Yvonne Kenny - A Christmas Gift [Flac]

 

Para pasar el mal gusto anterior les traigo acá una nueva edición de este recital navideño a cargo de Yvonne Kenny, quién posa plantada cual árbol navideño en la mitad de la carátula.

El repertorio es una mezcla entre el repertorio clásico y algunos arreglos de canciones tradicionales revisitadas por compositores australianos. La soprano australiana se mueve con comodidad tanto en las partes virtuosas como las de canto legato y mas reposado. Los arreglos son bastante elaborados y siempre al borde de lo cursi pero es lo esperable en este repertorio.

La grabación se realizó en 1999, la presente edición corresponde a una re-edición de noviembre de 2020.

Tracklist:

1. O Come, All Ye Faithful (Arr. David Willcocks)

2. The Coventry and Sussex Carols (Arr. Sean O'Boyle)

3. Minuit, Chrétiens (Cantique de Noël) (Arr. Mike Kenny)

4. Angels We Have Heard on High (Arr. Edward Shippen Barnes)

5. Repentir (O divin Rédempteur)

6. What Child Is This? (Arr. Julian Lee)

7. Messiah, HWV 56 / Pt. 1 : "Rejoice Greatly, O Daughter Of Zion"

8. Ave Maria

9. Away in a Manger (Arr. David Stanhope)

10. When a Child Is Born

11. The Little Drummer Boy (Arr. Sean O’Boyle)

12. The First Nowell (Arr. David Willcocks)

13. The Three Drovers

14. The Silver Stars Are In The Sky

15. Christmas Day

16. Carol of the Birds

17. Christmas Bush for His Adorning

18. Night of Silence / Silent Night (Arr. Julie Simonds)

Yvonne Kenny (Soprano)

The Contemporary Singers

Sydney Children's Choir

Adelaide Symphony Orchestra

David Stanhope (Conductor)

ABC Classics

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Jonas Kaufmann - It's Christmas [Flac Hi-Res]

 

No tengo nada que decir sobre este disco. Es un horror por donde se lo oiga, ya sean los arreglos o el canto, todo es horrendo. Nunca pensé que oiría a Kaufmann cantando una canción de Mariah Carey pero el 2020 todo lo puede.

Solo para fanáticos.

Tracklist:

1. Engel haben Himmelslieder / Gloria in excelsis Deo

2. Hark! The Herald Angels Sing

3. Süßer die Glocken nie klingen

4. Adeste fideles

5. Cantique de Noël (Minuit, Chrétiens) / O Holy Night

6. In dulci jubilo

7. Kommet, ihr Hirten

8. Tochter Zion

9. Ihr Kinderlein, kommet

10. What Child Is This?

11. Silent Night

12. Es wird scho glei dumpa

13. Still, still, still

14. Maria durch ein Dornwald ging

15. Im Woid is so staad

16. Alle Jahre wieder

17. White Christmas

18. Jingle Bells

19. Was soll das bedeuten?

20. Vom Himmel hoch, ihr Englein, kommt!

21. Gesù bambino

22. Lasst uns froh und munter sein

23. Leise rieselt der Schnee

24. Morgen, Kinder, wird's was geben

25. Entre le boeuf et l'âne gris

26. In the Bleak Midwinter

27. Es ist ein Ros entsprungen

28. Macht hoch die Tür

29. Ich steh an deiner Krippen hier, BWV 469

30. O du fröhliche

31. O Heiland, reiß die Himmel auf

32. Kling, Glöckchen, klingelingeling

33. Vom Himmel hoch, da komm ich her

34. O Tannenbaum

35. Nu tändas tusen juleljus

36. Stille Nacht

37. Still, still, still

38. Have Yourself a Merry Little Christmas

39. Winter Wonderland

40. The Christmas Song (Chestnuts Roasting On An Open Fire)

41. Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!

42. All I Want For Christmas Is You

Jonas Kaufmann (Tenor)

Bachchor Salzburg

St. Florianer Sängerknaben

Mozarteum Orchestra Salzburg

Jochen Rieder (Conductor)

Sony Classical

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Lawrence Brownlee & Michael Spyres - Amici e Rivale [Flac Hi-Res]

 

Durante su período napolitano (1815-1822), Rossini coincidió en los teatros de esa ciudad con una exuberante generación de cantantes para quienes escribió el grueso de su producción. Era una época en donde había comenzado la experimentación técnica y donde muchas estrellas del momento prefirieron la originalidad en vez de seguir las reglas impuestas por el Belcanto. En esta época de descubrimiento de nuevas sonoridades, la voz de tenor se convirtió en terreno fértil para nuevas propuestas. En ese proceso surgió una categoría vocal hoy en día extinta, el baritenor, verdadero eslabón perdido en el desarrollo de la vocalidad masculina, cruza entre un proto tenor dramático y quizás también un familiar cercano a un estilo de canto señorial que en décadas posteriores se asentó en la voz del barítono.

El equipo de cantantes con los que contaba Rossini en Nápoles era excepcional. La prima donna de la compañía era la soprano española Isabella Colbran, gran estrella y virtuosa de su tiempo. La secundaban nombres tan legendarios como los de Manuel García, Michele Benedetti, Rosmunda Pisaroni o Filippo Galli. En lo que respecta a la cuerda de tenores, Rossini tenía a su disposición a Andrea Nozzari y Giovanni David, dos talentos opuestos y complementarios. Nozzari fue probablemente el prototipo sobre el que se construyó el ideal del baritenor, mientras que David era famoso por la facilidad y el brillo de su zona aguda y sobreaguda. Rossini los opuso tanto en lo teatral como en lo vocal y con ambos surgió una literatura musical que durante las décadas venideras sería muy difícil de revivir debido a los cambios en la técnica y la estética. Solo con la llegada de la "Rossini Renaissance" se pudo volver a recrear una vocalidad que hoy por hoy parece perdida en el tiempo.

En este recital rossiniano Michael Spyres y Lawrence Brownlee recrean con gran éxito el enfrentamiento entre Nozzari y David recurriendo para ello a varios títulos originalmente escritos para lucimiento de ambos cantantes. Las excepciones son el dúo entre Fígaro y el Conde en "Il Barbieri di Siviglia", escrito originalmente para Luigi Zamboni y Manuel García, en donde Spyres se atreve con la parte de barítono con gran acierto de color y acentos baritonales. La otra excepción se encuentra en "Le siège de Corinthe", roles originalmente escritos para Louis y Adolphe Nourrit. 

Tanto Bronwlee como Spyres están en su elemento en este repertorio y logran recrear con gran acierto la sonoridad rossiniana y son capaces además de ejecutar con destreza las exigencias de este repertorio. Me sorprendió gratamente el estado vocal de Spyres y que por fin tenemos una grabación en la que podemos apreciarlo en todo su esplendor. No puedo dejar de mencionar la estupenda labor realizada por la joven mezzo irlandesa Tara Erraught.

La grabación se realizó entre el 30 de Julio y el 3 de Agosto de 2019 en el Teatro Ristori en Verona, Italia.

Tracklist:

1. Il barbiere di Siviglia, Act 1: "All'idea di quel metallo" (Figaro, Almaviva)

2. Ricciardo e Zoraide, Act 1: "S'ella mi è ognor fedele" (Ricciardo)

3. Ricciardo e Zoraide, Act 1: "Qual sarà mai la gioia" (Ricciardo, Ernesto)

4. Ricciardo e Zoraide, Act 2: "Donala a questo core" (Agorante, Ricciardo)

5. Ricciardo e Zoraide, Act 2: "Teco or sarà" (Agorante, Ricciardo)

6. La donna del lago, Act 2: "Nume! se a' miei sospiri" (Uberto, Elena)

7. La donna del lago, Act 2: "Qual pena in me già desta" (Uberto, Rodrigo, Elena)

8. Elisabetta, regina d'Inghilterra, Act 2: "Deh! Scusa i trasporti" (Leicester, Norfolk)

9. Otello, Act 2: "Non m'inganno" - "Al mio rivale" (Otello, Iago)

10. Otello, Act 2: "Ah! vieni, nel tuo sangue vendicherò le offese" (Otello, Rodrigo)

11. Otello, Act 2: "Che fiero punto e questo" (Otello, Rodrigo, Desdemona)

12. Le siège de Corinthe, Act 3: "Grand Dieu, faut-il qu'un peuple" (Néoclès)

13. Le siège de Corinthe, Act 3: "Cher Cléomène" (Cléomène, Néoclès)

14. Le siège de Corinthe, Act 3: "Céleste providence" (Cléomène, Néoclès, Pamyra)

15. Armida, Act 3: "In quale aspetto imbelle" (Rinaldo, Carlo, Ubaldo)

Michael Spyres (Tenor)

Lawrence Brownlee (Tenor)

Tara Erraught (Mezzosoprano)

Xabier Anduaga (Tenor)

I Virtuosi Italiani

Corrado Rovaris (Conductor)

Erato

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Elina Garanca - Schumann & Brahms Lieder [Flac Hi-Res]

 

La Castafiore is in love y por ese motivo este blog ha entrado (sin querer queriendo) en un receso. Para sacudirnos un poco el aturdimiento les traigo acá el nuevo disco de la Garanca quien se adentra por primera vez en un álbum dedicado por completo al genero del Lied.

