Bizet - Carmen (Bumbry - Vickers - Freni - Paskalis) Frühbeck de Burgos [iTunes Plus AAC M4A]

En el abultado catalogo discográfico de "Carmen" esta versión a cargo de Rafael Frühbeck de Burgos ocupa un lugar especial pues fue la primera grabación estereofónica en dejar de lado los recitativos de Guiraud y optar por los diálogos hablados originales ideados por Bizet. En 1950 Cluytens lo había hecho ya en su famosa grabación monofonica.

La Bumbry era considerada entonces la mejor exponente del rol de la gitana, cuatro años antes de esta grabación había asumido el personaje en la famosa producción dirigida por Karajan en el Festival de Salzburgo y que dio como resultado un film igualmente famoso. La mezzo tiene todas las herramientas para entregar una gran Carmen, la voz era hermosa, redonda y extendida a los extremos del registro además tenía un físico atractivo que calzaba a la perfección al personaje. Sin embargo la paleta emocional y la profundidad interpretativa es bastante limitada dando como resultado una gitana algo opaca y sin la intensidad de otras grandes. Vickers logra una de sus grandes creaciones en el personaje de Don José, dando profundidad extra a sus facetas maníacas y violentas que hacen mas comprensible y coherente el desenlace final. La Freni entrega una Micaëla de hermosa y redonda voz mientras que Kostas Paskalis un Escamillo sin el estilo de otros grandes pero perfectamente creíble en su faceta de macho. Un lujo extra es la Mercédès de Viorica Cortez.

Los diálogos hablados fueron grabados por un grupo de actores franceses que poco o nada tienen que ver con su contraparte cantada, si perdonamos ese defecto evidente podemos disfrutar de una muy buena versión.

Frühbeck de Burgos dirige con el ímpetu y variedad esperable dado su origen español. La grabación se realizó en la Salle Wagram de París entre julio-septiembre de 1969 y enero-febrero de 1970. Fue publicada por el sello Emi y actualmente se encuentra en el catalogo de Warner Classics. La edición es una remasterización del año 2003. La caratula elegida pertenece a la edicion al LP.


Grace Bumbry (Carmen)
Jon Vickers (Don José)
Mirella Freni (Micaëla)
Kostas Paskalis (Escamillo)
Eliane Lublin (Frasquita)
Viorica Cortez (Mercédès)
Michel Trempont (Le Dancaïre)
Albert Voli (Le Remendado)
Claude Meloni (Moralès)
Bernard Gontcharenko (Zuniga)

Les Petits Chanteurs à la Croix de Bois
Choeurs et Orchestre du Theatre National de l'Opéra de Paris
Rafael Frühbeck de Burgos (Conductor)

Emi/Warner Classics

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Berlioz : Les Troyens (Vickers - Veasey - Lindholm - Glossop - Soyer) Davis [FLAC]

Preparaba este post hoy cuando me enteré recién, con el anuncio de la LSO, del fallecimiento de Sir Colin Davis, grandisimo director. Espero que este post sirva también como un merecido y sencillo homenaje.

Berlioz concibió a "Les Troyens" como su trabajo mas ambicioso y ciertamente el mas largo de toda su creación. Para ello echó mano a todas las posibilidades musicales de su pluma e ideó una ópera en el mas puro estilo de la Grand Opéra, con 5 actos y una escena de ballet. Se encargó él mismo de la escritura del libreto basándose en la "Eneida" de Virgilio en un proceso creativo que se extendió entre 1856 y 1858. Sin embargo, una vez finalizada la creación, su estreno se convirtió en una tarea imposible para el compositor. La Opéra de Paris se negó a escenificarla argumentando que la envergadura de la obra la hacía muy cara de producir, además los recuerdos del fracaso de "Benvenuto Cellini" aún estaban frescos. Recién en 1863 el Théâtre-Lyrique aceptó producirla, en una versión abreviada de sus últimos tres actos, suprimiendo por completo la caída de Troya y el personaje central de Cassandra. El estreno de esta versión abreviada ocurrió el 4 de noviembre de 1863.

Los últimos días del compositor estuvieron rodeados por la amargura que le produjo el ver toda su obra musical relegada a segundo plano en Francia, sumado al fallecimiento de su mujer y al alejamiento de Amelie, una mujer 35 años menor con quien desarrolló una corta relación y cuyo fallecimiento sólo descubrió cuando visitaba el Cementerio de Montmarte y vió su tumba. El fallecimiento de su hijo Louis sería el golpe de gracia en el estado de ánimo y la salud del compositor. Berlioz fallecería finalmente el 8 de marzo de 1869. "Les Troyens" nunca fué escenificada en su forma original mientras Berlioz vivía y el compositor llegó a decir "Oh mi noble Cassandra, mi virgen heroica, debo resignarme a no escucharte jamás".

La primera escenificación completa de la ópera ocurrió en 1890 en Karlsruhe, separada eso si en dos noches consecutivas, traicionando una vez mas la concepción original. En Francia, siguiendo el mismo modelo, la ópera siguió presente en las temporadas y sólo recién en 1921 se escenificaría de manera integra, en 1929 se produjo un revival encabezado por la mítica Germaine Lubin. La obra volvería a la Opéra de Paris recién en 1961 en una producción dirigida por Pierre Dervaux y con Regine Crespin como Didon. En años posteriores la soprano francesa haría historia al abordar los dos roles principales en una misma noche.

En Londres la ópera se presentó por primera vez en una versión de concierto para la BBC en 1947 dirigida por Sir Thomas Beecham. Recién en 1957 la ópera se estrena en el Covent Garden, en inglés y bajo la dirección de Rafael Kubelik. En La Scala de Milán aparecería en 1960, en italiano y con las voces de Mario del Monaco como Eneas, Giulietta Simionato como Didon y Fiorenza Cossotto como Cassandra, nuevamente dirigidos por Kubelik. En Estados Unidos la ópera se presentó por primera vez en Boston en 1955. La Ópera de San Francisco la presentó en 1966 en una versión llena de cortes encabezada por la Crespin y Vickers. La primera producción completa se llevó a cabo en Boston en 1972, dirigida por Sarah Caldwell y con Crespin como Didon. Al Metropolitan de New York llegó recién en 1973, con Shirley Verrett como Cassandra y Didon (por enfermedad de Christa Ludwig) y Jon Vickers como Eneas.

Para las conmemoraciones del centenario de la muerte de Berlioz se preparó una edición critica de la partitura a cargo de Hugh Macdonald, publicada por Bärenreiter en 1969 y que incluía todo el material escrito por el compositor y sin los cortes a los que se sometió la obra desde su estreno en 1863. Esta edición critica sería usada para la escenificación en el Covent Garden de Londres dirigida por Sir Colin Davis el 17 de Septiembre de 1969 que marcó la primera vez en que la obra se vió en toda su real magnitud de mas de 4 horas de extensión. Desde entonces se opta por usar esta versión y aun así se somete la obra a cortes arbitrarios en las secciones del ballet.

