Elsa Dreisig - Invocation [2026, Flac]

 

Desde su debut discográfico en el sello francés Erato en 2018 con "Miroirs", la soprano franco-danesa Elsa Dreisig ha desarrollado una incipiente carrera discográfica que de alguna manera refleja su evolución y el desarrollo de su ecléctica carrera escénica, cada vez mas cerca del repertorio mas pesado.

Su debut discográfico en "Miroirs" lo dedicó a un programa de arias de Marguerite, Manon, Juliette, Rosina y Salomé. En 2020 apareció "Morgen" donde nos entregó un programa de lied y chanson. Finalmente en 2022 se sumó "Mozart x3", un interesantísimo recital dedicado a la trilogía Da Ponte.

Su carrera escénica se desarrolla principalmente en Berlín. Dreisig fue miembro estable del ensamble de la Staatsoper entre 2017 y 2022, acumulando experiencia en roles mas pequeños para rápidamente pasar a primer plano en roles protagónicos. En esa ciudad se ha presentado como Pamina en "La Flauta Mágica" de Mozart (2017, 2018, 2021, 2024, 2025), Violetta en "La Traviata" (2018), Diane en "Hippolyte et Aricie" de Rameau (2018), La Condesa en "Las bodas de Figaro" de Mozart (2021), Fiordiligi en "Cosi fan tutte" (2021, 2022), Musetta en "La Bohème" de Puccini (2021, 2022), Donna Elvira en "Don Giovanni" de Mozart (2022), Sifare en "Mitridate" de Mozart (2023), y Juliette en "Roméo et Juliette" de Gounod (2024, 2025). En diciembre de 2026 regresará a la ciudad alemana como Mimi en "La Boheme" de Puccini.

En el Festival de Salzburgo ha tenido también una intensa actividad, apareciendo como Fiordiligi en "Cosi fan tutte" de Mozart (2020, 2021, 2026), Giulietta en "I Capuleti e I Montecchi" (2023), la Condesa en "Capriccio" de Richard Strauss (2024) y Sifare en "Mitridate" de Mozart (2025). Otro festival que le ha otorgado grandes posibilidades de lucimiento ha sido el de Aix-en-Provence, en donde se ha presentado como Micaela en "Carmen" (2017), "Salomé" de Richard Strauss (2022) y el titular de "Louise" de Gustav Charpentier (2025).

Otros centros de ópera que la han recibido con gran éxito han sido Paris con Zerlina en "Don Giovanni" de Mozart, Elvira en "I Puritani" de Bellini (2019),  Diane en "Hippolyte et Aricie" de Rameau (2021), Juliette en "Roméo et Juliette" de Gounod (2023). Para abril de 2027 se espera su regreso como Elettra en "Idomeneo" de Mozart. Por otro lado en Viena se ha presentado como Micaela en "Carmen", el titular de "Alcina" de Handel (2024). Para septiembre de 2026 se presentará como la Condesa en "Las bodas de Fígaro" de Mozart.

En noviembre de 2025 se produjo su debut en La Scala de Milán como Fiordiligi en "Cosi fan tutte" de Mozart. En la península también se ha presentado en el San Carlo de Nápoles como Mimi en "La Boheme" durante abril de 2026.

Por último no podemos dejar de mencionar su actividad en el Gran Teatro de Ginebra en donde se ha especializado en las heroínas belcantistas, asumiendo los titulares de "Anna Bolena" (2021) y "Maria Stuarda" de Donizetti (2022). Durante la temporada de 2024 asumió las tres reinas de manera consecutiva, estas son: Elisabetta en "Roberto Devereux", Maria Stuarda y Anna Bolena.

Como podemos apreciar, el repertorio de Elsa Dreisig es bastante ecléctico tanto en la vocalidad como en la amplia gama de estilos que aborda. Sin embargo, podemos decir sin miedo a equivocarnos que el repertorio mozartiano conforma la columna central de su catálogo, pero no exclusivamente en el Mozart más lírico o ligero. La lista muestra una evolución bastante clara desde Pamina y Zerlina, pasando por el lirismo de Condesa y Fiordiligi, hasta llegar a terrenos mas dramáticos con Donna Elvira y Elettra en "Idomeneo". Por otro lado hay un fuerte interés por seguir ampliando su repertorio italiano, lo que parece confirmarse con su próxima aparición como Mimi en "La Boheme" en Berlin para diciembre de 2026.

"Invocation", es un recital dedicado a plegarias y escenas de invocación, Dreisig demuestra que su canto va mucho más allá de la belleza vocal. Uno de los mayores méritos del álbum es su capacidad para caracterizar a los personajes y dar sentido a cada palabra, apoyándose en una dicción especialmente cuidada. El repertorio reúne catorce compositores y seis idiomas, atravesando un amplio arco estilístico que va de Dvořák y Janáček a Puccini, Verdi, Bellini, Gounod, Grieg y Wagner, junto con la recuperación de obras menos conocidas de compositoras como Amy Beach y Carolina Uccelli. La interpretación está acompañada por el Coro y la Orquesta del Teatro Carlo Felice de Génova, dirigidos por Massimo Zanetti.

Quizás el mayor mérito de Elsa Dreisig es que parece conocer a la perfección las posibilidades de su voz y el repertorio que mejor se adecúa a su instrumento. La lista es bastante disímil y aun así nos regala grandes momentos en los diferentes rincones del repertorio aquí presentado. A título personal destaco sus versiones para el aria de "Rusalka", llena de matices, su hermosa y cristalina versión para "Casta diva", una inspirada y evocadora versión para la canción de Solveig en "Peer Gynt" y una sorpresiva lectura para el aria de "Sapho", adentrándose en terrenos de mezzosoprano pero logrando uno de los momentos de mayor expresividad de todo el disco.

Una de las elecciones más singulares del programa es el aria, con cabaletta, de "Anna di Resburgo", ópera de 1835 de Caroline Uccelli, recientemente recuperada. Aunque Dreisig canta con solvencia, es bastante cuestionable su inclusión: el libreto del álbum no explica el origen de esta pieza ni las razones de su incorporación, y además considero que no guarda una relación clara con el concepto de "Invocation". 

La grabación se realizó entre el 11 y 17 de septiembre de 2024 en el Teatro Carlo Felice de Genova.