Seré directo: Me parece horroroso. La Garanca se enfrenta a la tarea con buenas credenciales de liederista pues se ha presentado ya varias veces con "Frauenliebe und Leben" en diferentes escenarios y con buenas criticas. En el disco en cambio se la oye inestable en la afinación, muchas veces al borde de la afectación (que me dicen del susurro-gemido al final de "Er, der Herrlichste von allen" ?) y con una elección de tempi bastante dudosa. Quizás influenciada por la mano de Martineau, la mezzo establece un tono pesante y lento a lo largo de todo el ciclo, independiente del estado de animo de las diferentes canciones. Se desdibujan así las primeras etapas que aluden al enamoramiento y la juventud, mientras que el contraste con la maternidad o la pérdida pierden en impacto dramático.

Por otro lado la evolución vocal de la mezzo hacia los terrenos mas dramáticos de su cuerda la han privado de mayor variedad de color y matices. Hay también una constante predilección por los sonidos engolados lo que termina por desestabilizar la afinación y los aspectos mas livianos de su canto.

Tracklist:

1. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: I. Seit ich ihn gesehen

2. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: II. Er, der Herrlichste von allen

3. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: III. Ich kann's nicht fassen, nicht glauben

4. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: IV. Du Ring an meinem Finger

5. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: V. Helft mir, ihr Schwestern

6. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: VI. Süsser Freund, du blickest

7. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: VII. An meinem Herzen, an meiner Brust

8. Schumann: Frauenliebe und -leben, Op. 42: VIII. Nun hast du mir den ersten Schmerz getan

9. Brahms: Liebestreu

10. Brahms: Heimweh II

11. Brahms: Mädchenlied

12. Brahms: Liebe und Frühling II

13. Brahms: O kühler Wald

14. Brahms: Verzagen

15. Brahms: Sapphische Ode

16. Brahms: O liebliche Wangen

17. Brahms: Geheimnis

18. Brahms: Wir wandelten

19. Brahms: Alte Liebe

20. Brahms: Die Mainacht

21. Brahms: Von ewiger Liebe

Elina Garanca (Mezzosoprano)

Malcolm Martineau (Piano)

Deutsche Grammophon

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Sabine Devieilhe - Chanson d'Amour [Flac Hi-Res]

 

Sabine Devieilhe y Alexandre Tharaud ya habían colaborado juntos para el álbum "Mirages" de la soprano, publicado en 2017. Este nuevo álbum dedicado por completo a la Chanson se siente como una continuación de ese primer encuentro. El proyecto incluye ni mas ni menos que 29 canciones de compositores franceses, haciendo un recorrido entre el romanticismo tardío y el impresionismo. 

Personalmente me parece un programa demasiado extenso y pretencioso. Quizás si soprano y pianista redujeran la lista a la mitad tendríamos un álbum mas redondo y de mayor profundidad. No quiero decir con esto que sean lecturas superficiales pero se echa de menos una mayor variedad de expresión, peso vocal y personalidad en el trabajo de la soprano.

El desempeño musical de la pareja es encomiable pero el instrumento ligero, cristalino y liviano de Sabine Devieilhe termina por cansar rápidamente. Por otro lado el hecho de cantar en su lengua materna es una gran ventaja a la hora de colorear la expresión pero se sigue extrañando un instrumento con una mayor variedad de matices y colores.

La grabación se realizó entre el 11 y 17 de marzo de 2019 en la Siemensvilla en Berlin.

Tracklist:

1. Ravel: 3 Songs, Op. 23: No. 2, Notre amour

2. Ravel: 3 Songs, Op. 8: No. 1, Au bord de l'eau

3. Poulenc: Banalités, FP 107: No. 4, Voyage à Paris

4. Poulenc: 2 poèmes de Louis Aragon, FP 122: No. 1, C

5. Poulenc: 2 poèmes de Louis Aragon, FP 122: No. 2, Fêtes galantes

6. Ravel: 5 Mélodies populaires grecques, M. A 9: No. 1, Chanson de la mariée

7. Ravel: 5 Mélodies populaires grecques, M. A 10: No. 2, Là-bas, vers l'église

8. Ravel: 5 Mélodies populaires grecques, M. A 4: No. 3, Quel galant m'est comparable

9. Ravel: 5 Mélodies populaires grecques, M. A 5: No. 4, Chanson des cueilleuses de lentisques

10. Ravel: 5 Mélodies populaires grecques, M. A 11: No. 5, Tout gai!

11. Ravel: Sur l'herbe, M. 53

12. Ravel: 3 Chansons, M. 69: No. 2, Trois beaux oiseaux du paradis

13. Poulenc: Banalités, FP 107: No. 2, Hôtel

14. Fauré: 2 Songs, Op. 27: No. 1, Chanson d'amour

15. Debussy: Nuit d'étoiles, CD 2, L. 4

16. Debussy: 2 Romances, CD 65, L. 79: No. 1, L'âme évaporée et souffrante

17. Ravel: Manteau de fleurs, M. 39

18. Ravel: Chants populaires, M. A 17: No. 2, Chanson française

19. Fauré: 3 Songs, Op. 7: No. 1, Après un rêve

20. Fauré: 3 Songs, Op. 23: No. 1, Les berceaux

21. Debussy: Apparition, CD 57, L. 53

22. Debussy: Ariettes oubliées, CD 63b, L. 60: No. 1, C'est l'extase langoureuse (Second Version)

23. Debussy: Ariettes oubliées, CD 63b, L. 60: No. 2, Il pleure dans mon coeur (Second Version)

24. Debussy: Ariettes oubliées, CD 63b, L. 60: No. 3, L'ombre des arbres (Second Version)

25. Debussy: Ariettes oubliées, CD 63b, L. 60: No. 4, Paysages belges. Chevaux de bois (Second Version)

26. Debussy: Ariettes oubliées, CD 63b, L. 60: No. 5, Aquarelles I. Green (Second Version)

27. Debussy: Ariettes oubliées, CD 63b, L. 60: No. 6, Aquarelles II. Spleen (Second Version)

28. Ravel: Ballade de la reine morte d'aimer, M. 4

29. Poulenc: Léocadia, FP 106: Les chemins de l'amour

Sabine Devieilhe (Soprano)

Alexandre Tharaud (Piano)

Erato

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Diana Damrau - Tudor Queens [Flac Hi-Res]

 

La Damrau debía cantar el rol de "Maria Stuarda" junto a la Elisabetta de Jamie Barton durante la temporada de primavera en el Met pero la crisis sanitaria del Covid-19 y la posterior cancelación de las actividades del teatro no lo permitieron. Este disco debía ser el reflejo discográfico de su actividad teatral pero, por esas cosas del Covid-19, se ha convertido en un consuelo para sus fanáticos que aun esperan verla en este repertorio.

El despliegue vocal de la Damrau en el bel canto mas dramático no llega a entusiasmar. El tamaño del instrumento sigue siendo el de una soprano ligera que ha sabido envejecer bastante bien, sin embargo la naturaleza misma del instrumento, la paleta de colores disponibles y la densidad del sonido no alcanzan a sugerir la envergadura de la vocalidad de este repertorio. Si bien la soprano resuelve con inteligencia las exigencias técnicas, expresivas y de resistencia que imponen estas tres grandes escenas de "Anna Bolena", "Maria Stuarda" y "Roberto Devereux". Por otra parte el factor interpretativo es bastante destacable sin alcanzar la profundidad de expresión ni la sutileza en la proyección de estos personajes que podían lograr otras colegas del pasado.

La grabación se realizó entre el 11 y 17 de Julio de 2019 en el Auditorium Parco della Musica en Roma.

