J. Strauss - Die Fledermaus (Gueden - Kmentt - Wächter - Resnik - Zampieri) Karajan [1960/2025, Flac Hi-Res]

 

Mientras el fascismo triunfa en las elecciones presidenciales por estas latitudes, les dejo acá la clásica versión del "Murciélago" registrada por Herbert von Karajan en 1960 y remasterizada en formato de alta definición. Espero sea un buen boleto para escapar de estos tiempos de idiotez que nos toca vivir.

El proyecto a cargo de John Culshaw puede ser considerado un evento discográfico irrepetible debido a los nombres reunidos para la ocasión. Hacer coincidir las agendas de toda esta plantilla de artistas debió ser muy difícil de conseguir y si bien hay un par de apariciones controvertidas, la suma total sigue impactando hasta el día de hoy. Con respecto al tema de las agendas existen dudas razonables que hacen pensar que la secuencia de la Gala fue en realidad registrada en diferentes partes de Europa y luego ensamblada para el producto final. Algo que siempre me ha parecido dudoso tratandose de Karajan. Me resulta dificil creer que pusiera su firma en un producto que no fuera totalmente de su creación...

El alto presupuesto de la producción se vio reflejado además por una edición de lujo al LP que incluía originalmente la sección de ballet escrita para la fiesta del Principe Orlofsky en el segundo acto, sin embargo cuando se hizo el traspaso a CD en 1987 se quitó la música del ballet y sólo se dejó la gala, de seguro para hacer caber la opera en 2 discos, algo que tampoco se remedió cuando la versión apareció remasterizada en 2007 en la serie "Originals". Este trabajo de remasterización producido en 2025 restaura finalmente la sección del ballet.

En el cast de los personajes brillan la estupenda Rosalinde de Hilde Gueden, quien maneja como pocas la enunciación de su texto y ciertos momentos en donde logra sacar a flote una arista mas antipática de su personaje, por otro lado la Resnik compone un Orlofsky lleno de vida pero termina cantando sus couplets en una tonalidad mas grave para su comodidad. Tanto Waldemar Kmentt como Walter Berry completan el cuarteto protagonista con gran acierto.

El punto mas controvertido de la Gala es la aparición de Jussi Björling, quien se encontraba en medio de una ocupada agenda de grabaciones de estudio y convaleciente de un ataque al corazón sufrido tres meses antes de esta grabación. De alguna manera Culshaw pudo contratarlo pero tanto los tempi terriblemente lentos elegidos por Karajan, como su estado físico terminan por dejar en evidencia a un cantante totalmente agotado y enfermo. Lo mismo se puede decir de la versión de "Wien, Wien, nur du allein" a cargo de Ljuba Welitsch, en un declive vocal bastante notorio. A su lado, la Tebaldi si bien nos regala un momento estelar y rebosante de glamour con el aria de la "Viuda Alegre", no se atreve a cantarla en su idioma original y prefiere quedarse con el italiano (la soprano creía que cantar en otro idioma le arruinaría la voz...) por otro lado la interpretación carece de la chispa que otras grandes han sabido entregarle.

El resto de la gala es una seguidilla de números provenientes de todos los rincones del repertorio en interpretaciones muy personales a cargo de verdaderos fenómenos vocales. Sobresalen la Nilsson con una impresionante versión de "I could have danced all night" coronada por un brillante do agudo. La Sutherland en una ágil y brillante versión de "Il bacio" de Arditi, Leontyne Price en una hermosa versión para "Summertime", Mario del Monaco con una sonora "Passione", una joven Teresa Berganza en una íntima versión para una canción de cuna de Felix Lavilla y la Simionato con Bastianini en una desopilante versión para "Anything You Can Do" de "Annie Get Your Gun".

La grabación se realizó entre los meses de junio y julio de 1960 en la Sofiensaal de Viena.