Como contraparte a las funciones del centenario, Colin Davis llevó la obra al estudio convirtiéndose en el primero en grabar la ópera de manera íntegra. La grabación se llevó a cabo durante octubre de 1969 en Londres. Está encabezada por el Eneas de Jon Vickers, quizás con alguna dureza de emisión pero triunfador absoluto en la paleta de emociones expuestas en su canto. Josephine Veasey supera la prueba gracias a la belleza de tono, con algunas falencias en la dicción mientras que Berit Lindholm cumple con la extenuante intensidad de Cassandra con una dicción problemática, por decir lo menos. La dirección de Davis se mantiene en pie gracias a la belleza de sonido y el balance justo que sabe sacar de la orquesta del Covent Garden, mas que la atención a los detalles o la tensión que podría alcanzar niveles superiores con una partitura tan soberbia como la de Berlioz.

Jon Vickers (Enée)
Josephine Veasey (Didon)
Berit Lindholm (Cassandre)
Peter Glossop (Chorèbe)
Heather Begg (Anna)
Roger Soyer (Narbal/L'ombre d'Hector)
Anthony Reffell (Panthée)
Anne Howells (Ascagne)
Ian Patridge (Poète Tyrien)
Pierre Thau (Priamus/Soldat Troyen/Mercure)
Elizabeth Bainbridge (Hécube/Spectre de Cassandre)
Ryland Davies (Hylas)
Raimund Herincx (Premier Sentinelle/Spectre de Priamus)
Dennis Wicks (Deuxième Sentinelle/Spectre d'Hector/Chef Grec)
David Lennox (Hélénus)

Wandsworth School Boy's Choir
Orchestra and Chorus from The Royal Opera House, Covent Garden
Sir Colin Davis (Conductor)

Philips

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Verdi : Messa da Requiem (Caballé - Cossotto - Vickers - Raimondi) Barbirolli [FLAC]

Esta versión de la Misa de Requiem de Verdi tiene como principal atractivo un cuarteto de cantantes en la cúspide de sus posibilidades vocales y un director de tremenda trayectoria en el repertorio sinfónico y de concierto.

Sir John Barbirolli (captado acá en los últimos meses de vida) opta por tempos lentos y calmados, quizá en una visión personal de lo que es su propia misa de requiem. No se oyen las tremendas explosiones dramáticas del Dies Irae o Tuba mirum por las que optaría Toscanini, De Sabata o Solti, aun así la calma y el aplomo presente en toda la versión no se oyen nunca faltos del nervio y la conducción necesarias para no caer en el aburrimiento.

En el cuarteto principal la triunfadora absoluta es ciertamente Montserrat Caballé que tiene en este "rol" verdiano un vehículo de lucimiento que le calza como un guante. Para 1969 la voz estaba aun fresca y  lo suficientemente bajo control como para ofrecer tanto fortes y fortissimos de gran control y expansión como sus famosos pianissimos, administrados acá con gusto y acierto musical. Su versión del "Libera me" es sin duda la mejor cantada y la mejor matizada, hace maravillas en la sección media, cantada en alientos interminables y con un sentido del legato de primer orden. En suma la mas emocionante de las grabadas en disco.

La española logra ponerse a la cabeza de la larga lista de sopranos que se han medido con esta obra. Quizá la competencia mas cercana sea Leontyne Price, pero supera por largo trecho a la amanerada Schwarzkopf y a la insuficiencia de Joan Sutherland o Renata Scotto.

La voz firme, cavernosa y directa de Fiorenza Cossotto sirve de contraste ideal al timbre etéreo de la Caballé. Tiene momentos de gran impacto en "Liber Scriptus" y en el "Recordare", donde la amalgama obtenida con la Caballé es simplemente espectacular.

Jon Vickers tiende a sobre enfatizar algunas frases muy "a la italiana", sin embargo la paleta de colores y dinámicas del tenor canadiense es tan variada que este defecto pasa a segundo plano. Raimondi canta con el aplomo de siempre, sin el impacto vocal y sonoro esperable.

La grabación original editada en LP doble en 1970 tuvo la mala suerte de aparecer tan solo unos años después de la famosísima lectura de Giulini, también en Emi y unos años antes de la también celebre versión de Solti en Decca. Así las cosas era obvio que Emi prefiriera la versión de Giulini (a pesar de lo inapropiado del cuarteto, salvo Ghiaurov) para competir con Decca y mas tarde las versiones de Karajan en DG. El paso al formato digital no sirvió de mucho para revalorizar esta versión que sólo obtuvo una edición en CD en un disco doble en 1990 junto al Requiem de Mozart dirigido por Barenboim.

Esta toma proviene de la edición de 1990 que no tiene ningún trabajo de remasterización de por medio. Una lástima.

Montserrat Caballé
Fiorenza Cossotto
Jon Vickers
Ruggero Raimondi
New Philharmonia Chorus (Wilhelm Pitz, director)
New Philharmonia Orchestra
Sir John Barbirolli (Conductor)

EMI

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Saint-Saëns - Samson et Dalila (Vickers - Gorr - Blanc) Prêtre [1963/2001, Flac]

La carrera discografica de Vickers parece haber estado planeada con todo detalle pues es una seguidilla de éxitos que con el tiempo se convirtieron en clásicos y referentes en el repertorio. Tal es el caso de esta versión de "Samson et Dalila" producida por Pathé-Marconi, la filial francesa de Emi, pues en primera instancia fue pensada como un producto de consumo local. Frente al éxito alcanzado, la producción salio fuera de las fronteras francófonas al mercado internacional para convertirse en la versión de referencia de la era del LP.

Vickers aun no debutaba el rol de Samson cuando se realizó esta grabación pero desde su primera función en Buenos Aires en 1963, se convirtió en uno de sus personajes mas solicitados, presentándolo en puntos tan alejados como Chicago, Ginebra, Tel Aviv, New York, Tokyo y Londres. Samson lo acompañó casi hasta el final de su carrera y fue precisamente en sus ropas que se despidió del publico del Metropolitan en abril de 1987.

La grabación lo presenta en su mejor momento vocal y como siempre con una cuidada caracterización del personaje. En décadas posteriores pudo profundizar más en él pero a costa de una voz que se fue volviendo cada vez mas dura en la emisión y difícil en el agudo.

La presencia de Rita Gorr termina de confirmar a esta grabación como un referente discográfico hasta el dia de hoy. Gorr poseía una voz opulenta y de un color muy personal y hermoso. Manejaba el estilo a la perfección y es capaz de crear un personaje tan seductor como imponente, se mueve por este amplio espectro emocional y vocal con tal intensidad que hace palidecer al resto de las colegas que han grabado el rol.  El elenco se completa con la carta segura de Ernest Blanc, de hermosa voz y gran presencia y la mediocridad de Anton Diakov como Abimelech que de todas maneras no logra empañar el resultado final.

La grabación se realizó en la Sale Wagram de París del 25 al 28 de Septiembre y del 1 al 10 de Octubre de 1962. La edición pertenece a la remasterización del año 2001 aparecida en la serie "Great Recordings of the Century".