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Tracklist:

1. Rusalka, Op. 114, B. 203, Act 1: Song to the Moon. "Mĕsíčku na nebi hlubokém" (Rusalka) 

2. Jenůfa, Act 2: Prayer. "Kde to jsem?" (Jenůfa) 

3. Gianni Schicchi: "O mio babbino caro" (Lauretta) 

4. La forza del destino, Act 2: Aria e coro. "La vergine degli angeli" (Leonora, Coro) 

5. Norma, Act 1: Introduction to "Casta Diva" 

6. Norma, Act 1: Cavatina. "Casta Diva" (Norma, Coro) 

7. Mireille, Act 4: Air de la Crau. "Voici la vaste plaine" (Mireille) 

8. Peer Gynt, Op. 23, Act 4: Solveig's Song. "Kanske vil der gå både Vinter og Vår" (Solveig) 

9. Drot og Marsk, Act 4: "Jeg beder for hver en vejfarende sjael" (Aase) 

10. 3 Songs, Op. 11: No. 2, Extase 

11. Anna di Resburgo, Act 1: Recitativo. "Sulla rupe triste e sola" (Anna) 

12. Anna di Resburgo, Act 1: Aria e coro. "Ma dopo tanti sospiri e pianti" (Anna, Coro) 

13. Le siège de Corinthe, Act 3: Air avec chœur. "Juste ciel ! Ah, ta clémence" (Pamyra, Chœur) 

14. Tannhäuser, Act 3: Elisabeth's Prayer. "Allmächt'ge Jungfrau! Hör mein Flehen" (Elisabeth) 

15. Sapho, Act 3: Récitatif. "Où suis-je ?" (Sapho) 

16. Sapho, Act 3: Air. "Ô ma lyre immortelle" (Sapho) 

17. Clovis et Clotilde, WD 121: "Prière, ô doux souffle de l'ange !" (Clotilde) 

18. Tosca, Act 3: Aria. "Vissi d'arte" (Tosca) 

19. Otello, Act 4: Desdemona's Prayer. "Ave Maria, piena di grazia" (Desdemona) 

20. Martha, Act 2: Arie. "Letzte Rose" (Harriet)

Elsa Dreisig (Soprano)

Orchestra del Teatro Carlo Felice di Genova

Massimo Zanetti (Conductor)

Erato

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Giordano - Marina (Buratto - De Tommaso - Damian - Mogg) Milletarì [Flac Hi-Res, 2026]

 

El estreno de "Marina" de Umberto Giordano en febrero de 2026 en el Teatro dal Verme en Milán, con 138 años de retraso, ha sido uno de los puntos altos en lo que va de esta temporada operística 2026.

Umberto Giordano tenía 21 años cuando decidió postular al Segundo Concurso para jóvenes compositores organizado por la editorial Sanzogno con su ópera "Marina". El llamado ocurrió en 1888 y dos años mas tarde el concurso se resolvió con la célebre victoria de Pietro Mascagni y su "Cavalleria Rusticana". La obra de Giordano quedó seleccionada entre los 12 primeros lugares pero no alcanzó a llegar a la etapa final. La obra permaneció archivada sin llegar a estrenarse. El compositor reutilizó parte de su música para "Mala Vita", su primera ópera en ser escenificada en 1892. Finalmente el manuscrito de "Marina" fue descubierto en la Koch Collection de la Biblioteca Beinecke de Yale por el director de orquesta Andreas Gies, quién es el autor de la edición crítica que se usa en esta grabación.

"Marina" es un melodrama en un acto con libreto de Enrico Colisciani, dividido en dos partes, ambientado en Montenegro durante un conflicto bélico con Serbia.

Tras una batalla entre montenegrinos y serbios, Marina espera el regreso de su hermano Daniele, líder de las fuerzas montenegrinas. Criada en un ambiente marcado por la dureza, el deber y el sacrificio, ha aprendido a anteponer el honor y la patria a cualquier sentimiento personal. Sin embargo, su vida cambia cuando llega a su casa Giorgio Lascari, un joven oficial serbio herido y desarmado. Aunque pertenece al bando enemigo, Marina decide socorrerlo, obedeciendo la antigua ley de la hospitalidad, que considera sagrado el deber de proteger a quien busca refugio. Tras curar sus heridas, lo oculta en su hogar antes del regreso de los vencedores.

Poco después llegan Daniele y sus hombres, acompañados por Lambro, un guerrero que acaba de vengar la muerte del padre de Marina dando muerte a su asesino. Mientras celebran la victoria, Lambro pide la mano de la joven. La situación se torna dramática cuando Giorgio abandona su escondite: es el hijo del hombre al que Lambro acaba de matar. Marina es acusada de traición por haber protegido a un enemigo, y Giorgio es hecho prisionero y condenado a muerte.

En la segunda parte, Marina acude en secreto a la cueva donde Giorgio permanece encarcelado. Allí ambos confiesan el amor que ha nacido entre ellos. Decidida a salvarlo, Marina entrega a Giorgio su manto para facilitar su huida. El intento de fuga, sin embargo, fracasa. Un disparo anuncia que el joven ha sido alcanzado y Lambro descubre el engaño. Cegado por los celos y convencido de que Marina ha traicionado a su pueblo, la apuñala mortalmente. Daniele llega demasiado tarde para salvar a su hermana y solo puede contemplar su cuerpo sin vida, mientras Lambro entrega su crimen al juicio de Dios.

El material musical de "Marina" ya anuncia los futuros brillos de "Andrea Chenier" pero el libreto no alcanza a elevar una historia que claramente necesita mejores versos, mayor profundidad y tiempo para desarrollarse. 

Lo mejor de la grabación son las hermosas voces de la pareja protagonista. Eleonora Buratto dota a su heroína de un timbre redondo y squillante, agudos de impacto y una variada paleta de dinámicas. La faceta interpretativa es inmejorable. Algo parecido se puede decir de Freddie De Tommaso quién con su viril y heroico timbre logra recrear la sonoridad verista con gran impacto. Mihai Damian nos regala un brutal y vehemente Lambro. 

La grabación se realizó entre el 13 y 15 de febrero de 2026 en el Teatro dal Verme en Milán.

