris (Ernesto)
Eleanor Bergquist (Imelda)

Opera Orchestra odf New York
Eve Queler (Conductor)

Myto Records
Flac | Cover + Scans
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Weber - Der Freischütz (Janowitz - Schreier - Adam - Mathis) Kleiber [1973/2018, Flac Hi-Res]

"El Cazador Furtivo" es considerada la piedra fundacional de la ópera alemana del romanticismo, se estrenó el 18 de Junio de 1821 en el histórico Konzerthaus de Berlín, mismo lugar que elegiría Leonard Bernstein en la navidad de 1989 para dirigir su famosa versión de la Novena Sinfonía de Beethoven que celebraba la caída del Muro de Berlín con una orquesta y coro compuestos por músicos de ambos lados de la extinta cortina de hierro.

Desde su estreno la ópera gozó de gran éxito, sobrepasando rápidamente los limites de Alemania. A fines del mismo año de estreno, se presentó en Viena, a lo que siguieron producciones en Karlsruhe, Praga y Copenhage. Finalmente en 1824 llegó a Londres y París con sendas producciones en idioma local.

Ya sea por el mero goce sonoro, la gran calidad del canto o por la apabullante batuta de Kleiber, esta grabación se pone a la cabeza de todas las versiones, teniendo en cuenta que la competencia es bastante fuerte, especialmente Jochum en DG o Davis en Philips.

El reparto está encabezado por el Max de Peter Schreier, estupendamente cantado y lleno de detalles en la caracterización, a su lado la Janowitz produce en Agathe uno de sus mejores trabajos legados al disco. A la esperable belleza vocal, la soprano logra además darle profundidad a un rol bastante ingrato en términos interpretativos. Lujos extras son el Kaspar de Theo Adam, la Ännchen de Edith Mathis y el Hermita de Franz Crass.

Esta grabación fue el primer proyecto en la corta y accidentada carrera discográfica de Carlos Kleiber, por entonces una estrella en ascenso. Las principales características de su batuta ya están presentes: el extremo cuidado que ponía a los detalles de la partitura, los tempi ágiles (algunos controvertidos) y el carácter atrevido, autoritario y fresco que imprime a la música de Weber.

En sus dos traspasos anteriores al formato digital, esta grabación siempre ha sonado muy bien. Si bien el audio en Alta Definición agrega una cuota extra de espacio, hay que decir que no hay gran diferencia con la remasterización de 1998.

La grabación se realizó en la Lucaskirche de Dresden, entre el 22 de enero y el 6 de febrero de 1973.



Gundula Janowitz (Agathe)
Peter Schreier (Max)
Edith Mathis (Ännchen)
Theo Adam (Kaspar)
Bernd Weikl (Ottokar)
Siegfried Vogel (Kuno)
Franz Crass (Ein Ermit)
Günther Leib (Killian)
Renate Hoff
Brigitte Pfretzschner
Renate Krahmer
Ingeborg Springer (Brautjungfern)

Rundfunkchor Leipzig
Staatskapelle Dresde
Carlos Kleiber (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | Cover
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Montserrat Caballé - Great Operatic Recordings [1998, Flac]

El pasado 6 de octubre falleció en Barcelona la gran Montserrat Caballé. Sirva este post como homenaje a una de las última divas de la ópera y, aunque no lo parezca, una de las favoritas de este blog.

María de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folch nació en Barcelona el 12 de abril de 1933. Según cuenta la biografía de Robert Pullen, la Caballé sobrevivió al parto sólo de milagro: vino al mundo con el cordón umbilical fuertemente enrollado al cuello y se tuvo que improvisar una operación a fin de salvarla. La niñez de Caballé estuvo marcada por las penurias económicas  resultantes del crack del '29 y los problemas de desabastecimientos que enfrentó Barcelona durante la guerra civil. Con gran esfuerzo pudo inscribirse en el Conservatorio Superior del Liceo, de donde se graduó en 1954 con medalla de oro.

Tras una serie de audiciones por Nápoles, Roma, Florencia y Stuttgart, la soprano fue contratada por la Opera Estatal de Basilea entre 1956-58 y luego la de Bremen entre 1959-62. Durante este período aprendió al menos una cincuentena de roles que la llevaron a cantar desde el barroco hasta música contemporánea, incluido un par de estrenos mundiales. Pudo también hacer apariciones en Hannover como "Aida", un auspicioso debut en Viena con el titular de "Salomé", una modesta aparición en La Scala de Milan como Muchacha Flor en "Parsifal" y un exitoso debut en el Liceo de Barcelona con el titular de "Arabella" de Richard Strauss.