Jon Vickers (Samson)
Rita Gorr (Dalila)
Ernest Blanc (Le Grand Prêtre de Dagon)
Anton Diakov (Abimelech & Un vieillard hébreu)
Rémy Corazza (Un messager)
Jacques Poitier (Premier Philistin)
Jean-Pierre Hurteau (Deuxième Philistin)

Cheours René Duclos
Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris
Georges Prêtre (Conductor)

Emi
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FLAC

Verdi - Aida (Price - Vickers - Gorr - Merrill - Tozzi) Solti [1962/1987, Flac]

Otro gran clásico de la discografía es esta versión de "Aida" dirigida por Georg Solti. La producción estuvo rodeada de polémicas tanto en el proceso de grabación como en su impacto en la critica de la época y apareció primero en la serie "Living Stereo" de la RCA para ser transferida posteriormente a Decca.

Si siguiéramos el orden cronológico de las grabaciones de Vickers hay que colocar esta "Aida" inmediatamente después de su recital de arias italianas. Ambas grabaciones se realizaron en Roma durante el verano boreal de 1961.

A pesar de su fama, esta grabación es bastante problemática en varios aspectos. Primero que todo el elenco de cantantes principales es muy heterogéneo y muy alejado del canto italiano. La Price dominó el rol de la esclava por décadas gracias a la plasticidad de su instrumento que le ofrecía una gran gama de contrastes a la hora de matizar. La linea de canto es estupenda, la voz hermosa y los agudos surgen fáciles hasta el extremo del Do. Vickers sigue sonando ajeno a la vocalidad italiana a pesar de las excelencias de fraseo, matices e intensidad dramática con la que enfrenta a Radamès. La mezzo belga Rita Gorr tenía uno de los instrumentos mas gloriosos de su época pero no tenía nada de mezzo verdiana. Los graves surgen apagados al no estar colocados en el pecho, el centro algo gutural y el agudo muchas veces estridente. Por otro lado compone una Amneris imponente y de gran intensidad. Por su parte Merrill crea un Amonasro de lujo y Tozzi un sonoro Ramfis.

Solti le añade mas polémica a la grabación con marejadas de sonido y un estilo rimbombante bastante marcado. La sección de los metales se oye con una relevancia poco acostumbrada en esta ópera y el control férreo que impone el director a sus músicos termina por traicionarlo en la escena triunfal en donde en vez de oírse un trabajo colectivo termina escuchándose una batalla campal por quien suena mas fuerte.

Las sesiones de grabación organizadas en Roma durante los meses de junio y julio de 1961 vieron además el nacimiento de la enemistad entre Jon Vickers y Georg Solti. La relación entre ambos había calentado motores con un intercambio de correspondencia para planificar el debut de Solti como director principal en el Covent Garden. Los cambios en el repertorio al parecer no gustaron a Vickers (quería cantar a Florestán con Nilsson y terminó siendo Siegmund) y el trato entre ambos en las sesiones de grabación de esta "Aida" no ayudó en nada. A fines de septiembre de 1961 comenzaron los ensayos de "Die Walküre" y en una oportunidad Solti terminó pidiéndole a Vickers que cantara la melodía del "Winterstürme" sin letra para asegurar la melodía. Vickers estalló en furia y nunca mas volvió a trabajar con Solti, calificando su manera de trabajar como "fascismo puro". La enemistad entre ambos privó al Covent Garden de varias oportunidades de lucimiento para ambos. El desquite de Vickers se dio en el escenario del Metropolitan de New York de donde Solti terminó por salir en 1963 para nunca mas volver, segun muchos debido a la amistad entre Vickers y Rudolf Bing, General Manager del teatro.

La grabación ganó el Grammy en 1962, convirtiéndose en el primero de un total de treinta y dos en la carrera discográfica de Solti.


Leontyne Price (Aida)
Jon Vickers (Radames)
Rita Gorr (Amneris)
Robert Merrill (Amonasro)
Giorgio Tozzi (Ramfis)
Plinio Clabassi (il Re)
Franco Ricciardi (Un messagero)
Mietta Sighele (Sacerdotessa)

Orchestra e Coro del Teatro dell'Opera di Roma
Sir Georg Solti (Conductor)

RCA/Decca
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Beethoven - Fidelio (Ludwig - Vickers - Frick - Berry - Hallstein) Klemperer [FLAC]

Mas de cincuenta años han pasado desde la publicación de esta grabación de "Fidelio" y aun se la puede considerar como una referencia discografica absoluta y realmente hay poco que agregar a todos los elogios recibidos por esta grabación editada en 1962.

Vickers construye en Florestán uno de sus grandes personajes, quizás el mas significativo de toda su carrera. La concentración e intensidad dramática sacan a flote todas las aristas de su personaje sin caer en rebuscamientos, los tempos de Klemperer le permiten desarrollar a gran escala y en toda su amplitud tanto las emociones como la vocalidad del personaje. La Ludwig crea una emocionante Leonora y logra pasar la prueba de fuego en terrenos sopraniles gracias a la juventud y la técnica con la que sostenía su instrumento. Frick eleva a su personaje de Rocco por encima de la bobería con que otros colegas insisten en presentarlo y le entrega a cambio dignidad y peso dramático. Por su parte Walter Berry compone un sonoro y malévolo Don Pizarro.

La verdadera estrella de la grabación es Otto Klemperer. El director alemán tenía una amplia y algo controversial experiencia con la ópera que se remontaba a 1912 cuando dirigió su primera producción en Hamburgo en una época en que aún era discípulo de Felix Weingartner. A partir de entonces se convirtió en su carta de presentación en su debut en Strasbourg (1915), Köln (1917), Wiesbaden (1924), Berlín (1927) y Budapest (1948). En estas dos últimas se hizo cargo también de la puesta en escena pues su deseo era que el movimiento y la actuación no fuesen obstáculos para el discurso musical que según Klemperer era lo mas importante. En 1956 fue invitado a dirigir la ópera en el Covent Garden pero no le gustó el diseño de la producción y el teatro fue incapaz de proporcionarle los recursos necesarios para una nueva escenificación. Esto fue posible recién en 1961.

La experiencia es la base sobre la que construye la dirección musical de esta grabación y, como si se tratase de un trabajo de artesanía, se toma el tiempo para ir construyendo paso a paso una ópera que comienza como un modesto singspiel pero que acaba convirtiéndose en una obra sinfonico-coral de grandes proporciones. Klemperer logra construir este desarrollo como ningún otro.

La grabación se realizó en el Kingsway Hall de Londres en los meses de febrero y marzo de 1962. La edición pertenece a la remasterización producida por Emi en el año 2000 para su serie "Great Recordings of the Century".