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Eleonora Buratto (Marina)

Freddie De Tommaso (Giorgio Lascari)

Miahi Damian (Lambro)

Nicholas Mogg (Daniele)

Coro della Fondazione Teatro Petruzelli

Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano

Vincenzo Milletarì (Conductor)

Decca

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Poulenc - Dialogues des Carmélites (Dubosc - Yakar - Fournier - Gorr - Dupuy - van Dam) Nagano [Flac, 1992/2006]

 

Para finalizar este homenaje y revisión de la discografía de la mezzosoprano belga Rita Gorr, y siguiendo el orden cronológico que hemos implementado, regresamos a "Diálogo de las Carmelitas" de Poulenc, uno de los títulos mas importantes en su carrera artística, habiendo participado en la primera e histórica grabación de estudio a cargo de Pierre Dervaux como Madre María,  reaparece 34 años después en esta versión digital a cargo de Kent Nagano, esta vez dando vida al intenso personaje de la Priora, Madame de Croissy, poniendo fin con broche de oro a su ilustre carrera discográfica.

La ópera de Poulenc no posee un catálogo discográfico demasiado variado. En el mundo del video existen varias grabaciones provenientes de producciones teatrales, sin embargo en el mundo discográficos son mas las versiones tomadas del vivo que las realizadas en estudio. La versión de Pierre Dervaux (Emi/1958) fue durante décadas la única versión de estudio disponible. El sello EMI y sus filiales americana y francesa, se encargaron de reeditarla varias veces en el formato LP y también al CD. Recién en la década del 90, el sello francés Erato se animó a registrar esta versión estereofónica de estudio proveniente de una producción montada en la Ópera de Lyon durante la temporada de 1989 con similar elenco, orquesta y director.

El elenco es casi completamente francés, está encabezado por la juvenil Blanche de Catherine Dubosc, quien es también capaz de agregar variedad de expresión en su versión del personaje. Rita Gorr hace gala a sus 64 años de edad de un registro grave y central sonoro y sin quiebres aparentes. El personaje no le exige internarse en el registro agudo y gracias a sus dotes interpretativas puede dejarnos una intensa y autoritaria versión de Madame de Croissy, especialmente expresiva en su larga escena de agonía en el final del acto primero. A su lado Martine Dupuy logra las mismas alturas expresivas en su temerosa versión de la Madre Maria. La soprano suiza Brigitte Fournier nos entrega una cristalina versión de Soeur Constance, mientras que en el elenco masculino destaca la presencia de José van Dam como el Marquis de la Force.

La dirección de Nagano está enriquecida por la experiencia teatral, sus tempi son dramáticos y su atención al balance nos permiten apreciar los momentos mas camerísticos de la partitura de Poulenc. La ingeniería de sonido saca a relucir la instrumentación y los detalles que en la toma monofónica de Dervaux quedan ocultos. El sonido de la guillotina al final de la ópera es uno de los mejor logrados entre las versiones disponibles.

La grabación se realizó en el Auditórium Maurice Ravel en Lyon, Francia, entre el 21 y 30 de Junio de 1990. 

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Catherine Dubosc (Blanche de la Force)

Rachel Yakar (Madame Lidoine, Nouvelle Prieure)

Brigitte Fournier (Soeur Constance)

Rita Gorr (Madame de Croissy, La Prieure du Carmel)

Martine Dupuy (Mère Marie)

José van Dam (Le Marquis de la Force)

Jean-Luc Viala (Le Chevalier de la Force)

Chorus and Orchestra of the Opéra de Lyon

Kent Nagano (Conductor)

Erato

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Charpentier - Louise (Lott - Pruett - Gorr - Blanc) Cambreling [1983, Flac]

 

En medio de una obligada pausa invernal debido a los temporales de lluvia que por estas fechas nos afectan en Chile, re-encontré el ánimo para terminar con este homenaje a la carrera discográfica de Rita Gorr que comencé a postear en marzo del presente año para celebrar el centenario del nacimiento de la mezzosoprano. Durante la pausa nos enteramos del fallecimiento de Felicity Lott, ocurrido en mayo de 2026, una gran artista que merece un homenaje por sí sola (un recorrido por su discografía sin duda sería un viaje interesante...) pero que por coincidencias de la vida es la protagonista de esta grabación de "Louise" de Gustave Charpentier. Homenaje doble pues.

Gustave Charpentier nació el 25 de junio de 1860 en Dieuze, una pequeña localidad del este de Francia. Con frecuencia se le denomina "el otro Charpentier" para diferenciarlo de Marc-Antoine Charpentier, una de las figuras más destacadas del Barroco francés, nacido en 1643. Pese a la coincidencia de sus apellidos, no existía relación consanguínea alguna entre los dos compositores.

Gustave fue uno de esos autores conocidos prácticamente por una sola obra (un "One Hit Wonder" de la ópera). La única de sus composiciones que aún se representa es la ópera "Louise", y aun así muy de vez en cuando. Su popularidad se debe sobre todo a una de sus arias, "Depuis le jour", parte obligada del repertorio de soprano, interpretada con frecuencia en conciertos y registrada en recitales solista para lucir el registro agudo y el canto legato de la diva de turno.

"Louise" es una "novela musical" (roman musical) dividida en cuatro actos y cinco escenas. Aunque su autor la definió así quizás para destacar la contemporaneidad de la obra, el título suele ser considerado como una ópera. El propio Charpentier escribió el libreto en francés, con la colaboración del poeta simbolista Saint-Pol-Roux, cuya obra ejercería posteriormente una notable influencia sobre el movimiento surrealista.

La trama ofrece un retrato de la vida de la clase trabajadora en el París de finales del siglo XIX, donde la ciudad adquiere un papel casi protagónico. La protagonista, Louise, una joven costurera (una Grisette para ser mas exactos) que vive bajo la estricta tutela de sus padres, está enamorada de Julien, un artista bohemio. Para ella, el amor y la libertad son inseparables, y ambos encuentran su máxima expresión en la vibrante vida parisina. Años más tarde y animado por el éxito de la ópera, Charpentier escribió una secuela que retomaba la historia bajo el título de "Julien", centrándose en las aspiraciones artísticas del protagonista. La secuela, sin embargo, fue un fracaso.

"Louise" se estrenó el 2 de febrero de 1900 en la Salle Favart, sede de la Opéra-Comique de París, bajo la dirección musical de André Messager y producción de Albert Carré. La obra obtuvo un éxito inmediato: poco más de un año después alcanzó su representación número 100; el 17 de enero de 1921 celebró su función número 500 en la Opéra-Comique y, a comienzos de la década de 1950, ya había superado las 950 representaciones, consolidándose como uno de los mayores éxitos del repertorio de la institución. 

