viernes, 5 de octubre de 2012

Vinci : Artaserse (Jaroussky - Cencic - Behle - Fagioli) Fasolis [FLAC]




El legendario "Artaserse" de Leonardo Vinci, quedó inscrito en la historia de la ópera por varios y diferentes motivos, fue la primera musicalización del libreto escrito por Metastasio sobre la historia de Artaserse, a su creación le seguirían 91 óperas escritas en un espacio de 120 años. A su vez fue la última ópera escrita por Leonardo Vinci, quien fallecería un par de meses después en circunstancias que nunca fueron esclarecidas del todo. La ópera gozó de gran popularidad siendo repuesta tanto completamente en su formato original , como también en forma de "pasticcio" en diferentes ciudades europeas, algo bastante inusual para la época.

Estrenada en Roma, el 4 de febrero de 1730 en el Teatro delle Dame, contó en su estreno con un cast compuesto exclusivamente por castratis y un tenor. La situación en la ciudad era muy distinta a las de las ciudades vecinas, como Nápoles, Bologna o Venecia, en donde las mujeres ya cantaban asiduamente sobre los escenarios, en Roma, en cambio, la prohibición Papal pesaba a tal nivel que Vinci debió repartir los roles femeninos entre dos castratos; Giuseppe Appiani cantó a Semira y Farfallino a Mandane. El resto del cast se completó con la presencia de Carestini como Arbace, Signorini como Artaserse y el tenor Francesco Tolve como Artabano

Luego de su exitosa noche inaugural la ópera disfrutó de gran popularidad, interrumpida por la muerte del Papa Benedicto XIII el 21 de febrero de 1730 y la consiguiente suspensión de los espectáculos teatrales, lo que motivó un tumulto en plena presentación, con Carestini siendo sacado del escenario entre los gritos del publico que se negaba a abandonar el Teatro. 

A la muerte del compositor la ópera fue presentada en Nápoles, Venecia y otras ciudades italianas, esta vez con mujeres en los roles femeninos, contando en Nápoles con la presencia de Faustina Bordoni, una de las máximas estrellas femeninas del barroco, en el rol de Semira.

En esta grabación, recién salida del horno pirata, se opta por un cast completamente masculino, en una decisión discutible y haciendo una clara remembranza del estreno romano de la ópera. Un festín para quienes gustan de los contratenores y el primer paso en futuros proyectos que repetirán la misma formula.

Discutible, sobre todo, resulta la inclusión de dos hombres cantando roles femeninos (Cencic como Mandane y Barna-Sabadus como Semira), papeles que fuera de Roma fueron siempre cantados por mujeres. Si Vinci puso a castratos en roles femeninos fue simplemente por una prohibición que en el resto de Italia se pasaba por alto en la época y porque contaba ademas con Appiani y Farfallino, dos castrati de 18 años, que era la única edad en que un castrato se camuflaría bien de mujer pues pasados los años la falta de hormonas les hacia crecer de manera desmedida y desproporcionada.

Con el paso de los minutos oyendo la ópera la paleta de colores disponible para un falsetista empieza a cansar el oído, como también las habituales estridencias y sonidos destemplados. Quizás un cambio de papeles entre Cencic y Jaroussky (el timbre mas femenino de todos) hubiese sido mejor idea. Por su lado Fagioli, que interpreta a Arbace, suena a una copia tanto del timbre como de los amaneramientos de la Bartoli y Barna-Sabadus que hace de Semira no convence nunca con un timbre que nada tiene que ver con el de una mujer. El gran descanso para los oídos lo provee Daniel Behle que interpreta a Artabano, el único hombre que canta como hombre (JA!) de la grabación. Fasolis dirige con el brío y el contraste acostumbrado.