Las exigencias impuestas por su contrato con Bremen, el escaso control que tenía a la hora de escoger repertorio y varias dolencias físicas atribuibles a la depresión la llevaron a no renovar contrato y darse un plazo de un año para replantear su carrera que esta vez sería dirigida por su hermano menor, Carlos Caballé. Durante este periodo como artista independiente se presentó en el Festival de San Sebastián (1962) y el Festival de Granada (1963), además pudo debutar en Florencia, Asis y Toulouse con el Oratorio "El Pesebre" de Juan Pablo Casals. Su carrera escénica siguió desarrollándose con sus debuts en Rouen como Elisabetta en "Don Carlo", Pamina en "La Flauta Mágica" en el Festival de Lausanne y Cio Cio San en "Madama Butterfly" en La Coruña en donde cantó por primera vez con Bernabé Martí, su futuro marido.  En 1964 debutó en México con "Manon", "Un ballo in Maschera" y Tosca" junto a Giuseppe di Stefano. Le siguió una serie de conciertos por Venezuela, Colombia, Perú y Brasil y finalmente un puñado de funciones de "Manon Lescaut" en el Liceo.

En Marzo de 1965 la American Opera Society hacía los últimos preparativos para producir "Lucrezia Borgia" de Donizetti, todo iba viento en popa cuando a mediados de marzo Marilyn Horne canceló su participación por problemas surgidos en su séptimo mes de embarazo. Allen Oxenburg, el fundador y director de la compañía no pudo reclutar ni a la Sutherland ni a Gencer, por entonces las máximas exponentes belcantistas, y debió hacer llamados de última hora a varios agentes con lo que ya había trabajado. La Caballé se encontraba por entonces preparando su debut en Glyndebourne como Marschallin en "El Caballero de la Rosa" cuando recibió el llamado desde New York. Siguiendo el consejo de su hermano y del director Carlo Felice Cillario, decidió aceptar la oferta y el 20 de abril de 1965 se presentó en el Carnegie Hall como Lucrezia. Obtuvo un éxito abrumador y recién terminada la presentación ya tenía ofrecimientos de la RCA para un contrato discográfico y del Met para concretar un debut en el mas corto plazo.

Una vez alcanzada la fama, y antes de terminar el año, la Caballé hizo debuts en el Colón de Buenos Aires, la Civic Opera de Dallas e ingresó casi de manera improvisada a los estudios de la RCA para grabar su disco debut llamado "Presenting Montserrat Caballé" que vendió mas de 75.000 copias en tan solo cinco días. El 14 de diciembre volvió al Carnegie Hall para presentarse en "Roberto Devereux" y 22 del mismo mes hizo su debut en el Metropolitan de New York como Marguerite en "Faust" al lado de John Alexander, Justino Diaz y Sherril Milnes.

Caballé decidió entonces fijar el grueso de su actividad internacional en Norteamerica y gracias a su posición privilegiada de popularidad pudo negociar un contrato con Rudolf Bing en el que prácticamente se le daba carta blanca para elegir qué quería cantar temporada a temporada. Si bien en el Met se presentó no mas de 100 veces (número muy inferior a las mas de 230 de Joan Sutherland, las 385 de Luciano Pavarotti o las 850 de Plácido Domingo), las características de su contrato le permitieron mantener una independencia que la soprano siempre, desde sus años en Bremen, privilegiaría por encima de todo.

Por el escenario del Met se presentó en las ropas de Leonora en "Il Trovatore", Desdémona en "Otello", los titulares de "La Traviata" (1967) y "Luisa Miller" (1968), Liu en "Turandot" (1969), Amelia en "Un ballo in Maschera" (1970), Elisabetta en "Don Carlo" (1972), el titular de "Norma" (1973), Elena en "I vespri Siciliani" (1974), los titulares de "Manon Lescaut" (1975),  "Aida" y "Ariadne auf Naxos", Mimí en "La Boheme" (1976), y los titulares de "Adriana Lecouvreur" (1978) y "Tosca" (1980). Con este mismo rol se despidió de la compañía el 10 de octubre de 1985, casi 20 años después de su debut.

Desde 1966 la carrera internacional de la Caballé se disparó al mas alto nivel. En 1969 apareció en la Arena de Verona como Elisabetta en "Don Carlo", al año siguiente hizo su debut (ya como estrella) en La Scala de Milan con el titular de "Lucrezia Borgia". En el teatro milanés la lista de producciones incluye a "Maria Stuarda" (1971), "Norma" (1972, 1975 y 1977), "Un Ballo in Maschera" (1975), "Aida" y "Luisa Miller (1976), "La Forza del Destino" (1978), "Anna Bolena" (1982) y "Salomé" (1987).