Luego de su estreno, se montaron producciones en Bruselas, Budapest y Milan en 1901. Al año siguiente se sumaron Berlin, Praga, Viena, Ginebra y Estocolmo. Su estreno en los Estados Unidos se produjo en 1908, no en el Metropolitan Opera, como podría suponerse, sino en la Manhattan Opera House de Nueva York, la compañía rival del famoso teatro neoyorkino.

Por otro lado, "Julien", la secuela de "Louise", se estrenó en la Ópera-Comique el 4 de junio de 1913. La critica juzgó el libreto como "oscuro" y de no poseer un conflicto dramático potente, por otro lado la música no tiene el genio melódico de "Louise" y a juzgar por las expectativas formadas y la larga espera en su composición y producción, el estreno fue decepcionante, por decir poco.

A pesar del fracaso en su estreno y de la falta de interés por parte de otros teatros europeos, "Julien" se presentó en el Metropolitan Opera House de New York, el 26 de febrero de 1914, incluso antes que el teatro se animara a producir "Louise", cuyo estreno norteamericano había ocurrido en la compañía rival, como vimos anteriormente.

La producción de "Julien" fue una copia de la realizada por la Opéra-Comique de Paris pero realzada con el presupuesto del Met y contó con la presencia de Enrico Caruso y Geraldine Farrar, máximas estrellas de la compañía, en los roles principales.

Parece ser que Giulio Gatti-Casazza, General Manager de la Compañia, veía en la secuela la oportunidad de un gran éxito y se animó a montarla a pesar de las malas criticas de su estreno francés. Finalmente se produjeron un total de 5 funciones, el título no logró el éxito y el Met nunca mas volvió a programar la ópera. 

Recién en 1921, "Louise" fue estrenada en el Met con Geraldine Farrar repitiendo el papel principal con gran éxito de público y critica. La producción acumuló un total de 14 funciones esparcidas durante la temporada. En 1930 se montó una nueva producción con Lucrezia Bori como protagonista y el olvidado Antonin Trantoul como Julien con un total de 8 funciones. En 1939 el Teatro volvió a montar la producción esta vez para lucimiento de Grace Moore con funciones esparcidas hasta 1943. En 1947 volvió a aparecer en la programación esta vez con Dorothy Kirsten en el titular con funciones esparcidas hasta febrero de 1949, luego de esto desapareció de la programación del teatro.

La opera se mantuvo como parte del repertorio estándar hasta mediados del siglo XX. En la Opéra-Comique se montó un revival en 1950 para celebrar los 50 años de su estreno. En décadas posteriores, sin embargo, el titulo cayó poco a poco en el olvido.

En años mas recientes resurgió el interés por la obra y se montaron producciones en la Opera de Paris y Duisburg en 2008, el Festival de Spoleto, la Opera National du Rhin en 2009, Dusseldorf en 2010 y mas recientemente en el Festival de Aix-en-Provence en 2025.

Esta grabación proviene de una función tomada del vivo en la Opera Real de La Moneda en Bruselas. Encabezan el reparto la encantadora pareja de Felicity Lott y Jerome Pruett. Ambos en buen estado vocal y con las cuotas esperables de entrega y pasión. A su lado Rita Gorr, nuestra festejada, compone una Madre de imponente vocalidad a pesar de los años. La parte no le exige notas extremas, gracias a esto la mezzo es aun capaz de un canto señorial y sonoro. Por su lado, Ernest Blanc, también un veterano del teatro a esas alturas, luce su hermosa y sonora voz en un autoritario Padre.

La grabación se realizó durante las funciones realizadas en enero de 1983 en el Théâtre Royal de La Monnaie en Bruselas.

Felicity Lott (Louise)

Jerome Pruett (Julien)

Rita Gorr (La Mère)

Ernest Blanc (Le Père)

Choeurs d'Enfants du Collège Saint-Pierre, Uccle

Choeurs et Orchestre Symphonique de l'Opéra National de Belgique

Sylvain Cambreling (Conductor)

Erato

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Wagner - Lohengrin (Konya - Amara - Gorr - Dooley - Hines) Leinsdorf [1966/1998, Flac]

 

Esta grabacion de "Lohengrin" de Richard Wagner fue planeada desde un comienzo como un proyecto de alto riesgo financiero para el sello RCA. Por esos años la compañía estadounidense registraba sus grabaciones de ópera durante el verano boreal en la capital italiana, empleando para ello a la orquesta y el coro de la Ópera de Roma, que muchas veces aparecía en los créditos bajo el nombre de "Orquesta y Coro de la RCA Italiana", la razón detrás de esto era meramente comercial pues registrar una ópera completa en los Estados Unidos (con las semanas de trabajo que esto implicaba) significaba pagar salarios muchísimo mas altos que los que se pagaban en Italia.

Richard Mohr, el productor a cargo del proyecto, decidió registrar la ópera en suelo norteamericano, empleando a la Sinfónica de Boston pero concentrando todo el trabajo de grabación en tan solo seis días, ahorrándose así una buena cantidad de dinero.

Los problemas comenzaron incluso antes de comenzar las sesiones de grabación. En primera instancia Leontyne Price (!) debía encargarse de Elsa, pero la soprano desistió del proyecto porque se negó a cantar el demandante rol durante los seis días seguidos en que se planearon las sesiones de grabación. En su reemplazo se contrató a Lucine Amara, un nombre bastante menos estelar. Por otro lado el estado vocal de Rita Gorr alarmó desde un comienzo al productor, quien debió organizar tomas extras para corregir los notorios problemas de afinación y estabilidad de los agudos. El propio Erich Leinsdorf se mostraba muy preocupado por el estado vocal de la cantante. En su libro "Cadenza: A Musical Career", publicado en 1976, el director relata que en junio de 1964 asistió a una representación de "Don Carlo" en Paris que lo puso en estado de alerta. El director la describe así: "Sonaba terriblemente parecida a una sirena de niebla y era tan estridente en el registro agudo que me convencí de que nunca podría hacerse cargo de Ortrud, un rol igualmente agudo y demandante". A pesar de las tomas extras y las correcciones, el resultado final expuso a la mezzosoprano a las peores criticas de su carrera y terminó por sepultar las posibilidades de futuras grabaciones.

El único punto de interés de toda la producción lo encontramos en el estupendo "Lohengrin" del tenor húngaro Sándor Konya, en gran forma y regalándonos un protagonista de hermoso y lírico timbre. A su lado el resto del equipo masculino está conformado por nombres que ni siquiera entusiasmaron al director, quien se refiere a ellos como "no había nada mejor disponible".