Artaserse: Philippe Jaroussky
Mandane: Max Emanuel Cencic
Arbace: Franco Fagioli,
Semira: Valer Barna-Sabadus
Megabise: Yurly Mynenko
Artabano: Daniel Behle

Coro della Radiotelevisione svizzera 
Concerto Koln
Diego Fasolis (Conductor)

Virgin Classics
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miércoles, 3 de octubre de 2012

Verdi : Messa da Requiem (Caballe - Berini - Domingo - Plishka) Mehta [FLAC]




Esta versión del Requiem de Verdi, que en el papel luce muy bien, al oído no lo es tanto. Primero que todo el sonido termina por aplacar cualquiera estallido orquestal y reduce notoriamente la sonoridad de los solistas y segundo si bien tanto Domingo y Plishka están en el apogeo vocal, las damas vienen ya en curva descendiente. La Caballé cumple, pero sin la magia ni los forti compactos que logra con Barbirolli 10 años antes y la Berini se la oye apagada y falta de tensión musical.

Montserrat Caballe (Soprano)
Bianca Berini (Mezzosoprano)
Placido Domingo (Tenor)
Paul Plishka (Bajo)

Musica Sacra Chorus
New York Symphony Orchestra
Zubin Mehta (Conductor)

Sony
Flac | Cover

sábado, 29 de septiembre de 2012

Giordano : Fedora (Gheorghiu - Domingo - Capitanucci) [FLAC]


La ópera "Fedora" de Umberto Giordano (1898), escrita para la Bellincioni, una especialista del verismo (Primera Santuzza en "Cavalleria Rusticana") pasó rápidamente al repertorio fetiche de toda soprano de este repertorio sin miedo a declamar mas que a cantar y con ganas de lucir hermosa en escena ataviada con sendos trajes de princesa rusa . En el Metropolitan de New York la ópera se presentó por primera vez en 1906 con Lina Cavalieri (no por nada apodada "La donna più bella del mondo") a la cabeza de un elenco que incluía ademas a Enrico Caruso, primer "Loris" en el estreno de la obra. Durante la década del 20 se convirtió en lucimiento escénico para la fiera y hermosa Maria Jeritza para desaparecer por mas de 70 años y ser restituida finalmente en 1996 en la otoñal presencia de Mirella Freni.

En Italia la ópera gozó de gran popularidad desde su estreno, divas de todo tipo se midieron con el rol, desde Gilda dalla Rizza, Iva Pacetti, Giuseppina Cobelli, Augusta Oltrabella, Maria Carbone, Maria Caniglia, Magda Olivero, Maria Callas y Renata Tebaldi e incluso mezzos como Gianna Pederzini, Elena Nicolai y Giulietta Simionato.

Terminada la segunda guerra mundial y con el cambio de gusto en el publico, la ópera fue desapareciendo poco a poco de los teatros. La Scala programaría 6 funciones en 1956 con Maria Callas y Franco Corelli, luego de eso sólo volvería a la sala 36 años después en una producción con Mirella Freni y Placido Domingo. Con la década del 80 y el progresivo desgaste de ciertas divas de renombre la ópera reaparecería en las voces de Mirella Freni y Renata Scotto.

La grabación que acá les traigo fue hecha en 2009, por alguna razón tardó casi 3 años en lanzarse al mercado. Lo que se oye es un acercamiento pulcro y de limpieza casi quirúrgica  a un estilo que se caracteriza por el desborde vocal e histriónico, algo que no se oye desde hace mucho en la escena actual.
Domingo hace muchos años dejó de ser el tenor adecuado para este tipo de personajes, primero por la edad y segundo por un instrumento naturalmente erosionado por los años que no es capaz de hacer frente a las inclementes tesituras del verismo. La Gheorghiu, que últimamente viene coqueteando con el verismo, compone una Fedora que si bien llega a emocionar en ciertos momentos, no está nunca a la altura vocal ni expresiva de sus mas modernas contrincantes, y es que no se puede pretender cantar una heroína de este tipo como si fuese netamente canto sin atreverse al parlato o a la declamación pura.

