Wagner - Die Walküre (Nilsson - London - Vickers - Brouwenstijn - Ward - Gorr) Leinsdorf [1962/2018, Flac]

Un clásico absoluto de la discografía. Esta grabación producida por RCA en 1962 fue la primera versión de "Die Walküre" hecha en Stereo y contó con la dirección experta de Erich Leinsdorf y un reparto de cantantes que mezclaba talentos de diferentes generaciones.

El elenco está encabezado por la poderosa Brünnhilde de Birgit Nilsson, de sobrados medios vocales y expresivos para entregar una electrizante lectura. La Nilsson repitió el rol cuatro años mas tardes para Solti con mejores resultados en la expresión pero en esta versión se la puede oír mas fresca y luminosa en la vocalidad. Además aquí podemos disfrutarla junto al Wotan de George London, un monumento vocal a la altura de la Nilsson. La combinación de ambas voces en el acto tercero es sencillamente inigualable. London no alcanza la profundidad interpretativa de Hans Hotter, pero ahí donde la voz del alemán flaquea, London nos entrega su broncíneo torrente vocal para compensar.

La vocalidad de Siegmund se acomodaba a la perfección a las capacidades de Jon Vickers. El tenor logra grandes momentos tanto en las partes mas estentóreas como en los momentos que piden mayor introspección. El personaje está construido con todo detalle y logra evocar como ningún otro los conflictos internos del torturado volsungo. La voz lírica de Gre Brouwenstijn no parece ser la opción mas idónea para Sieglinde pero la química lograda con Vickers es excelente y aporta además una cuota extra de fragilidad muy bienvenida. David Ward no alcanza la estatura malévola de otros Hunding de la discografía mientras que Rita Gorr compone un sonoro y autoritario retrato de Fricka. El grupo completo de Valquirias fue tomado de una producción del Covent Garden y las funciones en el cuerpo ciertamente ayudan a la cohesión y fuerza con la que cantan su música.

Leinsdorf tenía a sus espaldas una amplia carrera en el repertorio wagneriano. Conduce el drama con gran ímpetu y vivacidad, logrando gran efecto en las partes mas potentes del inicio del segundo acto, la cabalgata y el emocionante adiós de Wotan.

La grabación fue realizada por Rca para la serie Living Stereo en el Walthamstow Assembly Hall de Londres en sesiones esparcidas entre el 9 y 23 de septiembre de 1961. Al igual que la grabación de "Aida" dirigida por Solti, en años posteriores los derechos pasaron al sello Decca y se mantiene aun como parte del catalogo del sello inglés.


Birgit Nilsson (Brünnhilde)
Gré Brouwenstijn (Sieglinde)
George London (Wotan)
Jon Vickers (Siegmund)
Rita Gorr (Fricka)
David Ward (Hunding)
Marie Collier (Gerhilde)
Julia Malyon (Ortlinde)
Margreta Elkins (Waltraute)
Joan Edwards (Schwertleite)
Judith Pierce (Helmwige)
Noreen Berry (Siegrune)
Maureen Guy (Grimgerde)
Josephine Veasey (Rossweisse)

London Symphony Orchestra
Erich Leinsdorf (Conductor)

RCA/Decca
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Verdi - Aida (Price - Vickers - Gorr - Merrill - Tozzi) Solti [1962/2017, Flac Hi-Res]

 

En 1956 el sello estadounidense RCA Victor firmó un acuerdo con el sello inglés Decca que se hizo efectivo en mayo de 1957 y revolucionó el mercado discográfico de esos años. El pacto estaba estructurado en torno a la distribución y el uso de los artistas exclusivos.

A cambio de prestar a algunos de sus artistas a RCA, Decca quedaba facultada para distribuir las grabaciones de RCA en todo el Reino Unido y Europa. Además, Decca aceptó grabar bajo licencia a algunos de sus propios artistas, en sesiones financiadas y patrocinadas por RCA, para su publicación en el sello Red Seal (Con el tiempo, estas grabaciones volverían a Decca, que luego lanzaría el mismo material, generalmente bajo un título diferente, en sus propios sellos). La nueva alianza puso fin al vínculo internacional más antiguo en la industria discográfica: el que existía entre Victor y His Master's Voice (H.M.V.) en Londres. Victor y H.M.V. habían mantenido un acuerdo recíproco desde 1901. Sin embargo, durante varios años se había rumoreado que su contrato, que expiraba en abril de 1957, no sería renovado.

Parte del acuerdo estipulaba que RCA no debía construir instalaciones propias de prensado en Gran Bretaña. Después de que RCA violara esta última estipulación al construir una planta de prensado (de corta duración) en Durham, Reino Unido, el acuerdo fue cancelado y todo el material licenciado por Decca volvió a Decca. 

Esta famosa y estelar grabación de "Aida" de Giuseppe Verdi fue uno de los álbumes producidos durante la famosa alianza discográfica. Publicada en el mercado norteamericano en la serie "Living Stereo", una vez que el acuerdo fue cancelado, la grabación volvió a manos del sello inglés y desde entonces aparece bajo esta etiqueta. 

El elenco está encabezado por la protagonista de Leontyne Price, por aquél entonces aun a la espera de su debut en el Met. La Price dominó el rol de la esclava etíope por décadas gracias a la plasticidad de su instrumento que le ofrecía una gran gama de contrastes a la hora de matizar. La línea de canto es estupenda, la voz hermosa y los agudos surgen fáciles hasta el extremo del Do. Vickers suena ajeno a la vocalidad italiana a pesar de las excelencias de fraseo, matices e intensidad dramática con la que enfrenta a Radamès. La mezzo belga Rita Gorr tenía uno de los instrumentos mas gloriosos de su época pero muy poco de mezzo verdiana. Los graves surgen apagados al no estar colocados en el pecho, el centro algo gutural y el agudo, si bien valiente y arrojado, muchas veces es llevado al limite de la estridencia. Por otro lado compone una Amneris imponente y de gran intensidad. Por su parte Merrill crea un Amonasro de lujo y Tozzi un sonoro Ramfis.

Solti le añade polémica a la grabación con marejadas de sonido y un estilo rimbombante bastante marcado. La sección de los metales se oye con una relevancia poco acostumbrada en esta ópera y el control férreo que impone el director a sus músicos termina por traicionarlo en la escena triunfal en donde en vez de oírse un trabajo colectivo termina escuchándose una batalla campal por quien suena mas fuerte.

Las sesiones de ensayo y grabación organizadas en Roma durante los meses de junio y julio de 1961 vieron además el nacimiento de la enemistad entre Jon Vickers y Georg Solti. La relación entre ambos había calentado motores con un intercambio de correspondencia para planificar el debut de Solti como director principal en el Covent Garden. Los cambios en el repertorio al parecer no gustaron a Vickers (quería cantar a Florestán con Nilsson y terminó siendo Siegmund) y el trato entre ambos en las sesiones de grabación de esta "Aida" no ayudó en nada. A fines de septiembre de 1961 comenzaron los ensayos de "Die Walküre" y en una oportunidad Solti terminó pidiéndole a Vickers que cantara la melodía del "Winterstürme" sin letra para asegurar la melodía. Vickers estalló en furia y nunca mas volvió a trabajar con Solti, calificando su manera de trabajar como "fascismo puro". La enemistad entre ambos privó al Covent Garden de varias oportunidades de lucimiento para ambos. El desquite de Vickers se dio en el escenario del Metropolitan de New York de donde Solti terminó por salir en 1963 para nunca mas volver, según muchos debido a la amistad entre Vickers y Rudolf Bing, General Manager del teatro.

La sesiones de grabación se realizaron en el Teatro de la Opera de Roma durante el mes de julio de 1961. El álbum ganó el Grammy en 1962, convirtiéndose en el primero de un total de treinta y dos en la carrera discográfica de Solti. La presente edición en formato de alta definición fue publicada en 2017.