Las sesiones de grabación se realizaron en el Symphony Hall de Boston, entre el 23 y 28 de agosto de 1965.

Sandor Konya (Lohengrin)

Lucine Amara (Elsa von Brabant)

Rita Gorr (Ortrud)

William Dooley (Friedrich von Telramund)

Jerome Hines (Konig Heinrich)

Calvin Marsh (Der Heerrufer des Konigs)

Boston Pro Musica Chorus

Boston Symphony Orchestra

Erich Leinsdorf (Conductor)

RCA

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Massenet - Werther (Lance - Gorr - Bacquier - Mesplé) Etcheverry [1964/1985, Flac]

 

Esta grabacion de "Werther" de Massenet fue producida por la ORTF (Office de radiodiffusion-télévision française) en enero de 1964 y publicada por Mondiophonie, un sello local de corta vida. Quizás sea esto su principal atractivo pues al no tratarse de una producción de alcance internacional, echa mano a artistas locales del momento.

El elenco está encabezado por Albert Lance, un tenor australiano nacionalizado francés que disfrutó de una amplia trayectoria en los escenarios galos durante la década del 60'. Su Werther se apega completamente al modelo francés de canto refinado y fraseo elegante. El timbre es lírico y algo duro en el extremo agudo pero el tenor suple sus falencias con la expresividad urgente y melancólica que requiere su personaje. A su lado Rita Gorr nos deja una Charlotte quizás demasiado opulenta para la parte pero de sincera expresión y gran atención al texto y las emociones. Mady Mesplé crea en Sophie una contraparte perfecta para el timbre maduro de su hermana mientras que un joven Gabriel Bacquier sirve la parte de Albert con hermoso timbre y gran presencia. 

La batuta de Jesús Etcheverry dirige la hermosa partitura de Massenet con especial atención al drama, sin miedo a apurar los tempi y siempre atento a las necesidades de sus cantantes. Se notan los años de experiencia frente a los cuerpos de la Opéra-Comique.

Lamentablemente la grabación original no es de las mejores y los traspasos al formato digital no mejoran este problema ni en esta edición del sello Disques Adès de 1985 ni en la posterior de 2003 en el sello Accord.

Albert Lance (Werther)

Rita Gorr (Charlotte)

Gabriel Bacquier (Albert)

Mady Mesplé (Sophie)

Maîtrise de L'ORTF

Jesus Etcheverry (Conductor)

Disques Adès

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Massenet - Hérodiade (Crespin - Gorr - Lance - Dens) Prêtre (Highlights) [1963/1998, Flac]

 

Pese a que la ópera "Hérodiade" de Jules Massenet cuenta la misma historia de "Salomé" de Richard Strauss, la diferencia entre ambas no podría ser mayor. Massenet basó "Hérodiade" en un relato corto de Gustave Flaubert, pero añadió su propio giro característico. Al igual que Flaubert, dio a su ópera un título que parece presentar a Herodías, la madre de Salomé, como el personaje principal, pero Salomé es la heroína y, como en tantas de sus óperas, Massenet terminó engolosinado con el personaje y escribiéndole mas música, aunque esto significara ignorar la historia, la Biblia, a Flaubert y el sentido común: por ejemplo, Salomé y Juan están enamorados (xD). La ópera es extraña, pero fascinante, y la música de Massenet exquisita.

"Hérodiade" es una ópera seria en cuatro actos, con música de Jules Massenet y libreto en francés de Paul Milliet y Henri Grémont, inspirada en la novela "Hérodias" (1877) de Gustave Flaubert. Su estreno tuvo lugar el 19 de diciembre de 1881 en el Teatro Real de La Monnaie en Bruselas.

El compositor realizó varias revisiones de la obra: una para su presentación en Italia el 23 de febrero de 1882 en el La Scala; otra para el estreno en Francia el 29 de marzo de 1883 en Nantes; y una versión en cuatro actos presentada el 1 de febrero de 1884 en el Théâtre-Italien. Finalmente, en 1903, Massenet fijó una versión definitiva en francés.

La trama tiene una mirada mucho mas sentimental que la ópera de Strauss. En la obra de Massenet la acción se centra en el triángulo de Hérode, Jean y Salomé. El personaje de Hérodiade, si bien central y catalizador del desenlace final (es ella quién pide la cabeza de Jean), es quién menos canta. Otro detalle también confuso es el hecho de que Hérodiade abandonó a Salomé para casarse con Hérode y ambas no se reconocen como madre e hija hasta el final de la ópera, cuando Salomé se apuñala después de descubrir que Jean ha sido decapitado.

Esta grabación incluye una selección (lamentablemente) de los mejores momentos solistas de la ópera. El elenco está encabezado por la exquisita Salomé de Régine Crespin de hermoso y poderoso timbre, gran atención al texto y una amplia gama de matices. La Hérodiade de Rita Gorr es todo lo que se puede esperar del personaje: celosa, calculadora, vengativa y con un timbre opulento. Albert Lance nos deja un Jean de hermoso timbre, gran línea de canto y arrojo vocal, en la tradición de otros grandes tenores de la escuela francesa. Por su parte Michel Dens compone un Hérode de timbre bello y lírico, gran atención al texto y con el acento obsesivo necesario para retratar a su morboso personaje.

Las sesiones de grabación se realizaron entre el 6 y 9 de mayo de 1963 en la Salle Wagram de Paris. La edición está tomada del box "10 Opéras Francais - Les Années Pathé" publicado por Emi en Francia en 1998. La carátula proviene de edición original al LP publicada por Emi Angel en 1963.

Régine Crespin (Salomé)

Rira Gorr (Hérodiade)

Albert Lance (Jean)

Michel Dens (Hérode)

Jacques Mars (Phanuel)

Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris

Georges Prêtre (Conductor)

Emi

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Saint-Saëns - Samson et Dalila (Vickers - Gorr - Blanc) Prêtre [1963/2021, Flac]

 

Esta versión de "Samson et Dalila" producida por Pathé-Marconi, la filial francesa de Emi, fue planeada en un principio como un producto de consumo local. Frente al éxito alcanzado, la producción salió fuera de las fronteras francófonas al mercado internacional para convertirse en la versión de referencia de la era del LP.

