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domingo, 19 de julio de 2026

Charpentier - Louise (Lott - Pruett - Gorr - Blanc) Cambreling [1983, Flac]

 



En medio de una obligada pausa invernal debido a los temporales de lluvia que por estas fechas nos afectan en Chile, re-encontré el ánimo para terminar con este homenaje a la carrera discográfica de Rita Gorr que comencé a postear en marzo del presente año para celebrar el centenario del nacimiento de la mezzosoprano. Durante la pausa nos enteramos del fallecimiento de Felicity Lott, ocurrido en mayo de 2026, una gran artista que merece un homenaje por sí sola (un recorrido por su discografía sin duda sería un viaje interesante...) pero que por coincidencias de la vida es la protagonista de esta grabación de "Louise" de Gustave Charpentier. Homenaje doble pues.

Gustave Charpentier nació el 25 de junio de 1860 en Dieuze, una pequeña localidad del este de Francia. Con frecuencia se le denomina "el otro Charpentier" para diferenciarlo de Marc-Antoine Charpentier, una de las figuras más destacadas del Barroco francés, nacido en 1643. Pese a la coincidencia de sus apellidos, no existía relación consanguínea alguna entre los dos compositores.

Gustave fue uno de esos autores conocidos prácticamente por una sola obra (un "One Hit Wonder" de la ópera). La única de sus composiciones que aún se representa es la ópera "Louise", y aun así muy de vez en cuando. Su popularidad se debe sobre todo a una de sus arias, "Depuis le jour", parte obligada del repertorio de soprano, interpretada con frecuencia en conciertos y registrada en recitales solista para lucir el registro agudo y el canto legato de la diva de turno.

"Louise" es una "novela musical" (roman musical) dividida en cuatro actos y cinco escenas. Aunque su autor la definió así quizás para destacar la contemporaneidad de la obra, el título suele ser considerado como una ópera. El propio Charpentier escribió el libreto en francés, con la colaboración del poeta simbolista Saint-Pol-Roux, cuya obra ejercería posteriormente una notable influencia sobre el movimiento surrealista.

La trama ofrece un retrato de la vida de la clase trabajadora en el París de finales del siglo XIX, donde la ciudad adquiere un papel casi protagónico. La protagonista, Louise, una joven costurera (una Grisette para ser mas exactos) que vive bajo la estricta tutela de sus padres, está enamorada de Julien, un artista bohemio. Para ella, el amor y la libertad son inseparables, y ambos encuentran su máxima expresión en la vibrante vida parisina. Años más tarde y animado por el éxito de la ópera, Charpentier escribió una secuela que retomaba la historia bajo el título de "Julien", centrándose en las aspiraciones artísticas del protagonista. La secuela, sin embargo, fue un fracaso.

"Louise" se estrenó el 2 de febrero de 1900 en la Salle Favart, sede de la Opéra-Comique de París, bajo la dirección musical de André Messager y producción de Albert Carré. La obra obtuvo un éxito inmediato: poco más de un año después alcanzó su representación número 100; el 17 de enero de 1921 celebró su función número 500 en la Opéra-Comique y, a comienzos de la década de 1950, ya había superado las 950 representaciones, consolidándose como uno de los mayores éxitos del repertorio de la institución. 

Luego de su estreno, se montaron producciones en Bruselas, Budapest y Milan en 1901. Al año siguiente se sumaron Berlin, Praga, Viena, Ginebra y Estocolmo. Su estreno en los Estados Unidos se produjo en 1908, no en el Metropolitan Opera, como podría suponerse, sino en la Manhattan Opera House de Nueva York, la compañía rival del famoso teatro neoyorkino.

Por otro lado, "Julien", la secuela de "Louise", se estrenó en la Ópera-Comique el 4 de junio de 1913. La critica juzgó el libreto como "oscuro" y de no poseer un conflicto dramático potente, por otro lado la música no tiene el genio melódico de "Louise" y a juzgar por las expectativas formadas y la larga espera en su composición y producción, el estreno fue decepcionante, por decir poco.

A pesar del fracaso en su estreno y de la falta de interés por parte de otros teatros europeos, "Julien" se presentó en el Metropolitan Opera House de New York, el 26 de febrero de 1914, incluso antes que el teatro se animara a producir "Louise", cuyo estreno norteamericano había ocurrido en la compañía rival, como vimos anteriormente.