Hilde Gueden (Rosalinde)

Waldemar Kmentt (Gabriel von Eisenstein)

Eberhard Wächter (Frank)

Regina Resnik (Prinz Orlofsky)

Giuseppe Zampieri (Alfred)

Walter Berry (Dr. Falke)

Peter Klein (Dr. Blind)

Erika Köth (Adele)

Hedwig Schubert (Ida)

Erich Kunz (Frosch)

B. Fasolt (Ivan)

Omar Godknow (Lord Barrymore)

André von Mattoni (Carikoni)

Gala Sequence:

Renata Tebaldi: Vilja-Lied (Die lustige Witwe)

Fernando Corena: Domino  (Ferrari)

Birgit Nilsson:  I could have danced all night (My Fair Lady)

Mario del Monaco: Passione (Valente)

Teresa Berganza: Lullaby  (Lavilla)

Joan Sutherland: Il Bacio (Arditi) 

Jussi Björling: Dein ist mein ganzes Herz (Das Land des Lächelns)

Leontyne Price: Summertime (Porgy & Bess)

Giulietta Simionato & Ettore Bastianini: Anything You Can Do (Annie Get Your Gun) 

Ljuba Welitsch: Wien, Wien, nur du allein (Sieczyñski)

Wiener Staatsoperchor

Wiener Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

Decca

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Mozart - La Clemenza di Tito (Krenn - Berganza - Casula - Popp - Fassbaender) Kertész [Flac]

Recording Venue: Sofiensaal, Vienna. Mayo-Junio, 1967.

Original Release Date: 1967

Si mi memoria no falla, esta versión de "La Clemenza di Tito" fue la primera grabación estereofónica de la ópera. Aunque está repleta de excelentes cantantes (algunos legendarios), la estrella de la grabación es la batuta ágil de Kertész, quien logra sacar a la luz los elementos fuertes de la partitura, despojándola del carácter parco con el que por mucho tiempo se la asoció.

El elenco esta encabezado por Werner Krenn quién saca adelante un Tito de gran linea lírica, sin llegar a las profundidades interpretativas de Peter Schreier en la versión de Böhm. La Berganza crea un Sesto que sugiere siempre nobleza, tanto en el carácter como en el despliegue vocal que a ratos roza la perfección. A su lado Maria Casula compone una Vitellia de gran arrojo en lo vocal y gran variedad de emociones en los interpretativo. Por su lado Lucia Popp y Brigitte Fassbaender crean una Servillia y Annio de referencia tanto en lo vocal y estilístico, como también en lo interpretativo.

La Popp tuvo una relación muy cercana con "La Clemenza di Tito" y nos legó otras dos versiones: En 1976 participó en la famosa versión dirigida por Colin Davis, en la que es probablemente su mas lograda lectura del personaje de Servilia, y donde se encuentra acompañada además por el estupendo Tito de Stuart Burrows y la intensa Vitellia de Janet Baker. En 1993 participó en una versión dirigida por Harnoncourt pero esta vez en el rol de Vitellia.

La grabación se realizó en la Sofiensaal de Viena, durante los meses de Mayo y Junio de 1967.

Werner Krenn (Tito)
Teresa Berganza (Sesto)
Maria Casula (Vitellia)
Lucia Popp (Servillia)
Brigitte Fassbaender (Annio)
Tugomir Franc (Publio)

Wiener Staatsopernchor
Winer Staatsopernorchester
István Kertész (Conductor)

Decca
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J. Strauss - Die Fledermaus (Gueden - Kmentt - Wächter - Resnik - Zampieri) Karajan [FLAC]

 

Esta versión de "Die Fledermaus" grabada para la Decca por Herbert von Karajan es un verdadero clásico de la discografía y un testimonio lleno de nostalgia de un momento dorado para el mundo de la ópera, en el que convivían nombres tan legendarios como los de Björling, Tebaldi, del Monaco o Nilsson, por nombrar sólo algunos.

El proyecto a cargo de John Culshaw puede ser considerado un evento discográfico irrepetible debido a los nombres reunidos para la ocasión. Hacer coincidir las agendas de toda esta plantilla de artistas debió ser muy difícil de conseguir y si bien hay un par de apariciones controvertidas, la suma total sigue impactando hasta el día de hoy. El alto presupuesto se vio reflejado además por una edición de lujo al LP que incluía originalmente la sección de ballet escrita para la fiesta del Principe Orlofsky en el segundo acto, sin embargo cuando se hizo el traspaso a CD en 1987 se quitó la música del ballet y sólo se dejó la gala, de seguro para hacer caber la opera en 2 discos, algo que tampoco se remedió cuando la versión apareció remasterizada en 2007 en la serie "Originals" que corresponde también a esta edición en formato flac.

