Puccini - La Rondine (Final 1921 Version) (Jaho - Ayón-Rivas - Gatell - Neate - Alaimo) Rizzi [2026, Flac Hi-Res]

 

El sello Opera Rara nos trae una nueva grabación de "La Rondine" de Puccini, esta vez en lo que ellos denominan la "versión definitiva de 1921" pero que es en realidad una reconstrucción (mayormente del acto tercero) a cargo del musicólogo Ditlev Rindom con la re-orquestación de Martin Fitzpatrick realizado para la Casa Ricordi en 2025.

"La Rondine" fue un encargo de los empresarios del Carltheater de Viena, quienes le propusieron una operetta a cambio de una gran suma de dinero, que el compositor aceptó en 1914, meses antes del estallido de la Primera Guerra Mundial. El trabajo de composición le tomó hasta la primavera de 1916 y en el proceso terminó por abandonar la idea de una operetta pero incluyendo varios guiños al género. Inicialmente ofreció la partitura a Tito Ricordi, quien la rechazó, de manera que fue el competidor de la Casa Ricordi, Lorenzo Sonzogno quién obtuvo los derechos de edición y publicación.

El estreno, que se había anunciado en Viena, fue impedido por el estallido de la Primera Guerra Mundial y la entrada de Italia en el conflicto. Se cambió entonces la sede del estreno al Gran Teatro del Casino de Montecarlo, el 27 de marzo de 1917. Con la guerra desatada por toda Europa, el título tuvo escasa repercusión y éxito y si bien el compositor trató de enmendar el tercer acto en dos ocasiones, llevándola nuevamente a escena en 1920 y 1924, nunca pudo alcanzar el éxito de otras de sus composiciones, a pesar de tener una de las orquestaciones mas exquisitas de toda su producción.

Entre las razones que pueden explicar la escasa repercusión que tuvo el título, está un libreto cuyo desenlace nunca convenció del todo a Puccini y varios guiños a otras óperas como el evidente parecido entre el conflicto que enfrenta Magda con la historia de Violetta Valéry en "La Traviata" de Verdi. Otro evidente guiño es el personaje de Lisette con la Adele del "Murciélago" de Johann Strauss o la disposición de 2 parejas como centro de la acción, una sentimental y la otra mas cómica, que hace un evidente eco con "La Bohème" del mismo Puccini.

A pesar de las debilidades del argumento y la falta de un desenlace mas trágico, tan común en Puccini, para cimentar una heroína con mas peso y trascendencia, la historia de Magda parece reflejar de manera ingenua la época en la que fue concebida, donde al parecer el amor romántico era un tópico que no tenía cabida en una Europa destrozada por la realidad de la guerra. 

Para tratar de mejorar las debilidades del libreto, el compositor produjo una segunda versión, que se estrenó el 9 de abril de 1920 en el Teatro Massimo de Palermo. La segunda versión incluye un aria de entrada para Ruggero y varios cambios en las tonalidades pues en esta versión Puccini modificó por completo el papel de Prunier para que fuera interpretado por un barítono, convirtiéndolo además en el catalizador del desenlace final. En esta version Prunier confronta a Magda y termina por convencerla de que abandone a Ruggero pero sin decírselo de frente, marchándose antes que éste llegue a verla. Esta modificación elimina el hermoso encuentro final de la versión de 1917, restándole impacto dramático a la obra, lo que no terminó de convencer al público ni a la crítica de la época.

Descontento con el resultado, Puccini se animó a producir una tercera versión en donde re-escribió por completo el acto tercero y regresó a Prunier a la tessitura de tenor. En esta versión Ruggero recibe una carta anónima que le revela la vida pasada de Magda en Paris, que lo convence de rechazarla y abandonarla. El trabajo de composición se extendió entre 1921-1922. El estreno ocurrió el 11 de abril de 1924 en el Teatro Verdi en Fiume, actualmente parte de Croacia.

Para rematar la mala suerte de "La Rondine", en 1943 un incendio derivado de los bombardeos aliados sobre Milán, destruyó el archivo histórico de la Casa Sonzogno en donde se encontraba el manuscrito original. Décadas después, utilizando los arreglos sobrevivientes para voz y piano, el Teatro Regio de Turín comisionó al compositor italiano Lorenzo Ferrero completar y restaurar la orquestación al más puro estilo pucciniano. Años más tarde, se descubrieron manuscritos adicionales en los archivos de la nieta del músico, Simonetta Puccini, que ayudaron a consolidar el trabajo de Ferrero. La versión se estrenó finalmente el 22 de marzo de 1994 en el Teatro Regio de Turín, con Nelly Miricioiu y José Cura como Magda y Ruggero.

Esta reconstrucción a cargo del musicólogo Ditlev Rindom con la re-orquestación de Martin Fitzpatrick fue realizada para la Casa Ricordi en 2025.

El reparto está encabezado por la intensa Magda de Ermonela Jaho, de gran expresion y musicalidad, si bien la voz ya resiente los años de desgaste en un repertorio tan exigente. Personalmente me parece que su vibrato está fuera de control. El tenor peruano Iván Ayón-Rivas nos deja un Ruggero de voz robusta pero con una paleta de colores limitada. Tiene además una tendencia molesta a incluir inflexiones propias de un tenor de carácter. El resto del elenco de los personajes principales se completa con el Prunier de bella voz a cargo de Juan Francisco Gatell, y una vivaz Lisette a cargo de Ellie Neate.

Se incluye además una selección de la versión de 1919 con Mattia Olivieri como Prunier.

La grabación se realizó en lo estudios de BBC Maida Vale entre noviembre y diciembre de 2025.

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Ermonela Jaho (Magda de Civry)

Iván Ayón-Rivas (Ruggero Lastouc)

Juan Francisco Gatell (Prunier)

Mattia Olivieri (Prunier) 1919 Versión

Ellie Neate (Lisette)

Nicola Alaimo (Rambaldo Fernandez)

Jessica Robinson (Yvette/Georgette/Fleury)

Julieth Lozano Rolong (Bianca/Gabriella/Mariette/The Distant Voice)

Johanna Harries (Suzy/Lolette/Rorò)

David Shipley (Périchaud)

Robert Lewis (Gobin)

William Thomas (Crébillon/The Butler)

BBC Singers

BBC Symphony Orchestra

Carlo Rizzi (Conductor)

Opera Rara

Flac@192kHz-24bit | Flac | Cover + Digital Booklet

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Verdi - Aida (Freni - Carreras - Baltsa - Cappuccilli - Raimondi) Karajan [1980/2026, Flac]

 

Para finalizar esta serie de posteos dedicados a los relanzamientos que el sello Warner Classics hizo de su catálogo de grabaciones operáticas registradas por Herbert von Karajan para el sello EMI, les dejo aquí su versión para "Aida" de Giuseppe Verdi publicada originalmente en 1980.