Christa Ludwig (Leonore)
Jon Vickers (Florestan)
Gottlob Frick (Rocco)
Walter Berry (Don Pizarro)
Ingeborg Hallstein (Marzelline)
Gerhard Unger (Jaquino)
Franz Crass (Don Fernando)
Kurt Wehofschitz (Erster Gefangener)
Raymond Wolansky (Zweiter Gefangener)

Philharmonia Chorus
Whilhelm Pitz (Chorus Master)
Philharmonia Orchestra
Otto Klemperer (Conductor)

EMI

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Jon Vickers - Italian Arias [1964/2017, Flac]

Luego de sus prometedoras apariciones en el "Mesias" dirigido por Beecham y "Otello" dirigido por Serafin, Jon Vickers logró registrar su primer recital de arias de ópera en el verano de 1961.

La publicación de este recital lo llenó de elogios y se lo llegó a comparar con Enrico Caruso en varias publicaciones especializadas. Mirado a la distancia podemos decir que los elogios están bastante bien fundamentados. Si bien la dicción y emisión de la voz sigue sonando ajena al estilo italiano, el tenor logra maravillas con los matices de dinámica, obedeciendo siempre al valor del texto mas que al despliegue de la vocalidad. Los nueve personajes representados a lo largo del recital aparecen muy bien delineados dramáticamente y hay anticipos de futuros éxitos ofrecidos ya con inusitada intensidad.

A pesar del éxito, Vickers no volvió a repetir la empresa y nunca más grabó un recital de arias. 

Tracklist:

1. La Gioconda: Cielo e Mar (Ponchielli)
2. Marta: M'appari (Flotow)
3. Don Carlo: Io l'ho perduta! (Verdi)
4. L'Arlesiana: È la solita storia (Cilea)
5. Pagliacci: Vesti la giubba (Leoncavallo)
6. Pagliacci: No! Pagliaccio non son! (Leoncavallo)
7. Andrea Chénier: Un dì all'azzurro spazio (Giordano)
8. Andrea Chénier: Come un bel dì di maggio (Giordano)
9. Tosca: Recondita armonia (Puccini)
10. Il Trovatore: Ah! si ben mio (Verdi)
11. Otello: Dio! mi potevi scagliar(Verdi)
12. Otello: Niun mi tema (Verdi)

Orchestra dell'Opera de Roma
Tullio Serafin (Conductor)

RCA
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Verdi - Otello (Vickers - Rysanek - Gobbi) Serafin [FLAC]

Otello fue una de las mas grandes creaciones de Jon Vickers, el personaje del moro lo acompañó casi desde el principio de su carrera y se mantuvo en su repertorio hasta bien entrado en la cincuentena. El desarrollo del personaje fue madurando con el correr de los años y llegó a ser uno de los retratos mas amenazantes de los que se tienen memoria. Afortunadamente se conserva tanto en audio como en video.

En esta versión grabada en 1960 la voz luce firme, oscura y poderosa. El extremo agudo no parece darle problemas y si bien logra presentar un canto convincente y atractivo, tanto la dicción como la emisión tienen muy poco que ver con el canto italiano. A pesar de esto es innegable el talento dramático con el que el tenor da vida al moro. A estas alturas se lo oye mas introspectivo y menos volcánico, si bien la profundidad y variedad de expresión es notable. En este sentido se emparenta bastante con la visión que Ramón Vinay tenía del personaje y se aleja de la brutalidad explosiva de Mario del Monaco.

El resto del elenco lo completan Leonie Rysanek, por aquel entonces en el comienzo de su carrera internacional. La soprano tiene poca idea del estilo italiano y se dedica a empañar su canto con amaneramientos propios del enfoque alemán. El personaje luce algo deslucido y no tiene nada que hacer en la comparación con la Tebaldi, referente discográfico absoluto. Por su parte Tito Gobbi crea una fantástica contraparte expresiva con su personaje de Iago, del que fue uno de sus mas grandes interpretes.

La grabación se realizó durante los meses de julio y agosto de 1960 en la Opera de Roma. Fue producida por Richard Mohy y la ingeniera de sonido estuvo a cargo de Lewis Layton.


Jon Vickers (Otello)
Leonie Rysanek (Desdemona)
Tito Gobbi (Iago)
Florindo Andreolli (Cassio)
Myriam Pirazzini (Emilia)
Mario Carlin (oderigo)
Ferruccio Mazzoli (Lodovico)
Franco Calabrese (Montano)
Robert Kerns (A Herald)

Orchestra e Coro dell'Opera de Roma
Tullio Serafin (Conductor)

RCA
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Handel - Messiah (Vyvyan - Vickers - Sinclair - Tozzi) Beecham [FLAC]

Jon Vickers falleció el pasado 10 de Julio de 2015 en Ontario después de una larga batalla contra el alzheimer que lo llevó a quedar recluido en una casa de reposo en los últimos años de su vida. Me parece justo y apropiado dedicar un par de post en el blog para revisar su ilustre carrera discográfica.

Vickers desarrolló una de las carreras tenoriles mas eclécticas de la post-guerra y fue un elemento revitalizaste muy bienvenido en la cuerda de tenor, poblada de gargantas privilegiadas pero no de grandes actores. Fue dueño de una gran y magnética presencia escénica y prefirió anteponer siempre el factor teatral de sus personajes por sobre la vocalidad, ganándose con ello numerosas criticas adversas. El factor vocal no le presentó mayores problemas en un comienzo, si bien su dicción italiana o francesa lo alejaban bastante del ideal estilístico, en el repertorio alemán e inglés se lo podía oír en su elemento. A pesar de las consideraciones vocales era innegable la fuerza, intensidad y proyección dramática que lograba en terrenos tan disimiles como Otello, Sansón, Florestán, Peter Grimes, Don José, Tristán, Siegmund o Canio.

Jonathan Stewart Vickers nació el 29 de octubre de 1926 en Prince Albert, en la provincia de Saskatchewan, Canadá. Era el sexto de ocho hermanos de una familia musical pero no de muchos recursos. Luego de terminado el colegio quiso estudiar medicina pero no encontró una plaza en la Universidad. Se dedicó entonces a varios oficios, desde trabajar en una granja hasta vendedor de herramientas. A los 23 años tomó parte en una producción local de "Naughty Marietta" y recibió varios elogios que lo llevaron a decidirse por el canto. En 1950 comenzó sus estudios en el Royal Conservatory de Toronto guiado por George Lambert. Su debut se produjo en 1954 como el Duque de Mantua en "Rigoletto". Hasta 1956 fue integrante de la Canadian Opera Company y ese año se presentó en Strattford como Don José en "Carmen" y el Coro Masculino en "The Rape of Lucretia" de Britten.

La carrera internacional de Vickers despegó en el Covent Garden, donde llegó gracias a la recomendación de Regina Resnik. Debutó ahí el 6 de Junio de 1957 como Eneas en "Les Troyens". Fue una de las grandes figuras de la compañía y se mantuvo activo en ella hasta 1985. En el escenario londinense cantó prácticamente todo su repertorio que incluía, ademas de su célebre Eneas, a Don José en "Carmen", Riccardo en "Un Ballo in Maschera", Don Carlos, Siegmund en "Die Walküre", Sanson, Radamès en "Aida", Jason en "Medea", Canio en "Pagliacci", Parsifal, Florestán en "Fidelio", Peter Grimes, Otello, Laca en "Jenufa" y Tristán.