Leontyne Price (Aida)

Jon Vickers (Radames)

Rita Gorr (Amneris)

Robert Merrill (Amonasro)

Giorgio Tozzi (Ramfis)

Plinio Clabassi (Il Re)

Franco Ricciardi (Un messagero)

Mietta Sighele (Sacerdotessa)

Orchestra e Coro del Teatro dell'Opera di Roma

Sir Georg Solti (Conductor)

Decca

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Gluck - Iphigénie en Tauride (Gorr - Gedda - Blanc - Quilico) Prêtre [1961/2024, Flac]

 

La ópera “Ifigenia en Táuride”, de Christoph Willibald Gluck estrenada en el Teatro de la Ópera Real de París el 18 de marzo de 1779, puede entenderse, en términos modernos, como una continuación o “secuela” de su obra anterior “Ifigenia en Áulide”, presentada en el mismo teatro el 19 de abril de 1774. Ambas piezas están conectadas tanto por su argumento como por sus personajes, formando parte de una misma línea narrativa inspirada en la mitología griega.

En "Aulide" se narra el conflicto de Agamenón, quien debe sacrificar a su hija, Ifigenia, para asegurar el viaje a Troya. En "Táuride", Ifigenia ha sido salvada por la diosa Diana y trasladada a Táuride, donde vive como sacerdotisa obligada a sacrificar a todo extranjero que llegue a esas tierras. La trama da un giro cuando arriban dos náufragos griegos: su hermano Orestes y su amigo Pílades, aunque al principio no se reconocen. A partir de ahí, la ópera desarrolla un intenso drama de identidad, culpa y destino, que culmina en el reencuentro de los hermanos y su huida, poniendo fin al ciclo de violencia que persigue a su familia.

Esta grabación corresponde a una selección de arias y conjuntos encabezados por la intensa y sonora Iphigénie de Rita Gorr. El elenco estelar incluye también a Ernest Blanc y Nicolai Gedda como Oreste y Pylade, respectivamente, y la verdad es que la combinación tiene todo lo esperable en estos terrenos: hermosas voces, gran fraseo, manejo del idioma y el estilo de canto francés de la década del 60'.

Las sesiones de grabaciones se llevaron a cabo los días 19, 20, 23 & 24 de mayo de 1961 en la Salle Wagram de París. La redición fue publicada por Erato en 2024.

Rita Gorr (Iphigénie)

Ernest Blanc (Oreste)

Nicolai Gedda (Pylade)

Louis Quilico (Thoas)

Chœurs René Duclos

Orchestre De La Société Des Concerts Du Conservatoire

Georges Prêtre (Conductor)

Erato

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Berlioz - La Damnation de Faust (Highlights) (Gedda - Gorr - Souzay) Cluytens [1960/1998, Flac]

 

Esta grabacion de la "Condenación de Fausto" de Héctor Berlioz lamentablemente es una selección y por lo tanto incurre en cortes que terminan por restarle impacto dramático a una versión que lo tiene todo para convertirse en un clásico.

El eleno está encabezado por el Faust de Nicolai Gedda, quien hace gala de su manejo del idioma, el estilo y la musicalidad necesarias para la parte. Rita Gorr nos regala una Marguerite de suntuosa vocalidad mientras que Gérard Souzay crea un Méphistophélès quizás sin el peso vocal esperable en la parte pero con gran manejo del estilo, atención al texto y un fraseo que lo aleja de los excesos que otros colegas cometen a la hora de la caracterización. Cluytens logra un balance perfecto entre el lirismo y la intensidad. Una lástima que la versión no se haya registrado de manera integral.

La grabación se realizó entre el 5 y 10 de octubre de 1959 en la Salle Wagram de Paris. La carátula corresponde a la edición a formato digital publicada por EMI en japón en 1999, sin embargo el material disponible en el enlace de descarga corresponde a la edición que el sello publicó en Francia en 1998 en el box "10 Opéras Francais - Les Années Pathé". Misma edición, distinto país de publicación pero elegí esta carátula simplemente porque me parece bastante mas bonita jaja.

Rita Gorr (Marguerite)

Nicolai Gedda (Faust)

Gérard Souzay (Méphistophélès)

Choeurs et Orchestre du Théâtre National de l'Opéra de Paris

André Cluytens (Conductor)

Emi

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Wagner - Lohengrin (Konya - Grümmer - Gorr - Blanc - Crass) Matačić [1959/2006, Flac]

Esta grabacion de "Lohengrin" proveniente del Festival de Bayreuth del verano del 59'  nos ofrece uno de los mejores elencos reunidos para la ópera de Wagner, con un marcado acento lírico en todos los roles principales.

Encabeza el reparto el tenor húngaro Sándor Kónya, dueño de los instrumentos mejor dotados de su generación. Su Lohengrin proviene del lado mas lírico de la vocalidad, con un generoso uso del registro de cabeza pero con la robustez necesarias para atravesar la masa orquestal wagneriana con facilidad. A su lado Elisabeth Grümmer parece jugar con las mismas reglas a la hora de hacer frente a su personaje, un papel que no requiere necesariamente a una Flagstad o una Nilsson, ni a alguien que pudiera encarnar a Kundry, o a Senta. Elsa no es la hija de Wotan, una mujer que se burló de Cristo y que desde entonces ha sufrido, ni la hija enloquecida de un marinero. Grümmer lo comprende a cabalidad y si bien es dueña de un instrumento squillante y robusto, es también capaz de momentos de gran delicadeza.

Rita Gorr, nuestra festejada, encontró en la malvada Ortrud uno de sus mejores papeles tanto en la vocalidad como en lo expresivo. La música de Wagner le permite lucir en toda su gloria lo voluptuoso de la zona media de su voz como también los agudos valientes y estentóreos. Un verdadero lujo. A su lado, el barítono francés Ernest Blanc adorna su interpretación del perverso Friedrich con su hermosa y aterciopelada voz. Crass y Wächter son dos lujos en sus respectivos roles.

Lovro von Matačić saca lo mejor de la estupenda orquesta del Festival, subrayando el drama y la tensión que recorre la obra de principio a fin.

La grabación proviene de una función del 4 de agosto de 1959 en el Festival de Bayreuth.

Sándor Kónya (Lohengrin)

Elisabeth Grümmer (Elsa von Brabant)

Rita Gorr (Ortrud)

Ernest Blanc (Friedrich von Telramund)

Franz Crass (Heinrich der Volger)

Eberhard Wächter (Der Heerrufer)

Chor und Orchester der Bayreuther Festspiele

Lovro von Matačić (Conductor)

Orfeo

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Gounod - Faust (Gedda - de los Ángeles - Christoff - Blanc - Gorr) Cluytens [1959/2003, Flac]

 

La leyenda de Fausto, un hombre que vende su alma al Diablo a cambio de conocimiento o juventud, fue popularizada por primera vez en el "Faustbuch" de 1587, una colección de historias sobre antiguos magos famosos por su habilidad en las ciencias ocultas. El libro inspiró la obra de 1604 "The Tragical History of Doctor Faustus" de Christopher Marlowe, así como la obra trágica de 1808 "Faust" de Johann Wolfgang von Goethe, considerada ampliamente una de las mayores obras de la literatura alemana. 