Vickers aun no debutaba el rol de Samson cuando se realizó esta grabación pero desde su primera función en Buenos Aires en 1963, se convirtió en uno de sus personajes mas solicitados, presentándolo en puntos tan alejados como Chicago, Ginebra, Tel Aviv, New York, Tokyo y Londres. Samson lo acompañó casi hasta el final de su carrera y fue precisamente en sus ropas que se despidió del publico del Metropolitan en abril de 1987.

La grabación lo presenta en su mejor momento vocal y como siempre con una cuidada caracterización del personaje. En décadas posteriores pudo profundizar más en él pero a costa de una voz que se fue volviendo cada vez mas dura en la emisión y difícil en el agudo.

La presencia de Rita Gorr como Dalila termina de confirmar a esta grabación como un referente discográfico hasta el día de hoy. Gorr poseía una voz opulenta y de un color muy personal y hermoso. Manejaba el estilo a la perfección y es capaz de crear un personaje tan seductor como imponente, se mueve por este amplio espectro emocional y vocal con una intensidad que pocas colegas han logran conseguir en el disco.  El elenco se completa con la carta segura de Ernest Blanc como Grand Prêtre, de hermosa voz y gran presencia y por otro lado la mediocridad de Anton Diakov como Abimelech que de todas maneras no logra empañar el resultado final.

La grabación se realizó en la Sale Wagram de París del 25 al 28 de Septiembre y del 1 al 10 de Octubre de 1962. La edición fue publicada por el sello Erato en 2021.

Jon Vickers (Samson)

Rita Gorr (Dalila)

Ernest Blanc (Le Grand Prêtre de Dagon)

Anton Diakov (Abimelech & Un vieillard hébreu)

Rémy Corazza (Un messager)

Jacques Poitier (Premier Philistin)

Jean-Pierre Hurteau (Deuxième Philistin)

Cheours René Duclos

Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris

Georges Prêtre (Conductor)

Erato

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Cherubini - Médée (Gorr - Chauvet - Esposito - Bianco) Prêtre (Highlights) [1962/2026, Flac]

 

El sello francés Pathé Marconi produjo a comienzos de la década del 60' una serie de selecciones de óperas que, quizás por motivos comerciales, no se animaron a grabar de manera integral. En el año 1998 el sello Emi (por esos años el dueño del catalogo Pathé) publicó 10 de esas selecciones agrupadas en un cofre titulado "10 Opéras Français - Les Années Pathé". La mayoría de los títulos contenidos en ese Box nunca habían sido publicados en formato digital.

No es mucha la información que pude obtener sobre esta grabación pero todo parece indicar que es el reflejo de un acontecimiento teatral de su época. El sello Erato lo comercializa asi: "Para conmemorar el centenario de la gran mezzosoprano belga Rita Gorr (fallecida en 2012). Esta inmensa tragediénne fue un pilar de la Ópera de París, donde disfrutó de los mayores éxitos de su larguísima carrera. En particular, sustituyó con poca antelación a Maria Callas, quien estaba originalmente programada para interpretar el papel principal en el estreno parisino de la versión francesa de Médée de Cherubini en el Palais Garnier. Aunque más tarde lamentó esta decisión, ya que el papel era muy exigente para su voz, dejó una grabación que da testimonio de su presencia magnética".

La verdad no tengo claro si esta sustitución de última hora fue real o no, lo cierto es que Gorr cantó las funciones y luego lamentó la decisión. Por aquellos años la tipología vocal de Rita Gorr era muy deseada por los productores teatrales y las ofertas de roles sopraniles (con mejores cachet) fue una tentación presente desde los primeros años de estrellato. En un caso similar a otras colegas de su cuerda que se rindieron a la tentación de cantar roles de soprano (Simionato, Ludwig), la mezzo hizo algunas incursiones muy exitosas en terrenos de "mezzo aguda" o soprano falcón, aquí podemos contar a la Eboli verdiana y Ortrud y Kundry de la producción wagneriana. 

A pesar del elemento áspero de su voz y el metal penetrante del timbre en los agudos mas extremos, Gorr compone una Medea cautivadora y enloquecida. La tessitura exigente le ayuda de alguna manera a crear un personaje especialmente urgente pero también hay que decir que en momentos como el dúo con Jason, "Perfides enemies", la voz está al borde del grito.

El resto del elenco está también a buen nivel. Guy Chauvet asume con solvencia el ingrato papel de Jason, luciendo un timbre por momentos baritonal y tan áspero como el de su compañera. A su lado René Bianco nos deja un autoritario y sonoro Créon, mientras que Andrée Esposito cumple a cabalidad con la breve pero brillante intervención de Glauce.

Las sesiones de grabación se realizaron los días 2, 3, 5, 6 y 16 de abril de 1962 en la Salle Wagram de Paris. La presente edición fue publicada por Erato en 2026.

Rita Gorr (Médée)

Guy Chauvet (Jason)

Andrée Esposito (Glauce)

René Bianco (Créon)

Choeurs et Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris

Georges Prêtre (Conductor)

Erato

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Wagner - Die Walküre (Nilsson - London - Vickers - Brouwenstijn - Ward - Gorr) Leinsdorf [1962/2018, Flac]

Un clásico absoluto de la discografía. Esta grabación producida por RCA en 1962 fue la primera versión de "Die Walküre" hecha en Stereo y contó con la dirección experta de Erich Leinsdorf y un reparto de cantantes que mezclaba talentos de diferentes generaciones.

El elenco está encabezado por la poderosa Brünnhilde de Birgit Nilsson, de sobrados medios vocales y expresivos para entregar una electrizante lectura. La Nilsson repitió el rol cuatro años mas tardes para Solti con mejores resultados en la expresión pero en esta versión se la puede oír mas fresca y luminosa en la vocalidad. Además aquí podemos disfrutarla junto al Wotan de George London, un monumento vocal a la altura de la Nilsson. La combinación de ambas voces en el acto tercero es sencillamente inigualable. London no alcanza la profundidad interpretativa de Hans Hotter, pero ahí donde la voz del alemán flaquea, London nos entrega su broncíneo torrente vocal para compensar.

La vocalidad de Siegmund se acomodaba a la perfección a las capacidades de Jon Vickers. El tenor logra grandes momentos tanto en las partes mas estentóreas como en los momentos que piden mayor introspección. El personaje está construido con todo detalle y logra evocar como ningún otro los conflictos internos del torturado volsungo. La voz lírica de Gre Brouwenstijn no parece ser la opción mas idónea para Sieglinde pero la química lograda con Vickers es excelente y aporta además una cuota extra de fragilidad muy bienvenida. David Ward no alcanza la estatura malévola de otros Hunding de la discografía mientras que Rita Gorr compone un sonoro y autoritario retrato de Fricka. El grupo completo de Valquirias fue tomado de una producción del Covent Garden y las funciones en el cuerpo ciertamente ayudan a la cohesión y fuerza con la que cantan su música.