Como vimos en posteos anteriores, durante los años 70 Karajan desarrolló un modelo de producción simbiótico: el estudio de grabación de EMI y el escenario de Salzburgo operaban como las dos caras de una misma moneda artística. Esta producción de "Aida" siguió el mismo esquema: la grabación de estudio se hizo en mayo de 1979, dos meses mas tarde la producción subió al escenario del Festival de Salzburgo y al año siguiente se repuso con un elenco similar.

La elección de los cantantes sigue también la tendencia del director por voces líricas en un repertorio tradicionalmente asociado a voces spinto o derechamente dramáticas. Encabeza el reparto la protagonista de Mirella Freni que nos ofrece una Aida mas lírica de lo habitual que logra resaltar la fragilidad del personaje. La Freni estaba en un punto de su carrera en que ya se acercaba a roles mas pesados y si bien tiene los medios vocales suficientes para hacer frente a la orquestación verdiana, es un rol que prefirió evitar en escena. Luego de la producción de Salzburgo en 1979 y 1980 sólo volvió al rol en 1987 para una producción de la Houston Grand Opera.

José Carreras se acerca a Radamés también desde una vocalidad netamente lírica que resalta la juventud y pasión del personaje. Agnes Baltsa se impone en Amneris gracias al arrojo y la caracterización. Mientras que Piero Cappuccilli nos deja un Amonasro poderoso y de gran canto. Por otro lado Ruggero Raimondi nos deja un Ramfis sin el peso ni el color acostumbrados y José van Dam un Rey de bella voz pero también con un fuste insuficiente. Lujos extras de la grabación son la Sacerdotisa de Katia Ricciarelli y el Mensajero de Thomas Moser.

Las sesiones de grabación se realizaron durante el mes de mayo de 1979 en el Musikverein de Viena. Este relanzamiento se produjo en abril de 2026 y usa la misma remasterización de 1988. Un error molesto se produce en el track No. 8 que repite los últimos compases del track anterior. El error está presente incluso en los servicios de Streaming.

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Mirella Freni (Aida)

José Carreras (Radamès)

Agnes Baltsa (Amneris)

Piero Cappuccilli (Amonasro)

Ruggero Raimondi (Ramfis)

José van Dam (Il Re d'Egitto)

Katia Ricciarelli (Una Sacerdotessa)

Thomas Moser (Un Messaggero)

Chor der Wiener Staatsoper

Wiener Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

Warner Classics

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Wagner - Lohengrin (Kollo - Tomowa-Sintow - Nimsgern - Vejzovic) Karajan [1982/2026, Flac]

 

Como dijimos anteriormente, Karajan fundó en 1967 el Festival de Pascua en Salzburgo con la intención de realizar montajes del repertorio wagneriano sin tener que entrar en competencia directa con el Festival de Bayreuth que funciona tradicionalmente durante el verano europeo.

Usando esta estrategia, durante los primeros años del Festival de Pascua se realizó la famosa producción del "Anillo de los Nibelungos". La primera en presentarse fue "Die Walküre", estrenada en 1967 y repuesta en 1968, le siguió "Das Rheingold" estrenada en 1968, repuesta en 1969 y 1973. "Siegfried" se estrenó en 1969, sin reposiciones posteriores y finalmente "Götterdämmerung" estrenada en 1970.

Tras completar el Anillo, Karajan fijó su atención en los otros títulos del compositor. Así en 1972 se montó "Tristan e Isolda" que se repuso también al año siguiente. En 1974 le llegó el turno a "Los Maestros Cantores de Nuremberg", repuesta en 1975. "Lohengrin" subió a escena en 1976 y fue repuesta en 1986. "Parsifal" fue estrenada en 1980 y repuesta en 1981. Finalmente en 1982 el director produjo "El holandés errante", con una reposición al año siguiente. 

El caso de esta versión de "Lohengrin" es bastante particular, especialmente por el tiempo que demoró en terminar las sesiones de grabacion, esparcidas en un período de siete años, al parecer por problemas contractuales. El resultado es bastante irregular, tanto por el elenco de cantantes como por la batuta del propio Karajan.

Encabeza el reparto René Kollo, por esos años en el tope de sus posibilidades. El timbre brillante muchas veces suena demasiado brillante para las frases líricas del personaje. El esfuerzo vocal es notorio y personalmente poco disfrutable cuando oyes a un cantante sufrir con la parte que le toca cantar. A su lado Anna Tomowa-Sintow nos regala una estupenda Elsa, de timbre lírico y facilidad de emisión. Quizás sin la personalidad de otras colegas. Siegmund Nimsgern compone un efectivo y amenazante Friedrich mientras que su esposa, la malvada Ortrud a cargo de la soprano croata Dunja Vejzovic, desdibuja la maldad y el impacto de su personaje debido a una vocalidad demasiado forzada y derechamente fea. Karl Ridderbusch nos deja un noble y sonoro Rey Heinrich, mientras que Robert Kerns un enfático y resonante Heraldo.

 

La batuta de Karajan se mueve entre los estallidos orquestales y la belleza sonora que es capaz de obtener de la Filarmónica de Berlín. Lo mas criticable son los tempi elegidos, que muchas veces terminan por restarle impacto dramático a la partitura debido a la lentitud del pulso.

Las sesiones de grabación se realizaron en tres tandas esparcidas entre diciembre de 1975, marzo de 1976 y mayo de 1981 en la Philharmonie de Berlin.

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René Kollo (Lohengrin)

Anna Tomowa-Sintow (Elsa von Brabant)

Siegmund Nimsgern (Friedrich von Telramund)

Dunja Vejzovic (Ortrud)

Karl Ridderbusch (Konig Heinrich)

Robert Kern (Der Heerrufer des Konigs)

Chor der Deutschen Oper Berlin

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

Warner Classics

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Wagner - Der Fliegende Hollander (van Dam - Vejzovic - Moll - Hofmann) Karajan [1984/2026, Flac]

 

Durante la edición de 1982 del Festival de Pascua en Salzburgo, Herbert von Karajan presentó su producción para "El Holandés Errante" de Richard Wagner. Siguiendo la misma estrategia que con otras famosas producciones, la ópera se registró primero en disco, antes de subir a escena y posteriormente se completó con sesiones de grabacion adicionales esparcidas en 1982 y 1983. La producción original subió a escena en abril de 1982 y fue repuesta durante la edición de 1983.

El elenco que reúne Karajan para esta ocasión es disparejo. Encabeza el reparto el protagonista de José van Dam, con un instrumento sin las proporciones esperables pero con gran fraseo y variedad de colores. La caracterización parece ser demasiado introspectiva, tanto que hasta suena indiferente. A su lado la Senta de Dunja Vejzović es bastante irregular en la vocalidad y sin la grandeza esperable. Las cosas mejoran ostensiblemente con el imponente Daland de Kurt Moll. Cierra el equipo de protagonistas un forzado Peter Hofmann como Erik.