En el mundo musical la historia inspiró también a autores como Beethoven, Schubert, Spohr, Berlioz, Liszt, Mahler y Boito a componer obras sobre la figura de Fausto, cuya popularidad continuó a lo largo de los siglos XIX y XX. Obras literarias como "Der Doktor Faust: Ein Tanzpoem" (1851) de Heinrich Heine, "Mon Faust" (1946) de Paul Valéry y "Doctor Faustus" (1947) de Thomas Mann también siguieron aprovechando sus ricos temas y su final trágico. Más tarde, la aparición del cine moderno dio una nueva forma a este antiguo relato: películas como "Faust" (1926), la fantasía muda de F. W. Murnau; la película de terror rock de 1974 "Phantom of the Paradise", escrita y dirigida por Brian De Palma; y "Mephisto" (1981) ofrecieron al público nuevas interpretaciones de una historia que, como su propio héroe, nunca parece envejecer.

La ópera de Charles Gounod se estrenó el 19 de marzo de 1859 en el Théâtre Lyrique de Paris, una sala hoy desaparecida y que se ubicaba en los terrenos que actualmente ocupa la Place de la République. La ópera no pretende escenificar por completo la compleja obra de Goethe, en cambio, se centra en el pacto con Méphistophélès, el encuentro romántico con Marguerite (Gretchen en la obra de Goethe) y el trágico desenlace que esto conlleva. 

Al igual que varios títulos de su época, la ópera de Gounod está intrínsecamente ligada a los primeros artistas que le dieron vida, así como también a la praxis de esos años que permitía agregar o quitar música, adaptar tonalidades, re-escribir recitativos hablados en recitativos cantados e incluso quitar o agregar escenas o actos completos. Un practica que en el caso de "Fausto" se extendió hasta bien entrado el siglo XX.

La versión original del estreno estuvo adornada por la presencia de Caroline Carvalho, la esposa del empresario León Carvalho y además primera interprete de otros títulos icónicos de su época como "Mireille" o "Romeo et Juliette". A pesar de su presencia estelar, la ópera no fue bien recibida por el público pero el editor Choudens decidió llevarla de gira por Alemania, Bélgica, Italia e Inglaterra, acumulando éxito tras éxito. En 1862 se repuso en Paris esta vez sin los recitativos hablados, alcanzando el éxito entre público y critica. Un año mas tarde el compositor agregó la famosa aria de Valentin, "avant de quitter ces lieux", con motivo del estreno en el Her majesty's Theatre de Londres en donde contó con la ilustre presencia del barítono ingles Charles Santley. 

La popularidad de la ópera se vio confirmada cuando en 1869 subió al escenario de l'Opéra convertida en una Grand Opéra con cinco actos y un ballet. El éxito en la compañía fue tal que se convirtió en su titulo mas representado (posición que mantuvo por mas de un siglo, incluso por encima de la Carmen de Bizet) y el título elegido para la noche inaugural del Palais Garnier. 

Su popularidad se extendió mas allá de las fronteras de Francia y en 1883 fue la ópera con la que se inauguró el Metropolitan Opera House de Nueva York. 

Por otro lado, la obra fue también objeto de criticas y menosprecio, especialmente en los territorios alemanes. Allí no se le perdonó a Gounod haber transformado la icónica obra de Goethe en un fenómeno de ventas de la Grand Opéra. En escenarios como el de Viena la recepción fue mas bien reservada y los críticos lamentaron la falta de profundidad filosófica de la adaptación. Uno de sus principales detractores fue Gustav Mahler quién se negó a dirigir el título (al igual que el "Werther" de Massenet) porque consideraba que eran "versiones edulcoradas de la obra de Goethe". La animadversión en los estados alemanes llegó a tal punto que, cuando la ópera se representó en Dresde en 1861, se optó por presentarla bajo el título Margarethe o Gretchen.

Para muchos amantes de la ópera y otros tantos críticos especializados, esta versión del "Fausto" de Gounod sigue siendo la mejor versión discográfica de la ópera disponible en el mercado. Está adornada por tres cantantes principales en el apogeo de sus medios y arropada por el ensamble y la orquesta y coros de la Opéra de París bajo la batuta experta de André Cluytens.

El elenco está encabezado por la pareja de protagonistas de Nicolai Gedda y Victoria de los Ángeles, dos de los mas grandes exponentes de sus respectivos roles. Ya sea por la vocalidad cristalina de la soprano, el lirismo y la seguridad del tenor, como por el manejo del idioma y estilos del canto francés, la pareja sigue estando al tope de la lista. A su lado el bajo búlgaro Boris Christoff nos deja uno de los Méphistophélès mas amenazantes y teatrales de la discografía pero hay que estar dispuestos a perdonar la dicción francesa rudimentaria. Por otro lado el barítono francés Ernest Blanc nos deja uno de los Valentin mas hermosamente cantados. El equipo de roles comprimarios incluye al estupendo Siebel de Liliane Berton y por su parte Rita Gorr, nuestra festejada, nos deja su sonora versión de Marthe, un rol que le sirvió para afianzar su posición en el ensamble de la Ópera de Paris durante sus primeros años en la compañía y que sin duda cimentó su ascenso hacia terrenos de mayor lucimiento y protagonismo.

Las sesiones de grabación se realizaron en la Salle de la Mutualité en Paris, esparcidas entre el 23 de septiembre y el 9 de octubre de 1958.

Nicolai Gedda (Faust)
Victoria de los Angeles (Marguerite)
Boris Christoff (Méphistophélès)
Ernest Blanc (Valentin)
Liliane Berton (Siebel)
Rita Gorr (Marthe)
Victor Autran (Wagner)

Orchestre et Choeurs du Théâtre National de l'Opéra
André Cluytens (Conductor)

Emi Classics

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Poulenc - Dialogues des Carmélites (Duval - Crespin - Berton - Scharley - Gorr - Finel) Dervaux [Flac, 1958/2012]

 

"Diálogo de las Carmelitas" es la segunda ópera del compositor francés Francis Poulenc. El libreto fue escrito por él mismo, basándose en la obra homónima de Georges Bernanos, que a su vez es una adaptación de la novela de Gertrud von Le Fort, "La última del cadalso". Esta obra se inspira en la historia real de las Mártires de Compiègne, un grupo de dieciséis monjas carmelitas de esa ciudad que fueron guillotinadas en París el 17 de julio de 1794, durante el Reinado del Terror de la Revolución Francesa.

El material literario sobre el que trabajó Poulenc tuvo una historia marcada por diversos problemas legales. Raymond-Léopold Bruckberger y el director de cine Philippe Agostini comenzaron a desarrollar un proyecto cinematográfico basado en la novela original de Gertrud von Le Fort. Para ello colaboraron con Georges Bernanos, quien se encargó de adaptar la obra y convertirla en un guion cinematográfico. Sin embargo, el proyecto fue abandonado a mitad de camino y Bernanos falleció en 1948.

Posteriormente, su albacea literario, Albert Béguin, encontró el manuscrito y decidió publicarlo, adaptándolo al teatro para apoyar económicamente a la familia del escritor. Para ello solicitó el permiso de von Le Fort, quien en enero de 1949 autorizó la publicación y cedió a la viuda e hijos de Bernanos la parte de las regalías que le correspondía como autora de la historia original. No obstante, pidió que la obra tuviera un título distinto al de su novela. Béguin eligió entonces “Diálogo de las carmelitas”, título con el que el texto de Bernanos fue publicado.

La obra de teatro se estrenó en 1951 en Zúrich y tuvo más de 300 funciones durante el año siguiente. Con el tiempo, Bruckberger y Agostini retomaron el proyecto cinematográfico y utilizaron el texto de Bernanos como base para el guion de la película “Dialogue des Carmélites”, estrenada en 1960 y protagonizada por Jeanne Moreau.

La temática fue sugerida a Poulenc por Margarita Wallmann, la prolífica directora de escena, luego de ver la obra teatral de Bernanos en Viena. Ella misma le pidió a Poulenc que adaptara la obra a un ballet pero el compositor terminó por convencerse de transformarla en una ópera. El proceso de composición comenzó en agosto de 1953 pero tan solo un par de meses después se detuvo debido a nuevos problemas legales. 