Vickers debutó en Bayreuth en 1958 como Siegmund en "Die Walküre" y regresó en 1964 como el protagonista de "Parsifal". Llegó al Festival de Salzburgo en Julio de 1966 de la mano de Karajan en una producción de "Carmen" junto a Grace Bumbry, Mirella Freni y Justino Diaz. Al año siguiente repitió el mismo título con idéntico reparto. Entre 1970 y 1972, encabezó la producción de "Otello" dirigida por Karajan que incluía a Peter Glossop y Mirella Freni.

Llegó a la Scala en diciembre de 1960 como Florestán en "Fidelio" junto a la Nilsson, Franz Crass, Gottlob Frick y Wilma Lipp, dirigidos por Karajan. En diciembre de 1961 se presentó en "Medea" con la Callas, en funciones esparcidas hasta junio de 1962. Regresó en diciembre de 1968 como Siegmund en "Die Walküre" junto a Amy Shuard y Martti Talvela. En marzo de 1970 cantó a Canio en "Pagliacci" junto a la Kabaivanska y Peter Glossop. Se presentó por última vez en marzo de 1976 en una producción de "Peter Grimes" junto a Heather Harper y Geraint Evans dirigidos por Colin Davis.

Su debut americano se produjo en 1959 en la ópera de San Francisco como Radamès en "Aida" junto a Leontyne Price. El mismo año agregó Don José y Canio. En 1960 se presentó nuevamente en "Carmen" y "Aida". En 1963 apareció como Siegmund y un año después agregó Florestán junto a la Nilsson, además de Sergei en "Katerina Ismailova" de Shostakovich. En 1966 regresó para un "Don Carlo" pero la atracción principal de esta temporada fueron las funciones de "Les Troyens" que compartió con Regine Crespin, quien cantaba a Cassandra y Dido en la misma noche.

Vickers debutó en el Metropolitan de New York el 17 de enero de 1960 como Canio en "Pagliacci". Se mantuvo activo en la compañía hasta abril de 1987 cuando se produjo su despedida en una función de "Samson et Dalila" junto a Marilyn Horne y Louis Quilico. Alcanzó un total de 290 funciones en 27 años de carrera. El Met lo empleó principalmente en el repertorio alemán, con las célebres excepciones de Otello y Canio.

La grabación que elegí para comenzar este especial dedicado a su figura es una versión del "Mesias" de Handel bastante curiosa. Se produjo en 1959, durante la conmemoración del bicentenario de la muerte del compositor y tiene la peculiaridad de presentar el arreglo orquestal comisionado a Sir Eugene Goossens con la idea de "modernizar" la obra para la ocasión. Goossens agranda la escala de la obra aumentando el coro y la orquesta a escala romántica, agregando bronces, platillos, timbales y demás. Beecham sostenía que la obra había perdido impacto con el paso del tiempo y necesitaba esta reorquestación para poder ser apreciada en las grandes salas modernas. La obra se presentó en publico por única vez en el Festival de Lucerna en septiembre de 1959. Luego de la grabación, la partitura se mantuvo en la colección privada de Beecham, de la que salió recién en septiembre de 1999 para ser interpretada en los Proms de la BBC.

La grabación capta bastante bien la escala monumental de este arreglo pero debe ser disfrutada teniendo en cuenta el contexto histórico en el que se produjo. Los tempos de Beecham son bastante lentos la mayoría de las veces y otras tanta recurre a los accelerandos, al mejor estilo romántico. Los solistas cantan con gran concentración expresiva y a la usanza operática de la época. El efecto total es bastante impresionante.


Jennifer Vyvyan (Soprano)
Jon Vickers (Tenor)
Monica Sinclair (Alto)
Giorgio Tozzi (Bajo)

The Royal Philharmonic Orchestra
Sir Thomas Beecham (Conductor)

Rca
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Lehár - Die Lustige Witwe (Harwood - Kollo - Stratas - Hollweg) Karajan [FLAC]

A diferencia de otros proyectos operáticos registrados por Herbert von Karajan, esta versión de "La Viuda Alegre" fue una empresa pensada netamente para el disco. Las sesiones de grabación se esparcieron durante todo el año de 1972 y se optó por usar la Jesus Christ Kirche de Berlin. Siendo esta una de las últimas grabaciones que el director realizó en la Iglesia pues en proyectos posteriores se prefirió utilizar la Philharmonie.

El equipo de cantantes esa encabezado por Elizabeth Harwood, por aquél entonces una favorita de Karajan. La soprano está captada en sus años de gloria vocal y sabe entregar además las cuotas de intimismo y seducción de su personaje. A pesar de los aspectos positivos hay que recalcar que se queda corta frente a la Schwarzkopf, referente discografico absoluto del personaje de Hanna. René Kollo gozaba aun de buen estado vocal y logra perfilar un Danilo ardiente y musical. La Stratas y Hollweg componen una estupenda pareja de enamorados, si bien los puristas deberán perdonar los deslices idiomaticos de la soprano que incluso debe ser sustituida por una actriz, Helga Trümper, en los diálogos hablados.

La verdadera atracción de esta versión es la batuta de Karajan que opta por un enfoque sinfonico a la maravillosa orquestación de Lehár, muchas veces pasada por alto en otras batutas que privilegian otros aspectos. Comparado con el referente de Lovro von Matacic en Emi, Karajan se queda corto frente a la teatralidad chispeante de su colega pero entrega a cambio una lectura pulida, de hermosa sonoridad y captada estupendamente por la ingeniería de Deutsche Grammophon.

La grabación se realizó en la Jesus Christus Kirche de Berlín durante los meses de febrero, noviembre y diciembre de 1972.


Elizabeth Harwood (Hanna Glawari)
René Kollo (Graf Danilo Danilowitsch)
Zoltán Kelemen (Baron Mirko Zeta)
Teresa Stratas (Valencienne)
Werner Hollweg (Camille de Rosillon)
Donald Grobe (Vicomte Cascada)
Werner Krenn (Raoul de St. Brioche)
Karl Renar (Njegus)

Chor der Deutschen Oper Berlin
Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Hilde Gueden - My Secret Heart [1952-57/2014, Flac]

Hilde Gueden es la cantante mas favorecida en la serie Most Wanted Recitals pues de los 50 discos publicados, se pueden contar cuatro volúmenes dedicados a la soprano. En el caso de éste en particular (el número 20 de la colección) la cantante se aleja bastante de su repertorio tradicional y se adentra con suma gracia dentro del repertorio de Ivor Novello y Noël Coward.

La carrera de la Gueden comenzó en la operetta en 1937. Dos años mas tarde debutó en la opera con Cherubino de Mozart. En 1941 se estableció en la Opera Estatal de Baviera pero al poco tiempo debió huir de ésta cuando se descubrió su ascendencia judía. Se instaló en Italia y, gracias al apoyo de Tullio Serafin, se presentó con éxito en la Opera de Roma y el Maggio Musicale Fiorentino. Terminada la guerra pudo reintegrarse a la Opera Estatal de Baviera y al mismo tiempo comenzó una larga y fructífera relación con el Festival de Salzburgo y la Opera Estatal de Viena, en donde permaneció hasta principios de la década del '70. Otros escenarios que la vieron brillar fueron La Scala de Milan, Covent Garden, la Opéra de Paris, el Festival de Glyndebourne y el Metropolitan de New York.