Tracklist:

1. Anna Bolena, Act 2: "Chi può vederla" (Chorus)

2. Anna Bolena, Act 2: "Piangete voi?" (Anna)

3. Anna Bolena, Act 2: "Al dolce guidami" (Anna, Chorus)

4. Anna Bolena, Act 2: "Qual mesto suon?" (Anna, Hervey, Percy, Rochefort, Smeton, Chorus)

5. Anna Bolena, Act 2: "Cielo, a'miei lunghi spasimi" (Anna, Percy, Rochefort, Smeton)

6. Anna Bolena, Act 2: "Chi mi sveglia?" (Anna, Percy, Rochefort, Smeton, Chorus)

7. Anna Bolena, Act 2: "Coppia iniqua, l'estrema vendetta" (Anna, Percy, Rochefort, Smeton, Chorus)

8. Maria Stuarda, Act 3: "Vedeste? Vedemmo" (Chorus)

9. Maria Stuarda, Act 3: "Anna…Qui più sommessi" (Maria, Anna, Chorus)

10. Maria Stuarda, Act 3: "Deh! Tu di un umile" (Maria, Anna, Talbot, Chorus)

11. Maria Stuarda, Act 3: "Oh colpo!!" (Maria, Cecil, Chorus)

12. Maria Stuarda, Act 3: "Di un cor che muore" (Maria, Anna, Cecil, Talbot, Chorus)

13. Maria Stuarda, Act 3: "Giunge il Conte"(Maria, Leicester, Cecil, Talbot, Chorus)

14. Maria Stuarda, Act 3: "Ah! se un giorno da queste ritorte Conte" (Maria, Anna, Leicester, Cecil, Talbot, Chorus)

15. Roberto Devereux, Act 3: "E Sara in questi orribili momenti" (Elisabetta, Chorus)

16. Roberto Devereux, Act 3: "Vivi, ingrate" (Elisabetta)

17. Roberto Devereux, Act 3: "Che m'apporti" (Elisabetta, Cecil, Sara, Nottingham)

18. Roberto Devereux, Act 3: "Quel sangue varsato al cielo" (Elisabetta, Chorus)

Diana Damrau (Soprano)

Orchestra e Coro dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia

Antonio Pappano (Conductor)

Erato

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Joseph Calleja - The Magic of Mantovani [Flac Hi-Res]

 

Este es un proyecto bastante personal llevado a cabo por Joseph Calleja a modo de homenaje por los 80 años del fallecimiento de Mantovani, el famoso musico italo-inglés creador del "cascading strings". El tenor maltés trabaja sobre la base de las grabaciones originales remasterizadas de Mantovani y las convierte en piezas vocales, respetando tanto el arreglo original como el espíritu liviano de este repertorio. 

Mantovani nació en Venecia en el seno de una familia de músicos. Su padre fue concertino de la Orquesta de La Scala y trabajó con todos los grandes directores de la época, incluido Arturo Toscanini. En 1912 la familia emigró a Inglaterra y Mantovani logró ganar una plaza en el prestigioso Trinity College of Music. Luego de graduarse, fundó su propia orquesta y para la época de la Segunda Guerra Mundial su agrupación ya era una de las más populares orquestas de baile, tanto en las transmisiones de la BBC como en conciertos en vivo.

Terminada la Guerra prefirió dedicarse a las grabaciones y abandonó los conciertos en vivo. Con la llegada de la década del '50, Mantovani comenzó a trabajar junto al compositor y arreglador Ronald Binge, con quién desarrolló el "Cascading Strings". Binge desarrolló la técnica para replicar la reverberación de algunas salas de conciertos de grandes proporciones como las Catedrales. Este efecto se convirtió en su marca de fábrica, llegando a ser conocido como el "Sonido Mantovani". Durante la década del '50 y '60 produjo una serie de discos muy exitosos que lo llevaron a convertirse en el segundo artista mejor vendido, después de "The Beatles". Su pieza icónica era "Charmaine" con la que logró posicionarse en el No. 1 del ranking Inglés y convertirse en el primer artista en lograr vender un millón de discos.

Calleja se mueve a la perfección por un repertorio que a todas luces se oye está muy cerca de su sensibilidad artística. No hay mucho que agregar sobre su despliegue vocal en un repertorio que esconde bastante bien sus falencias pero que logra sacar lo mejor de su instrumento. Bastante incomprensible la inclusión de Emily D'Angelo, joven mezzosoprano canadiense ganadora de Operalia 2018. No parece estar comprometida con lo que canta y el arreglo vocal para "Tonight" la obliga a cantar en la misma octava y al unísono (!) con el tenor. Incomprensible y desconcertante. Por otro lado Renée Fleming realiza una corta pero estelar aparición con "Somewhere".

Tracklist:

1.Charmaine

2. Edelweiss

3. Spanish Eyes

4. Bésame Mucho

5. Que Será, Será

6. Maria (From "West Side Story")

7. Somewhere (From "West Side Story") *

8. I Feel Pretty (From "West Side Story") **

9. Tonight (From "West Side Story") **

10. Cara Mia

11. Parla Più Piano (From "The Godfather")

12. Arrivederci Roma

13. Stranger In Paradise

14. Strangers In The Night

15. Moon River

16. You'll Never Walk Alone

17. Amazing Grace

18. Charmaine (Orchestral Version)

19. Spanish Eyes (Orchestral Version)

20. Strangers In The Night (Orchestral Version)

Joseph Calleja (Tenor)

Emily D'Angelo (Mezzosoprano) **

Renee Fleming (Soprano) *

Mantovani & His Orchestra

Decca

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Ermonela Jaho - Anima Rara [Flac Hi-Res]

 

Ermonela Jaho hace su debut discográfico con este recital producido por el sello Opera Rara y dedicado al repertorio verista. La soprano albanesa recurre a la figura de Rosina Storchio, famosa colega y primera interprete de varios títulos de la época verista para llevarnos por un viaje bastante disímil de las heroínas que alguna vez personificó la famosa soprano italiana.

El arte de la Jaho se sostiene mayormente sobre sus dotes de actriz y el enfoque teatral con el que logra adentrarse en la psicología de sus personajes. La faceta vocal en cambio es bastante discreta. Me atrevería a decir que con suerte logra cubrir el espectro de una soprano lírica. El timbre si bien es bello y natural, carece de personalidad. El color claro de su instrumento y la falta de densidad no son lo esperable en una soprano lírica. El agudo suena fácil pero en ningún momento libre, lleno o brillante. Por otro lado el paso a la voz de pecho es muy rudimentario y probablemente por este defecto técnico es que se produce un "hoyo" en el registro central con sonidos ingratos, vocales deformadas y una marcada tendencia al falsete, entendiéndose por "falsete" a los sonidos con un cierre cordal incompleto y por lo tanto sin brillo ni cuerpo. Un defecto con el que la soprano ha luchado toda su carrera. Les recomiendo mirarla por YouTube si les interesa profundizar en este problema.

El repertorio escogido se pasea por varios de los títulos que fueron creados por Rosina Storchio, la figura que supuestamente inspira a la Jaho en la elección del repertorio de este disco. La Storchio fue una favorita de los compositores de la Giovane Scuola, quienes le confiaron varios estrenos mundiales. La lista incluye a Mimí en "La Bohème" de Leoncavallo (1897),  "Zazá" de Leoncavallo (1900), "Siberia" de Giordano (1903), "Madama Butterfly" de Puccini (1904) y "Lodoletta" de Mascagni (1917). La Storchio era famosa también por su retrato de Violetta en "La Traviata". Fuera de las coincidencias de sensibilidad y repertorio entre las dos cantantes, hay que decir que la Jaho tiene muy pocas cualidades vocales para hacerle justicia al repertorio de la Giovane Scuola. El centro casi inexistente la pone siempre en aprietos pues esta literatura musical necesita de un uso muy generoso de la voz de pecho y la habilidad para transitar con facilidad entre el registro de cabeza y el de pecho, habilidad que la Jaho no posee. Cualquiera que quiera saber a qué me refiero les recomiendo escuchar estas mismas arias en la voz de alguna soprano lírica de referencia (Tebaldi, Freni, Muzio, Petrella...) para entender lo que es un registro central generoso y mórbido.