En octubre de 1953, el compositor se enteró de una disputa por los derechos literarios ahora entre Albert Béguin y el escritor estadounidense Emmet Lavery. Este último había obtenido previamente, entre abril y mayo de 1949, todos los derechos para realizar adaptaciones teatrales de la novela de Gertrud von Le Fort, mediante un acuerdo directo con la autora. Este contrato era independiente de las negociaciones que Béguin había concluido con von Le Fort en enero de 1949.

La disputa por los derechos, que se prolongó durante dos años, fue sometida a arbitraje ante un jurado de la Société des Auteurs en París. El 20 de julio de 1954, el jurado falló por unanimidad a favor de Lavery y ordenó a los herederos de Georges Bernanos pagarle 100.000 francos franceses por infracciones contractuales anteriores. Además, la resolución estableció que, respecto de todas las futuras producciones de "Dialogues des Carmélites", Lavery recibiría el 15 % de las regalías de las producciones en lengua inglesa y el 10 % de las producciones en los demás idiomas.

En marzo de 1954, Francis Poulenc suspendió el trabajo en su ópera al enterarse de la disputa legal entre Albert Béguin y Emmet Lavery. Tras la decisión arbitral de julio de ese mismo año, Béguin y Lavery iniciaron nuevas negociaciones —a través de la agente de este último, Marie Schebeko— para definir los derechos y regalías que permitirían a Poulenc continuar con la composición de la obra.

El acuerdo formal se firmó el 30 de marzo de 1955 y reconocía la participación de Georges Bernanos, Emmet Lavery, Gertrud von Le Fort, Raymond-Léopold Bruckberger y Philippe Agostini. En él se estipulaba que la ópera de Poulenc estaba basada en el texto de Bernanos con la autorización de Emmet Lavery. Además, Lavery debía figurar en los créditos después de Bernanos y antes de von Le Fort, aunque no aportó material alguno al libreto.

Tras la firma del acuerdo, Poulenc reanudó el trabajo en la ópera y la concluyó en octubre de 1955.

El estreno mundial tuvo lugar en La Scala de Milán el 26 de enero de 1957 con traducción al italiano, dirigida por Nino Sanzogno y con puesta en escena de Margarita Wallmann. El elenco estuvo encabezado por Virginia Zeani como Blanche de la Force, Gianna Pederzini como Madame de Croissy, Leyla Gencer como Madame Lidoine, Eugenia Ratti como Sor Constance y Gigliola Frazzoni como Madre Maria. El estreno en Francia ocurrió el 21 de junio de 1957 en la Ópera de Paris con Denise Duval como Blanche de la Force, Regine Crespin como Madame Lidoine, Liliane Berton como Sor Constance, Denise Scharley como Madame de Croissy y Rita Gorr como Madre Maria. El estreno norteamericano se realizó el 20 de septiembre de 1957 en la Opera de San Francisco en una traducción al inglés con Dorothy Kirsten como Blanche de la Force, Leontyne Price como Madame Lidoine, Claramae Turner como Madame de Croissy, Sylvia Stahlman como Sor Constance y Blanche Thebom como Madre María.

La obra examina en profundidad temas como la enfermedad, la intolerancia, la violencia, la muerte, el martirio y fundamentalmente el miedo, que se presenta desde diferentes ángulos en los personajes principales. El compositor logra construir varias escenas imborrables para cualquier audiencia, ya sea en la intensa escena de la muerte de Madame de Croissy como también en la magnifica escena final cuando el coro de monjas entona el "Salve Regina" mientras esperan ser guillotinadas.

Esta grabación puede ser considerada de referencia debido a que se basa casi por completo en el elenco original del estreno francés, con la aprobación directa del compositor a la hora de elegir a las artistas principales. Nos ofrece una ventana directa a lo que fue el estilo de canto francés. Encabeza el elenco Denise Duval, soprano favorita del compositor, quien logra captar todas las facetas contradictorias de la personalidad de Blanche: juvenil, terca, temerosa o exaltada, según lo exige el texto. Régine Crespin ofrece una Madame Lidoine conmovedora y llena de autoridad. Aún más destacadas resultan Rita Gorr, con una Madre Marie imponente pero humana, y Denise Scharley con una Madame de Croissy atormentada y profundamente inquietante, alcanzando un grado devastador de desesperación en su escena de muerte. Liliane Berton compone una cristalina y encantadora Sor Constance.

Pierre Dervaux dirige con inspiración y energía, atento tanto a los detalles más sutiles como a los pasajes de mayor grandeza, elevando la escena final del martirio a un momento de trance místico. El sonido monofónico es quizás el único punto en contra pues no permite apreciar por completo la orquestación de Poulenc.

Una grabación imprescindible para cualquier amante de la ópera del siglo XX. Difícilmente volverá a existir otra, y ciertamente no una tan auténtica como esta.

Las sesiones de grabación se realizaron en la Salle de la Mutualité, entre el 15 y 17 de enero de 1958. La edición pertenece al sello Warner Classics y fue publicada en 2012.

Denise Duval (Blanche de la Force)

Régine Crespin (Madame Lidoine, Nouvelle Prieure)

Liliane Berton (Soeur Constance)

Denise Scharley (Madame de Croissy, La Prieure du Carmel)

Rita Gorr (Mère Marie)

Paul Finel (Le Chevalier de la Force)

Xavier Depraz (Le Marquis de la Force)

Janine Fourrier (Mère Jeanne)

Gisèle Desmoutiers (Soeur Mathilde)

Orchestre et Choeurs du Théâtre National de l'Opéra de Paris

Pierre Dervaux (Conductor)

Warner Classics

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Lalo - Le Roi d'Ys (Micheau - Gorr - Legay - Borthayre) Cluytens [1957/2018, Flac]

 

La ópera de Édouard Lalo escrita en tres actos con libreto de Édouard Blau es una adaptación de una leyenda bretona sobre la ciudad sumergida de Ys, capital del reino de Cornualles, una leyenda que también inspiró el preludio para piano de Debussy, "La catedral sumergida".

La ópera narra la rivalidad de las dos hermanas, Margared y Rozenn, hijas del Rey de Ys, ambas enamoradas del caballero Mylio. Para sellar la paz con el príncipe extranjero Karnac, el rey de Ys promete a Margared en matrimonio, pero ella ama en secreto a Mylio, quien regresa de la guerra declarando su amor por Rozenn. Al descubrir el amor entre ambos, Margared rechaza la boda con Karnac desatando la guerra. Karnac ataca la ciudad pero es derrotado por Mylio. En su despecho, Margared decide vengarse de todos robando la llave de los diques que protegen a Ys, permitiendo así que el mar inunde la ciudad. Mientras las aguas la destruyen, Margared, presa del remordimiento, confiesa su traición y se arroja al mar; su sacrificio calma las aguas y salva a los supervivientes.

Su estreno ocurrió mas de diez años después de finalizado el proceso de composición. Las primeras funciones se montaron en 1888 en la Opéra-Comique logrando un éxito inmediato. En su primer año en cartelera acumuló mas de cien funciones con la compañía parisina. De manera simultanea se hicieron montajes en Ginebra, Ámsterdam (1888), y en años posteriores en Amberes, Bruselas (1889), Roma, New Orléans (1890) y Londres (1900). Llegó al Metropolitan de New York en enero de 1922 en una producción estelar que incluía a los nombres de Rosa Ponselle como Margared, Beniamino Gigli como Mylio, Frances Alda como Rozenn y Giuseppe Danise como Karnac. Fueron seis funciones esparcidas entre enero y marzo de 1922, tras lo cual la compañía no ha vuelto a montar el titulo hasta la fecha.