Angela Gheorghiu
Placido Domingo
Fabio Maria Capitanucci
Nino Machaidze
Orchestre Symphonique et Choeurs de la Monnaie
Alberto Veronesi (Conductor)

Deutsche Grammophon
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viernes, 28 de septiembre de 2012

Omaggio a Mafalda Favero [FLAC]


La soprano Mafalda Favero fue una de las glorias de la escena verista italiana de las décadas del 30 y 40. Nacida en Portomaggiore en 1903, estudió en el conservatorio de Bologna e hizo su debut con gran éxito como Liu en "Turandot" en el Regio di Parma en 1927. A partir de ese momento su nombre fue en ascenso rápidamente y ya en 1929 debuta en La Scala como Eva en "Los Maestros Cantores de Nürnberg" bajo la dirección de Toscanini, convertida en una celebridad de la sala milanesa actuará ininterrumpidamente ahí hasta 1949. 

Su repertorio se extendía desde las "inas" típicas de una lirico-ligera (Zerlina, Pamina, Adina, Norina, Carolina en "El Matrimonio Secreto") pasando por Julieta, Martha, Violetta en "La Traviata" o Susanna en "Las Bodas de Figaro" hasta llegar a Adriana Lecouvreur, Nedda, Thaïs, Zazá, Manon Lescaut, Iris, Lodoletta o Cio-Cio San en "Madama Butterfly".

Sus apariciones fuera de Italia fueron muy pocas pero todas con gran éxito, en el Covent Garden de Londres estuvo presente en las temporadas 1937 y 1939 y en el Metropolitan de New York cantó dos funciones de "La Boheme" en noviembre de 1938 en el que sería también el debut en la sala de Jussi Björling. El estallido de la guerra le impidió emprender una carrera americana (como a muchos otros artistas italianos) y debió regresar a Italia.

El instrumento de la Favero nunca tuvo la sonoridad esperable en su repertorio, entrenada como recitalista, su carrera desembocó en la ópera debido principalmente a sus dotes actorales y su magnetismo en escena. Para compensar su insuficiencia canora, dotó a su canto de toda la maquinaria de efectos esperables en una soprano verista, un muy buen uso de los acentos y las consonantes le permitió hacerse oír aun en las salas mas grandes, sin embargo el continuo esfuerzo, como la inclusión de roles excesivos para su voz (La misma soprano reconocería que Madama Butterfly acortó su carrera al menos 5 años) terminó por dañar el instrumento en un periodo relativamente corto (se pueden contar unos 15 años de buen estado vocal).

En este disco doble se la puede oír en las diferentes etapas de su carrera, desde sus grabaciones para la Columbia de 1928 hasta las hechas para la His Master's Voice en 1941. Del vivo también se incluyen selecciones de una "Manon" en La Scala junto al joven Giuseppe di Stefano en 1947. Especial interés reviste el segundo acto de "Romeo y Julieta" de Gounod al lado de Beniamino Gigli, tanto por tratarse del único testimonio sonoro del Romeo del tenor (grabó el aria pero la matriz se perdió) como por ser la última vez que La Scala programó la ópera de Gounod en el siglo XX pues sólo volvería al teatro 77 años después.


Tracklist:

CD 1

1-12 : Manon (With Giuseppe di Stefano - Milano 1947)
13   : Act III Duet - Manon (With Beniamino Gigli - Roma 1937)

CD 2

01. Romeo e Giulietta - Act II (With Beniamino Gigli - Milano 1934)
02. Lohengrin - Sola ne' miei prim'anni (Columbia 1928)
03. Lohengrin - Aurette a cui si spesso (Columbia 1928)
04. Pagliacci - Stridono lassu (Columbia 1928)
05. Mefistofele - Spunta l'aurora pallida (Columbia 1928)
06. Mefistofele - L'altra notte in fondo al mare (Columbia 1932)
07. Marta - Qui sola vergin rosa (Columbia 1930)
08. Otello - Ave Maria (HMV 1941)
09. Don Giovanni - Vedrai carino (HMV 1941)
10. La Boheme - Si, mi chiamano Mimi (Columbia 1928)
11. La Boheme - O Soave fanciulla (HMV 1935)
12. La Boheme - Donde lieta uscì (Columbia 1930)
13. La Boheme - Sono andati? (Columbia 1930)