Tracklist:

1. Madama Butterfly: "Un bel dì vedremo"

2. La bohème: "Musette svaria sulla bocca viva"

3. Iris: "Un di, ero piccina"

4. Sapho: "Ces gens que je connais...Pendant un an je fus ta femme"

5. Mefistofele: "L'altra notte in fondo al mare"

6. Lodoletta: "Ah! Il suo nome!... Flammen perdonami..."

7. Manon: "Allons! Il le faut... Adieu, notre petite table"

8. Siberia: "No! Se un pensier... Nel suo amore rianimata"

9. La traviata: "Teneste la promessa... Addio, del passato"

10. L'amico Fritz: "Son pochi fiori"

11. La Wally: "Ebben? Ne andro lontana"

12. La bohème: "Mimi Pinson, la biondinetta"

13. Sapho: Prelude and "Demain je partirai"

14. Madama Butterfly: "Con onor muore... Tu? Tu? Piccolo Iddio"

Ermonela Jaho

Orquestra de la Comunitat Valenciana

Andrea Battistoni (Conductor)

Opera Rara

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Jonas Kaufmann - Selige Stunde [Flac Hi-Res]

 

Este nuevo disco de Jonas Kaufmann mas que un recital parece ser una playlist de canciones favoritas tanto del tenor como de Helmut Deutsch. Si bien hay espacio para alguna que otra canción de amor, el ambiente general de la selección es de introspección y reflexión, muy propio de la crisis mundial en la que estamos sumergidos hoy por hoy.

Como lo explican en la entrevista del booklet, este recital fue grabado en "cuarteles privados" en Münich, luego que la crisis del Covid-19 obligara al cierre de todos los estudios de grabación. Quizás por eso hay una sensación de relajo e intimismo a lo largo de todo el disco, algo bastante inusual en este tipo de recitales.

El repertorio del Lied es a mi parecer donde el tenor se mueve con mayor comodidad y donde las limitaciones vocales parecen pasar desapercibidas. Kaufmann es un cantante extremadamente profesional, de una musicalidad muy cultivada y que cuida en extremo tanto la pronunciación como el apego a la partitura y este repertorio se ajusta como un guante a su sensibilidad artística. Si bien los defectos usuales como el engolamiento constante, los sonidos roncos en el centro y su manía por los sonidos en matiz piano carentes de proyección y brillo siguen presentes a lo largo de todo el disco.

Las sesiones de grabación se realizaron en Münich, ente el 16 y 19 de Abril de 2020.

Tracklist:

1. Der Musensohn, D. 764
2. Adelaide, Op. 46

3. Ich liebe dich, WoO 123

4. Ännchen von Tharau

5. Auf Flügeln des Gesanges, Op. 34, No. 2

6. Ich liebe dich

7. Es muss ein Wunderbares sein, S. 314

8. Widmung, Op. 25, No. 1

9. Der Jüngling an der Quelle, D. 300

10. Still wie die Nacht

11. Zueignung, Op. 10, No. 1

12. Selige Stunde, Op. 10, No. 2

13. In mir klingt ein Lied

14. Verschwiegene Liebe

15. Als die alte Mutter, Op. 55, No. 4

16. Allerseelen, Op. 10, No. 8

17. Da unten im Tale, WoO 33, No. 6

18. Nur wer die Sehnsucht kennt

19. Das Veilchen, K. 476

20. Sehnsucht nach dem Frühling, K. 596

21. Gruß, Op. 19, No. 5

22. Die Forelle, D. 550

23. Mondnacht, Op. 39, No. 5

24. Wiegenlied, Op. 49, No. 4

25. Wandrers Nachtlied II, D. 768

26. Verborgenheit

27. Ich bin der Welt abhanden gekommen

Jonas Kaufmann (Tenore)

Helmut Deutsch (Piano)

Sony Classical

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Wagner - Tannhäuser (Kollo - Dernesch - Ludwig - Braun - Sotin) Solti [Flac Hi-Res]

 

Dieciséis años después del estreno de "Tannhäuser" en Dresden, Richard Wagner emprendió una revisión de la obra para adaptarla en su estreno parisino, tratando de cumplir con las demandas que imponía la tradición de la Opera de París. La premiere fue una debacle de grandes proporciones y sepultó para siempre el sueño y ambición del compositor de triunfar en la capital francesa y convertirse con ello en la figura operática dominante de la época.

La razón del fracaso permanece aun como materia de discusión. Es probable que las protestas que surgieron durante el estreno estuviesen dirigidas hacia la impopular figura de Pauline Metternich, famosa socialité de la época, gestora del proyecto, mecenas de Richard Wagner y esposa del embajador austriaco en la corte de Napoleon III. También se cree que la decisión del compositor de insertar la pieza obligatoria de ballet en el primer acto, después de la obertura, y no en el segundo como era tradición, haya molestado al influyente Jockey Club, cuyos aristocráticos miembros tenían por costumbre llegar al teatro durante el acto segundo, después de la cena para poder apreciar al cuerpo de ballet. Al parecer ya para la tercera noche de representación se podían conseguir silbatos de perro en las afueras del teatro. Las protestas fueron tan bulliciosas que obligaron al compositor a retirar la obra del teatro y olvidarse de sus sueños de triunfo.

Los cambios musicales introducidos por Wagner en esta nueva versión van desde ampliaciones en la obertura que da paso a la bacanal en el Venusberg, donde se introdujo el ballet, pasando por otra notoria ampliación del rol de Venus en el acto primero como también su aparición casi al finalizar la ópera. Wagner también reescribió la tessitura del personaje para acomodarla a las posibilidades vocales de Fortunata Tedesco, mas mezzo que Wilhelmine Schröder-Devrient, la Venus original. También se deben mencionar algunos cortes orquestales en el acto III como también la supresión del aria de Walter en el acto II.

Esta grabación es un puntal absoluto de la discografía de "Tannhauser" y fue registrada en circunstancias bastante especiales en lo que se refiere al uso de nuevas técnicas de grabación. Desde fines de la década del '60, se venía desarrollando la técnica del Quadraphonic Sound, un sistema de grabación en 4 canales que requería a su vez un sistema de reproducción con cuatro parlantes posicionados alrededor del oyente. El sistema fue el equivalente de lo que hoy conocemos como Surround pero los problemas de incompatibilidad de formatos, el costo de los equipos de reproducción y el costo de las grabaciones terminaron por condenarlo al olvido.

Los primeros sellos en experimentar con la nueva técnica fueron las casas norteamericanas, con CBS y RCA a la cabeza. Decca se mantuvo al margen durante una primera etapa pero pronto comenzaron los preparativos para producir grabaciones en "Quad" de alta fidelidad. Las primeras pruebas exitosas ocurrieron en el otoño de 1969 en los Hampstead Studios. Las segundas, durante el otoño de 1970 en la Sofiensaal de Viena. De esas sesiones de grabación surgió este "Tannhäuser".

De la serie de grabaciones de Georg Solti (Aida, Tristan, Elektra, Salomé) que Decca publicó desde 2017, esta fue la primera en ser presentada en una mezcla de 5.1 probablemente con la idea de recrear la mezcla original en Quad. Esta decisión que ha causado bastante polémica se justifica teniendo en cuenta que el 5.1 es el estándar actual de presentación en multi canal y en los deseos del sello por recrear de alguna manera la mezcla Quad original. 

Polémicas a parte hay que decir que el nuevo traspaso suena espectacular. Desaparecen las estridencias de los traspasos anteriores y la sensación extra de espacio entre las diferentes secciones orquestales ayuda a presentar con claridad (por fin!) los efectos de sonido que se usaron para recrear los diferentes planos sonoros, en especial las diferentes apariciones de los peregrinos y también la de Venus al final de la ópera. Hay una cuota extra de calidez que ayuda mucho en la apreciación general del sonido orquestal y muy especialmente en la voz del protagonista.

En términos netamente musicales los grandes atractivos de esta versión es la presentación de la "versión de París" en la batuta rimbombante y colorida de Georg Solti y la presencia de la magnífica Venus de Christa Ludwig, absolutamente perfecta en el rol ya sea por el tono voluptuoso, la comprensión del personaje o la facilidad en la emisión de los agudos. La inclusión de los Niños Cantores de Viena entre el grupo de peregrinos me parece fantástica y le agrega una variedad de color que otras versiones no tienen.

René Kollo es un elemento controvertido, ciertamente no tiene un instrumento que se pueda catalogar de bello pues hay muchas estridencias y sonidos ingratos pero por otro lado la nueva remasterización parece redondearle el timbre y la angulosidad de la emisión. Hay que decir que es un interprete excepcional y dota a su Tannhäuser de todas las emociones esperables. Helga Dernesch parece jugar en la misma linea, pero sus defectos se vuelven algo insoportables cuando tiene que cantar la hermosa música que el compositor le confió a su rol. La voz es metálica, de un vibrato rápido y algo tenso en toda la extensión, se echa de menos una voz mas libre, algo mas redonda y de un centro mas generoso. El Wolfram de Victor Braun tiene la sensibilidad esperable pero el timbre monocorde y el vibrato rápido terminan por empañar el producto final. El resto del reparto es bastante correcto y homogéneo.

La grabación se realizó durante el mes de octubre de 1970 en la Sofiensaal de Viena. La remasterización estuvo a cargo de Paschal Byrne y fue publicada en 2018.