Durante el período de entreguerras la ópera perdió su popularidad y desapareció lentamente de la programación de los grandes teatros. Actualmente se puede considerar un rareza que sobrevive en el oído de muchos aficionados principalmente gracias a la famosa aubade del acto tercero, "Vainement, ma bien-aimée" que sigue estando presente en el repertorio de muchos tenores, tanto en los recitales discográficos como también en la sala concierto.

El principal atractivo de esta grabación es el elenco franco-parlante y la enérgica batuta de André Cluytens. Encabeza el reparto la intensa Margared de Rita Gorr, adornada por su voluptuoso y carnoso timbre. La pareja de enamorados está encarnada por la estupenda y extensa voz de Janine Micheau como Rozenn y el elegante Mylio de Henri Legay.  Por su lado Jean Borthayre nos deja un Karnac potente y enérgico. Mención honrosa para las estupendas voces graves de Pierre Savignol como el Rey y Jacques Mars como Saint Corentin. Cluytens saca el máximo partido de la colorida partitura de Lalo, exprimiendo al máximo el drama que muchas veces recuerda al Lohengrin wagneriano.

La grabacion se realizó entre el 10 y 15 de junio de 1957 en la Salle de la Mutualité en Paris.

Janine Micheau (Rozenn)

Henri Legay (Mylio)

Rita Gorr (Margared)

Jean Borthayre (Karnac)

Pierre Savignol (Le Roi)

Jacques Mars (Saint Corentin)

Serge Rallier (Jahel)

Choeurs et Orchestre National de La Radiodiffusion Française

André Cluytens (Conductor)

Erato

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Debussy - Pelléas et Mélisande (Maurane - Micheau - Roux - Gorr - Depraz) Fournet [1954/1992, Flac]

 

La ópera de Debussy ha recibido varias grabaciones discográficas desde los primeros años del LP. Esta versión a cargo de Jean Fournet es uno de los primeros intentos de la era monofónica.

El reparto está dominado por la bellísima voz de Camille Maurane quien compone un protagonista desde el lado mas liviano de la vocalidad, con un fraseo elegante y una emisión juvenil y apasionada, especialmente en los momentos finales. A su lado Janine Micheau hace gala de su bello timbre, meticulosa dicción y el buen gusto de la escuela francesa, de la que fue una de sus mas brillantes exponentes. Michel Roux nos regala un amenzante Golaud mientras que Rita Gorr (nuestra festejada) compone una Geneviève de opulenta voz y una caracterización reservada y desconfiada, mientras que Xavier Depraz nos deja un Arkel de gran vocalidad pero algo duro y demasiado directo.

La dirección está a cargo de la batuta experta de Jean Fournet al frente de la Orchestre des Concerts Lamoureux. La grabación se realizó en Paris, durante el mes de septiembre de 1953. La edición corresponde al traspaso al formato digital realizado por Philips en 1992.

Camille Maurane (Pelléas)

Janine Micheau (Mélisande)

Michel Roux (Golaud)

Rita Gorr (Geneviève)

Xavier Depraz (Arkel)

Annik Simon (Yniold)

Marcel Vigneron (Un berger/le médecin)

Choeurs Elisabeth Brasseur, Orchestre des Concerts Lamoureux

Jean Fournet (Conductor)

Philips

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Rita Gorr - Airs d'opéras français et italiens [2026, Flac]

 

En 2026 se celebra el centenario del nacimiento de la gran mezzosoprano belga Rita Gorr, cantante de extensa carrera escénica nacida en Zelzate, en la provincia de Flandes Oriental en Bélgica, el 18 de febrero de 1926 y fallecida en Dénia, España, el 22 de enero de 2012. El sello Erato se ha puesto a la altura y ha re editado varias grabaciones de la cantante a modo de homenaje y gracias a esto dedicaremos unos posteos para recordar a la artista, no sólo con el material disponible por el sello francés sino también con un par de álbumes fundamentales de la discografía disponibles en los sellos Warner/Emi y Decca.

Rita Gorr, nació en el seno de una familia de clase obrera, bautizada Marguerite Geirnaert, tuvo una niñez difícil debido a un estado de salud frágil. En primera instancia pensó en estudiar enfermería pero la familia no tenia los medios para costear la carrera. Con la invasión alemana el costo de vida se disparó y la joven Marguerite tomó un trabajo como empleada domestica de la familia Lecompte. Sus patrones rápidamente se dieron cuenta del talento vocal de la joven y terminaron financiando sus estudios musicales. Si bien nunca se enroló en ningún conservatorio de la región, tomó clases de manera privada con maestros en Gante y Bruselas. Cuando la guerra acabó se presentó a un concurso de canto en Verviers en donde, si bien no se llevó el primer lugar, pudo darse a conocer como joven promesa. En 1949 se presentó en el concurso de Ostende que le valió un par de apariciones radiales que la pusieron en la mira de un par de compañías importantes. En mayo de 1949 debutó en Amberes como Fricka en "La Valquiria" (cantada en holandés) y a mediados del mismo año firmó un contrato de tres temporadas con la Opera de Estrasburgo.

En la compañía de Estrasburgo adquirió gran experiencia al frecuentar los papeles de Dalila, Fricka, Venus, Margared, Herodiade y Amneris. En 1952 ganó el primer lugar en un concurso organizado en Lausanne, gracias al cual es contratada en la Opéra de París. Luego de unos primeros años de aprendizaje, se produce su despegue definitivo en una producción de "Tannhäuser" en el rol de Venus. Puntos altos de estos años fueron "Aida" en 1958 al lado de la Tebaldi, "Sanson y Dalila" y la creación mundial del original francés del "Dialogo de las Carmelitas" de Poulenc en 1957. También se pueden mencionar Orfeo, Octavian en "El Caballero de la Rosa", el titular de "Medea" (un gran error, como confesaría ella misma mas tarde) y también la inolvidable contraparte para Regine Crespin en "Tannhäuser" y "Lohengrin" dirigidas por Hans Knappertsbusch.

En 1958 se produce su debut internacional en el Festival de Bayreuth como Fricka en "El Oro del Rhin" y "La Valquiria" y la Tercera Norna en "El Ocaso de los Dioses". En 1959 regresó como Ortrud en una aplaudida versión de "Lohengrin" junto a Sandor Konya y Elisabeth Grümmer.

Su despegue internacional se produjo en 1959 en el San Carlo de Lisboa con el Orphée de Gluck, que le valió elogiosas criticas por la belleza y densidad del timbre, sumado a una imponente presencia escénica. En mayo de 1959 se produjo su debut italiano como Brangäne en "Tristan e Isolda" en la Ópera de Roma junto a Birgit Nilsson y Wolfgang Windgassen. Durante la misma época sustituye a Regina Resnik en el Covent Garden de Londres como Amneris en "Aida" junto a Leontyne Price y Flaviano Labò. En la sala londinense participo de producciones durante toda la década del 60' con "Iphigénie en Tauride" y Fricka en "La Valquiria" (1961),  Eboli en "Don Carlo" (1962), Ortrud en "Lohengrin" (1963), nuevamente Eboli en "Don Carlo" (1966), Azucena en "Il Trovatore" (1968) y finalmente Ulrica en "Un ballo in Maschera" (1969 y 1971).

El 2 de mayo de 1959 se produjo también su debut en La Scala de Milán como Kundry en "Parsifal" junto a Sandor Konya, Boris Christoff, Gustav Neidlinger y la dirección de André Cluytens (y una joven Montserrat Caballé como muchacha flor). Regresó con el mismo título y similar elenco en abril y mayo de 1961. Sus última presentaciones en la sala milanesa se produjeron en diciembre de 1964 y enero de 1965 como Brangäne en "Tristan e Isolda" junto a Birgit Nilsson, Wolfgang Windgassen y la batuta de Lorin Maazel.