La producción de "Julien" fue una copia de la realizada por la Opéra-Comique de Paris pero realzada con el presupuesto del Met y contó con la presencia de Enrico Caruso y Geraldine Farrar, máximas estrellas de la compañía, en los roles principales.

Parece ser que Giulio Gatti-Casazza, General Manager de la Compañia, veía en la secuela la oportunidad de un gran éxito y se animó a montarla a pesar de las malas criticas de su estreno francés. Finalmente se produjeron un total de 5 funciones, el título no logró el éxito y el Met nunca mas volvió a programar la ópera. 

Recién en 1921, "Louise" fue estrenada en el Met con Geraldine Farrar repitiendo el papel principal con gran éxito de público y critica. La producción acumuló un total de 14 funciones esparcidas durante la temporada. En 1930 se montó una nueva producción con Lucrezia Bori como protagonista y el olvidado Antonin Trantoul como Julien con un total de 8 funciones. En 1939 el Teatro volvió a montar la producción esta vez para lucimiento de Grace Moore con funciones esparcidas hasta 1943. En 1947 volvió a aparecer en la programación esta vez con Dorothy Kirsten en el titular con funciones esparcidas hasta febrero de 1949, luego de esto desapareció de la programación del teatro.

La opera se mantuvo como parte del repertorio estándar hasta mediados del siglo XX. En la Opéra-Comique se montó un revival en 1950 para celebrar los 50 años de su estreno. En décadas posteriores, sin embargo, el titulo cayó poco a poco en el olvido.

En años mas recientes resurgió el interés por la obra y se montaron producciones en la Opera de Paris y Duisburg en 2008, el Festival de Spoleto, la Opera National du Rhin en 2009, Dusseldorf en 2010 y mas recientemente en el Festival de Aix-en-Provence en 2025.

Esta grabación proviene de una función tomada del vivo en la Opera Real de La Moneda en Bruselas. Encabezan el reparto la encantadora pareja de Felicity Lott y Jerome Pruett. Ambos en buen estado vocal y con las cuotas esperables de entrega y pasión. A su lado Rita Gorr, nuestra festejada, compone una Madre de imponente vocalidad a pesar de los años. La parte no le exige notas extremas, gracias a esto la mezzo es aun capaz de un canto señorial y sonoro. Por su lado, Ernest Blanc, también un veterano del teatro a esas alturas, luce su hermosa y sonora voz en un autoritario Padre.

La grabación se realizó durante las funciones realizadas en enero de 1983 en el Théâtre Royal de La Monnaie en Bruselas.

Felicity Lott (Louise)
Jerome Pruett (Julien)
Rita Gorr (La Mère)
Ernest Blanc (Le Père)

Choeurs d'Enfants du Collège Saint-Pierre, Uccle
Choeurs et Orchestre Symphonique de l'Opéra National de Belgique
Sylvain Cambreling (Conductor)

Erato
Flac | Cover + Scans

miércoles, 25 de marzo de 2026

Saint-Saëns - Samson et Dalila (Vickers - Gorr - Blanc) Prêtre [1963/2021, Flac]

 


Esta versión de "Samson et Dalila" producida por Pathé-Marconi, la filial francesa de Emi, fue planeada en un principio como un producto de consumo local. Frente al éxito alcanzado, la producción salió fuera de las fronteras francófonas al mercado internacional para convertirse en la versión de referencia de la era del LP.

Vickers aun no debutaba el rol de Samson cuando se realizó esta grabación pero desde su primera función en Buenos Aires en 1963, se convirtió en uno de sus personajes mas solicitados, presentándolo en puntos tan alejados como Chicago, Ginebra, Tel Aviv, New York, Tokyo y Londres. Samson lo acompañó casi hasta el final de su carrera y fue precisamente en sus ropas que se despidió del publico del Metropolitan en abril de 1987.

La grabación lo presenta en su mejor momento vocal y como siempre con una cuidada caracterización del personaje. En décadas posteriores pudo profundizar más en él pero a costa de una voz que se fue volviendo cada vez mas dura en la emisión y difícil en el agudo.