René Kollo (Tannhäuser)
Helga Dernesch (Elisabeth)

Christa Ludwig (Venus)
Victor Braun (Wolfram von Eschenbach)

Hans Sotin (Hermann, Landgraf von Thüringen)
Werner Hollweg (Walter von der Vogelweide)
Kurt Equiluz (Heinrich der Schreiber)
Manfred Jungwirth (Biterolf)
Norman Bailey (Reinmar von Zweter)

Wiener Staatsopernchor
Wiener Sängerknaben
Wiener Philharmoniker

Sir Georg Solti (Conductor)

 
Decca

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Wagner - Tristan und Isolde (Windgassen - Nilsson - Ludwig - Wächter - Talvela) Böhm [Flac Hi-Res]

 

Esta grabación semi en vivo  registrada en el escenario del Festival de Bayreuth durante tres noches consecutivas en 1966, se convirtió en un clásico instantáneo desde el momento de su publicación y se encuentra firmemente posicionada aun dentro del catalogo de las grabaciones fundamentales de la obra wagneriana.

El elenco de ensueño está encabezado por el protagonista de Wolfgang Windgassen que ya bordeaba los 52 años cuando se realizó el proyecto. Si bien el timbre lírico de su voz no es lo que se espera de Tristan se agradece la belleza del tono, el fraseo cuidado y el entendimiento de un personaje que el tenor nunca llegó a grabar en disco a pesar de ser uno de sus caballitos de batalla. A su lado la Nilsson compone un retrato lleno de enjundia vocal y ya totalmente dentro de la psicología del personaje que en su primera grabación de estudio (Solti, 1961) solamente aparecía a ratos. 

El resto del cast está dominado por la opulencia de la Ludwig, quién aprendió el rol especialmente para la grabación y la densidad vocal de Talvela, quien logra componer un Marke de gran envergadura y presencia. Por su parte Wächter canta con la expresividad acostumbrada y ademas contamos con dos lujos extras en el junger Seeman de Peter Schreier y el Steuermann de Gerd Nienstedt.

Böhm tiene quizás los tempi mas rápidos de todas las grabaciones, a momentos uno esperaría que la batuta le diera mas espacio a los momentos poéticos de la partitura pero son notables el dramatismo y el arco construido desde los primeros compases del Vorspiel hasta los últimos momentos del Liebestod. 

El trabajo de sonido es estupendo y algo controvertido pues al parecer no estamos en presencia de una nueva remasterización pero la posibilidad de oír la toma sin compresión y a 96kHz/24bit le agrega una sensación de espacio y mayor densidad al sonido que yo por lo menos nunca oí en los traspasos anteriores. Les recomiendo oírla con un buen set de parlantes y poner mucha atención al Liebestod donde Böhm sumerge a la Nilsson en la masa orquestal, dándole la posibilidad de mostrar toda la grandeza de su instrumento. Se incluye además un extracto de los ensayos de casi 30 minutos de duración.

Birgit Nilsson (Isolde)
Wolfgang Windgassen (Tristan)
Christa Ludwig (Brangäne)
Martti Talvela (König Marke)
Eberhard Wächter (Kurwenal)
Claude Heater (Melot)
Erwin Wohlfahrt (Ein Hirt)
Gerd Nienstedt (Ein Steuermann)
Peter Schreier (Ein junger Seeman)

Chor und Orchester der Bayreuther Festspiele
Karl Böhm (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Wagner - Der Fliegende Holländer (Adam - Silja - Talvela - Unger) Klemperer [Flac Hi-Res]

 

El 19 de noviembre de 1927 Otto Klemperer dio por inaugurado su mandato en la Kroll-Oper de Berlín con una presentación de "Fidelio" de Beethoven, abriendo así un intenso capítulo de la vida artística del Berlín de aquellos años. El teatro había sido inaugurado en 1924 como una segunda rama de la Opera Estatal de Berlín pero con la llegada de Klemperer, la compañía se separó de su casa matriz y se convirtió en una completamente independiente. La nueva compañía se puso rápidamente a la vanguardia de la vida musical de la ciudad y bajo la dirección de Klemperer se produjeron los estrenos de "Neues vom Tage" de Paul Hindemith y "Begleitmusik zu einer Lichtspielszene" de Arnold Schoenberg. Además supo rodearse de colaboradores tan famosos como Alexander von Zemlinsky, Gustaf Gründgens, Caspar Naher, László Moholy-Nagy, Teo Otto, Oskar Schlemmer y Giorgio de Chirico. Mientras que la elección del elenco estaba a cargo del profesor Frederick Husler, reputado académico de canto de la época.

La Kroll fue el epítome del clima operático de la República de Weimar. Su radicalismo se manifestaba en dos frentes: primero, estableció un repertorio en el que la música contemporánea jugaba un papel vital y segundo, se convirtió en una plataforma para la colaboración entre algunos de los mas prominentes artistas avant-garde de todas las artes. Fue así que el enfoque "moderno" de sus puestas en escena del repertorio tradicional como también el estreno de obras contemporáneas provocaron gran animadversión al interior del naciente movimiento Nazi. 

La producción que provocó la mayor hostilidad entre los Nazis fue precisamente una puesta en escena de "El holandés errante" escenificada por Jürgen Fehling, diseñada por Ewald Dühlberg y dirigida por Otto Klemperer en 1928. Fue tal el repudio que provocó al interior del partido que diez años mas tarde fue elegida para presentarse en la muestra de "Arte Degenerado" montada en Düsseldorf  por los Nazis, como muestra de todo lo que el partido consideraba errado en las artes.

Coincidentemente esta grabación de "El holandés errante" es la única opera completa de Wagner grabada por Otto Klemperer a lo largo de toda su carrera discográfica, se acerca a la partitura desde un enfoque sinfónico quizás sin la urgencia de otras versiones que privilegian los tempi mas rápidos y una visión mas dinámica de la partitura. Klemperer en cambio se mantiene fiel a ses velocidades mas lentas y logra justificarlas gracias a la manera en que es capaz de sostener las lineas y enfatizar además los detalles de la orquestación.

El elenco está encabezado por Theo Adam quien recibió bastantes criticas negativas cuando apareció esta grabación. Si bien tiene poco que hacer vocalmente frente a la competencia, hay que decir que logra penetrar como pocos en la psicología del personaje. A su lado la Senta de Anja Silja se mueve en un  campo de acción bastante parecido. La voz brillante, punzante y muchas veces estridente tiene poco que hacer frente a la competencia pero la faceta interpretativa está expuesta de manera magistral, ayudada además por la enunciación clara en su idioma natal. Martti Talvela estaba al tope de sus posibilidades logrando un Daland cantado de manera magistral. Ernst Kozub fue una estrella fugaz de su tiempo y un joven Heldentenor, famoso por su fallida colaboración en el Anillo de Solti. Probablemente no es el interprete mas interesante pero su tono heroico suena muy bienvenido. Tanto Gerhard Unger como Annelis Burmeister completan el reparto con gran enjundia.

La grabación se realizó en el Studio No. 1 de Abbey Road en Londres, entre el 19 y 28 de febrero y entre el 8 y 14 de marzo de 1968. El proceso de remasterización estuvo a cargo de Ian Jones y se realizó en los mismos estudios de Abbey Road en 2017.

Theo Adam (Der Holländer)

Anja Silja (Senta)

Martti Talvela (Daland)

Ernst Kozub (Erik)

Gerhard Unger (Der Steuermann)

Annelies Burmeister (Mary)

BBC Chorus

New Philharmonia Orchestra

Otto Klemperer (Conductor)

Warner Classic

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Massenet - Thaïs (Sills - Milnes - Gedda) Maazel [FLAC]

Para apreciar en perspectiva el posteo anterior dedicado a la versión de "Thaïs" a cargo de la Moffo y Gabriel Bacquier, les traigo acá su competidora mas cercana.

La ópera de Massenet está ligada íntimamente a la figura de la "diva" en la ópera, incluso desde su concepción original. La ópera está basada en la novela de Anatole France (1890), Massenet trabajó sobre el libreto de Louis Gallet y con la figura y voz de Sybil Sanderson en su mente. La soprano americana se convirtió en la musa del compositor desde que este le escribiera el titular de su ópera "Esclarmonde" en 1889. 

El estreno se produjo en el Palais Garnier el 16 de marzo de 1894. Posteriormente el compositor revisó la partitura y produjo una segunda versión estrenada por la misma compañía el 13 de abril de 1898. Esta segunda versión (que incluye cortes y un cambio sustancial en la música del ballet) es la que se representa actualmente. Hasta el día de hoy no existen grabaciones de la versión de 1894 ni una edicion critica que presente la obra en su concepción original.