La batuta de Karajan no está exenta de problemas. Los tempi elegidos son, a veces, demasiado lentos. La critica de la época culpó a la producción teatral estática con escenografía de Günther Schneider-Siemssen y vestuario de Georges Wakhevitch, de influenciar la visión del director y por ende también la velocidad de los tempi.

Las sesiones de grabación se realizaron en tres tandas y en años consecutivos; Diciembre de 1981 en Berlín. Marzo de 1982 en Salzburgo y Septiembre de 1983 en Berlín.

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José van Dam (Der Holländer)

Dunja Vejzović (Senta)

Peter Hofmann (Erik)

Kurt Moll (Daland)

Kaja Borris (Mary)

Thomas Moser (Der Steuermann)

Wiener Staatsopernchor

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

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Wagner - Die Meistersinger von Nürnberg (Adam - Kollo - Donath - Schreier - Ridderbusch - Hesse - Evans) Karajan [1971/2026, Flac]

 

En 1965, Herbert von Karajan invitó por primera vez a la Staatskapelle de Dresde al Festival de Salzburgo para ofrecer una serie de cinco conciertos, dirigidos por George Szell, Karl Böhm, Wolfgang Sawallisch y Kurt Sanderling. El propio Karajan dirigió uno de estos conciertos, con un programa que incluía la Sinfonía No. 8 de Dvořák y el Concierto para piano de Tchaikovski, con Sviatoslav Richter como solista. Este encuentro cimentó el respeto mutuo entre el director y los músicos sajones, abriendo la puerta a planes más ambiciosos.

Fundada en 1548, la Staatskapelle de Dresde asegura ser una de las orquestas más antiguas del mundo (discutible pero no entremos en polémicas...) y también una de las más prestigiosas. A lo largo de su historia ha estado vinculada a compositores como Heinrich Schütz, Carl Maria von Weber, Richard Wagner, quien la bautizó como "Die Wunderharfe" (el "arpa maravillosa"), y Richard Strauss, quien confió a esta formación los estrenos de nada menos que nueve de sus óperas. Al igual que la Filarmónica de Viena, la Staatskapelle de Dresde desarrolla una doble actividad como orquesta de conciertos y orquesta de ópera.

La relación artística entre Karajan y la Staatskapelle llegó a su cúspide con esta única grabación de estudio que realizaron en conjunto de la ópera de Richard Wagner. Las sesiones se llevaron a cabo en la famosa Lukaskirche de Dresde, bajo el sello EMI y en coproducción con la discográfica estatal de la RDA (Deutsche Schallplatten). Se habían planificado 21 sesiones de grabación, pero la compenetración fue tan perfecta que terminaron el trabajo en tan solo 13 sesiones. La obertura, de hecho, se grabó en una sola toma.

Finalizada la última sesión de grabacion, Karajan pronunció unas palabras de agradecimiento hacia la orquesta, el coro y los solistas: "Mi agente me dijo una vez: “Espere hasta que algún día venga a Dresde. La interpretación de la Staatskapelle de Dresde brilla como el oro antiguo”. En su ciudad se ha destruido mucho; ustedes, sin embargo, son un monumento vivo de la tradición y la cultura de Dresde". La metáfora se hizo popular ya entre la critica especializada de la época y con el paso de los años llegó a convertirse en un lema de la orquesta.

Por supuesto que la metáfora no es una descripción técnica cuantificable, sino mas bien una imagen útil para referirse a la tradición de la Staatskapelle y su sonido. En términos de escucha, la imagen del "oro antiguo" puede asociarse con la calidez del timbre, especialmente perceptible en las cuerdas, la densidad y riqueza en el balance de las diferentes secciones de la orquesta, gracias a una combinación de instrumentos que produce un color integrado, sin que cada sección pierda su personalidad y una fila de metales brillante pero sin estridencia, una cualidad luminosa que no depende necesariamente de un sonido incisivo. En suma, una sonoridad cálida, rica, asentada por el tiempo y dotada de una cualidad que recuerda el brillo del metal envejecido.

Karajan y la Staatskapelle de Dresde se volvieron a encontrar en el Festival de Salzburgo de 1972 en un programa doble que incluía la Sinfonía No. 4 de Schumann y el Concierto para piano No. 3 de Bartók junto a Géza Anda, un favorito del director. En la edición de 1976 volvieron a trabajar en conjunto para un programa que incluía a la Sinfonía No. 10 de Shostakovich y el Concierto para piano No. 3 de Beethoven. Esa fue la última vez que la agrupación y el director trabajaron juntos. Hubo planes para registrar el ciclo completo de las Sinfonías de Johannes Brahms pero al parecer las trabas gubernamentales impuestas por la RDA terminaron por fulminar el proyecto.

El reparto elegido por Karajan sigue la lógica del director al usar voces mas livianas de la esperables en este repertorio. Gracias a esto podemos oír a una de las parejas de enamorados mas frescas y juveniles de la discografía. René Kollo nos deja un Walther ardiente y romántico y Helen Donath (elección de último minuto) una flamante y lírica Eva. El contraste con las partes mas pesadas de Sachs, Pogner y el resto de los maestros es notable. Theo Adam nos regala un Hans Sachs perfectamente delineado en su psicología, siempre desde una vocalidad de tamaño mediano. Karl Ridderbusch nos deja un sincero y cálido Pogner, mientras que Geraint Evans construye un Beckmesser muy efectivo pero algo polémico por su caracterización con nasalidades y gruñidos incluidos. Cierra el elenco de cantantes principales la presencia de Peter Schreier, otro favorito de Karajan, que nos regala un David ejemplar en todo sentido. Lujos extras son el Kothner de Zoltán Kélémen, otro favorito del director, y un joven Kurt Moll en su breve pero notorio rol del Sereno.

Las sesiones de grabación se realizaron entre el 24 de noviembre y 4 de diciembre de 1970 en la Lukaskirche de Dresde. Esta re-edición de Warner Classics apareció en el mercado en febrero de 2026. La remasterizacion es la misma realizada por EMI en 1999 para la serie "Great Recordings of the Century" y que se usó también en 2010 para la serie "The Home of Opera". Mención aparte merece la ingeniería de sonido a cargo de Christopher Parker que logra captar con increíble detalle la acústica de la Lukaskirche y el legendario sonido de la Staatskapelle.