En el cast de los personajes brillan la estupenda Rosalinde de Hilde Gueden, quien maneja como pocas la enunciación de su texto y ciertos momentos en donde logra sacar a flote una arista mas antipática de su personaje, por otro lado la Resnik compone un Orlofsky lleno de vida pero termina cantando sus couplets en una tonalidad mas grave para su comodidad. Tanto Waldemar Kmentt como Walter Berry completan el cuarteto protagonista con gran acierto.

El punto mas controvertido de la Gala es la aparición de Jussi Björling, quien se encontraba en medio de una ocupada agenda de grabaciones de estudio y convaleciente de un ataque al corazón sufrido tres meses antes de esta grabación. De alguna manera Culshaw pudo contratarlo pero tanto los tempi terriblemente lentos elegidos por Karajan, como su estado físico terminan por dejar en evidencia a un cantante totalmente agotado y enfermo. Lo mismo se puede decir de la versión de "Wien, Wien, nur du allein" a cargo de Ljuba Welitsch, en un declive vocal bastante notorio. A su lado, la Tebaldi si bien nos regala un momento estelar y rebosante de glamour con el aria de la "Viuda Alegre", no se atreve a cantarla en su idioma original y prefiere quedarse con el italiano (la soprano creía que cantar en otro idioma le arruinaría la voz...) por otro lado la interpretación carece de la chispa que otras grandes han sabido entregarle.

El resto de la gala es una seguidilla de números provenientes de todos los rincones del repertorio en interpretaciones muy personales a cargo de verdaderos fenómenos vocales. Sobresalen la Nilsson con una impresionante versión de "I could have danced all night" coronada por un brillante do agudo. La Sutherland en una ágil y brillante versión de "Il bacio" de Arditi, Leontyne Price en una hermosa versión para "Summertime", Mario del Monaco con una sonora "Passione", una joven Teresa Berganza en una íntima versión para una canción de cuna de Felix Lavilla y la Simionato con Bastianini en una desopilante versión para "Anything You Can Do" de "Annie Get Your Gun".

La grabación se realizó entre los meses de junio y julio de 1960 en la Sofiensaal de Viena.

Hilde Güden (Rosalinde)
Waldemar Kmentt (Gabriel von Eisenstein)
Eberhard Wächter (Frank)
Regina Resnik (Prinz Orlofsky)
Giuseppe Zampieri (Alfred)
Walter Berry (Dr. Falke)
Peter Klein (Dr. Blind)
Erika Köth (Adele)
Hedwig Schubert (Ida)
Erich Kunz (Frosch)
B. Fasolt (Ivan)
Omar Godknow (Lord Barrymore)
André von Mattoni (Carikoni)

Gala Sequence:
Renata Tebaldi: Vilja-Lied (Die lustige Witwe)
Fernando Corena: Domino  (Ferrari)
Birgit Nilsson:  I could have danced all night (My Fair Lady)
Mario del Monaco: Passione (Valente)
Teresa Berganza: Lullaby  (Lavilla)
Joan Sutherland: Il Bacio (Arditi) 
Jussi Björling: Dein ist mein ganzes Herz (Das Land des Lächelns)
Leontyne Price: Summertime (Porgy & Bess)
Giulietta Simionato & Ettore Bastianini: Anything You Can Do (Annie Get Your Gun) 
Ljuba Welitsch: Wien, Wien, nur du allein (Sieczyñski)

Wiener Staatsoperchor
Wiener Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

Decca

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Rossini - Il Barbiere di Siviglia (Berganza - Alva - Prey - Dara) Abbado [Flac Hi-Res]

La Deutsche Grammophon reeditó en Mayo de 2018 esta verdadera joya de la discografía y momento pivote en la historia de la interpretación del repertorio rossiniano. La grabación fue la primera en emplear la partitura de la edición crítica de Alberto Zedda, quién realizó una exhaustiva investigación del material original, tanto del manuscrito del compositor como de la primera edición, considerando además otras fuentes posteriores. Publicado por Casa Ricordi en 1969 se lo puede considerar el momento de inicio de la "Rossini Renaissance" que al mismo tiempo de devolverle al repertorio rossiniano un lugar estelar dentro de la escena musical desde mediados de los años '70, significó también una importante revisión musicológica de toda la obra del compositor.