La Scala no le ofreció mayores posibilidades de lucimiento según cuenta el chisme debido a la presencia de Giulietta Simionato, por aquellos años estrella absoluta de su cuerda. Al parecer el ofrecimiento original para su debut eran Amneris y Didon en "I Troiani" de Berlioz pero la mezzo italiana presionó a la gerencia del teatro pues no quería rivales en su compañia ni menos en su mismo repertorio.

En 1962 se presenta en Chicago y el mismo año hace su debut en el Metropolitan de New York como Amneris en "Aida". En la sala neoyorkina cantaría un total de 42 funciones esparcidas hasta 1966, principalmente como Amneris, Dalila y Eboli.

La Gorr descartó de plano los viajes largos (odiaba viajar) y debido a eso nunca se la oyó en el Colón de Buenos Aires, Tokyo o la Ópera de Sydney.

La voz de la Gorr fue una de las mas voluminosas oídas entre la década del 50-60, perfecta y excitante contraparte para otros cañones legendarios de la época como la Crespin, Nilsson o del Monaco. Sus puntos conflictivos se encontraban en los extremos del registro: el grave no estaba resuelto en el pecho y parecía desvanecerse en las grandes frases de las heroínas italianas escritas en esa zona y en el agudo mas extremo tendía a la estridencia, aunque en sus mejores años sorprendía la valentía con la que se arrojaba sobre la zona superior al La.

Durante la temporada de 1965 la voz de la mezzo muestra alarmantes señales de cansancio y desgaste. El registro agudo se resiente de inmediato y el repertorio que frecuenta no ayuda a esconder los problemas. En el verano boreal de ese año toma parte de una lujosa grabación de "Lohengrin" dirigida por Erich Leinsdorf para la RCA que deja en evidencia el estado vocal de la mezzo. Estos problemas no se solucionarán con el paso de los meses y las criticas lo hacen notar. En junio de 1966 recibe muy malos comentarios por su Eboli en el Covent Garden. Rudolf Bing no se anima a darle mayores compromisos en el recientemente inaugurado Lincoln Center y para diciembre de 1966 se produce su ultima aparición en la compañía con una serie de funciones de "Aida". Por esta misma época se publica la grabación de "Lohengrin" en la RCA que termina por sepultar su estatus de estrella y terminar de cuajo con su carrera discográfica. Por otro lado la competencia con nombres mas jóvenes de su cuerda es brutal (Bumbry, Cernei, Dalis, Ludwig, Dunn, Cossotto...) y la mezzo rápidamente se jubila de los roles mas enjundiosos.

Con la distancia y los estudios mas recientes que confirman la delicada relación entre las hormonas y la voz femenina, podemos inferir que el instrumento de la mezzo sufrió cambios irreversibles que le hicieron perder la estabilidad del registro agudo muy probablemente debido al proceso de la menopausia. Si bien el centro del instrumento se mantuvo firme por muchos años mas, el extremo agudo nunca volvió a ser el mismo.

La mezzo intentó mantenerse activa con roles que no le presentaran demasiadas exigencias y si bien mantuvo el centro de la voz intacto como lo demuestran grabaciones de su Principessa di Bouillon en Gante en 1972, el registro agudo se convirtió en un grito voluminoso siempre bajo en afinación. En 1973 canta una desastrosa Amneris en Gante que termina por cancelar su contrato. 

La muerte de su esposo en 1976 y el inicio de una relación sentimental con su secretaria, Jocelyne Hourriez, le dan nuevo impulso a su carrera. Ya jubilada de los roles principales, la mezzo encuentra refugio en un puñado de personajes comprimarios en donde aun puede lucir el lustre de su registro central y su magnética presencia escénica. Por varios años desarrolla una carrera como comprimaria en teatros de Francia y Valonia con personajes como la Condesa en "La dama de Picas", Madame du Croissy en "Dialogue des Carmélites" (también en Alemania y Estados Unidos) y especialmente la Madre en "Louise" en donde aun es capaz de ofrecer algunas notas impresionantes por el volumen. 

Se mantuvo activa de forma intermitente en los escenarios hasta 2007 con una última función de "La dama de Picas".

Este álbum editado en febrero de 2026 contiene material que proviene de los tres recitales solista que la mezzo registró junto a la Philharmonia Orchestra y Lawrance Collingwood (1958), Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire y Edward Downes (1958) y la Orchestre du Théâtre National de l'Opéra y André Cluytens (1960). El material ya había sido publicado en CD por el sello Emi en el año 2003 en un box de 10 discos titulado "Le Chant Francais: Les années Pathé".

A lo largo de la selección de arias se puede apreciar el timbre voluptuoso, el legato suntuoso y la valentía y arrojo de la zona aguda antes de la crisis vocal de 1965.

Tracklist:

1. Don Carlo, Act 3: "O don fatale" (Eboli)

2. Il trovatore, Act 2: Racconto. "Condotta ell'era in ceppi" (Azucena)

3. Cavalleria rusticana, Act 2: Romanza. "Voi lo sapete, o mamma" (Santuzza)

4. Samson et Dalila, Op. 47, Act 1: "Printemps qui commence" (Dalila)

5. Samson et Dalila, Op. 47, Act 2: "Amour, viens aider ma faiblesse" (Dalila)

6. Werther, Act 3: "Werther" ! - Air des lettres. "Je vous écris de ma petite chambre" (Charlotte)

7. Orphée et Eurydice, Wq. 41, Act 3: "J'ai perdu mon Eurydice" (Orphée)

8. Alceste, Wq. 44, Act 1: "Divinités du Styx" (Alceste)

9. Lohengrin, Act 2: "Entweihte Götter!" (Ortrud)

10. Tristan und Isolde, Act 3: Liebestod. "Mild und leise" (Isolde)

11. La vestale, Act 1: "L'amore è un mostro barbaro" (Gran Vestale)

12. Medea, Act 2: "Solo un pianto con te versare" (Neris)

13. La favorita, Act 3: "O mio Fernando" (Leonora)

14. Il trovatore, Act 2: "Stride la vampa!" (Azucena)

15. Un ballo in maschera, Act 1: "Re dell'abisso affrettati" (Ulrica)

16. La Gioconda, Op. 9, Act 1: "Voce di donna o d'angelo" (Cieca)

17. La Gioconda, Op. 9, Act 2: "Ho il cuor gonfio di lagrime" - Romanza. "Stella del marinar!" (Laura)

18. Adriana Lecouvreur, Act 2: "Acerba voluttà, dolce tortura" (La Principessa)

19. La vestale, Act 2: "Sur cet autel sacré" (Julia)

20. La vestale, Act 2: "Impitoyables dieux !" (Julia)

21. Les Troyens, Op. 29, H 133, Act 5: Monologue. "Je vais mourir" (Didon)

22. Les Troyens, Op. 29, H 133, Act 5: "Adieu, fière cité" (Didon)

Rita Gorr (Mezzosoprano)

Orchestre du Théâtre National de l'Opéra, André Cluytens (tracks 1-10)

Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire, Edward Downes (tracks 11-18)

Philharmonia Orchestra, Lawrance Collingwood (tracks 19-22)

Erato

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Verdi - Simon Boccanegra (Tézier - Rebeka - Meli - Pertusi - Olivieri) Spotti [2026, Flac Hi-Res]

 

Después de unas largas y merecidas (?) vacaciones comenzamos este año 2026 cesantes, sin ofertas laborales a la vista, con la incertidumbre que esto conlleva y también con esta nueva versión de "Simon Boccanegra" registrada en vivo en el Teatro San Carlo de Nápoles por el sello Prima Classic.

Encabeza el elenco el barítono marsellés Ludovic Tézier, figura actual de referencia en el repertorio verdiano. La voz recuerda a las antiguas glorias de su cuerda con un sonido atractivo y broncíneo, además de gran proyección dramática de su personaje, contrastando al sensual impulsivo y atormentado del Prólogo con el político maduro y desgastado en que se convierte después. 