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Theo Adam (Hans Sachs)

René Kollo (Walther von Stolzing)

Helen Donath (Eva)

Peter Schreier (David)

Ruth Hesse (Magdalene)

Karl Ridderbusch (Veit Pogner)

Geraint Evans (Sixtus Beckmesser)

Zoltán Kélémen (Kothner)

Kurt Moll (Nachtwächter)

Chor der Staatsoper Dresden

Chor der Lepziger Rundfunks

Staatskapelle Dresden

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Beethoven - Fidelio (Dernesch - Vickers - Ridderbusch - Kelemen - Laubenthal - van Dam - Donath) Karajan [1971/2026, Flac]

 

Debido a la importancia que tuvo la obra de Beethoven en la carrera de Herbert von Karajan, no es de extrañar que "Fidelio" fuera una de las óperas que mas veces dirigió y produjo a lo largo de su carrera. La dirigió por primera vez durante sus años en Ulm, en febrero de 1932, con tan solo 24 años de edad. Seis años mas tarde se convirtió en el título de su debut en la Opera Estatal de Berlín en septiembre de 1938. Terminada la segunda guerra mundial se rencontró con la ópera de Beethoven durante la temporada de 1952 en La Scala de Milan. En el verano de 1957 el director hizo su primera produccion, con dirección de escena incluida, para el Festival de Salzburgo. Durante sus años en la Opera Estatal de Viena, entre 1958 y 1964, dirigió la ópera en 13 ocasiones. En 1963 dirigió el título para la inauguración del recientemente reconstruido Teatro Nacional en Múnich, su única colaboración con esa compañía. 

Tras su renuncia repentina a la Opera Estatal de Viena, el director centró sus esfuerzos en el Festival de Salzburgo a partir de 1967. Para evitar competir con el Festival de Bayreuth, el director astutamente fundó el Festival de Pascua en Salzburgo, que le permitía hacer montajes de la obra de Wagner sin entrar en competencia directa. Las primeras temporadas en las que tuvo el control absoluto, se centraron así en la producción del Anillo wagneriano. Una vez finalizado ese esfuerzo se programó "Fidelio" incluso antes de animarse con Tristan o Meistersinger.

Fiel a su costumbre de la época, la producción se registró previamente en el estudio de grabación para el sello EMI antes de llevarse a las imponentes dimensiones del escenario del Großes Festspielhaus. La producción finalmente subió a escena en abril de 1971, durante la semana santa. El elenco es idéntico al de la producción discográfica. Siete años mas tarde, en 1978, se repuso la producción pero con un elenco totalmente distinto, encabezado por la Leonore de Hildegard Behrens (recientemente descubierta por Karajan), James King como Florestan y Siegmund Nimsgern como Don Pizarro.

El elenco está encabezado por la Leonore de Helga Dernesch, una cantante que nunca ha sido de mi agrado aunque debo reconocer que con el paso de los años me molesta cada vez menos. El principal defecto de su canto (a mi modo de oir) es la tensión y el vibrato a veces corto, otras veces inexistente. Las cosas mejoran ostensiblemente en el resto del reparto. Jon Vickers nos regala un Florestan oscuro, dramático e intenso como pocos. Por otro lado Karl Ridderbusch nos deja un Rocco quizás sin la oscuridad de otros colegas pero con el afecto que a tantos colegas les falta. Por su parte Zoltán Kelemen nos deja un Pizarro feroz y amenazante. Uno de los mejores de la discografía.

Las sesiones de grabación se realizaron los meses de octubre y diciembre de 1970 en la Jesus Christus Kirche de Berlin. Este relanzamiento aparecido en diciembre de 2025 usa el mismo remaster de 1988.

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Helga Dernesch (Leonore)

Jon Vickers (Florestan)

Karl Ridderbusch (Rocco)

Zoltán Kelemen (Don Pizarro)

Horst Laubenthal (Jaquino)

José van Dam (Don Fernando)

Helen Donath (Marzelline)

Chor Der Deutschen Oper Berlín

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

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Wagner - Tristan und Isolde (Vickers - Dernesch - Ludwig - Berry - Ridderbusch) Karajan [1972/2025, Flac]

 

Herbert von Karajan nunca dirigió una producción escénica completa de "Tristán e Isolda" en el Festival de Verano de Salzburgo, habiendo realizado su única puesta en escena integral de esta ópera en el Festival de Pascua de Salzburgo durante 1972 y 1973. A lo largo de su trayectoria, el director también asumió la dirección de la obra en hitos notables como el Festival de Bayreuth en 1952, La Scala de Milán en 1959 y en la Ópera Estatal de Viena. Esta grabación sigue la misma lógica de varias de sus grabaciones en el sello EMI, usando el mismo elenco que meses mas tarde llevaría la obra al escenario del Festival.

La principal atracción y razón de ser de esta grabación es la batuta de Karajan que se acerca a la partitura por primera y única vez en estudio. El tratamiento es el esperable y el director se esmera por crear un producto altamente pulido y de gran belleza. La acústica de la Jesus Christ Kirche le agrega un elemento fantasmal muy bienvenido y si bien a muchos les parece demasiado calculado hay que decir que el resultado es espectacular ya sea por la belleza, la gran variedad en los contrastes o la tensión dramática que en partes como el acto tercero alcanza cúspides bastante difíciles de superar.

El equipo de cantantes está encabezado por el intenso Tristan de Jon Vickers que hace frente a la prueba con gran cantidad de recursos expresivos y una buena reserva de energía para los momentos mas extenuantes. Su interpretación del acto tercero es insuperable. La Dernesch es el punto mas bajo del reparto, si bien es una cantante expresiva la voz no responde a la altura esperable. Su instrumento es tenso, de vibrato corto y monocorde. No tiene la flexibilidad ni la variedad de colores esperables para dar vida al fraseo de Isolde. La Ludwig crea una estupenda Brangäne, agregando gran vocalidad y compromiso expresivo. Berry hace lo propio con su fiel Kurwenal y Ridderbusch saca a flote el lado mas amable del Rey Marke.

La grabación se realizó en la Jesus Christ Kirche de Berlin entre el 2 y 13 de diciembre de 1971 y 10 de enero de 1972. La edición apareció en diciembre de 2025 y usa el mismo remaster de 1994 que se utilizó también en 2011 cuando apareció en la serie "The Greatest Opera Recordings".

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Jon Vickers (Tristan)

Helga Dernesch (Isolde)

Christa Ludwig (Brangäne)

Karl Ridderbusch (König Marke)

Walter Berry (Kurwenal)

Peter Schreier (Stimme eines Jungen Seemanns/Ein Hirt)

Bernd Weikl (Melot)

Martin Vantin (Der Steuermann)

Chor der Deutschen Oper Berlin

Walter Hagen-Groll (Chorus Master)

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

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Verdi - Otello (Vickers - Freni - Glossop) Karajan [1974/2026, Flac]

 

La colaboración entre Jon Vickers y Herbert von Karajan en el Festival de Salzburgo dio como resultado famosas producciones de "Carmen", "Die Walküre", "Otello", "Tristan e Isolda" y "Fidelio". En el caso de la ópera de Verdi, la producción se presentó con enorme éxito durante tres ediciones consecutivas. Para Karajan no había mejor interprete del rol de "Otello" que Jon Vickers y a pesar de la diferencia de caracteres, ambos artistas lograron colaborar con éxito tanto en escena como en el estudio de grabación.