En 1972 le tocó el turno al Covent Garden de Londres y la Civic Opera de Chicago, ambos con sendas producciones de "La Traviata". En 1974 apareció en el Bolshoi de Moscú y en 1977 agregaría San Francisco con el titular de "Turandot".

A partir de la década de 1980, la carrera escénica de la Caballé fue decayendo sostenidamente. Aquejada por problemas de salud y el sobrepeso, lo cierto es que su figura terminó por llevarla hacia el mundo de los conciertos en donde podía además sacar tanto o mas ganancias económicas sin el desgaste que implica montar una ópera.

La faceta mas mediática y pública de la Caballé llegó en 1987 cuando colaboró con Freddie Mercury en la canción "Barcelona" que terminaría por convertirse en el Himno de las Olimpiadas de 1992. La canción vendió millones de copias y le dio a la carrera de la Caballé un último período de fama.

En 2002 realizó un exitoso regreso a los escenario con "Henri VIII" y repitió la formula en el 2004 con el titular de "Cléopâtre", ambas de Camille Saint-Saëns. Finalmente en abril de 2007 se presentó en la Opera Estatal de Viena como la Duquesa de Crackenthorp en "La Fille du Regiment" de Donizetti.

Igual de importante y exitosa fue su carrera discográfica, en donde se conservan buena parte de momentos estelares. En un caso parecido al desarrollo de su carrera escénica, la soprano logró mantener una actividad en los estudios de grabación de Emi, RCA, Philips y Deutsche Grammophone, sin llegar nunca a firmar un contrato de exclusividad con ninguno de estos sellos.

La voz de la Caballé era la de una soprano lírica neta, quizás sin el fuste ni la densidad en el centro del registro que exhibían colegas provenientes de otras latitudes pero adornada a cambio con un timbre hermoso, suave, acariciador y a la vez personalísimo. Al mismo tiempo el registro era amplio, sin problemas hasta el Re bemol sobreagudo. En sus primeros años, el pasaje a la voz de pecho estaba cuidadosamente delimitado y la soprano prefería extender el registro central hacia el grave en vez de pasar directamente a la voz de pecho. Se unía a esto una técnica de respiración verdaderamente prodigiosa que le permitía arcos eternos y una variedad de contrastes dinámicos que pocas colegas podían igualar.

El pianissimo fue su marca de fábrica y probablemente la proeza técnica por la que será recordada siempre. La mayoría de las crónicas sobre la cantante atribuyen su maestría en el arte de cantar en matiz piano a su perfecto control del aire, dejando de lado un factor crucial que la Caballé manejaba como nadie: El control milimétrico del cierre glótico, es decir, el cierre del espacio entre las cuerdas vocales. Así la Caballé unía al perfecto control del chorro de aire, el control aún mas perfecto de la resistencia que podían oponer sus cuerdas vocales, convirtiendo sus sonidos en piano no solo en colores flotantes sino en verdaderos hilos dorados que adornaban su canto con la precisión de un láser.

Su talón de aquiles fueron los sonidos en matiz forte, en donde se apreció siempre una peligrosa tendencia al entubamiento. Este defecto se agravó con los años debido probablemente al desgaste natural del instrumento al estar expuesto a una actividad incesante, las dolencias físicas (incluidas varias operaciones) y la insistencia en el repertorio mas pesado que terminaron por desestabilizar el andamiaje técnico sobre el que se sostenía su instrumento, resultando en la aparición de un vibrato lento y sonidos metálicos. Para empeorar las cosas, desde mediados de los setenta, la soprano optó por abordar el sector grave abusando de un registro de pecho que por naturaleza era bastante modesto.

Este compilatorio de cuatro discos fue editado originalmente por Emi en 2009 dentro de la serie Icon. La selección recoge un buen puñado de momentos estelares en la carrera discográfica de la Caballé en el sello inglés.