Leinsdorf tenía a sus espaldas una amplia carrera en el repertorio wagneriano. Conduce el drama con gran ímpetu y vivacidad, logrando gran efecto en las partes mas potentes del inicio del segundo acto, la cabalgata y el emocionante adiós de Wotan.

La grabación fue realizada por Rca para la serie Living Stereo en el Walthamstow Assembly Hall de Londres en sesiones esparcidas entre el 9 y 23 de septiembre de 1961. Al igual que la grabación de "Aida" dirigida por Solti, en años posteriores los derechos pasaron al sello Decca y se mantiene aun como parte del catalogo del sello inglés.


Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Gré Brouwenstijn (Sieglinde)
George London (Wotan)
Jon Vickers (Siegmund)
Rita Gorr (Fricka)
David Ward (Hunding)
Marie Collier (Gerhilde)
Julia Malyon (Ortlinde)
Margreta Elkins (Waltraute)
Joan Edwards (Schwertleite)
Judith Pierce (Helmwige)
Noreen Berry (Siegrune)
Maureen Guy (Grimgerde)
Josephine Veasey (Rossweisse)

London Symphony Orchestra
Erich Leinsdorf (Conductor)

Decca
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Verdi - Aida (Price - Vickers - Gorr - Merrill - Tozzi) Solti [1962/2017, Flac Hi-Res]

 

En 1956 el sello estadounidense RCA Victor firmó un acuerdo con el sello inglés Decca que se hizo efectivo en mayo de 1957 y revolucionó el mercado discográfico de esos años. El pacto estaba estructurado en torno a la distribución y el uso de los artistas exclusivos.

A cambio de prestar a algunos de sus artistas a RCA, Decca quedaba facultada para distribuir las grabaciones de RCA en todo el Reino Unido y Europa. Además, Decca aceptó grabar bajo licencia a algunos de sus propios artistas, en sesiones financiadas y patrocinadas por RCA, para su publicación en el sello Red Seal (Con el tiempo, estas grabaciones volverían a Decca, que luego lanzaría el mismo material, generalmente bajo un título diferente, en sus propios sellos). La nueva alianza puso fin al vínculo internacional más antiguo en la industria discográfica: el que existía entre Victor y His Master's Voice (H.M.V.) en Londres. Victor y H.M.V. habían mantenido un acuerdo recíproco desde 1901. Sin embargo, durante varios años se había rumoreado que su contrato, que expiraba en abril de 1957, no sería renovado.

Parte del acuerdo estipulaba que RCA no debía construir instalaciones propias de prensado en Gran Bretaña. Después de que RCA violara esta última estipulación al construir una planta de prensado (de corta duración) en Durham, Reino Unido, el acuerdo fue cancelado y todo el material licenciado por Decca volvió a Decca. 

Esta famosa y estelar grabación de "Aida" de Giuseppe Verdi fue uno de los álbumes producidos durante la famosa alianza discográfica. Publicada en el mercado norteamericano en la serie "Living Stereo", una vez que el acuerdo fue cancelado, la grabación volvió a manos del sello inglés y desde entonces aparece bajo esta etiqueta. 

El elenco está encabezado por la protagonista de Leontyne Price, por aquél entonces aun a la espera de su debut en el Met. La Price dominó el rol de la esclava etíope por décadas gracias a la plasticidad de su instrumento que le ofrecía una gran gama de contrastes a la hora de matizar. La línea de canto es estupenda, la voz hermosa y los agudos surgen fáciles hasta el extremo del Do. Vickers suena ajeno a la vocalidad italiana a pesar de las excelencias de fraseo, matices e intensidad dramática con la que enfrenta a Radamès. La mezzo belga Rita Gorr tenía uno de los instrumentos mas gloriosos de su época pero muy poco de mezzo verdiana. Los graves surgen apagados al no estar colocados en el pecho, el centro algo gutural y el agudo, si bien valiente y arrojado, muchas veces es llevado al limite de la estridencia. Por otro lado compone una Amneris imponente y de gran intensidad. Por su parte Merrill crea un Amonasro de lujo y Tozzi un sonoro Ramfis.

Solti le añade polémica a la grabación con marejadas de sonido y un estilo rimbombante bastante marcado. La sección de los metales se oye con una relevancia poco acostumbrada en esta ópera y el control férreo que impone el director a sus músicos termina por traicionarlo en la escena triunfal en donde en vez de oírse un trabajo colectivo termina escuchándose una batalla campal por quien suena mas fuerte.

Las sesiones de ensayo y grabación organizadas en Roma durante los meses de junio y julio de 1961 vieron además el nacimiento de la enemistad entre Jon Vickers y Georg Solti. La relación entre ambos había calentado motores con un intercambio de correspondencia para planificar el debut de Solti como director principal en el Covent Garden. Los cambios en el repertorio al parecer no gustaron a Vickers (quería cantar a Florestán con Nilsson y terminó siendo Siegmund) y el trato entre ambos en las sesiones de grabación de esta "Aida" no ayudó en nada. A fines de septiembre de 1961 comenzaron los ensayos de "Die Walküre" y en una oportunidad Solti terminó pidiéndole a Vickers que cantara la melodía del "Winterstürme" sin letra para asegurar la melodía. Vickers estalló en furia y nunca mas volvió a trabajar con Solti, calificando su manera de trabajar como "fascismo puro". La enemistad entre ambos privó al Covent Garden de varias oportunidades de lucimiento para ambos. El desquite de Vickers se dio en el escenario del Metropolitan de New York de donde Solti terminó por salir en 1963 para nunca mas volver, según muchos debido a la amistad entre Vickers y Rudolf Bing, General Manager del teatro.

La sesiones de grabación se realizaron en el Teatro de la Opera de Roma durante el mes de julio de 1961. El álbum ganó el Grammy en 1962, convirtiéndose en el primero de un total de treinta y dos en la carrera discográfica de Solti. La presente edición en formato de alta definición fue publicada en 2017.