La Freni está captada en un momento de relativa juventud. Muchas veces la ingeniería de sonido parece ahogarla entre la orquesta pero la cantante ofrece a cambio una fragilidad muy bienvenida y acorde con el personaje. En términos interpretativos su Desdemona suena algo indiferente, defecto que se hace quizás mas evidente al tener a Vickers a su lado. Glossop no termina de convencer en Iago, la voz carece de verdadero atractivo si bien logra establecer un personaje con la profundidad necesaria para hacer frente a Vickers. Hay lujos extras en los roles menores de Lodovico a cargo de José van Dam y Roderigo a cargo de Michel Sénéchal.

La grabación se realizó en la Philharmonie de Berlin durante los meses de abril y mayo de 1973. Este relanzamiento de Warner Classics apareció en mayo de 2026 y usa la misma remasterización de 1988 que se usó también en la edición EMI en 2010.

Mis agradecimientos por sus aportes a la cuenta de Pay Pal que me permiten mantener el blog y su almacenamiento a flote.

Jon Vickers (Otello)

Mirella Freni (Desdemona)

Peter Glossop (Iago)

Aldo Bottion (Cassio)

Michel Sénéchal (Roderigo)

José van Dam (Lodovico)

Mario Machi (Montano)

Hans Helm (Un araldo)

Stefania Malagù (Emilia)

Chor der Deutschen Oper Berlin

Walter Hagen-Groll (Chorus Master)

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

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Debussy - Pelléas et Mélisande (Stilwell - von Stade - van Dam - Raimondi) Karajan [1979/2026, Flac]

 

Karajan nunca se animó a realizar un montaje escénico de "Pelléas et Melisande" en el Festival de Salzburgo por lo que este relanzamiento del sello Warner de la famosa grabación de estudio producida por EMI en 1979 no sigue el mismo esquema de los lanzamientos anteriores que provenían de una producción escénica.

El libreto de "Pelléas et Melisande" esta basado en la obra teatral de Maurice Maeterlinck, un escritor simbolista con el que Debussy sintió particular atracción. La composición de la obra comenzó en 1897 y avanzó a paso lento hasta completarse en 1900. El estreno se fue retrasando por la reticencia de Debussy al estreno, al parecer por los temores que le despertaba la recepción del público, como también por el desinterés de Albert Carré, director de la Opéra-Comique, a incluirla en la temporada.

Si bien el trabajo entre Debussy y Maeterlinck se había dado de manera cordial, la relación entre ambos se rompió cuando el compositor no aceptó la imposición de Georgette Leblanc, la amante de Maeterlinck, en el rol de Mélisande. Desde ese momento el dramaturgo se desentendió del proyecto y comenzó una campaña publica con la intención de convertir la ópera en un fracaso. Así las cosas, Debussy decidió entregarle el rol a la joven soprano escocesa Mary Garden, quien con el tiempo terminaría asociada indisolublemente al papel de Mélisande.

La campaña iniciada por Maeterlinck dio sus frutos y el ensayo general realizado el 28 de abril de 1902 se convirtió en una gran trifulca entre publico e interpretes, azuzada por un programa de mano distribuido en la puerta en donde se parodiaba a la obra. Las cosas no fueron diferentes en el estreno del 30 de abril en donde se oyeron sonoras carcajadas en el publico, hubo intervenciones de la policía para calmar el escandalo, llantos del director y la orquesta y un compositor que se negaba a salir de la oficina del director.

La recepción por parte de la critica y los compositores de la época tampoco fue del todo alentadora, incluso algunos como Strauss, Saint-Saëns o d'Indy llegaron a decretar a la partitura de Pelléas como intrascendente. Sea como sea, el caso es que la obra de Debussy sobrevivió a la trifulca de su estreno y las criticas de sus contemporáneos para afirmarse finalmente como una de las obras mas importantes del siglo XX.

La estructura musical sobre la que se sostiene la partitura de "Pelléas et Melisande" es bastante osada en su concepción armónica y abre la puerta a toda la evolución desarrollada en este campo por los compositores del siglo XX. La influencia de Wagner fue fuerte en el joven Debussy, pero luego de un período de admiración le siguió otro de oposición absoluta. El compositor llegó a la conclusión que el modelo wagneriano solo aplicaba a Wagner y no era, por lo tanto, el camino a seguir, así optó por trascender un modelo que consideraba muy largo en su forma, muy absorto en la visión filosófica del compositor, con una orquestación grandilocuente y, en suma, demasiado Alemán. Si en Wagner el tratamiento armónico era llevado al extremo gracias al uso del cromatismo, en Pelléas la noción de tonalidad comienza definitivamente a desaparecer debido al abundante uso de acordes no resueltos y la paulatina eliminación de los patrones melódicos tradicionales en donde una frase musical estaba siempre balanceada con una contraparte simétrica en forma y extensión.

Esta versión dirigida por Karajan no está exenta de polémica, la critica la ha considerado siempre como una visión alemana de una partitura cumbre del impresionismo francés. Existen otras versiones que se pueden enmarcar dentro de la tradición francesa mas pura, desde la famosísima lectura de Roger Desormière hasta la de Ernest Ansermet, pasando por la de André Cluytens. El problema principal de esas versiones es el sonido borroso que no deja oír con claridad la bellísima orquestación de Debussy, algo que afecta directamente en la apreciación final pues Debussy con sonido mediocre es menos Debussy, creo yo. Por su parte la versión de Karajan es una joya del sonido análogo y gracias a eso podemos oír con perfecta precisión toda la gama de recursos orquestales empleados por el compositor en su partitura. El equipo de cantantes tiene sus altos y bajos, el Pelléas de Richard Stilwell es algo corto en la tesitura aguda y muchas veces la emisión es dura e ingrata pero compensa con una lectura apasionada. Algo parecido se puede decir de la Mélisande de von Stade, que si bien se esmera en la interpretación, no logra nunca sonar del todo cómoda en la tesitura mas aguda. El Golaud de José van Dam es estupendo en todo sentido y logra componer con maestría los diferentes aspectos de su personaje. El Arkel de Ruggero Raimondi puede que no tenga el peso vocal ni que logre el contraste tímbrico necesario con Golaud pero es una de sus creaciones mas acabadas desde el punto de vista interpretativo. Un lujo adicional es el Yniold de Christine Barbaux.

Las sesiones de grabación se realizaron en diciembre de 1978 en la Philharmonie de Berlín. Este relanzamiento apareció en el mercado el 18 de mayo de 2026 y utiliza el mismo remaster realizado por Wolfgang Gülich en 1999 que se usó en las series "Great Recordings of the Century" y "The Greatest Opera Recordings" de 2009.