La presencia de Rita Gorr como Dalila termina de confirmar a esta grabación como un referente discográfico hasta el día de hoy. Gorr poseía una voz opulenta y de un color muy personal y hermoso. Manejaba el estilo a la perfección y es capaz de crear un personaje tan seductor como imponente, se mueve por este amplio espectro emocional y vocal con una intensidad que pocas colegas han logran conseguir en el disco.  El elenco se completa con la carta segura de Ernest Blanc como Grand Prêtre, de hermosa voz y gran presencia y por otro lado la mediocridad de Anton Diakov como Abimelech que de todas maneras no logra empañar el resultado final.

La grabación se realizó en la Sale Wagram de París del 25 al 28 de Septiembre y del 1 al 10 de Octubre de 1962. La edición fue publicada por el sello Erato en 2021.


Jon Vickers (Samson)
Rita Gorr (Dalila)
Ernest Blanc (Le Grand Prêtre de Dagon)
Anton Diakov (Abimelech & Un vieillard hébreu)
Rémy Corazza (Un messager)
Jacques Poitier (Premier Philistin)
Jean-Pierre Hurteau (Deuxième Philistin)

Cheours René Duclos
Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris
Georges Prêtre (Conductor)

Erato
Flac | Cover

viernes, 20 de marzo de 2026

Gluck - Iphigénie en Tauride (Gorr - Gedda - Blanc - Quilico) Prêtre [1961/2024, Flac]

 


La ópera “Ifigenia en Táuride”, de Christoph Willibald Gluck estrenada en el Teatro de la Ópera Real de París el 18 de marzo de 1779, puede entenderse, en términos modernos, como una continuación o “secuela” de su obra anterior “Ifigenia en Áulide”, presentada en el mismo teatro el 19 de abril de 1774. Ambas piezas están conectadas tanto por su argumento como por sus personajes, formando parte de una misma línea narrativa inspirada en la mitología griega.

En "Aulide" se narra el conflicto de Agamenón, quien debe sacrificar a su hija, Ifigenia, para asegurar el viaje a Troya. En "Táuride", Ifigenia ha sido salvada por la diosa Diana y trasladada a Táuride, donde vive como sacerdotisa obligada a sacrificar a todo extranjero que llegue a esas tierras. La trama da un giro cuando arriban dos náufragos griegos: su hermano Orestes y su amigo Pílades, aunque al principio no se reconocen. A partir de ahí, la ópera desarrolla un intenso drama de identidad, culpa y destino, que culmina en el reencuentro de los hermanos y su huida, poniendo fin al ciclo de violencia que persigue a su familia.

Esta grabación corresponde a una selección de arias y conjuntos encabezados por la intensa y sonora Iphigénie de Rita Gorr. El elenco estelar incluye también a Ernest Blanc y Nicolai Gedda como Oreste y Pylade, respectivamente, y la verdad es que la combinación tiene todo lo esperable en estos terrenos: hermosas voces, gran fraseo, manejo del idioma y el estilo de canto francés de la década del 60'.

Las sesiones de grabaciones se llevaron a cabo los días 19, 20, 23 & 24 de mayo de 1961 en la Salle Wagram de París. La redición fue publicada por Erato en 2024.

Rita Gorr (Iphigénie)
Ernest Blanc (Oreste)
Nicolai Gedda (Pylade)
Louis Quilico (Thoas)

Chœurs René Duclos
Orchestre De La Société Des Concerts Du Conservatoire
Georges Prêtre (Conductor)

Erato
Flac | Cover

lunes, 16 de marzo de 2026

Wagner - Lohengrin (Konya - Grümmer - Gorr - Blanc - Crass) Matačić [1959/2006, Flac]



Esta grabacion de "Lohengrin" proveniente del Festival de Bayreuth del verano del 59'  nos ofrece uno de los mejores elencos reunidos para la ópera de Wagner, con un marcado acento lírico en todos los roles principales.

Encabeza el reparto el tenor húngaro Sándor Kónya, dueño de los instrumentos mejor dotados de su generación. Su Lohengrin proviene del lado mas lírico de la vocalidad, con un generoso uso del registro de cabeza pero con la robustez necesarias para atravesar la masa orquestal wagneriana con facilidad. A su lado Elisabeth Grümmer parece jugar con las mismas reglas a la hora de hacer frente a su personaje, un papel que no requiere necesariamente a una Flagstad o una Nilsson, ni a alguien que pudiera encarnar a Kundry, o a Senta. Elsa no es la hija de Wotan, una mujer que se burló de Cristo y que desde entonces ha sufrido, ni la hija enloquecida de un marinero. Grümmer lo comprende a cabalidad y si bien es dueña de un instrumento squillante y robusto, es también capaz de momentos de gran delicadeza.