"Il barbiere di Siviglia" está basada en "Le Barbier de Séville" de Pierre Beaumarchais, la primera parte de una trilogía de obras del autor francés. El libreto para la ópera de Rossini fue escrito por Cesare Sterbini y tras un periodo de composición frenético, la obra se estrenó en el Teatro Argentina de Roma el 20 de febrero de 1816. Según los reportes de la época, el estreno fue todo un desastre, ayudado por la oposición de los adherentes del ya veterano Giovanni Paisiello, autor a su vez de una primera y exitosa adaptación estrenada en 1782. Al parecer las cosas funcionaron mejor en la segunda presentación y rápidamente la opera se convirtió en el mas grande y duradero éxito de la carrera de Rossini. Sobrevivió mejor que ningún otro titulo belcantista al paso del tiempo y sigue siendo considerada la mas grande opera buffa de todos los tiempos.

La historia de las presentaciones de la ópera es bastante complicada y esta llena de cambios, adiciones y cortes que con el correr de los años "ensuciaron" bastante tanto la música como el espíritu original de la obra, siendo quizás el mas notorio los cambios de tonalidad para transformar a Rosina en soprano ligera.

Los principales cambios se registraron ya en el revival de la ópera montado en agosto de 1816 en el Teatro Contavalli de Bologna. A pesar de que Rossini no estuvo involucrado en esta producción, se puede decir que todos los cortes y adiciones posteriores tuvieron como punto de partida a esta producción. Los cortes incluyen al aria del Conde "Se il mio nome", el aria de Rosina "Contro un cor" que fue reemplazada por "La mia pace, la mia calma" de autor desconocido. En este punto es necesario nombrar también cambios muy posteriores que usaban esta escena para insertar música de diferentes autores. La tradición y el cambio de Rosina en soprano ligera, permitió que nombres tan famosos como Adelina Patti introdujeran interpretaciones de "Il Bacio" de Arditi o  Marcella Sembrich se animara con "Frühlingsstimmen" de Johann Strauss.

Otro corte importante fue el que sufrió la escena final del Conde, "Cessa di più resistere", que en la producción de Bologna fue cantada también por Geltrude Righetti, la Rosina original. Al parecer a la Rigetti le gustaba tanto la pieza que Rossini terminó por reutilizar la sección final en "Non più mesta" de "La Cenerentola", creada también por ella. Los motivos de este corte pueden obedecer a varias razones. Quizás la principal sea la popularidad alcanzada por la inserción en "La Cenerentola" pero no podemos pasar por alto las tremendas exigencias técnicas que le impone al tenor y que la convirtieron en una pieza de virtuosismo que muy pocos se atrevieron a enfrentar.

También es necesario hacer notar que este corte es probablemente el mas perjudicial a la hora del balance general. La escena (que es bastante larga) de alguna manera transforma al Conde en el protagonista (en perjuicio de Figaro) y produce un desenlace mucho mas orgánico.

Producciones posteriores añadieron incluso mas material. En 1819 en el Teatro San Samuele de Venecia, Rosina fue interpretada por la soprano Joséphine Fedor y Rossini escribió para ella el aria "Ah se è ver che in tal momento" que muchas Rosinas-Soprano incluyeron durante años como parte de la obra original.

Además del trabajo de recuperación y "limpieza" del material original, Zedda también recurre a las fuentes para limpiar el texto de variaciones y añadiduras posteriores. Por otro lado el director también reconstruye las articulaciones, algunas inconsistencias rítmicas, restablece diferentes ornamentaciones aceptadas por Rossini y restituye finalmente las tonalidades originales.

El trabajo de recuperación a cargo de Alberto Zedda recurre al manuscrito original que contiene la mayor cantidad del material usado en el estreno de la obra, excepto la Sinfonia. Según algunas fuentes Rossini escribió una obertura que utilizaba diversos motivos españoles para el estreno de la ópera pero se perdió con el paso del tiempo. El trabajo de Zedda y los intentos posteriores han llegado a la conclusión que tal obertura nunca existió y que Rossini en realidad reutilizó la Sinfonía escrita para "Aureliano en Palmira" (1813) y reorquestada para "Elisabetta, regina d'Inghilterra" (1815). El principal argumento para sostener esto es que el manuscrito original del Barbero incluye la linea del contrabajo de la obertura usada en "Aureliano en Palmira".