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Richard Stilwell (Pélleas)

Frederica von Stade (Mélisande)

José van Dam (Golaud)

Ruggero Raimondi (Arkel)

Nadine Denize (Geneviève)

Christine Barbaux (Yniold)

Pascal Thomas (Sheperd & Doctor)

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

Warner Classics

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R. Strauss - Salomé (Behrens - Böhm - Baltsa - van Dam - Ochmann) Karajan [1978/2026, Flac]

 

Continuamos con la serie de relanzamientos del sello Warner con esta clásica versión de "Salomé" de Richard Strauss bajo la batuta de Herbert von Karajan.

Esta versión de "Salomé" sigue la misma lógica de producción que vimos en los posteos anteriores dedicados a Karajan y sus versiones de "Don Carlo" e "Il Trovatore", es decir, corresponde a una versión discográfica de una producción con dirección musical y escénica del propio Karajan que se montó en el Festival de Salzburgo durante las temporadas de 1977 y 1978.

La producción del registro discográfico fue bastante inusual pues primero se realizaron las sesiones de grabacion durante el mes de mayo de 1977 en Viena para luego hacer el montaje en Salzburgo durante julio y agosto de ese mismo año. Por lo general sucede al revés y así los cantantes llegan a las sesiones de grabación con todo el bagaje del trabajo teatral encima. Para hacer las cosas mas inusuales aun, se sumaron sesiones de grabacion extras durante el mes de mayo de 1978.

"Salomé" fue una ópera que Karajan evitó por largos años. A parte de un par de funciones en Salzburgo en 1929 y Milán en 1956, no volvió a acercarse a la obra hasta que a principios de la década del 70' comenzó a rondar en su cabeza la idea de llevar el título al Festival de Salzburgo, sólo si podía encontrar una interprete completamente adecuada a las exigencias vocales y escénicas del rol y al ideal que el director tenía en mente.

Las exigencias vocales y escénicas que requiere el rol han sido siempre fruto de problemas, encontrar una interprete que sea capaz de lidiar con la densa orquestación y además parecer físicamente una muchacha de 16 años parece ser una tarea imposible. Al parecer Karajan encontró en Hildegard Behrens una suma total que se acercaba mucho al ideal de interprete. El anecdotario cuenta que el director conoció a la soprano en 1974 durante un ensayo de "Wozzeck" en la ópera de Düsseldorf y se decidió a invitarla a convertirse en su "Salome".

Lo que nos llega en la grabación es una cantante inteligente como pocas, capaz de extraer la variedad de detalles del texto y al mismo tiempo lidiar con la orquestación apoyada en una técnica impecable, siempre sonando fresca y juvenil. En la comparación con la competencia, Behrens enfoca mejor que nadie su personaje desde la juventud, equiparando la expresión con la vocalidad adolescente de Salomé. La voz es clara, fresca y flexible pero con el peso y el metal necesarios para oírse por entre la maraña orquestal. La flexibilidad le permite colorear mejor que nadie las diferentes facetas del personaje, la suya es además una de las lecturas mas eróticas y sensuales captadas en disco, ayudada en gran medida por la batuta de Karajan que da preeminencia a la claridad camerística de la partitura llena de elementos sugerentes, mas que a los elementos expresionistas y atronadores de una orquesta de mas de 100 músicos. Así mismo el director parece entender mejor que nadie los nudos de la trama reflejados en la orquestación, jugando de manera magistral con los momentos de "descanso" que permiten al oyente recopilar la información necesaria para entender el drama psicológico que se despliega desde los compases iniciales, sin pausa aparente. Usando esta estructura la ópera no pierde nunca la tensión en el desenvolvimiento del drama y permite crear una atmósfera lineal mas que meros momentos de tensión pues "Salomé" esta pensada y estructurada para ser una experiencia sin cortes ni pausas.

Si bien la gran atracción es Hildegard Behrens, sus compañeros de elenco no se quedan atrás, la Baltsa y Böhm logran una de las mejores parejas de decadentes, bastante sutiles en la caracterización comparado con otras lecturas. Por su lado José van Dam nos regala un Jochanaan de bella y expresiva vocalidad, quizás un poco liviano para la parte que otros colegas sirven con mayor peso.

Mención especial merece el sonido de la Filarmonica de Viena captado estupendamente por la ingeniería de la época.

Las sesiones de grabación se realizaron entre el 9 y 20 de mayo de 1977 y el 2 de mayo de 1978 en la Sofiensaal de Viena. Este relanzamiento apareció el 17 de julio de 2026 y no presenta mayores diferencias con el trabajo de remasterización aparecido en la serie Great Recordings of the Century del sello EMI en 1999.

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Hildegard Behrens (Salomé)

Karl-Walter Böhm (Herodes)

Agnes Baltsa (Herodias)

José van Dam (Jochanaan)

Wieslaw Ochamann (Narraboth)

Heljä Angervo (Page der Herodias)

Wiener Philharmoniker

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Verdi - Il Trovatore (Bonisolli - Price - Cappuccilli - Obraztsova) Karajan [1978/2026, Flac]

 

Seguimos con los re-lanzamientos que por este año 2026 está realizando Warner Classics desde el catalogo EMI con esta aguerrida versión de "Il Trovatore" de Verdi bajo la dirección de Herbert von Karajan.

Este fue el segundo "Trovatore" grabado por Karajan, el primero había sido con Callas y Di Stefano también en EMI por allá por 1956. En esta ocasión el director se hizo rodear de un cast masculino completamente italiano y bastante estelar para la época, la mezzo emergente del momento y una de sus sopranos favoritas.

Bonisolli ya comenzaba a abordar el repertorio mas pesado cuando grabó este Manrico, tenía su fama de tenor de agudos centellantes y comenzaba a forjarse la imagen de divo que lo acompañaría durante la década siguiente. El resultado no impacta tanto en sonoridad y si aburre un poco el fraseo elemental y los excesos en los que cae. Esta es la tercera Leonora que la Price lleva al disco y ciertamente la menos feliz. Su canto ya está entrando en su curva descendente y sus "maneras" de canto están acentuadas aún mas. No hay atisbos de belcanto en su musicalidad pero a cambio ofrece líneas largas, derroche de canto spianato y una voz flexible que le permite matizar uno de los papeles mas difíciles de la literatura verdiana.

Los verdaderas atracciones son el Luna de Cappuccilli de impactante linea verdiana y magnifico sentido del canto legato y la excitante y sonora Azucena de la Obraztsova que entrega una lectura tradicional del rol, es cierto que evita el Do agudo escrito y que no tiene el trino en "Stride la Vampa" pero es una lectura sincera y sobretodo aguerrida y excitante de un rol tradicionalmente cantado así en la época.