Rita Gorr, nuestra festejada, encontró en la malvada Ortrud uno de sus mejores papeles tanto en la vocalidad como en lo expresivo. La música de Wagner le permite lucir en toda su gloria lo voluptuoso de la zona media de su voz como también los agudos valientes y estentóreos. Un verdadero lujo. A su lado, el barítono francés Ernest Blanc adorna su interpretación del perverso Friedrich con su hermosa y aterciopelada voz. Crass y Wächter son dos lujos en sus respectivos roles.

Lovro von Matačić saca lo mejor de la estupenda orquesta del Festival, subrayando el drama y la tensión que recorre la obra de principio a fin.

La grabación proviene de una función del 4 de agosto de 1959 en el Festival de Bayreuth.


Sándor Kónya (Lohengrin)
Elisabeth Grümmer (Elsa von Brabant)
Rita Gorr (Ortrud)
Ernest Blanc (Friedrich von Telramund)
Franz Crass (Heinrich der Volger)
Eberhard Wächter (Der Heerrufer)

Chor und Orchester der Bayreuther Festspiele
Lovro von Matačić (Conductor)

Orfeo
Flac | Cover + Scans

sábado, 14 de marzo de 2026

Gounod - Faust (Gedda - de los Ángeles - Christoff - Blanc - Gorr) Cluytens [1959/2003, Flac]

 


La leyenda de Fausto, un hombre que vende su alma al Diablo a cambio de conocimiento o juventud, fue popularizada por primera vez en el "Faustbuch" de 1587, una colección de historias sobre antiguos magos famosos por su habilidad en las ciencias ocultas. El libro inspiró la obra de 1604 "The Tragical History of Doctor Faustus" de Christopher Marlowe, así como la obra trágica de 1808 "Faust" de Johann Wolfgang von Goethe, considerada ampliamente una de las mayores obras de la literatura alemana. 

En el mundo musical la historia inspiró también a autores como Beethoven, Schubert, Spohr, Berlioz, Liszt, Mahler y Boito a componer obras sobre la figura de Fausto, cuya popularidad continuó a lo largo de los siglos XIX y XX. Obras literarias como "Der Doktor Faust: Ein Tanzpoem" (1851) de Heinrich Heine, "Mon Faust" (1946) de Paul Valéry y "Doctor Faustus" (1947) de Thomas Mann también siguieron aprovechando sus ricos temas y su final trágico. Más tarde, la aparición del cine moderno dio una nueva forma a este antiguo relato: películas como "Faust" (1926), la fantasía muda de F. W. Murnau; la película de terror rock de 1974 "Phantom of the Paradise", escrita y dirigida por Brian De Palma; y "Mephisto" (1981) ofrecieron al público nuevas interpretaciones de una historia que, como su propio héroe, nunca parece envejecer.

La ópera de Charles Gounod se estrenó el 19 de marzo de 1859 en el Théâtre Lyrique de Paris, una sala hoy desaparecida y que se ubicaba en los terrenos que actualmente ocupa la Place de la République. La ópera no pretende escenificar por completo la compleja obra de Goethe, en cambio, se centra en el pacto con Méphistophélès, el encuentro romántico con Marguerite (Gretchen en la obra de Goethe) y el trágico desenlace que esto conlleva. 

Al igual que varios títulos de su época, la ópera de Gounod está intrínsecamente ligada a los primeros artistas que le dieron vida, así como también a la praxis de esos años que permitía agregar o quitar música, adaptar tonalidades, re-escribir recitativos hablados en recitativos cantados e incluso quitar o agregar escenas o actos completos. Un practica que en el caso de "Fausto" se extendió hasta bien entrado el siglo XX.

La versión original del estreno estuvo adornada por la presencia de Caroline Carvalho, la esposa del empresario León Carvalho y además primera interprete de otros títulos icónicos de su época como "Mireille" o "Romeo et Juliette". A pesar de su presencia estelar, la ópera no fue bien recibida por el público pero el editor Choudens decidió llevarla de gira por Alemania, Bélgica, Italia e Inglaterra, acumulando éxito tras éxito. En 1862 se repuso en Paris esta vez sin los recitativos hablados, alcanzando el éxito entre público y critica. Un año mas tarde el compositor agregó la famosa aria de Valentin, "avant de quitter ces lieux", con motivo del estreno en el Her majesty's Theatre de Londres en donde contó con la ilustre presencia del barítono ingles Charles Santley. 