Gueden fue una de las cantantes mas activas entre la plantilla de estrellas de la Decca durante la década del '50, sin embargo esta popularidad fue extinguiéndose con el paso de los años y debido a eso ni "My Secret Heart" ni "This is My Vienna" recibieron ediciones al formato cd.

Lo mas interesantes y disfrutable de este disco se puede escuchar en "My Secret Heart" donde Gueden se luce con una estupenda linea de canto y derrocha encanto en cada una de las piezas.


Tracklist:

Hilde Gueden - My Secret Heart: The Music of Ivor Novello and Noël Coward (Decca LK 4196) CD Premiere

1. Novello: Music In May (Careless Rapture)
2. Coward: I'll Follow My Secret Heartoward (Conversation Piece)
3. Coward: Zigeuner (Bitter Sweet)
4. Novello: Leap Year Waltz (The Dancing Years)
5. Novello: Some Day My Heart Will Awake (King's Rhapsody)
6. Novello: I Can Give You The Starlight (The Dancing Years)
7. Novello: Waltz Of My Heart (The Dancing Years)
8. Coward: I'll See You Again (Bitter Sweet)
9. Novello: A Violin Began To Play (King's Rhapsody)
10. Novello: We'll Gather Lilacs (Perchance To Dream)
11. Coward: Someday I'll Find You (Private Lives)
12. Novello: Glamorous Night (Glamorous Night)

Stanley Black Chorus
Stanley Black Ochestra
Stanley Black (Conductor)

Hilde Gueden - This is my Vienna (Decca LX 3108) CD Premiere

13. Traditional (Österreich - Wien); O Du Lieber Augustin
14. Fall; Brüderlein Fein
15. Traditional (Österreich - Wien); Die Banda Kommt
16. Traditional (Österreich - Wien); S'Mailufterl
17. Traditional (Österreich - Wien); Wenn's Die Geigen Heimlich Streicheln
18. Traditional (Österreich - Wien); Wiener Künstler
19. Traditional (Österreich - Wien); Das Ist Mein Wien
20. Traditional (Österreich - Wien); Kunst Und Natur
21. Traditional (Österreich - Wien); Ich Und Der Mond
22. Traditional (Österreich - Wien); Wien, Weib, Wein
23. Traditional (Österreich - Wien); S'Herz Von An Echten Weana
24. Traditional (Österreich - Wien); Vogerl, Flieg' In' D' Welt Hinaus
25. Traditional (Österreich - Wien); Wie Sich Der Wiener Den Himmel Vorstellt
26. Traditional (Österreich - Wien); Wiener-Wald
27. Traditional (Österreich - Wien); Herrgott, Wie Schön Bist Du Wien

Orchestra
Kurt Adler (Conductor)

Decca
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Joseph Rouleau - Sings French Opera [1973/2014, Flac]

El bajo canadiense Joseph Rouleau es conocido para el grueso del publico por su participación en la famosa grabación de "Semiramide" de Rossini con la Sutherland y Horne. Si bien ni su carrera discográfica ni su presencia en los escenarios americanos fue muy intensa, en lugares como el Covent Garden de Londres fue una figura constante por casi treinta años.

Rouleau nació en Matane, Quebec, el 28 de febrero de 1929. Se formó en el Conservatorio de Montreal y fue becado para realizar estudios de perfeccionamiento en Milan con Mario Basiola y Antonio Narducci. Su debut se produjo en 1955 como Colline en "La Bohème" en la New Orleans Opera. Al año siguiente apareció en la Opera de Montreal como Filippo II en "Don Carlo".

El 6 de junio de 1957 debutó en el Covent Garden de Londres como el Fantasma de Hector en "Les Troyens" dirigido por Rafael Kubelik. La relacion artistica con el teatro se extendería casi sin interrupciones hasta 1985. Su primer año con la compañía lo pasó mayormente en roles comprimarios. En 1958 pudo incluir Colline en "La Bohème" y Pimen en "Boris Godunov". Al año siguiente se le confió Banquo en "Macbeth", Don Basilo en "Il Barbiere di Siviglia" y Rodolfo en "La Sonnambula". Otros roles importantes en su carrera en el teatro fueron Fafner en "Siegfried" (1962), Padre Guardiano en "La forza del Destino" (1962), Fiesco en "Simon Boccanegra" (1965), Oroveso en "Norma" (1967), Commendatore en "Don Giovanni" (1969), Arkel en "Pelléas et Mélisande" (1974), Le Grand Inquisiteur en "Don Carlos" (1983) y finalmente Il Grande Inquisitore en "Don Carlo" (1985) en la tradicional versión italiana.

Estableció una buena relación de trabajo con el matrimonio Sutherland-Bonynge luego de su Rodolfo en "La Sonnambula" en el que compartió escenario con la australiana en 1960. Esta beneficiosa relación lo llevó también a presentarse en el Palais Garnier como Raimondo en "Lucia di Lammermoor" (1964), a formar parte del equipo de cantantes que participó en la famosa gira australiana de 1965 y finalmente a la estupenda grabación de "Semiramide" producida en 1966.

La carrera americana de Rouleau fue bastante escasa. En el Metropolitan de New York cantó solamente tres funciones. Debutó recién en 1984 como Il Grande Inquisitore al lado de Jerome Hines, la Caballé, Verrett y Renato Bruson. Al año siguiente apareció como Gremin en "Eugene Onegin" y finalmente como Ramfis en "Aida" en 1986. Esto no impidió que ciudades como Chicago, Boston, Filadelfia y San Francisco disfrutaran de su arte tanto en opera como en recital.

El disco que da titulo a este volumen de la serie fue grabado en 1973 y presenta a Rouleau en su mejor momento vocal. El repertorio elegido es netamente francés y esto nos da la oportunidad de oír las versiones originales para el aria de Philippe II en "Don Carlos" y la escena de Jean Procida en "Les Vêpres siciliennes". La linea de canto es estupenda, la voz compacta y timbrada. El origen francófono le permite a Rouleau una amplia gama de matices ausente en otros colegas y por otro lado la caracterización es cuidada y bien diferenciada, logrando perfilar los ocho personajes escogidos con gran proyección dramática.

El disco presenta además una selección de arias del repertorio ruso en la voz de Raphäel Arié, otro nombre casi olvidado en nuestros días. Arié nació el 22 de agosto en Sofía, Bulgaria. Debutó en esa misma ciudad en 1939 cantando la parte de bajo en el Mesías de Handel. Cantó en la Opera Nacional de Sofía y en 1946 ganó un concurso de canto en Ginebra. Se trasladó luego a Italia para continuar sus estudios y fue pupilo de Riccardo Stracciari, Apollo Granforte y Carlo Tagliabue.