La versión se grabó en la Philharmonie de Berlin en septiembre de 1977, en una época en que Karajan ya comenzaba a experimentar con sonoridades artificiosas apoyadas por la mesa de sonido, por lo que es común oír marejadas orquestales y secciones de instrumentos que en condiciones normales no se oyen con tanta presencia. La presente edición que data de 2026 no recibió un traspaso en alta definición y no se aprecian diferencias con las ediciones anteriores.

Para el anecdotario operático: Durante abril de 1978, unos meses después de realizada esta grabación, el director montó una producción de "Il Trovatore" en la Opera Estatal de Viena con Bonisolli a la cabeza del reparto. Al parecer el tenor no sabía que el ensayo general sería tratado como una función (quizás sin recibir el cachet de una función?) y montó en cólera con Karajan. Se negó a cantar la Pira y lanzó la espada al foso. Fue rápidamente reemplazado por Plácido Domingo en las funciones posteriores y nunca más volvió a trabajar con Karajan.

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Franco Bonisolli (Manrico)

Leontyne Price (Leonora)

Piero Cappuccilli (Conte di Luna)

Elena Obraztsova (Azucena)

Ruggero Raimondi (Ferrando)

Maria Venuti (Ines)

Horst Nitsche (Ruiz/Messagero)

Martin Egel (Un Vecchio Zingaro)

Chor der Deutschen Oper Berlin

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan (Conductor)

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Verdi - Don Carlo (Carreras - Freni - Ghiaurov - Baltsa - Cappuccilli - Raimondi) Karajan [1979/2026, Flac]

 

Warner Classics, embarcada por estos días en una serie de lanzamientos de remasterizaciones provenientes del vasto catálogo de EMI, ha relanzado al mercado en febrero de 2026 esta histórica versión bajo la batuta de Herbert von Karajan. Sin embargo, el entusiasmo parece no haber alcanzado para todo: no hay edición en alta definición como con la versión de Giulini. Y, por qué no decirlo, también se echa de menos un booklet de aquellos de antaño, de esos que invitaban a detenerse en la edición, leer sus notas y disfrutar el lanzamiento casi tanto como la propia música.

La grabación es una versión discográfica de una producción de "Don Carlo" de Verdi con dirección escénica y musical del propio Karajan que se montó en el Festival de Salzburgo durante cinco temporadas consecutivas entre 1975 y 1979, tanto en las ediciones de Pascua como de Verano, y que tuvo además un famoso revival en 1986 que se llevó al video.

El elenco es bastante similar al equipo de cantantes que se presentó en el Festival. El protagonista original de la primera temporada fue Plácido Domingo, Carreras lo sustituyó en 1976 con gran éxito de criticas. Karajan terminó por elegirlo a él para la grabación de estudio y hay que decir que su desempeño es encomiable. Nos entrega un protagonista juvenil, de hermoso timbre y canto apasionado. Un complemento ideal para el lirismo de la Freni (protagonista en las cinco temporadas consecutivas) que nos deja una Elisabetta encantadora, de hermosa voz y gran canto. Nicolai Ghiaurov está captado ya en su curva descendente pero mantiene el hermoso timbre, la musicalidad y el legato, si la voz suena mas añosa que en su versión con Solti (por razones obvias) esto solo ayuda en la caracterización del personaje que surge contundente y proyectado. Por su parte Piero Cappuccilli está a la altura de sus credenciales con un Rodrigo de señorial linea de canto, admirable sentido del legato y un fraseo verdiano de primera categoría. Agnes Baltsa nos regala un de las mejores Eboli de la discografía, con agudos seguros, arrojo y gran linea de canto, el director la prefirió por encima de otras colegas que habían cantado el rol durante las funciones de las cuatro primeras temporadas (Ludwig, Randová, Cossotto, Obraztsova). Lo mas conflictivo del elenco lo podemos escuchar en Ruggero Raimondi y su versión del Inquisidor que no tiene ni el peso ni el color esperable.

Lujos extras son José van Dam como el Fraile/Carlos V, Edita Gruberova como Tebaldo y Barbara Hendricks como la Voz del Cielo. Todos provenientes de la producción escénica original.

Las sesiones de grabación se realizaron entre el 15 y 20 de Septiembre de 1978, en la Philharmonie de Berlín. La presente edición apareció el 27 de febrero de 2026.

José Carreras (Don Carlo)

Mirella Freni (Elisabetta di Valois)

Nicolai Ghiaurov (Filippo II)

Piero Cappuccilli (Rodrigo, Marchese di Posa)

Agnes Baltsa (La Principessa d'Eboli)

Ruggero Raimondi (Il Grande Inquisitore)

José van Dam (Un Frate)

Edita Gruberova (Tebaldo)

Horst Nitsche (Il Conte di Lerma)

Barbara Hendricks (Una voce dal Cielo)

Chor der Deutschen Oper Berlín

Berliner Philharmoniker

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Verdi - Don Carlo (Domingo - Caballé - Raimondi - Milnes - Verrett - Foiani - Estes) Giulini [1971/2026, Flac Hi-Res]

 

En 2025, para conmemorar el vigésimo aniversario del fallecimiento de Carlo Maria Giulini, el sello Warner Classics lanzó la caja de 60 CD "Carlo Maria Giulini: Complete Remastered Studio Recordings", que reúne por primera vez todas las grabaciones de estudio del célebre director italiano realizadas entre 1952 y 1980 para los sellos Columbia Graphophone, HMV, Pathé y Electrola. De ese proceso de remasterización proviene esta edición en alta definición del "Don Carlo" verdiano, producida originalmente en 1971 por HMV, que se publica de manera independiente en este año 2026.

Giulini tuvo una extensa y dilatada carrera discográfica que se inició a principio de los años 50' en HMV, contratado por el legendario productor Walter Legge. Su carrera en el sello inglés y sus filiales se extendió hasta fines de los años 70's. De manera paralela a su trabajo con el sello inglés, el director italiano grabó también para Angel Records (en ese entonces la filial americana del conglomerado EMI al que pertenecía HMV) durante su estadía como Principal Director Invitado con la Chicago Symphony Orchestra entre 1969 y 1978. Por otra parte, con la misma orquesta registró grabaciones para la RCA en 1967. A fines de la década del 70' el director firmó un contrato de exclusividad con Deutsche Grammophon en donde realizó grabaciones sinfónicas junto a la Filarmónica de Viena y Filarmónica de Los Ángeles.

Esta versión de "Don Carlo" marcó el comienzo de la colaboración entre Giulini y el productor inglés Christopher Bishop, por ese entonces el principal productor del sello luego de la partida de Walter Legge. La grabación recibió una nominación al Grammy en su edición del año 1972, tuvo gran éxito de ventas y dio inicio a una larga y fructífera relación profesional, que más tarde incluyó grabaciones galardonadas de la Sinfonía Nº 1 de Gustav Mahler con la Chicago Symphony Orchestra en 1971 y del Concierto para violín de Brahms con Itzhak Perlman publicado en 1978.