La grabación de Abbado se ciñe de manera estricta al trabajo de limpieza comenzado por Zedda y logra ensamblar en gran medida el trabajo en su concepción original. El único ítem que sigue oculto es el aria final del Conde, "Cessa di più resistere", que ya había aparecido en disco en las versiones completas grabadas por Cesare Valletti (1958) y  Ugo Benelli (1964). Abbado opta por mantener el corte, a pesar de tener a su disposición el trabajo musicológico de Zedda, quizás por la dificultad que le significa a Luigi Alva.

El elenco está encabezado por el Figaro de Hermann Prey, bastante alejando de la italianidad y el estilo. Si bien su musicalidad cultivada le ayuda a salir adelante, hay que decir que los problemas de articulación en la coloratura y la falta de ligereza general de su emisión son grandes escollos que el barítono no logra superar. La Berganza registra aquí su segunda Rosina y repite los mismos niveles de excelencia musical y estilística que en la anterior toma bajo la batuta de Varviso (1964) pero el tiempo no pasa en vano y ya se oyen signos de desgaste en el extremo agudo del registro. Por su parte Luigi Alva graba aquí su quinto (!!) Almaviva de estudio. Si bien mantiene la dulzura del timbre, el manejo del estilo ya se resiente con algún amaneramiento y el canto ornamentado, si bien está resuelto de manera segura, ya se oye algo angustioso y sin la precisión que lograrían tenores posteriores. A pesar de los esfuerzos de Zedda por recuperar los cortes impuestos por la tradición, el tenor no se anima a grabar "Cessa di più resistere". Completan el reparto Enzo Dara y Paolo Montarsolo con el ingrediente idiomático necesario. Abbado dirige enérgicamente una Sinfónica de Londres al parecer reducida a proporciones de cámara pero que responde a gran altura en el tratamiento ligero, transparente y de gran precisión rítmica que el director le impone a la partitura.

La grabación se realizó en el Wattford Town Hall de Londres, durante el mes de septiembre de 1971.

Teresa Berganza (Rosina)
Luigi Alva (Il Conte d'Almaviva)
Hermann Prey (Figaro)
Enzo Dara (Bartolo)
Paolo Montarsolo (Basilio)
Renato Cesari (Fiorello)
Stefania Malagù (Berta)
Luigi Roni (Un ufficiale)

The Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Bizet - Carmen (Berganza - Domingo - Cotrubas - Milnes) Abbado [Flac Hi-Res]

Esta famosa y polémica versión de "Carmen" a cargo Claudio Abbado acaba de ser su ingreso al ya cada vez mas numeroso catalogo de grabaciones clásicas re editadas en formato de Alta Definición. Se agradecen los esfuerzos de la Deutsche Grammophon para editarla en un traspaso de la mas alta calidad disponible y les advierto con esto que el tamaño total del archivo se eleva por encima de los 5GB...

Antes de comentar las virtudes y vicios de esta grabación, me parece necesario poner en contexto histórico las distintas versiones de la partitura de Bizet pues a la hora de sopesar los diferentes factores que componen una versión de esta opera, es necesario saber desde que ángulo debemos apreciarla.

El estreno de "Carmen" se produjo en la Opéra-Comique el 3 de marzo de 1875. La recepción fue bastante fría y si bien hubo aplausos al final del primer acto y Bizet fue llamado a recibirlos en el escenario, luego de los couplets de Escamillo el publico se volvió frío y solo volvió a aplaudir el aria de Micaela en el tercer acto. Si bien se completó el total de 48 funciones pactadas, la idea que se acepta generalmente es que el estreno parisino fue un fracaso. Aun así el Teatro le ofreció a Bizet un contrato para la producción de un nuevo título pero la recepción de "Carmen" lo sumió en un estado depresivo que terminó por agravar su endeble salud (llevaba años sufriendo de problemas a la garganta probablemente causados por su tabaquismo) para finalmente llevarlo a la tumba, tras sufrir un ataque al corazón. Tenía tan solo 36 años.

Un día antes de su muerte el compositor firmó un contrato para producir "Carmen" en Viena durante el otoño de 1875. Para la ocasión se optó por simplificar los recitativos hablados y además musicalizarlos, trabajo que estuvo a cargo de Ernest Guiraud. Al parecer la intención fue convertir a "Carmen" en una Grand Opéra y para ello la producción no reparó en gastos, incluyendo incluso una escena de ballet en el acto segundo, usando para ello material extraído de "La Jolie Fille de Perth" y "L'Arlesienne". Con todos estos cambios sustanciales, "Carmen" se convirtió finalmente en un éxito rotundo, cimentado además con una larga lista de apabullantes estrenos en cada ciudad en la que se presentó en los años venideros.