Debutó en La Scala de Milan en 1946 como Le Roi de Trèfle en "L'amour des trois Oranges" de Prokofiev. El teatro milanés lo empleó tanto en composiciones contemporáneas como también en el repertorio tradicional, así podemos contar el "Principe Igor" de Borodin y "The Rake's Progress" de Stravinsky en 1951, "L'uragano" de Rocca y "Dèbora e Jaéle" de Pizzetti en 1952, "Eugene Onegin", "I Quatro Rusteghi" y "Tosca" en 1954. Regresó en 1965 para "Guglielmo Tell" de Rossini, "Clitennestra" de Pizzetti y "Aida" de Verdi. En 1967 apareció en "Faust" de Gounod y "Khovanshchina" de Mussorgsky. En 1968 estuvo presente en "Nabucco" de Verdi e "Israele in Egitto" de Handel. En 1970 apareció en una producción de "Rigoletto", al año siguiente en "Maria Stuarda" y finalmente en "Linda di Chamounix" en 1972.

En 1951 participó de la premiere mundial de "The Rake's Progress" en la Fenice de Venecia cantando el rol de Father Trulove. Durante la década del '50 y '60 cantó intensamente por toda Italia. Otros centros que lo invitaron fue el Festival de Salzburgo donde se presentó por primera vez en 1953 en una famosa producción de "Don Giovanni" en el rol de Il Commendatore compartiendo elenco con Cesare Siepi, Elisabeth Grümmer, Anton Dermota, Elisabeth Schwarzkopf, Otto Edelmann, Walter Berry y Erna Berger dirigidos por Wilhelm Furtwängler. En 1960 apareció como Il Grande Inquisitore en "Don Carlo" al lado de Boris Christoff, Sena Jurinac, Eugenio Fernandi, Ettore Bastianini, Regina Resnik dirigidos por Nello Santi. Volvió por última vez en 1977 para la opera "Il Sant'Alessio" de Stefano Landi. Apareció tambien en la Opera Estatal de Viena, el Palais Garnier y el Festival de Aix-en-Provence.

La discografía de Arié es escasa, se puede contar una aparición estelar como Raimondo en  "Lucia di Lammermoor" junto a la Callas, Di Stefano y Gobbi dirigidos por Tullio Serafin. También existe una toma de la RAI para "I Puritani" junto a la Moffo y Gianni Raimondi dirigidos por Mario Rossi.

El material presente en este disco está extraído de un recital de arias rusas grabado en París en 1953 y absolutamente inedito en el formato CD.



Tracklist:

Joseph Rouleau - Sings French Opera (London OS 26379) - CD Premiere

1. Elle ne m'aime pas! (from Don Carlos)
2. Palerme, o mon pays...O toi, Palerme (from Les Vêpres siciliennes)
3. Vous qui faîtes l'endormie (from Faust)
4. Dors, O cité perverse...Astres étincellants (from Hérodiade)
5. Volontiers, un vieil air Huguenot...Piff paff (Les Huguenots)
6. Tra, La, La, Tra, La La!...Quand la flamme d'amour (from La jolie fille de Perth)
7. La Vièrge entend fort bien (from Le jongleur de Notre-Dame)
8. Je comprends que la belle aime le militaire (from Le Caïd)

The Ambrosian Singers
Orchestra of the Royal Opera House, Covent Garden
John Matheson (Conductor)
Recorded at Kingway Hall, London (09/11/1973-09/16/1973)

Raphäel Arié - Arias From Russian Opera (Decca LW 5061)

9. Dostig Ya Vyshey Vlasti (from Boris Godunov)
10. Kak vo gorode bylo vo Kazani (from Boris Godunov)
11. Ja tot, katoramu vnimala - I am he whom you called (from The Demon)
12. Chuyut pravdu...Ti vzoyidyosh (A Life for the Tsar)
13. Lyubvi vsye vozrasti pokorni (Eugene Onegin)
14. Greshno tait, ya skuki ne lyublyu (from Prince Igor)

L'orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire de Paris
Alberto Erede (Conductor)
Recorded at La Maison de la Mutualité de París (06/08/1953-06/19/1953)

Decca
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Anton Dermota - Die Schöne Müllerin [1954, mp3]

El volumen catorce de la serie esta dedicado a Anton Dermota y su interpretación del ciclo "Die Schöne Mullerin" de Franz Schubert. La grabación se realizó en el apogeo de la carrera del tenor, quien está acompañado al piano por su esposa, la pianista Hilde Dermota.

Anton Dermota nació el 4 de junio de 1910 en Kropa, una localidad ubicada actualmente en Eslovenia pero que por esos años formaba parte del Imperio Austrohúngaro. En primera instancia realizó estudios de composición y órgano en el Conservatorio de Ljubljana. En 1934 recibió una beca que le permitió trasladarse a Viena, donde se enfocó por completo al estudio de la voz bajo la tutela de Marie Elisabeth Radó. Ese mismo año bebutó en la Opera de Cluj, recibió entonces una invitación para presentarse en la Opera de Viena. Debutó ahí como el Primer Hombre Armado en una producción de "Die Zauberflote" que dirigía Toscanini. Casi inmediatamente debió afrontar su primer Alfredo en "La Traviata" y Don Ottavio en "Don Giovanni". Se afirmó definitivamente en ese escenario tras un elogiado Lenski en "Eugene Oneguin" producido en la temporada de 1937. Se mantuvo activo en la sala durante veinte temporadas consecutivas y fue por lejos uno de los artistas mas elogiados de la celebre plantilla de cantantes que tuvo ese escenario.

A partir de 1941 fue un constante invitado del Festival de Salzburgo. Debutó en una producción de "Die Zauberflöte" turnándose con Peter Anders en el rol de "Tamino" y dirigido por Karl Böhm. El mismo año cantó a Don Ottavio, al Cantante Italiano en "Der Rosenkavalier" y la parte de tenor en la "9º Sinfonía" de Beethoven, todo bajo la batuta de Hans Knappertsbusch. Se mantuvo en ese escenario hasta 1959 y fue el Don Ottavio y Tamino de referencia durante todos esos años.

La fama internacional comenzó luego de terminada la Segunda Guerra. Debutó en el Covent Garden de Londres en 1947 en las partes de Don Ottavio, Ferrando y Narraboth. El mismo año apareció en París en el marco de la gira de la Opera de Viena. A La Scala de Milán llegó en febrero de 1948 como Don Ottavio en una producción de "Don Giovanni" encabezada por Paul Schöffler, Tancredi Pasero, Maria Cebotari y Suzanne Danco dirigidos por Karl Böhm. En 1948 apareció también en el Teatro Colón de Buenos Aires en una producción de "Daphne" de Strauss.

Se retiró de los escenarios en 1966 para dedicarse a la enseñanza en la Wiener Musikhochschule. Fue nombrado Kammersänger por la Opera de Viena y para celebrarlo, el teatro lo invitó a presentarse nuevamente como Tamino, cuando tenía ya 70 años de edad.