El título tuvo gran alcance especialmente entre la audiencia norteamericana y la responsable directa de la permanencia y popularidad de la ópera fue Mary Garden. La soprano escocesa recibió lecciones de la mismísima Sybil Sanderson (su mentora en muchos sentidos) y presentó el personaje durante 1901 en la opera de Aix-les-bains y en la Opera de Montecarlo. En 1907 decidió mudarse a Estados Unidos, seducida por un contrato con Oscar Hammerstein para presentarse en la recién fundada Manhattan Opera Company, una compañía de ópera que durante cuatro años se dedicó a competir de manera exitosa y directa con el Metropolitan Opera House. Hammerstein no sólo se aseguró de producir los estrenos locales de muchos títulos sino también de presentar a la audiencia neoyorkina a varias estrellas que el Met no consideraba en sus elencos.

El estreno americano de la obra y debut de Mary Garden se produjo el 25 de noviembre de 1907 y la soprano lo convirtió en uno de sus caballitos de batalla mas importante pues le ofrecía la oportunidad no sólo de mostrar su talento actoral sino también su manejo del estilo y también su figura que causó bastante revuelo. Garden se adueñó del personaje y lo presentó también en Chicago, cuando la compañía se mudó a esa ciudad y lo mantuvo en su repertorio casi de manera ininterrumpida hasta 1929. Fue tal su popularidad e identificación con la cortesana que en 1917 la llevó al cine en una cinta producida por Samuel Goldwyn.

En el Metropolitan la encargada de darle vida fue otra gran belleza de su tiempo: Geraldine Farrar. La bellísima soprano debutó el rol el 16 de febrero de 1917 y se presentó en él durante tres temporadas consecutivas. Después de su retiro prematuro, el titulo fue heredado por Maria Jeritza quien lo presentó durante la temporada de 1923 y también en la apertura de la temporada 1924-25. Rápidamente la ópera desapareció de los escenarios y 15 años mas tarde volvió al escenario del Met encabezado por Helen Jepson, quién también había sido alumna de Mary Garden y había ademas presentado el rol en Chicago durante las temporadas de 1935-37.

Pasaron casi 40 años de ausencia cuando el Met volvió a presentar el título el 18 de enero de 1978 con un reparto encabezado por Beverly Sills y Sherrill Milnes, en una producción comprada a la Opera de San Francisco. Fueron 17 funciones esparcidas entre Enero y Mayo de ese año. Luego de esto se volvió a abrir un lapso de 30 años de ausencia que terminó el 8 de diciembre de 2008 cuando se montó una nueva producción encabezada por Renee Fleming y Thomas Hampson. Las últimas funciones producidas en ese escenario datan de diciembre de 2017 y estuvieron encabezadas por Ailyn Pérez y Gerald Finley.

Esta grabación se realizó en la antesala de la producción montada en la Opera de San Francisco durante septiembre y octubre de 1976. El elenco está encabezado por Beverly Sills quien, como es costumbre en su arte, construye un intenso retrato psicológico de la cortesana. Todas las aristas aparecen delineadas y me atrevo a decir que a pesar del libreto, que en todo momento huele a película bíblica en Technicolor, la Sills logra construir un personaje tridimensional y logra una evolución que nadie mas ha logrado delinear, produciendo con ello el mejor y mas intenso desenlace de todas las versiones. Su "Ah! le ciel! Je vois... Dieu!" estremece al mas escéptico. Por otro lado la soprano se encontraba ya en la última etapa de su carrera y el instrumento tiende siempre a los sonidos estridentes y al vibrato lento. En ningún momento es un sonido que sugiera sensualidad (en este terreno la Moffo se pone claramente por delante) y la soprano palía este defecto con recursos interpretativos, gran manejo del estilo y un fino delineado del fraseo. 

El resto del elenco se completa con un sonoro y vibrante Athanaël a cargo de Sherrill Milnes,quién en la comparación con Bacquier se queda solo en la epidermis de su personaje. Por otro lado Nicolai Gedda entrega un efectivo e idiomático Nicias pero sin la juventud ni la belleza vocal de Carreras.

La grabación se realizó en el Studio No. 1 de Abbey Road en Londres, durante el mes de Junio de 1976.

Beverly Sills (Thaïs)

Sherrill Milnes (Athanaël)

Nicolai Gedda (Nicias)

Richard van Allan (Palémon)

Ann-Marie Connors (Crobyle)

Ann Murray (Myrtale)

Norma Burrowes (La Charmeuse)

Patricia Kern (Albine)

Brian Ethridge (Un serviteur)

John Alldis Choir

New Philharmonia Orchestra

Lorin Maazel (Conductor)

EMI

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Massenet - Thaïs (Moffo - Bacquier - Carreras - Diaz) Rudel [Flac Hi-Res]

Esta grabación de "Thaïs" fue la primera toma completa de la obra de Massenet. En 1961 se había publicado una grabación encabezada por Renée Doria y Robert Massard que incurría en varios cortes (incluido el ballet) por lo que la llegada de esta grabación estelar fue recibida con bastante entusiasmo al momento de ser anunciada por la RCA.

En el papel, tenía todos los elementos necesarios para haberse convertido en la grabación de referencia pero el estado vocal de la soprano sorprendió a varios y terminó causando mas controversia que verdadero éxito. El escándalo además estuvo adornado por un elemento extra musical que sirvió de caldo de cultivo para los chismes mas sabrosos de la época: En 1972 La Moffo se había divorciado de su primer marido, el director italiano Mario Lanfranchi y en Noviembre de 1974 contrajo matrimonio con Robert Sarnoff, presidente de la RCA, es decir "el jefe" del sello discográfico.

El estado vocal de la Moffo fue suficiente para condenar a la grabación completa, pasando por alto el resto de factores a tomar en cuenta y que en la suma final la sigue colocando, a mi parecer, al tope de la lista. Es cierto que el estado vocal de la soprano deja bastante que desear pero en la comparación con otras Thaïs de la discografía, es la única capaz de entregar verdadera seducción vocal. A pesar de las limitaciones que le impone su instrumento erosionado por los años, el timbre voluptuoso y la amplia paleta de efectos de emisión, le permiten colorear el fraseo y componer el personaje de la cortesana con gran acierto, siempre desde una vocalidad sugerente y seductora. Por otro lado el desgaste del instrumento afecta la estabilidad de la afinación y en especial el paso a la voz de pecho que la soprano suple con una emisión cercana al susurro. Por otro lado, si bien los agudos extremos (Do-Re) siguen presentes, ya es una zona que le presenta grandes dificultades. En la comparación con su mas cercana competidora, Beverly Sills en la grabación producida por la EMI en 1976, hay que decir que la Sills sigue sonando mas urgente en el drama pero sin la seducción y la suavidad del timbre de la Moffo.

El resto del elenco es sencillamente brillante. Gabriel Bacquier bordeaba ya los 50 años cuando se realizó esta grabación pero mantiene la belleza y el esmalte de su hermoso timbre, sumado al factor teatral e interpretativo siempre presente en su arte. El personaje surge finamente delineado en toda la amplia gama de su fanatismo religioso conflictuado por su relación con la protagonista, ayudado además por lo exquisito del juego de la fonación en su idioma nativo. José Carreras está captado en la plenitud de la juventud (antes de los años de tránsito por el lado mas pesado del repertorio) y adorna a su ingrato personaje con grandes cuotas de belleza vocal.

Estupenda la batuta de Julius Rudel quién logra extraer el drama que en otras lecturas termina desdibujado por "culpa" de la hermosa orquestación de Massenet. Mención especial merece el proceso de remasterización que resalta el gran trabajo de ingeniería de sonido realizado por la RCA  en 1974.

La grabación se realizó en el Walthamstow Town Hall de Londres, durante los meses de Julio y Agosto de 1974.


Anna Moffo (Thäis)
Gabriel Bacquier (Athanaël)
José Carreras (Nicias)
Justino Diaz (Palémon)
Patricia Clark (Crobyle)
Antonia Butler (Myrtale)
Elizabeth Bainbridge (Albine)
Jessica Cash (La Charmeuse)

Ambrosian Opera Chorus
New Philharmonia Orchestra
Julius Rudel (Conductor)

Sony Classical
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Rossini - Il Barbiere di Siviglia (Berganza - Alva - Prey - Dara) Abbado [Flac Hi-Res]

La Deutsche Grammophon reeditó en Mayo de 2018 esta verdadera joya de la discografía y momento pivote en la historia de la interpretación del repertorio rossiniano. La grabación fue la primera en emplear la partitura de la edición crítica de Alberto Zedda, quién realizó una exhaustiva investigación del material original, tanto del manuscrito del compositor como de la primera edición, considerando además otras fuentes posteriores. Publicado por Casa Ricordi en 1969 se lo puede considerar el momento de inicio de la "Rossini Renaissance" que al mismo tiempo de devolverle al repertorio rossiniano un lugar estelar dentro de la escena musical desde mediados de los años '70, significó también una importante revisión musicológica de toda la obra del compositor.