Giulini dirigió su primer "Don Carlo" en la temporada 1958-1959 del Covent Garden, en una famosa y controvertida producción que se convirtió, a la postre, en la última ocasión en que Tito Gobbi y Boris Christoff compartieron el mismo escenario debido a un altercado ocurrido durante los aplausos finales... cosas de divos.

La idea de llevar al disco la versión de "Don Carlo" dirigida por Giulini se concretó finalmente casi 12 años después. En el transcurso de los años los tempi se apaciguaron pero la mezcla de belleza, majestuosidad y lirismo que sabe sacar de la orquesta sigue intacta. 

La versión elegida es la llamada "Versión de Módena", que corresponde a la cuarta versión de la ópera estrenada en ese ciudad en 1886. Esta versión es un híbrido entre la versión en cuatro actos de La Scala de Milán estrenada en 1884, más el añadido del primer acto "de Fontainebleau" tomado de la versión francesa original pero traducido al italiano.

El elenco es estelar y cuenta con los nombres mas representativos de las producciones discográficas de aquellos años, con puntos muy altos y otros bastante flojos. Lo mejor se puede oír en el protagonista de Placido Domingo captado en sus mejores años, si bien igual se oyen un par de sonidos tensos en el agudo, la labor interpretativa y musical está a la altura esperable. La Caballé entrega grandes cuotas de belleza vocal a falta de una interpretación mas profunda del rol de Elisabetta. Sus pianissimi se roban el show como de costumbre. La Eboli de Shirley Verrett se ajusta a la perfección a las exigencias vocales de un rol a medio camino entre la mezzo y la soprano. Su versión para "O don Fatale" sigue estando al tope de la lista. Por su parte el Marqués de Posa de Sherrill Milnes se debate entre la expresividad y una emisión extraña a Verdi. Lo peor se puede oír en el Filippo II de Ruggero Raimondi que no tiene ni el color ni la presencia vocal necesaria para el rol, lo mismo que el Inquisidor de Giovanni Foiani, de vibrato caprino, duro en la emisión y sin la profundidad sonora necesaria. Este defecto en el equipo de cantantes deja a la ópera completa desbalanceada.

La grabación se realizó entre el 18 y 31 de Agosto de 1970 en el Walthamstow Town Hall de Londres. El trabajo de remasterización fue producido por Art & Sound Studio.

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Placido Domingo (Don Carlo)

Montserrat Caballé (Elisabetta di Valois)

Ruggero Raimondi (Filippo II)

Sherril Milnes (Rodrigo, Marchese di Posa)

Shirley Verrett (La Principessa d'Eboli)

Giovanni Foiani (Il Grande Inquisitore)

Simon Estes (Un Frate)

Delia Wallis (Tebaldo)

Maria Rosa del Campo (Una voce dal Cielo)

Ambrosian Opera Chorus

Orchestra of The Royal Opera House, Covent Garden

Carlo Maria Giulini (Conductor)

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Malin Byström - German Opera Scenes and Arias [2026, Flac Hi-Res]

 

La soprano sueca Malin Byström presenta su nuevo disco dedicado a escenas y arias del repertorio alemán, parte fundamental de su repertorio escenico.

La soprano es reconocida por su elegante presencia escénica y por una voz capaz de desenvolverse con naturalidad tanto en el repertorio lírico como en el dramático. Su trayectoria internacional se ha consolidado gracias a sus frecuentes actuaciones como artista invitada en importantes teatros, entre ellos la Ópera Estatal de Viena, la Ópera Estatal de Baviera y la Royal Opera House de Covent Garden. A estos escenarios se suman presentaciones en otras destacadas instituciones operísticas, como el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de los Países Bajos, la Oper Frankfurt, la Ópera de San Francisco y la Metropolitan Opera de Nueva York, además de su participación en festivales como los de Bregenz y Aix-en-Provence.

Por su primera interpretación de Salomé en la Ópera Nacional de los Países Bajos, junto a la Royal Concertgebouw Orchestra, bajo la dirección de Daniele Gatti, recibió en 2018 el prestigioso premio a Cantante Femenina del Año otorgado por los International Opera Awards.

Su repertorio abarca desde Mozart hasta Verdi, Strauss y Wagner, e incluye personajes como Tosca, Rusalka, Jenůfa, Donna Anna en "Don Giovanni", Desdémona en el "Otello" verdiano, Elsa en "Lohengrin", Elisabetta de Valois en "Don Carlos", Minnie en "La fanciulla del West" y Marie en "Wozzeck". Dentro del repertorio de Richard Strauss ha asumido, entre otros, los papeles de Arabella, la Mariscala en "Der Rosenkavalier", la Condesa Madeleine en "Capriccio" y el personaje titular de "Die Liebe der Danae".

En reconocimiento a su trayectoria artística, en 2016 Malin Byström recibió la distinción Litteris et Artibus, otorgada por el rey Carlos XVI Gustavo de Suecia. Dos años más tarde, en 2018, fue nombrada Cantante de la Corte Sueca (Hovsångerska), uno de los máximos reconocimientos que concede la Casa Real de Suecia a un artista de la música.

El repertorio elegido la presenta en una combinación de roles que ya ha cantado en escena, junto a otros que aparecen en su futuro mas próximo. A lo largo de la selección se puede apreciar el fuste de la voz y especialmente el fulgurante registro agudo.

Las sesiones de grabación se esparcieron en tres años diferentes "Fidelio" & "Der Freischütz" fueron registradas el 18 y 19 de agosto de 2020,  "Capriccio" & "Die tote Stadt" el 20 al 22 de junio de 2022 y "Die ägyptische Helena" & "Salome" entre el 21 y 23 de agosto de 2023 en el Stockholm Concert House de Suecia.

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Tracklist:

1. Die ägyptische Helena, Op. 75, Act II: Zweite Brautnacht! (Concert ending by B. Tommy Andersson) 

2. Fidelio, Op. 72, Act II: Abscheulicher! Wo eilst du hin? 

3. Der Freischütz, Op. 77, Act II: Wie nahet mir der Schlummer 

4. Capriccio, Op. 85: Morgen mittag um elf! 

5. Die tote Stadt, Op. 12, Act I: Glück, das mir verblieb 

6. Salome, Op. 54: Ah, du wolltest mich nicht deinen Mund küssen lassen, Jochanaan! 

Malin Byström (Soprano)

Royal Stockholm Philharmonic Orchestra 

Thomas Søndergård (Conductor)

BIS

Flac@96kHz-24bits | Flac | Cover + Digital Booklet

* Envíenme un mail al correo del blog (mavoirsibelle@gmail.com) y les entrego el link de descarga.