Si bien se lo considera siempre como antecesor de Fritz Wunderlich en el repertorio mozartiano, la voz de Dermota estaba mas emparentada con la de Richard Tauber por la pujanza y densidad del timbre. Compartía con Wunderlich la musicalidad cuidada y el estupendo enfoque vocal con el que supo afrontar a Tamino y Don Ottavio por mas de 20 años.


Tracklist:

Schubert - Die Schöne Müllerin D. 795 (London LL 971)

1. Das Wandern
2. Wohin?
3. Halt!
4. Danksagung an den Bach
5. Am Feierabend
6. Der Neugierige
7. Ungeduld
8. Morgengruss
9. Der Müllers Blumen
10. Tränenregen
11. Mein!
12. Pause
13. Mit dem grünen lautenbande
14. Der Jäger
15. Eifersucht und Stolz
16. Die liebe Farbe
17. Die böse Farbe
18. Trockne Blumen
19. Der Müller und der Bach
20. Des Baches Wiegenlied

Anton Dermota (Tenor)
Hilde Dermota (Piano)
Recorded at Grosser Saal der Musikverein, Wien - 12/1953


Recital by Anton Dermota (Decca LXT 2592) - CD Premiere

21. Der Nussbaum (Schumann)
22. Die Lotosblume (Schumann)
23. Nimmersatte Liebe (Wolf)
24. Der Musikant (Wolf)
25. Auf ein altes bild (Wolf)
26. Der Gärtner (Wolf)

Anton Dermota (Tenor)
Hilde Dermota (Piano)
Brahms-Saal, Musikverein, Wien - 09/1950

Decca
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Giuseppe Valdengo - Italian Songs [1950/2014, Mp3]

Continuando con la serie Decca Most Wanted Recitals y con el mundo de la canción italiana, les traigo acá el volumen 47 dedicado a Giuseppe Valdengo.

Valdengo fue un destacado barítono italiano de dilatada trayectoria tanto en su patria como en Norteamérica. Nació en Turín el 24 de mayo de 1914. En un principio enfocó sus esfuerzos para convertirse en músico de orquesta, estudiando cello, oboe y corno inglés en el conservatorio de su ciudad natal. Se decidió finalmente por el canto y estudió con Michele Accoriuti. Debutó en 1936 en Alessandría como Sharpless en "Madama Butterfly" y ese mismo año llegó al Regio di Parma como Figaro en "Il barbiere di Sivilgia". En 1939 firmó contrato con La Scala pero con el estallido de la guerra, su actividad artística quedó sujeta a sus obligaciones como soldado. Aun así en 1941 pudo cantar a Germont en "La Traviata" y al año siguiente al Mandarín de "Turandot", el Padre de "Hänsel und Gretel" y Sharpless en "Madama Butterfly". En 1953 volvió para "L'amore dei tre re" y una producción de "La Bohème" dirigida por Bernstein en 1955. El publico francés lo conoció a través de la Opéra de París en 1953 como Rigoletto. Participó en el Festival de Glyndebourne de 1955 como Raimbaud de "Le Comte Ory" y el titular de "Don Giovanni".

Valdengo hizo su debut americano en la New York City Opera como Sharpless en "Madama Butterfly" en 1946. Permaneció en la compañía durante dos temporadas cantando el titular de "Rigoletto", Tonio en "Pagliacci", Escamillo en "Carmen" y Germont en "La Traviata". En 1947 hizo su debut en la Opera de San Francisco como Valentin en "Faust" y fue parte de la compañía por cuatro temporadas consecutivas.

A principio de 1947 el barítono tomó contacto con Toscanini y fue elegido para las famosas transmisiones radiales que dirigía el director italiano por aquella época. Así en junio de 1947 apareció como Iago en el "Otello" protagonizado por Ramon Vinay y Herva Nelli. La fama fue inmediata y el barítono recibió una invitación para presentarse en el Metropolitan de New York. En 1949 participó también en la histórica  "Aida" transmitida a todo el país por radio y televisión de manera simultanea.

Debutó en el Met el 19 de diciembre de 1947 como Tonio en "Pagliacci", al lado de la Albanese y Jobin. Permaneció en la compañía durante siete temporadas consecutivas, contabilizando un total de 125 funciones. Su repertorio ahí incluía también a Figaro en "Il barbiere di Siviglia", Amonasro en "Aida", Germont en "La Traviata", Sharpless en "Madama Butterfly", Belcore en "L'elisir d'amore", Il Conte di Luna en "Il Trovatore", Enrico en "Lucia di Lammermoor", Ford en "Falstaff", Iago en "Otello", Marcello en "La Boheme", Lescaut en "Manon Lescaut", Paolo Albiani en "Simon Boccanegra", Escamillo en "Carmen", Valentin en "Faust" e Il Conte d'Almaviva en "Le nozze di Figaro".

Valdengo fue artista invitado del Covent Garden de Londres, la Opera de Paris y la Opera Estatal de Viena. En 1962 escribió su autobiografía titulada "Ho cantato con Toscanini" y en 1966 se produjo su retiro de los escenarios. Luego de esto se dedicó a la enseñanza del canto en Turín.

La voz de Valdengo era esencialmente lírica, no estaba adornada por la belleza mas clásica y era algo limitada en los extremos del registro. Por otro lado el factor musical era muy cuidado y la técnica óptima le permitía exhibir una señorial linea de canto. Fue el interprete ideal para Belcore, Enrico Ashton, Valentin y el Figaro rossiniano. Se atrevió con moderado éxito a aventuras como Rigoletto, Escamillo, Conde de Luna y Carlo di Vargas. Su triunfo de la mano de Toscanini se debió mas a factores musicales y expresivos que a una verdadera adecuación a la vocalidad de los personajes elegidos.

El recital que da nombre a este volumen se grabó en 1949, un año lleno de éxitos en la carrera de Valdengo. Predomina la expresividad y el cuidado juego de dinámicas a falta de mayores cuotas de belleza vocal. Los extractos de ópera fueron grabados en 1952 y se mueven entre la insuficiencia de "Rigoletto" y la estupenda linea de canto desplegada en las arias de Valentin y Hamlet.


Tracklist:

Giuseppe Valdengo - Italian Songs

1. L'ultima canzone
2. T'amo ancora
3. Aprile
4. La serenata
5. 'A vucchella
6. La mia canzone
7. Ideale
8. Mia sposa sara la mia bandiera
9. Se
10. Visione veneziana
11. Occhi di fata
12. Rondine al nido
13. Canta il grillo
14. Mattinata

The New Promenade Orchestra
Alberto Erede (Conductor)

Operatic Recital by Giuseppe Valdengo (Decca LX 3005) - CD Premiere

15. Pari siamo (Rigoletto, Act 1)
16. Cortigiani vil razza dannata (Rigoletto, Act 2)
17. Dio possente (Faust, Act 2)
18. O vin, dissipe la tristesse (Hamlet, Act 2)
19. Si puo, signore! signori! (Pagliacci, Prologue)

The New Symphony Orchestra
Alberto Erede (Conductor)

Decca
mp@192Kbps | Cover
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