La popularidad de la ópera se vio confirmada cuando en 1869 subió al escenario de l'Opéra convertida en una Grand Opéra con cinco actos y un ballet. El éxito en la compañía fue tal que se convirtió en su titulo mas representado (posición que mantuvo por mas de un siglo, incluso por encima de la Carmen de Bizet) y el título elegido para la noche inaugural del Palais Garnier. 

Su popularidad se extendió mas allá de las fronteras de Francia y en 1883 fue la ópera con la que se inauguró el Metropolitan Opera House de Nueva York. 

Por otro lado, la obra fue también objeto de criticas y menosprecio, especialmente en los territorios alemanes. Allí no se le perdonó a Gounod haber transformado la icónica obra de Goethe en un fenómeno de ventas de la Grand Opéra. En escenarios como el de Viena la recepción fue mas bien reservada y los críticos lamentaron la falta de profundidad filosófica de la adaptación. Uno de sus principales detractores fue Gustav Mahler quién se negó a dirigir el título (al igual que el "Werther" de Massenet) porque consideraba que eran "versiones edulcoradas de la obra de Goethe". La animadversión en los estados alemanes llegó a tal punto que, cuando la ópera se representó en Dresde en 1861, se optó por presentarla bajo el título Margarethe o Gretchen.

Para muchos amantes de la ópera y otros tantos críticos especializados, esta versión del "Fausto" de Gounod sigue siendo la mejor versión discográfica de la ópera disponible en el mercado. Está adornada por tres cantantes principales en el apogeo de sus medios y arropada por el ensamble y la orquesta y coros de la Opéra de París bajo la batuta experta de André Cluytens.

El elenco está encabezado por la pareja de protagonistas de Nicolai Gedda y Victoria de los Ángeles, dos de los mas grandes exponentes de sus respectivos roles. Ya sea por la vocalidad cristalina de la soprano, el lirismo y la seguridad del tenor, como por el manejo del idioma y estilos del canto francés, la pareja sigue estando al tope de la lista. A su lado el bajo búlgaro Boris Christoff nos deja uno de los Méphistophélès mas amenazantes y teatrales de la discografía pero hay que estar dispuestos a perdonar la dicción francesa rudimentaria. Por otro lado el barítono francés Ernest Blanc nos deja uno de los Valentin mas hermosamente cantados. El equipo de roles comprimarios incluye al estupendo Siebel de Liliane Berton y por su parte Rita Gorr, nuestra festejada, nos deja su sonora versión de Marthe, un rol que le sirvió para afianzar su posición en el ensamble de la Ópera de Paris durante sus primeros años en la compañía y que sin duda cimentó su ascenso hacia terrenos de mayor lucimiento y protagonismo.

Las sesiones de grabación se realizaron en la Salle de la Mutualité en Paris, esparcidas entre el 23 de septiembre y el 9 de octubre de 1958.

Nicolai Gedda (Faust)
Victoria de los Angeles (Marguerite)
Boris Christoff (Méphistophélès)
Ernest Blanc (Valentin)
Liliane Berton (Siebel)
Rita Gorr (Marthe)
Victor Autran (Wagner)

Orchestre et Choeurs du Théâtre National de l'Opéra
André Cluytens (Conductor)

Emi Classics
Flac | Cover + Booklet

jueves, 15 de agosto de 2019

Bizet - Carmen (de los Angeles - Gedda - Micheau - Blanc) Beecham [Flac Hi-Res]




Volviendo al mundo de las remasterizaciones, aquí está la célebre "Carmen" de Beecham en su última edición en Alta Definición.