El accidentado proceso de ensayos, como la muerte prematura del compositor y el re-estreno de la ópera en Viena, terminaron por producir un enredo bastante importante con el material musical. Hoy en día se pueden contar cuatro versiones de la partitura de Bizet: Choudens I (1875), Choudens II (1877), Oeser (1964) y Schott (2000).

La edición Choudens I fue preparada por el propio Bizet durante el proceso de ensayos y en forma de partitura vocal. Choudens se negó a publicar la partitura completa (orquestal) hasta que la ópera alcanzara las 50 representaciones. Lamentablemente Bizet no vivió lo suficiente para ello.
La edición Choudens II corresponde a grueso modo a la versión con los recitativos orquestados compuestos por Ernest Guiraud para la producción vienesa. También propone varios cortes importantes que se pueden encontrar en el acto I en la "Scène et Pantomime" para Moralès, el dueto entre Escamillo y Don José en el acto III y un corte de varios compases en el coro "A deux cuartos!" al inicio del acto IV.
El material de la edición Oeser proviene de un manuscrito encontrado por Fritz Oeser en un archivo de la Opéra-Comique en 1964 y que contiene la partitura del director y las partes orquestales usadas durante la primera tanda de funciones en 1875 que luego fueron descartadas y archivadas. El material contiene las ideas iniciales que tenía Bizet sobre la música de "Carmen", muchas de las cuales finalmente desechó antes del estreno y otras tantas que fueron corregidas con el correr de las presentaciones.
Finalmente la edición Schott contiene todo el material disponible hasta ahora y presentado de tal manera que pueda ser utilizado o descartado dependiendo del gusto de cada director.

Es interesante notar que Choudens nunca ha autorizado el acceso a sus archivos que bien podrían contener material adicional, como la correspondencia entre Bizet y Choudens con respecto a la primera edición de la partitura vocal o entre Guiraud y Choudens con respecto a la composición de los recitativos o los planes para preparar la edicion de la partitura orquestal general.

Los musicólogos se tienden a dividir en dos facciones cuando se trata de "Carmen": Por un lado están quienes creen que Bizet sabía muy bien su oficio y que su versión final (Choudens I) representa claramente sus intenciones y por otro lado están los que creen que Bizet se vio obligado a realizar cambios a su partitura debido a los problemas surgidos en los ensayos tanto con el elenco, la orquesta y el coro, como también con la administración de la Opéra-Comique. El trabajo de Oeser pertenece claramente a este grupo.

El problema con el trabajo de Oeser, por muy interesante que pueda ser, es que sugiere que algunos pasajes de calidad inferior y que el mismo Bizet descartó en el proceso de composición y producción del estreno, son en realidad parte "autentica" del trabajo del compositor. Ignora por completo el trabajo realizado por el mismo Bizet en la publicación de la partitura vocal (Choudens I) y abre la posibilidad para que el director musical de turno "elija" ente diferentes ediciones, presentando finalmente un híbrido que puede incluir material de dudosa calidad musical amparándose en la idea de que es "lo que el compositor hubiese querido".

Según tengo entendido existen solo dos versiones que usan completamente el material de la edición Oeser: Las versiones de Karajan (DG, 1983) y Sinopoli (1996, Teldec).

Por otro lado es bastante evidente como las diferentes versiones no solamente alteran la música sino también la naturaleza del personaje principal. Paradójico en la versión original (Choudens I) a oscuro y dramático en su versión sin diálogos (Choudens II).

La presente versión proviene de una producción que tardó cuatro años en ser montada por el Festival de Edimburgo y que marcaba además el debut de la Berganza en el rol de la gitana. La Deutsche Grammophone decidió entonces llevarla al disco pero con ligeros cambios en la plantilla de estrellas, reemplazando a Leona Mitchell por la Cotrubas y a Tom Krause por Sherrill Milnes.

La Berganza crea una gitana bastante alejada del modelo verista, optando por acercarse al personaje con gran atención a la partitura y un estupendo despliegue vocal. Su instrumento quizás no tiene las proporciones adecuadas para la "Carmen" de la versión Choudens II pero ciertamente cumple a cabalidad con la gitana de la versión original.