Tracklist:
CD1:
1. Guillaume Tell: Sombre fôret
2. Il Pirata: Sorgete...Lo sognai ferito
3. Il Pirata: Quando a un tratto...Sventurata, anchi'io delirio
4. Il Pirata: Oh! s'io potessi dissipar le nubi
5. Il Pirata: Col sorriso d'innocenza
6. Il Pirata: Qual suono...Oh Sole! ti vela
7. I Puritani: Son vergin vezzosa
8. I Puritani: O rendetemi la speme ... Qui la voce sua soave mi chiamava
9. I Puritani: Tornò il riso...Vien diletto
10. I Puritani: Finì, me lassa!...Ch' ei provò lontan da me?
11. I Puritani: Vieni, fra queste braccia
12. Poliuto: Donna! ... Malvagio!
13. Poliuto: Ah fuggi da morte...Il suon dell' arpe angeliche

CD2:
1. Les Huguenots: Oh ciel! où courez-vous?
2. Les Huguenots: Tu l'as dit, oui, tu m'aimes
3. Les Huguenots: Plus d'amour! plus d'ivresse!
4. Giovanna d'Arco: Oh, ben s'addice questo torbido...Sempre all'alba ed alla sera
5. Macbeth: Vegliammo invan due notti
6. Un Ballo in Maschera: Teco io sto
7. La forza del destino: La Vergine degli angeli
8. La forza del destino: Pace, pace, mio Dio
9. Don Carlo: Io vengo a domandar...Oh! Carlo! Oh! Carlo!
10. Don Carlo: Non pianger, mia compagna
11. Don Carlo: Tu che le vanità

CD3:
1. Aida: Ritorna vincitor!
2. Aida: Qui Radamès verrà...O patria mia
3. Aida: Pur ti riveggo, mia dolce Aida...Aida!...Tu non m'ami
4. Aida: O terra, addio
5. Otello: Era più calma?...Mia madre aveva una povera ancella
6. Otello: Ave Maria
7. Mefistofele: L'altra notte in fondo al mare
8. Manon Lescaut: In quelle trine morbide
9. Manon Lescaut: Oh, sarò la più bella!
10. Manon Lescaut: Sola, perduta, abbandonata
11. La Bohème: Si, mi chiamano Mimi
12. La Bohème: Donde lieta uscì (Mimì's Farewell)

CD4:
1. Tosca: Vissi d'arte
2. Madama Butterfly: Un bel dì vedremo
3. Madama Butterfly: Tu? tu? piccolo iddio
4. Turandot: Signore, ascolta
5. Turandot: Tu che di gel sei cinta
6. Turandot: In questa reggia
7. Gianni Schicchi: O mio babbino caro
8. La Rondine: Chi il bel sogno di Doretta
9. Cavalleria Rusticana: Regina Coeli ... Inneggiamo, il Signor non è morto
10. Cavalleria Rusticana: Voi lo sapete, o mamma
11. Cavalleria Rusicana: Tu qui, Santuzza?...No, no, Turiddu
12. Andrea Chénier: Vicino a te
13. Canto a Sevilla, Op.37: Las Fuenecitas del Parque
14. Cinco Canciones Negras: Cuba dentro de un piano (R.Alberti)
15. Cinco Canciones Negras: Chevère (N.Guillén)
16. Cinco Canciones Negras: Punto de Habanera (N.Lujan)
17. Cinco Canciones Negras: Canción de cuna para dormir a un negrito (I.P. Valdes)
18. Cinco Canciones Negras: Canto negro (N.Guillén)

Montserrat Caballé (Soprano)

Warner Classics
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Javier Camarena - Contrabandista [2018, Flac Hi-Res]

Javier Camarena se convierte con este álbum en el primer artista en debutar en el flamante nuevo sello discográfico de Cecilia Bartoli, un subsidiario de Decca Classics llamado "Mentored by Cecilia Bartoli", ni mas ni menos.

En "Contrabandista", Camarena se anima a explorar el repertorio y la figura histórica de Manuel García, famoso tenor del siglo XIX para quien Rossini escribiera el rol del Conde de Almaviva en el "Barbero de Sevilla". El nuevo álbum sigue la senda iniciada por la misma Bartoli en 2007 cuando se animó a grabar "María", en donde la mezzo romana hacía lo propio con el repertorio y la figura de otro miembro de la familia García; la célebre María García, apodada La Malibrán, hija de Manuel García.

La voz de Camarena tiene un color en apariencia mas cálido que el de Flórez y definitivamente mas hermoso que los de Blake, Gimenez u otros rossinianos del pasado. Sin embargo el color mas carnoso disfraza muy bien a un instrumento que muchas veces se oye falta de peso y fuste para afrontar el repertorio que por hoy frecuenta (Ernesto, Edgardo y Nadir...). Incluso en terreno rossiniano, queda en evidencia cuando se acerca a papeles mas cercanos al baritenor que al contraltino. En cuanto al estilo, no deja de sorprender lo rudimentario de su agilidad, resuelta a punta de sonidos aspirados; un efecto falso para afrontar la coloratura martellato.