Los planes de EMI para grabar una versión estereofónica de la opera de Bizet surgieron en 1957. Sería realizada por Columbia, la división americana de EMI y Walter Legge seria el encargado de producirla. El reparto debía estar encabezado por Maria Callas, Jussi Björling y la dirección de Herbert von Karajan. El proyecto se truncó cuando Karajan y Callas rompieron relaciones luego que el director se negara a pagarle una suma bastante alta a la soprano para cantar Violetta en la Opera Estatal de Viena. Con el proyecto parado, la EMI encargó a la HMV, la división inglesa de la compañía, conseguir un posible reparto y director. Victor Olof se encargó de la producción y dispuso inmediatamente de Thomas Beecham. Al parecer Walter Legge trató de detener la grabación pues esperaba de algún modo conseguir a Karajan y un buen reparto para la obra pero lo cierto es que la producción de Victor Olof funcionó mejor que la suya y agendó las grabaciones para Junio de 1958.

Sir Thomas Beecham bordeaba los 79 años cuando se embarcó en este proyecto, que terminaría por convertirse en su última grabación de una opera completa. El título de Bizet estaba en el repertorio activo del director por mas de 56 años; la había dirigido por primera vez el 2 de abril de 1902 en la Imperial Grand Opera. La visión que tenía el director sobre el personaje de la gitana variaba bastante de la Carmen verista y desbordada que imperaba en esos años, sobretodo en la escena norteamericana. Según sus propias palabras "Cualquier cantante que no logre crear su Carmen en concordancia con el refinamiento de la música, está cometiendo una ofensa estética". Quizás por esto, la elección de Victoria de los Ángeles le venia como anillo al dedo.

Lo que en el papel parecía ser un Dream Team, en la práctica fue el caldo de cultivo ideal para uno de los grandes impasses de la historia de la discografía: La sesiones de Junio fueron un desastre. Duraron una semana y sólo se pudieron grabar los interludios orquestales y algunas partes corales del acto cuarto pero no surgió ninguna toma completa de arias, dúos ni ensembles. Al parecer Beecham venía de una larga gira de conciertos. algo estresado y el choque con la soprano fue inevitable. Finalmente de los Ángeles telefoneó al ejecutivo de la Emi en Londres, David Bricknell, diciéndole que ya no aguantaba a Beecham y que se iba a Barcelona. Bricknell le rogó que lo esperara para poder solucionar las cosas pero la soprano solo accedió a conversar con él en el aeropuerto de Orly. De los Ángeles no cambió de opinión a pesar de los ruegos y de paso le informó que Beecham no tenía idea que ella se bajaba del proyecto...

Tomó mas de un año calmar los ánimos y honrar los contratos comprometidos (incluso hubo demandas interpuestas) pero finalmente se pudo agendar una sesión de grabación para el 1 de Septiembre de 1959. Cuando finalmente director y soprano se encontraron, Beecham la recibió con los brazos abiertos y un sonoro "Aquí viene mi Carmen". Parece ser que la reconciliación fue real y el resultado artístico se puede oír de principio a fin, pasando inadvertido para cualquier oyente el hecho de que fue un proyecto que estuvo a punto de naufragar y que se grabó en un espacio de dos años, con tres sesiones de grabación.

El resultado final es estupendo a pesar de las reservas que se puedan tener a priori sobre el desempeño de la soprano. Victoria de los Angeles tuvo una relación muy estrecha con el mundo de la opera francesa, hacía magia con Marguerite, Manon o Melisande y además supo adentrarse en la chanson con gran manejo del idioma, el estilo y la expresión. Sin embargo "Carmen" representaba un escollo bastante difícil de superar debido a la personalidad desbordante y los desplantes de la gitana que poco o nada tenían que ver con la sensibilidad de la soprano. A pesar de estas consideraciones el resultado sorprende por la gracia, el humor y la grandeza con la que sabe enfrentar el personaje, si bien es cierto que las facetas mas fuertes de la gitana no aparecen por ningún lado en su lectura. A su lado Nicolai Gedda entrega el lado mas lírico de Don José, alejado del modelo vociferante dejado por otros colegas y completamente en concordancia con el estilo y el idioma. Por otro lado la faceta femicida del personaje no aparece ni está delineada en ningún momento en su interpretación. El resto del elenco se completa con estrellas del canto francés de la época, Ernest Blanc saca a relucir su hermoso timbre en Escamillo y Janine Micheau entrega una cálida versión de Micaëla. La dirección de Beecham brilla por su magnetismo y el detalle con el que sabe entregar la elegancia, la pasión y la tragedia de la partitura.

Un hecho bastante curioso es que el rol de Mercédès está cantado por dos artistas diferentes. La razón es que Marcelle Croisier falleció entre las sesiones de grabación por lo que su trabajo fue terminado por Monique Linval.