El resto del elenco se completa con Plácido Domingo en gran estado vocal e interpretativo, Sherril Milnes entregando grandes cuotas de apostura vocal pero fallando en cualquier intento de seducción y una estupenda Ileana Cotrubas entregando una Micaëla de bellisimo timbre y gran urgencia dramática. Abbado dirige con gran brío y atención a los detalles de la orquestación.

La grabación se realizó en sesiones en el George Watson's College de Edimburgo, durante el mes de Agosto de 1977 y en la St. John's Church de Londres, durante el mes de Septiembre de 1977.


Teresa Berganza (Carmen)
Plácido Domingo (Don José)
Ileana Cotrubas (Micaëla)
Sherrill Milnes (Escamillo)
Yvonne Kenny (Frasquita)
Alicia Nafé (Mercédès)
Gordon Sandison (Le Dancaïre)
Geoffrey Pogson (Le Remendado)
Stuart Harling (Moralès)
Robert Lloyd (Zuniga)

Watson's George College Boys' Chorus
The Ambrosian Singers
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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J. Strauss - Die Fledermaus with Gala Sequence (Gueden - Kmentt - Wächter - Resnik - Zampieri) Karajan [FLAC]

Esta versión del "Murcielago" grabado para la Decca por Herbert von Karajan es un verdadero clásico de la discografía y un testimonio lleno de nostalgia de un momento dorado para el mundo de la ópera, en el que convivían nombres tan legendarios como los de Björling, Tebaldi, del Monaco o Nilsson, por nombrar sólo algunos.

Fué en su momento un proyecto de alto presupuesto y bastante completo de una operetta que ha sufrido cortes e inserciones de todo tipo a lo largo de la historia y que se vió reflejado en una edición al LP muy cuidada y lujosa. La edición original incluía la sección de ballet escrita especialmente por Johann Strauss para la fiesta del Principe Orlofsky en el segundo acto y además se incluía la famosa gala de cantantes que reunía a toda la plantilla de estrellas de la Decca de esos años. Sin embargo, Cuando se hizo el traspaso a CD en 1987 se quitó la música del ballet y sólo se dejó la gala, de seguro para hacer caber la opera en 2 discos, algo que tampoco se remedió cuando la versión apareció remasterizada en 2007 en la serie "Originals".

La edición que les traigo corresponde a la primera publicación en CD hecha en 1987. La grabación original se efectuó entre junio y julio de 1960 en la Sofiensaal de Viena, en el cast de los personajes brillan la Rosalinde de Güden y el Orlofsky de la Resnik (Si bien canta sus couplets en una tonalidad mas grave para su comodidad) y si bien la sección de gala puede parecer inconexa tanto dramática como musicalmente con el resto de la obra (en el LP original se encontraba confinada a su propio disco y se podia saltar su audición para no perder el hilo argumental), está llena de humor, canto extraordinario y alegría  si nos olvidamos de eso creo que perdemos el punto de toda la obra.



Hilde Güden (Rosalinde)
Waldemar Kmentt (Gabriel von Eisenstein)
Eberhard Wächter (Frank)
Regina Resnik (Prinz Orlofsky)
Giuseppe Zampieri (Alfred)
Walter Berry (Dr.Falke)
Peter Klein (Dr.Blind)
Erika Köth (Adele)
Hedwig Schubert (Ida)
Erich Kunz (Frosch)
B. Fasolt (Ivan)
Omar Godknow (Lord Barrymore)
André von Mattoni (Carikoni)

Gala Sequence:

Renata Tebaldi : Vilja-Lied (Die lustige Witwe)
Fernando Corena : Domino  (Ferrari)
Birgit Nilsson:  I could have danced all night (My Fair Lady)
Mario del Monaco : Passione (Valente)
Teresa Berganza : Lullaby  (Lavilla)
Joan Sutherland : Il Bacio (Arditi) 
Jussi Björling : Dein ist mein ganzes Herz (Das Land des Lächelns)
Leontyne Price : Summertime (Porgy & Bess)
Giulietta Simionato & Ettore Bastianini: Anything You Can Do (Annie Get Your Gun) 
Ljuba Welitsch - Wien, Wien, nur du allein (Sieczyñski)

Wiener Staatsoperchor
Wiener Philharmoniker
Herbert von Karajan

Decca

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