Junto a Rebeka resulta profundamente conmovedor en el gran dúo del primer acto entre padre e hija, donde años de dolor dan paso al reconocimiento y a una emoción serena. La soprano letona canta con belleza y seguridad. El matiz metálico de su timbre la aleja del enfoque más lírico de Victoria de los Ángeles o Mirella Freni, pero palidece frente a ellas en la falta de rotundidad y lirismo.

El resto del elenco se encuentra un par de escalones mas abajo en su desempeño. A Pertusi se le oye añoso y sin la contundencia esperable en Fiesco, mientas que a Francesco Meli se lo oye afligido por la vocalidad de Gabriele.

La batuta de Michele Spotti no tiene la urgencia dramática ni el brío que en la clásica versión de Claudio Abbado se puede oír a raudales.

La grabación proviene de una serie de funciones producidas en el San Carlo di Napoli durante el mes de octubre de 2024.

Mis agradecimientos por sus aportes a la cuenta de Pay Pal que me permiten mantener el blog y su almacenamiento a flote, especialmente en estos tiempos de cesantía.

Ludovic Tézier (Simon Boccanegra)
Marina Rebeka (Amelia Grimaldi)
Francesco Meli (Gabriele Adorno)
Michele Pertusi (Jacopo Fiesco)
Mattia Olivieri (Paolo Albiani)
Andrea Pellegrini (Pietro)
Vasco Maria Vagnoli (Il Capitano)
Silvia Cialli (Un' Ancella)

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo di Napoli
Michele Spotti (Conductor)

Prima Classic

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Christmas from a Golden Age [2000, Flac]

 

Para seguir evadiendo la realidad les dejo aquí un compilado de grandes cantantes de la Golden Age del canto publicado por el sello inglés Romophone en el año 2000.

"Christmas from a Golden Age" es una compilación histórica fascinante que reúne grabaciones realizadas entre las décadas de 1920 y 1950, presentando una selección de música navideña sacra y popular interpretada por algunas de las voces más célebres de la llamada "Edad de Oro" de la ópera. La antología es una verdadera celebración de la expresión vocal y emocional de intérpretes legendarios, muchos de ellos grabados en 78 rpm y restaurados con sumo cuidado técnico, una característica que definió la labor de Romophone antes de su adquisición por Naxos.

El tenor irlandés John McCormack, domina el repertorio con varias piezas, entre ellas un Adeste fideles profundamente expresivo y matizado, así como Little Child of Mary, de gran emotividad. Rosa Ponselle entrega una interpretación del Ave Maria de Bach-Gounod que muchos críticos han señalado como casi perfecta, con un fraseo elegante y una intensidad vocal que trasciende los límites tecnológicos de las grabaciones de su época. Por su parte "La Divina" Claudia Muzio ofrece una Ninna-Nanna della Vergine que destaca por su suavidad, control del color y delicadeza en todas las regiones de su voz. Quizás el punto mas alto del disco.

Además de estas figuras, la antología incluye actuaciones de otros grandes como Giovanni Martinelli, Richard Tauber, Dorothy Maynor, Ernestine Schumann-Heink y Georges Thill, entre otros.

Tracklist:

1. Aksel Schiotz - Messiah: Comfort Ye, My People (Handel) 

2. Aksel Schiotz - Messiah: Every Valley Shall Be Exalted (Handel) 

3. Margarete Matzenauer - Messiah: He Shall Feed His Flock (Handel) 

4. John McCormack - Adeste Fideles (O Come, All Ye Faithful) (Portugal)

5. John McCormack - The Holy Child (Easthope Martin) 

6. Rosa Ponselle - Ave Maria (Bach-Gounod) 

7. Marcel Journet - O Salutaris (Jean Luce) 

8. Claudia Muzio - Ninna-Nanna della Vergine (The Virgin's Lullaby), Op.76, No.52 (Max Reger) 

9. Giovanni Martinelli - Gesu Bambino (The Infant Jesus) (Pietro Yon)

10. Hulda Lashanska & Paul Reimers - Der Tannenbaum (The Christmas Tree) (Traditional German Folk Song)

11. Ernestine Schumann-Heink - Weinachten (Christmas) (Engelbert Humperdinck) 

12. Ernestine Schumann-Heink - Stille Nacht (Silent Night) (Franz Gruber) 

13. Richard Crooks - The Star of Bethlehem (Stephen Adams) 

14. Elisabeth Schumann - Coventry Carol (Traditional British Folk Song) 

15. Dorothy Maynor - Go Tell It on the Mountain (Negro Spiritual) 

16. John McCormack - Little Child of Mary (Negro Spiritual) 

17. Gladys Swarthout - I Wonder as I Wander (Appalachian Folk Song) 

18. Victoria de los Angeles - El Cant des Ocells (Song of the Birds) (Traditional Catalonian Carol) 

19. John Charles Thomas - Christmas Candle (Kate Louise Brown-Elinor Remick Warren) 

20. Lawrence Tibbett - A Star Was His Candle (Hoare-Theresa del Riego) 

21. Richard Crooks - O Little Town of Bethlehem (Redner)

22. Georges Thill - Cantique de Noel (Adolphe Adam) 

23. Richard Tauber - White Christmas (Irving Berlin) 

Romophone

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J. Strauss - Die Fledermaus (Gueden - Kmentt - Wächter - Resnik - Zampieri) Karajan [1960/2025, Flac Hi-Res]

 

Mientras el fascismo triunfa en las elecciones presidenciales por estas latitudes, les dejo acá la clásica versión del "Murciélago" registrada por Herbert von Karajan en 1960 y remasterizada en formato de alta definición. Espero sea un buen boleto para escapar de estos tiempos de idiotez que nos toca vivir.

El proyecto a cargo de John Culshaw puede ser considerado un evento discográfico irrepetible debido a los nombres reunidos para la ocasión. Hacer coincidir las agendas de toda esta plantilla de artistas debió ser muy difícil de conseguir y si bien hay un par de apariciones controvertidas, la suma total sigue impactando hasta el día de hoy. Con respecto al tema de las agendas existen dudas razonables que hacen pensar que la secuencia de la Gala fue en realidad registrada en diferentes partes de Europa y luego ensamblada para el producto final. Algo que siempre me ha parecido dudoso tratandose de Karajan. Me resulta dificil creer que pusiera su firma en un producto que no fuera totalmente de su creación...

El alto presupuesto de la producción se vio reflejado además por una edición de lujo al LP que incluía originalmente la sección de ballet escrita para la fiesta del Principe Orlofsky en el segundo acto, sin embargo cuando se hizo el traspaso a CD en 1987 se quitó la música del ballet y sólo se dejó la gala, de seguro para hacer caber la opera en 2 discos, algo que tampoco se remedió cuando la versión apareció remasterizada en 2007 en la serie "Originals". Este trabajo de remasterización producido en 2025 restaura finalmente la sección del ballet.

En el cast de los personajes brillan la estupenda Rosalinde de Hilde Gueden, quien maneja como pocas la enunciación de su texto y ciertos momentos en donde logra sacar a flote una arista mas antipática de su personaje, por otro lado la Resnik compone un Orlofsky lleno de vida pero termina cantando sus couplets en una tonalidad mas grave para su comodidad. Tanto Waldemar Kmentt como Walter Berry completan el cuarteto protagonista con gran acierto.