"Il barbiere di Siviglia" está basada en "Le Barbier de Séville" de Pierre Beaumarchais, la primera parte de una trilogía de obras del autor francés. El libreto para la ópera de Rossini fue escrito por Cesare Sterbini y tras un periodo de composición frenético, la obra se estrenó en el Teatro Argentina de Roma el 20 de febrero de 1816. Según los reportes de la época, el estreno fue todo un desastre, ayudado por la oposición de los adherentes del ya veterano Giovanni Paisiello, autor a su vez de una primera y exitosa adaptación estrenada en 1782. Al parecer las cosas funcionaron mejor en la segunda presentación y rápidamente la opera se convirtió en el mas grande y duradero éxito de la carrera de Rossini. Sobrevivió mejor que ningún otro titulo belcantista al paso del tiempo y sigue siendo considerada la mas grande opera buffa de todos los tiempos.

La historia de las presentaciones de la ópera es bastante complicada y esta llena de cambios, adiciones y cortes que con el correr de los años "ensuciaron" bastante tanto la música como el espíritu original de la obra, siendo quizás el mas notorio los cambios de tonalidad para transformar a Rosina en soprano ligera.

Los principales cambios se registraron ya en el revival de la ópera montado en agosto de 1816 en el Teatro Contavalli de Bologna. A pesar de que Rossini no estuvo involucrado en esta producción, se puede decir que todos los cortes y adiciones posteriores tuvieron como punto de partida a esta producción. Los cortes incluyen al aria del Conde "Se il mio nome", el aria de Rosina "Contro un cor" que fue reemplazada por "La mia pace, la mia calma" de autor desconocido. En este punto es necesario nombrar también cambios muy posteriores que usaban esta escena para insertar música de diferentes autores. La tradición y el cambio de Rosina en soprano ligera, permitió que nombres tan famosos como Adelina Patti introdujeran interpretaciones de "Il Bacio" de Arditi o  Marcella Sembrich se animara con "Frühlingsstimmen" de Johann Strauss.

Otro corte importante fue el que sufrió la escena final del Conde, "Cessa di più resistere", que en la producción de Bologna fue cantada también por Geltrude Righetti, la Rosina original. Al parecer a la Rigetti le gustaba tanto la pieza que Rossini terminó por reutilizar la sección final en "Non più mesta" de "La Cenerentola", creada también por ella. Los motivos de este corte pueden obedecer a varias razones. Quizás la principal sea la popularidad alcanzada por la inserción en "La Cenerentola" pero no podemos pasar por alto las tremendas exigencias técnicas que le impone al tenor y que la convirtieron en una pieza de virtuosismo que muy pocos se atrevieron a enfrentar.

También es necesario hacer notar que este corte es probablemente el mas perjudicial a la hora del balance general. La escena (que es bastante larga) de alguna manera transforma al Conde en el protagonista (en perjuicio de Figaro) y produce un desenlace mucho mas orgánico.

Producciones posteriores añadieron incluso mas material. En 1819 en el Teatro San Samuele de Venecia, Rosina fue interpretada por la soprano Joséphine Fedor y Rossini escribió para ella el aria "Ah se è ver che in tal momento" que muchas Rosinas-Soprano incluyeron durante años como parte de la obra original.

Además del trabajo de recuperación y "limpieza" del material original, Zedda también recurre a las fuentes para limpiar el texto de variaciones y añadiduras posteriores. Por otro lado el director también reconstruye las articulaciones, algunas inconsistencias rítmicas, restablece diferentes ornamentaciones aceptadas por Rossini y restituye finalmente las tonalidades originales.

El trabajo de recuperación a cargo de Alberto Zedda recurre al manuscrito original que contiene la mayor cantidad del material usado en el estreno de la obra, excepto la Sinfonia. Según algunas fuentes Rossini escribió una obertura que utilizaba diversos motivos españoles para el estreno de la ópera pero se perdió con el paso del tiempo. El trabajo de Zedda y los intentos posteriores han llegado a la conclusión que tal obertura nunca existió y que Rossini en realidad reutilizó la Sinfonía escrita para "Aureliano en Palmira" (1813) y reorquestada para "Elisabetta, regina d'Inghilterra" (1815). El principal argumento para sostener esto es que el manuscrito original del Barbero incluye la linea del contrabajo de la obertura usada en "Aureliano en Palmira".

La grabación de Abbado se ciñe de manera estricta al trabajo de limpieza comenzado por Zedda y logra ensamblar en gran medida el trabajo en su concepción original. El único ítem que sigue oculto es el aria final del Conde, "Cessa di più resistere", que ya había aparecido en disco en las versiones completas grabadas por Cesare Valletti (1958) y  Ugo Benelli (1964). Abbado opta por mantener el corte, a pesar de tener a su disposición el trabajo musicológico de Zedda, quizás por la dificultad que le significa a Luigi Alva.

El elenco está encabezado por el Figaro de Hermann Prey, bastante alejando de la italianidad y el estilo. Si bien su musicalidad cultivada le ayuda a salir adelante, hay que decir que los problemas de articulación en la coloratura y la falta de ligereza general de su emisión son grandes escollos que el barítono no logra superar. La Berganza registra aquí su segunda Rosina y repite los mismos niveles de excelencia musical y estilística que en la anterior toma bajo la batuta de Varviso (1964) pero el tiempo no pasa en vano y ya se oyen signos de desgaste en el extremo agudo del registro. Por su parte Luigi Alva graba aquí su quinto (!!) Almaviva de estudio. Si bien mantiene la dulzura del timbre, el manejo del estilo ya se resiente con algún amaneramiento y el canto ornamentado, si bien está resuelto de manera segura, ya se oye algo angustioso y sin la precisión que lograrían tenores posteriores. A pesar de los esfuerzos de Zedda por recuperar los cortes impuestos por la tradición, el tenor no se anima a grabar "Cessa di più resistere". Completan el reparto Enzo Dara y Paolo Montarsolo con el ingrediente idiomático necesario. Abbado dirige enérgicamente una Sinfónica de Londres al parecer reducida a proporciones de cámara pero que responde a gran altura en el tratamiento ligero, transparente y de gran precisión rítmica que el director le impone a la partitura.

La grabación se realizó en el Wattford Town Hall de Londres, durante el mes de septiembre de 1971.

Teresa Berganza (Rosina)
Luigi Alva (Il Conte d'Almaviva)
Hermann Prey (Figaro)
Enzo Dara (Bartolo)
Paolo Montarsolo (Basilio)
Renato Cesari (Fiorello)
Stefania Malagù (Berta)
Luigi Roni (Un ufficiale)

The Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Bernstein - West Side Story (Te Kanawa - Carreras - Troyanos - Ollman - Horne) Bernstein [Flac Hi-Res]

La linea divisoria entre la Opera y el Musical experimentó un cambio bastante importante durante la década del 80'. Sin olvidar la constante presencia de "Porgy and Bess", probablemente el puntapié inicial hay que buscarlo en "Sweeney Todd" de Stephen Sondheim. El musical del barbero de Fleet Street fue estrenado en Broadway en 1979 y durante 1984 rompió la linea divisoria recibiendo dos producciones en las compañías de la Houston Grand Opera y la New York City Opera. Es muy probable que el alcance de su éxito haya influido en los productores de la Deutsche Grammophon para planear esta grabación del musical de Leonard Bernstein.

La fórmula de esta grabación es bastante clara: recrear el musical pero con un elenco de estrellas operáticas del momento. La popularidad alcanzada por esta grabación de "West Side Story" dirigida (por primera vez) por su compositor, sumado al éxito de ventas llevó a las disqueras a tratar de repetir la fórmula y se planearon grabaciones de "South Pacific" nuevamente con la Te Kanawa y Carreras encabezando el elenco, "My Fair Lady" también con la Te Kanawa esta vez acompañada por Jerry Hadley y Jeremy Irons. "Carrousel" con Samuel Ramey, Sarah Brightman, David Rendall y Maureen Forrester y "Show Boat" con Frederica von Stade, Jerry Hadley y Teresa Stratas. Una seguidilla de intentos nada despreciables y hoy por hoy algo olvidados.