El álbum presenta tres estrenos discográficos en las arias de "El amor gitano", "La mort du Tasse" y "Florestán" nunca antes llevadas al disco, pero el interés principal de todo el recital son las piezas dedicadas a Rossini, terreno donde Camarena logra el mayor impacto vocal. A pesar de su evidente identificación con el mundo rossiniano, hay que decir que se lo oye mas cómodo en el lirismo de Rinaldo (junto a una disminuida Cecilia Bartoli como Armida) que en la bravura mas extrema del Conde d'Almaviva donde no logra hacer sombra a Rockwell Blake, Almaviva de referencia ni tampoco a Florez, quién con un material vocal similar, ha resuelto el martellato de manera mucho mas clara y contundente.


Tracklist:

1. García: Cara gitana del alma mia (El gitano por amor)*
2. García: Yo que soy contrabandista (El poeta calculista)
3. Rossini: Sì, ritrovarla io giuro (La Cenerentola)
4. García: Vous dont l’image toujours chère (La Mort du Tasse)*
5. Zingarelli: Là dai regni dell’ombre, e di morte (Giulietta e Romeo)
6. Rossini: Amor… (Possente nome!) (Armida) Duet with CECILIA BARTOLI
7. García: Ô ciel ! de ma juste furie comment réprimer le transport? (Florestan ou Le Conseil des dix)*
8. Rossini: Cessa di più resistere (Il barbiere di Siviglia)
9. García: Formaré mi plan con cuidado (El poeta calculista)
10. Rossini: S’ella mi è ognor fedele … Qual sarà mai la gioia (Ricciardo e Zoraide)

Javier Camarena (Tenor)
Cecilia Bartoli (Mezzosoprano)
Les Musiciens du Prince
Gianluca Capuano (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | Cover + Digital Booklet
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Verdi - La Forza del Destino (Price - Tucker - Merrill - Verrett - Tozzi) Schippers [1965/2016, Flac Hi-Res]

(Tres meses después...)

Continuando en el mundo de las remasterizaciones (les prometo unas ediciones bien jugosas), tenemos esta versión de "La forza del destino" grabada en Roma durante el verano de 1964 y encabezada por Leontyne Price y Richard Tucker, dos glorias de la escena americana de aquel momento, dirigidos por Thomas Schippers.

Esta es la primera versión de la Price en el rol de Donna Leonora, uno de los grandes papeles de su carrera y que la acompañaría hasta su retiro de la escena en la temporada 1984-85. Grabada antes de cumplir los cuarenta, se la puede oír en inmejorable estado vocal y confirmando además sus credenciales verdianas: estupendo sentido del legato y el canto spianato, amplia gama de dinámicas (incluidos los pianissimi) y adornado además por un timbre voluptuoso como pocos. Trece años mas tarde la soprano llevó el papel nuevamente al estudio de grabación bajo la batuta de James Levine pero los resultados son mucho mas modestos que en este primer y juvenil acercamiento.

Richard Tucker graba aquí su segunda versión de Don Alvaro (la primera fue con la Callas en 1954), y si bien se lo oye siempre al borde del canto lacrimógeno, es innegable el empuje y la lozanía de su instrumento teniendo en cuenta que ya bordeaba los 52 años. A su lado se puede oír el estupendo Don Carlo de Robert Merrill, un rol al que servía con bellisimo timbre y sentido del legato. Completan el elenco un noble Padre Guardián en la voz de Giorgio Tozzi, una juvenil y pujante Preziosilla a cargo de Shirley Verrett y un aburrido Melitone a cargo de Ezio Flagello. Schippers dirige correctamente pero sin el dramatismo mas urgente de otras batutas mas experimentadas en el repetorio verdiano.

La remasterización agrega mas profundidad y mayor rango dinámico al sonido, en comparación al trabajo realizado por Anthony Salvatore y David Frost en 1988.

La grabación se realizó en los estudios de la RCA Italiana en Roma durante los meses de Julio y Agosto de 1964.


Leontyne Price (Donna Leonora)
Richard Tucker (Don Alvaro)
Robert Merrill (Don Carlo di Vargas)
Shirley Verrett (Preziosilla)
Giorgio Tozzi (Padre Guardiano)
Ezio Flagello (Fra Melitone)
Giovanni Foiaini (Il Marchese di Calatrava)
Corinna Vozza (Curra)
Ron Betcher (Un Alcalde)
Piero di Palma (Maestro Trabuco)
Mario Rinaudo (Un Chirurgo)

RCA Italiana Orchestra & Chorus
Thomas Schippers (Conductor)


RCA
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