El punto mas controvertido de la Gala es la aparición de Jussi Björling, quien se encontraba en medio de una ocupada agenda de grabaciones de estudio y convaleciente de un ataque al corazón sufrido tres meses antes de esta grabación. De alguna manera Culshaw pudo contratarlo pero tanto los tempi terriblemente lentos elegidos por Karajan, como su estado físico terminan por dejar en evidencia a un cantante totalmente agotado y enfermo. Lo mismo se puede decir de la versión de "Wien, Wien, nur du allein" a cargo de Ljuba Welitsch, en un declive vocal bastante notorio. A su lado, la Tebaldi si bien nos regala un momento estelar y rebosante de glamour con el aria de la "Viuda Alegre", no se atreve a cantarla en su idioma original y prefiere quedarse con el italiano (la soprano creía que cantar en otro idioma le arruinaría la voz...) por otro lado la interpretación carece de la chispa que otras grandes han sabido entregarle.

El resto de la gala es una seguidilla de números provenientes de todos los rincones del repertorio en interpretaciones muy personales a cargo de verdaderos fenómenos vocales. Sobresalen la Nilsson con una impresionante versión de "I could have danced all night" coronada por un brillante do agudo. La Sutherland en una ágil y brillante versión de "Il bacio" de Arditi, Leontyne Price en una hermosa versión para "Summertime", Mario del Monaco con una sonora "Passione", una joven Teresa Berganza en una íntima versión para una canción de cuna de Felix Lavilla y la Simionato con Bastianini en una desopilante versión para "Anything You Can Do" de "Annie Get Your Gun".

La grabación se realizó entre los meses de junio y julio de 1960 en la Sofiensaal de Viena.

Hilde Gueden (Rosalinde)

Waldemar Kmentt (Gabriel von Eisenstein)

Eberhard Wächter (Frank)

Regina Resnik (Prinz Orlofsky)

Giuseppe Zampieri (Alfred)

Walter Berry (Dr. Falke)

Peter Klein (Dr. Blind)

Erika Köth (Adele)

Hedwig Schubert (Ida)

Erich Kunz (Frosch)

B. Fasolt (Ivan)

Omar Godknow (Lord Barrymore)

André von Mattoni (Carikoni)

Gala Sequence:

Renata Tebaldi: Vilja-Lied (Die lustige Witwe)

Fernando Corena: Domino  (Ferrari)

Birgit Nilsson:  I could have danced all night (My Fair Lady)

Mario del Monaco: Passione (Valente)

Teresa Berganza: Lullaby  (Lavilla)

Joan Sutherland: Il Bacio (Arditi) 

Jussi Björling: Dein ist mein ganzes Herz (Das Land des Lächelns)

Leontyne Price: Summertime (Porgy & Bess)

Giulietta Simionato & Ettore Bastianini: Anything You Can Do (Annie Get Your Gun) 

Ljuba Welitsch: Wien, Wien, nur du allein (Sieczyñski)

Wiener Staatsoperchor

Wiener Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

Decca

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Erin Morley & Lawrence Brownlee - Golden Age [2025, Flac Hi-Res]

 

El sello Pentatone reúne a la soprano Erin Morley y el tenor Lawrence Brownlee, dos de los cantantes estadounidense más requeridos del momento, en un programa de arias y dúos de ópera italianas y francesas titulado "Golden Age" con el que ambos artistas se presentarán en diferentes escenarios norteamericanos y europeos durante la temporada 2025-2026.

La soprano Erin Morley nació en Salt Lake City, miembro activa de la Iglesia Mormona de esa ciudad, su padre es un ex cantante del Coro del Tabernáculo Mormón y su madre concertino de la Salt Lake Symphony. Erin recibió una educación musical de primer orden desde muy pequeña, dedicándose primero al piano. Los fanáticos la recordarán acompañándose ella misma al piano en el aria de "La fille du Régiment" con la que participó en la Met At Home Gala, que se transmitió por streaming durante la pandemia en abril de 2020.

Morley realizó sus estudios formales de canto en la Eastman School of Music y en la Julliard School de New York. Posteriormente formó parte del programa Lindemann Young Artist Development Program del Metropolitan Opera House de New York.

Hizo su debut en el Metropolitan primero en roles comprimarios en Manon Lescaut, Peter Grimes, La Dama de Picas (2008), Hansel & Gretel, Ariadne auf Naxos y The Nose (2010). Su salto a la fama ocurrió en noviembre de 2013 cuando reemplazó a última hora a una colega enferma como Sophie en "El caballero de la rosa". Ya instalada en su posición de estrella emergente se ha presentado como Olympia en "Los cuentos de Hoffmann" (2015, 2017, 2024), nuevamente Sophie en "El caballero de la rosa", esta vez en una producción del Met que la reunió con Renee Fleming y Elina Garanca (2017, 2023), Pamina en "La Flauta Mágica" (2018, 2019, 2023), el titular de "Eurydice" de Matthew Aucoin (2021), Gilda en "Rigoletto" (2022, 2024). Desde octubre de 2025 se presenta como Marie en "La fille du Régiment" junto a Lawrence Brownlee como Tonio.

Otros escenarios que la han visto triunfar incluyen La Scala de Milán, Royal Opera House del Covent Garden de Londres, Liceu de Barcelona, Opera Estatal de Viena, Opera Estatal de Baviera, Opera National de Paris, entre otros.

Por su parte el tenor Lawrence Brownlee es uno de los nombres mas activos de su cuerda. En abril de 2001 ganó la Metropolitan Opera National Council Auditions que lo llevó a debutar profesionalmente como el Conde de Almaviva en "El barbero de Sevilla" en la Virginia Opera. En abril de 2007 pudo finalmente debutar con el mismo rol en el Metropolitan de New York. Desde entonces se ha presentado en ese escenario siempre en roles protagónicos como Don Ramiro en "La Cenerentola" (2009), Tonio en "La fille du Régiment (2010, 2011, 2012, 2025), nuevamente Conde de Almaviva en "El barbero de Sevilla" (2010, 2014, 2025), Rinaldo en "Armida" de Rossini (2010, 2011), Arturo en "I Puritani" (2014), Giacomo V en "La donna del Lago" (2015) y Tamino en "La flauta Mágica" (2023).

Su carrera internacional lo ha llevado a presentarse en todos los grandes centros líricos del mundo, incluidos Viena, Berlín, Madrid, Dresde, Múnich, Hamburgo, Tokyo, Washington, San Diego, Seattle, Boston.

El repertorio elegido para este recital se centra en piezas de gran lucimiento vocal, ya sea en la belleza intrínseca del timbre de ambos cantantes, como en las largas líneas y los momentos de pirotécnica vocal, servidos con absoluta maestría.

Este programa se presentó en septiembre de 2025 en el Kennedy Center de Washington DC y tiene agendadas presentaciones en el Prager Family Center de Maryland en diciembre de este año y en el Wisconsin Union Theater y el Konzerthaus de Berlín en marzo de 2026.

La grabación se realizó en los estudios de la Radiodifusión Bávara en Munich, durante el mes de Julio de 2024.

Mis agradecimientos por sus aportes a la cuenta de Pay Pal que me permiten mantener el blog y su almacenamiento a flote.

Tracklist:

01. La Fille du Régiment: Quoi! Vous m'aimez? … De cet aveu si tendre
02. Le comte Ory: Ah, quel respect … Ce téméraire qui croit nous plaire
03. Les pêcheurs de perles: À cette voix quel trouble … Je crois entendre encore
04. La Jolie Fille De Perth: Ils verront si je mens!
05. Lakmé: D'où viens-tu? … C'est le Dieu de la jeunesse
06. Lakmé: Où va la jeune Indoue L'Air des clochettes
07. Marino Faliero: Di mia patria o bel soggiorno
08. Rigoletto: Gualtier Maldè! … Caro nome
09. Don Pasquale: Tornami a dir che m'ami

Erin Morley (soprano)

Lawrence Brownlee (tenor)

Münchner Rundfunkorchester

Ivan Repušić (Conductor)

Pentatone

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