El proyecto tuvo varios cambios de fecha y de elenco que se realizaron al parecer a mitad de camino y que terminaron por caldear bastante los ánimos. Les recomiendo vean el documental de la grabación que testimonia el choque entre Bernstein y Carreras, disponible en YouTube. Al parecer la única que estuvo considerada desde un comienzo fue Kiri Te Kanawa en el rol de María, Carreras se unió a última hora y reemplazó a dos tenores anteriores que fueron removidos del elenco. La Troyanos entró en reemplazo de Marilyn Horne, la Anita original pensada para esta grabación. La misma contralto terminó reemplazando a Jessye Norman, quién estaba prevista para cantar "Somewhere".

Bernstein dirige su partitura por primera vez completa y sin los agregados que se hicieron para la adaptación cinematográfica de 1961 y que no fueron escritos por él. Los tempi son un poco mas lentos que los usados para el Soundtrack pero la respuesta de la orquesta está a gran altura. Se agradece el cuidado que pusieron los ingenieros en captar el hermoso sonido que el director/compositor logra extraer de sus instrumentistas y se entiende también la decisión de usar cantantes que puedan proyectar sus voces por encima de este entramado musical tan bellamente construido.

La Te Kanawa entrega hermosos sonidos pero con una dicción que pretende sonar a puertoriqueña sin mucho éxito. Por otro lado en ningún momento suena juvenil. La tessitura del personaje la deja expuesta a entregar muchas veces sonidos con evidente escape de aire y una caracterización algo aburrida. A su lado José Carreras está captado en un momento de gran empuje y belleza vocal pero el fuerte acento español se cuela en su inglés que, según lo que dicta su personaje, debiese ser el mas puramente norteamericano. No es el caso en esta grabación y es un factor decepcionante, teniendo en cuenta el contexto de la historia que se pretende contar, en donde el choque cultural entre un norteamericano enamorado de una chica puertoriqueña es la base sobre que se desarrolla el drama. De todas maneras se nota que el español trabajó duro para librarse de su acento, incluso usando la "r" americana en su problemática versión de "María" (vean el documental...) pero con el paso de los minutos uno se hace mas consciente de los esfuerzos de Carreras mas que de sus logros en retratar a Tony.

El resto del elenco se completa con una convincente, estridente y frontal Anita a cargo de Tatiana Troyanos (nacida y criada en el West Side) y un estupendo Riff a cargo de Kurt Ollmann. Por su parte Marilyn Horne entrega una sentida y estupendamente cantada versión de "Somewhere".

La grabación se realizó en el RCA Studio en New York durante el mes de Septiembre de 1984. La remasterización fue publicada en 2017.


Kiri Te Kanawa (María)
José Carreras (Tony)
Tatiana Troyanos (Anita)
Kurt Ollmann (Riff)
Marilyn Horne (cantando "Somewhere")

Orchestra and Chorus
Leonard Bernstein (Conductor)

Deutsche Grammophon
Flac@96kHz-24bit | Cover + Digital Booklet

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Mozart - Don Giovanni (Wächter - Schwarzkopf - Sutherland - Taddei - Alva - Cappuccilli - Sciutti - Frick) Giulini [Flac Hi-Res]

El catalogo de grabaciones de "Don Giovanni" está repleto de estupendas versiones captadas desde comienzos de la era del LP, a pesar del paso de los años esta versión dirigida por Giulini logró posicionarse desde un comienzo como una referencia absoluta. La grabación a estas alturas ya disfruta de un status de leyenda como pocas otras lo han logrado en este título mozartiano. Ha estado presente de manera ininterrumpida en el catalogo activo de grabaciones y ya en el 2016 se produjo esta remasterización en alta definición que la vuelve a posicionar en el catalogo digital y con la mejor calidad de sonido hasta ahora alcanzada.

Originalmente Walter Legge, el productor de la Emi, planeó esta grabación con Otto Klemperer a la cabeza del proyecto. El director judío-alemán era una leyenda de la dirección que había tenido que sufrir la interrupción de su carrera con la llegada de los Nazis al poder. Se instaló en los Estados Unidos y su carrera se vio afectada tanto por la critica adversa como por la imposibilidad de encajar en un medio musical que nunca lo reconoció como una figura de primer orden. Se sumó a esto el carácter intratable del director y problemas físicos y mentales que terminaron por convertirlo en una figura de apariciones bastante esporádicas dentro de la escena musical.
Luego de perder los puestos de director de la Philadelphia Orchestra frente a Eugene Ormandy y luego el de la Filarmonica de New York frente a John Barbirolli y Artur Rodziński, el director cayó en un largo período depresivo, agravado por el descubrimiento de un tumor cerebral. Ante la imposibilidad de retomar su carrera en Estados Unidos y en medio de un ambiente político bastante complicado, Klemperer optó por volver a Europa después de perder su pasaporte estadounidense y acogerse a la nacionalidad alemana.
Su regreso a Europa y la asociación con Walter Legge lograron revitalizar su carrera y posicionarlo finalmente en el lugar de prestigio que le fue tan esquivo por tantos años.
A fines de septiembre de 1958 Klemperer sufrió un accidente domestico que lo dejó con quemaduras en el 15% de su cuerpo. El largo proceso de recuperación le permitió volver a casa recién en Mayo de 1959 por lo que su agenda de conciertos y grabaciones debió ser pospuesta, incluida su participación en la grabación de "Don Giovanni".

Los preparativos para las sesiones de grabación siguieron su curso a pesar de los problemas de Klemperer. Legge logró reunir un elenco que él mismo calificó como "una joya" y que comenzó las sesiones de grabación el 7 de octubre. Además se agendaron dos presentaciones en formato concierto en el Royal Festival Hall de Londres que se realizarían luego de la primera tanda de grabaciones.

Frente a la emergencia producida por la salida de Klemperer, Legge logró convencer a Carlo Maria Giulini para que se hiciera cargo del proyecto discográfico y a Colin Davis para que dirigiera las dos funciones del 18 y 20 de Ocubre. Giulini, a sus 45 años, nunca había dirigido la ópera de Mozart pero Legge, que ya lo tenía bajo contrato para dirigir una versión de "Le nozze di Figaro" (con varios miembros del elenco repitiéndose en "Don Giovanni") decidió confiar y entregarle la dirección de la grabación.

El elenco es una mezcla bastante heterogénea de cantantes encabezados por el protagonista de Eberhard Wächter quien retrata un libertino bastante serio, confiando mas en las aristas oscuras del personaje. Por otro lado el despliegue vocal, el carisma y la crueldad con la que presenta la música no defrauda en ningún momento. A su lado ambas Donna logran uno de los mejores resultados de la discografía. La Schwarzkopf crea en su Elvira todo un arquetipo de mujer abandonada y amargada. La misma soprano relata en entrevistas posteriores el trabajo extra que le significó esta versión, acudiendo a las resonancias mas angulosas de su voz para recrear sonoramente un personaje muy poco querible. A su lado la Sutherland hace su debut discográfico en una ópera completa con un despliegue vocal y estilístico encomiable. Por su parte Giuseppe Taddei hace magia entregando el lado mas buffo de Leporello desplegando su hermoso timbre y una amplia variedad de recursos expresivos. Luigi Alva sortea con virtuosismo y elegancia sus difíciles arias mientras que la Sciutti y un joven Cappuccilli componen una pareja juvenil y colorida. Gottlob Frick cierra el elenco de estrellas con un sonoro y profundo Commendatore.

Claro protagonista de la grabación es la Philharmonia Orchestra, quienes bajo la mano de Giulini, los tempi rápidos, la precisión, el contraste entre los momentos serios y buffos y la atención meticulosa al drama, logran un resultado muy difícil de superar por otras agrupaciones.

Las sesiones de grabación se realizaron en el Studio No. 1 de Abbey Road en Londres, entre el 7 y 15 de Octubre y el 23 y 24 de Noviembre de 1959. La remasterización fue realizada por Andrew Walter en los mismo estudios londinenses en el año 2016.



Eberhard Wächter (Don Giovanni)
Joan Sutherland (Donna Anna)
Elisabeth Schwarzkopf (Donna Elvira)
Giuseppe Taddei (Leporello)
Luigi Alva (Don Ottavio)
Piero Cappuccilli (Masetto)
Graziella Sciutti (Zerlina)
Gottlob Frick (Commendatore)

Philharmonia Orchestra and Chorus
Carlo Maria Giulini (Conductor)

Warner Classics
Flac@96kHz-24bit | Cover + Digital Booklet

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