El trabajo de remasterización es estupendo, de alguna manera los ingenieros lograron abrir el sonido, quitando casi todo el ruido de roce de las cintas originales y además impregnarlo de una calidez que no estaba presente en el último trabajo producido el año 2000 en el serie "Great Recordings of the Century" de la Emi.

Las sesiones de grabación se realizaron en la Salle Wagram de Paris del 4 al 10 de Junio de 1958, 1 al 6 de Septiembre y 11 de Octubre de 1959. La presente edición fue remasterizada en los estudios de Abbey Road en Londres y saló a la venta en octubre de 2016.


Victoria de los Angeles (Carmen)
Nicolai Gedda (Don José)
Janine Micheau (Micaëla)
Ernest Blanc (Escamillo)
Denise Monteil (Frasquita)
Marcelle Croisier & Monique Linval (Mercédès)
Jean-Christophe Benoit (Le Dancaïre)
Michel Hamel (Le Remendado)
Bernard Plantey (Moralès)
Xavier Depraz (Zuniga)

Petits Chanteurs de Versailles
Maîtrise de la Radiodiffusion Francaise
Choeurs de la Radiodiffusion Francaise
Orchestre National de la Radiodiffusion Francaise
Sir Thomas Beecham (Conductor)

Warner Classical
Flac@96kHz-24bit | Digital Booklet + Cover

HD 96kHz-24bit: DESCARGAR

jueves, 23 de julio de 2015

Saint-Saëns - Samson et Dalila (Vickers - Gorr - Blanc) Prêtre [1963/2001, Flac]



La carrera discografica de Vickers parece haber estado planeada con todo detalle pues es una seguidilla de éxitos que con el tiempo se convirtieron en clásicos y referentes en el repertorio. Tal es el caso de esta versión de "Samson et Dalila" producida por Pathé-Marconi, la filial francesa de Emi, pues en primera instancia fue pensada como un producto de consumo local. Frente al éxito alcanzado, la producción salio fuera de las fronteras francófonas al mercado internacional para convertirse en la versión de referencia de la era del LP.

Vickers aun no debutaba el rol de Samson cuando se realizó esta grabación pero desde su primera función en Buenos Aires en 1963, se convirtió en uno de sus personajes mas solicitados, presentándolo en puntos tan alejados como Chicago, Ginebra, Tel Aviv, New York, Tokyo y Londres. Samson lo acompañó casi hasta el final de su carrera y fue precisamente en sus ropas que se despidió del publico del Metropolitan en abril de 1987.

La grabación lo presenta en su mejor momento vocal y como siempre con una cuidada caracterización del personaje. En décadas posteriores pudo profundizar más en él pero a costa de una voz que se fue volviendo cada vez mas dura en la emisión y difícil en el agudo.

La presencia de Rita Gorr termina de confirmar a esta grabación como un referente discográfico hasta el dia de hoy. Gorr poseía una voz opulenta y de un color muy personal y hermoso. Manejaba el estilo a la perfección y es capaz de crear un personaje tan seductor como imponente, se mueve por este amplio espectro emocional y vocal con tal intensidad que hace palidecer al resto de las colegas que han grabado el rol.  El elenco se completa con la carta segura de Ernest Blanc, de hermosa voz y gran presencia y la mediocridad de Anton Diakov como Abimelech que de todas maneras no logra empañar el resultado final.

La grabación se realizó en la Sale Wagram de París del 25 al 28 de Septiembre y del 1 al 10 de Octubre de 1962. La edición pertenece a la remasterización del año 2001 aparecida en la serie "Great Recordings of the Century".


Jon Vickers (Samson)
Rita Gorr (Dalila)
Ernest Blanc (Le Grand Prêtre de Dagon)
Anton Diakov (Abimelech & Un vieillard hébreu)
Rémy Corazza (Un messager)
Jacques Poitier (Premier Philistin)
Jean-Pierre Hurteau (Deuxième Philistin)

Cheours René Duclos
Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris
Georges Prêtre (Conductor)

Emi
Flac | Cover + Scans
FLAC

viernes, 17 de enero de 2014

Bizet : Carmen (de los Angeles - Gedda - Micheau - Blanc) Beecham [FLAC]




Si la grabación de "La Bohème" estuvo marcada por la improvisación, esta versión de "Carmen" fue todo lo contrario. Fue un proyecto planeado por varios años y debió esperar además un par de años extras para completarse debido una serie de problemas surgidos durante las grabaciones.