Leontyne Price (Aida)

Jon Vickers (Radames)

Rita Gorr (Amneris)

Robert Merrill (Amonasro)

Giorgio Tozzi (Ramfis)

Plinio Clabassi (Il Re)

Franco Ricciardi (Un messagero)

Mietta Sighele (Sacerdotessa)

Orchestra e Coro del Teatro dell'Opera di Roma

Sir Georg Solti (Conductor)

Decca

Flac@96kHz-24bit | Flac | Cover + Digital Booklet

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Gluck - Iphigénie en Tauride (Gorr - Gedda - Blanc - Quilico) Prêtre [1961/2024, Flac]

 

La ópera “Ifigenia en Táuride”, de Christoph Willibald Gluck estrenada en el Teatro de la Ópera Real de París el 18 de marzo de 1779, puede entenderse, en términos modernos, como una continuación o “secuela” de su obra anterior “Ifigenia en Áulide”, presentada en el mismo teatro el 19 de abril de 1774. Ambas piezas están conectadas tanto por su argumento como por sus personajes, formando parte de una misma línea narrativa inspirada en la mitología griega.

En "Aulide" se narra el conflicto de Agamenón, quien debe sacrificar a su hija, Ifigenia, para asegurar el viaje a Troya. En "Táuride", Ifigenia ha sido salvada por la diosa Diana y trasladada a Táuride, donde vive como sacerdotisa obligada a sacrificar a todo extranjero que llegue a esas tierras. La trama da un giro cuando arriban dos náufragos griegos: su hermano Orestes y su amigo Pílades, aunque al principio no se reconocen. A partir de ahí, la ópera desarrolla un intenso drama de identidad, culpa y destino, que culmina en el reencuentro de los hermanos y su huida, poniendo fin al ciclo de violencia que persigue a su familia.

Esta grabación corresponde a una selección de arias y conjuntos encabezados por la intensa y sonora Iphigénie de Rita Gorr. El elenco estelar incluye también a Ernest Blanc y Nicolai Gedda como Oreste y Pylade, respectivamente, y la verdad es que la combinación tiene todo lo esperable en estos terrenos: hermosas voces, gran fraseo, manejo del idioma y el estilo de canto francés de la década del 60'.

Las sesiones de grabaciones se llevaron a cabo los días 19, 20, 23 & 24 de mayo de 1961 en la Salle Wagram de París. La redición fue publicada por Erato en 2024.

Rita Gorr (Iphigénie)

Ernest Blanc (Oreste)

Nicolai Gedda (Pylade)

Louis Quilico (Thoas)

Chœurs René Duclos

Orchestre De La Société Des Concerts Du Conservatoire

Georges Prêtre (Conductor)

Erato

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Berlioz - La Damnation de Faust (Highlights) (Gedda - Gorr - Souzay) Cluytens [1960/1998, Flac]

 

Esta grabacion de la "Condenación de Fausto" de Héctor Berlioz lamentablemente es una selección y por lo tanto incurre en cortes que terminan por restarle impacto dramático a una versión que lo tiene todo para convertirse en un clásico.

El eleno está encabezado por el Faust de Nicolai Gedda, quien hace gala de su manejo del idioma, el estilo y la musicalidad necesarias para la parte. Rita Gorr nos regala una Marguerite de suntuosa vocalidad mientras que Gérard Souzay crea un Méphistophélès quizás sin el peso vocal esperable en la parte pero con gran manejo del estilo, atención al texto y un fraseo que lo aleja de los excesos que otros colegas cometen a la hora de la caracterización. Cluytens logra un balance perfecto entre el lirismo y la intensidad. Una lástima que la versión no se haya registrado de manera integral.

La grabación se realizó entre el 5 y 10 de octubre de 1959 en la Salle Wagram de Paris. La carátula corresponde a la edición a formato digital publicada por EMI en japón en 1999, sin embargo el material disponible en el enlace de descarga corresponde a la edición que el sello publicó en Francia en 1998 en el box "10 Opéras Francais - Les Années Pathé". Misma edición, distinto país de publicación pero elegí esta carátula simplemente porque me parece bastante mas bonita jaja.

Rita Gorr (Marguerite)

Nicolai Gedda (Faust)

Gérard Souzay (Méphistophélès)

Choeurs et Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris

André Cluytens (Conductor)

Emi

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Wagner - Lohengrin (Konya - Grümmer - Gorr - Blanc - Crass) Matačić [1959/2006, Flac]

Esta grabacion de "Lohengrin" proveniente del Festival de Bayreuth del verano del 59'  nos ofrece uno de los mejores elencos reunidos para la ópera de Wagner, con un marcado acento lírico en todos los roles principales.

Encabeza el reparto el tenor húngaro Sándor Kónya, dueño de los instrumentos mejor dotados de su generación. Su Lohengrin proviene del lado mas lírico de la vocalidad, con un generoso uso del registro de cabeza pero con la robustez necesarias para atravesar la masa orquestal wagneriana con facilidad. A su lado Elisabeth Grümmer parece jugar con las mismas reglas a la hora de hacer frente a su personaje, un papel que no requiere necesariamente a una Flagstad o una Nilsson, ni a alguien que pudiera encarnar a Kundry, o a Senta. Elsa no es la hija de Wotan, una mujer que se burló de Cristo y que desde entonces ha sufrido, ni la hija enloquecida de un marinero. Grümmer lo comprende a cabalidad y si bien es dueña de un instrumento squillante y robusto, es también capaz de momentos de gran delicadeza.

Rita Gorr, nuestra festejada, encontró en la malvada Ortrud uno de sus mejores papeles tanto en la vocalidad como en lo expresivo. La música de Wagner le permite lucir en toda su gloria lo voluptuoso de la zona media de su voz como también los agudos valientes y estentóreos. Un verdadero lujo. A su lado, el barítono francés Ernest Blanc adorna su interpretación del perverso Friedrich con su hermosa y aterciopelada voz. Crass y Wächter son dos lujos en sus respectivos roles.

Lovro von Matačić saca lo mejor de la estupenda orquesta del Festival, subrayando el drama y la tensión que recorre la obra de principio a fin.

La grabación proviene de una función del 4 de agosto de 1959 en el Festival de Bayreuth.

Sándor Kónya (Lohengrin)

Elisabeth Grümmer (Elsa von Brabant)

Rita Gorr (Ortrud)

Ernest Blanc (Friedrich von Telramund)

Franz Crass (Heinrich der Volger)

Eberhard Wächter (Der Heerrufer)

Chor und Orchester der Bayreuther Festspiele

Lovro von Matačić (Conductor)

Orfeo

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