Los planes de EMI para grabar una versión estereofónica de la opera de Bizet surgieron en 1957. Sería realizada por Columbia, la división americana de EMI y Walter Legge seria el encargado de producirla. El reparto debía estar encabezado por Maria Callas, Jussi Björling y la dirección de Herbert von Karajan. El proyecto se truncó cuando Karajan y Callas rompieron relaciones luego que el director se negara a pagarle una suma bastante alta a la soprano para cantar Violetta en la Opera Estatal de Viena. Con el proyecto parado, la EMI encargó a la HMV, la división inglesa de la compañía, conseguir un posible reparto y director. Victor Olof se encargó de la producción y dispuso inmediatamente de Thomas Beecham. Al parecer Walter Legge trató de detener la grabación pues esperaba de algún modo conseguir a Karajan y un buen reparto para la obra pero lo cierto es que la producción de Victor Olof funcionó mejor que la suya y agendó las grabaciones para Junio de 1958.

La sesiones de Junio fueron un desastre. Solo se pudieron grabar los interludios orquestales y algunas partes corales del acto cuarto pero no surgió ninguna toma de arias, dúos ni ensembles. Después del descalabro, EMI consideró varias opciones que iban desde desechar el proyecto, publicar lo grabado bajo el siempre amigable titulo de "Extractos Orquestales" o cambiar el director y completar cuantos antes la grabación. El asunto tomó ribetes mas escandalosos cuando Thomas Beecham pidió cambiar a un miembro del reparto lo que llevó a una demanda que frenó el proyecto durante mas de un año. Cuando las cosas se calmaron se pudo finalmente agendar una sesión de grabación para Septiembre de 1959 que resultó mucho mas provechosa que la primera. La grabación se completó finalmente con una ultima sesión el 11 de octubre de 1959.

El resultado final es estupendo a pesar de las reservas que se puedan tener a priori sobre el desempeño de la soprano. Victoria de los Angeles tuvo una relación muy estrecha con el mundo de la opera francesa, hacía magia con Marguerite, Manon o Melisande y además supo adentrarse en la chanson con gran manejo del idioma, el estilo y la expresión. Sin embargo "Carmen" representaba un escollo bastante difícil de superar debido a la personalidad desbordante y los desplantes de la gitana que poco o nada tenían que ver con la sensibilidad de la soprano. A pesar de estas consideraciones el resultado sorprende por la gracia, el humor y la grandeza con la que sabe enfrentar el personaje, si bien es cierto que las facetas mas fuertes del personajes no aparecen por ningún lado en su lectura. A su lado Nicolai Gedda entrega el lado mas lírico de su personaje, alejado del modelo vociferante dejado por otros colegas y completamente en concordancia con el estilo y el idioma, en un caso similar al de su Carmen, las facetas homicidas del personaje no aparecen ni están delineadas en su interpretación. El resto del elenco se completa con estrellas del canto francés, Ernest Blanc saca a relucir su hermoso timbre en Escamillo y Janine Micheau entrega una cálida versión de Micaëla. La dirección de Beecham brilla por su magnetismo y el detalle con el que sabe entregar la elegancia, la pasión y la tragedia de la partitura.

Las sesiones de grabación se realizaron en la Salle Wagram de Paris del 4 al 10 de Junio de 1958, 1 al 6 de Septiembre y 11 de Octubre de 1959. La edicion corresponde a la serie "Great Recordings of the Century" y tiene un proceso de remasterizacion hecho el año 2000 en Francia.



Victoria de los Angeles (Carmen)
Nicolai Gedda (Don José)
Janine Micheau (Micaëla)
Ernest Blanc (Escamillo)
Denise Monteil (Frasquita)
Marcelle Croisier & Monique Linval (Mercédès)
Jean-Christophe Benoit (Le Dancaïre)
Michel Hamel (Le Remendado)
Bernard Plantey (Moralès)
Xavier Depraz (Zuniga)

Petits Chanteurs de Versailles
Maîtrise de la Radiodiffusion Francaise
Choeurs de la Radiodiffusion Francaise
Orchestre National de la Radiodiffusion Francaise
Sir Thomas Beecham (Conductor)

Emi
Flac | Cover + Booklet