Great Opera Performances
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martes, 25 de septiembre de 2012

Dmitry Korchak - Bel Canto [iTunes Plus AAC M4A]


El ruso Dmitry Korchak es uno de los tenores en ascenso de la escena actual. En sus credenciales tiene el haber sido premiado en el concurso Francisco Viñas de Barcelona y el Operalia en el 2004. Ya en 2005 se produjo su debut italiano en Lecce cantando "Los Pescadores de Perlas" a lo que siguió una aparición como Elvino en "La Sonnambula" en La Opera de Roma. Desde ese momento se ha presentado en la mayoría de los teatros importantes de Europa y ya se apronta para debutar en el Metropolitan de New York como Don Ottavio en "Don Giovanni" de Mozart.

La voz de Korchak tiene la sonoridad típica de la escuela rusa; mucho metal y facilidad en el agudo. Por otro lado su fraseo y estilo no suena del todo pulido aún y en las operas de Rossini no alcanza la brillantez ni el virtuosismo de un Juan Diego Florez. Muy a la manera actual (Con su compatriota Netrebko a la cabeza), Korchak, en escena, se vale en gran medida de su apostura física que calza muy bien con la gama de personajes que interpreta. Quizás por lo mismo se echa de menos un interprete mas profundo en la psicología de personajes que en sus manos se ven y suenan muy estereotipados. Aun así se puede esperar que la musicalidad madure, junto con un instrumento que parece prometer mucho.

Este recital fue grabado en 2009 junto al Ensemble de Cámara de la Opera Estatal de Berlin.

Tracklist:

1. La Dame Blanche: "Viens, Gentile Dame"
2. La Muette de Portici: "Viens Dans Mes Bras... Du Pauvre Seul Ami Fidèle"
3. Askold´s Tomb: "Soft! a Gentle Zephyr Goes"
4. A Life for the Tsar: "Brothers In Arms"

Dmitry Korchak
Kammerensemble Classic der Deutschen Oper Berlin

Michael Storrs Music
m4a @256 kbps | Cover

lunes, 24 de septiembre de 2012

Michael Schade - Of Ladies and Love... [iTunes Plus AAC M4A]




Michael Schade es considerado el tenor mozartiano mas importante del ultimo tiempo, credenciales para serlo tiene de sobra con una voz clara de tenor lirico-ligero y una musicalidad que le permite moverse con comodidad desde Bach hasta Stravinsky.

Nacido en Alemania, de padres canadienses, Schade comenzó su carrera en Canadá en 1988 cantando la parte de Jaquino en "Fidelio" de Beethoven en la Opera de Victoria. En 1991 se va de gira por Europa con Helmuth Rilling cantando el Evangelista de la "Pasion Segun San Juan" de Bach. Ya en 1992 se convierte en miembro de la Opera Estatal de Viena a lo que seguirán apariciones en el Metropolitan Opera House de New York, La Scala de Milan, La Opera de Paris, La Opera Estatal de Hamburgo y los mas importantes festivales europeos, incluyendo el de Salzburgo del que se convertirá en invitado constante por mas de 15 años ininterrumpidos.

Schade complementa su carrera operática con recitales de lied y una muy importante carrera en el campo del oratorio del que es un maestro absoluto. Sorprende en su voz la belleza del timbre, la facilidad de la voz de cabeza, la calidad del legato y la decisión concienzuda de mantener el instrumento siempre claro y directo, sin ningún tipo de "disfraz" para sonar mas lírico (algo tan tentador para cualquier tenor). Como interprete ha sabido agregarle interés a roles tan sosos como el Don Ottavio del "Don Giovanni" de Mozart, salir absolutamente triunfador de sus interpretaciones en Bach sin caer en los amaneramientos musicales y vocales tan comunes de los interpretes de ese repertorio e insuflarle vida nueva al campo del lied y probar que se puede cantar tanto Schubert, Schumann o Strauss con un sonido lírico y claro.

Este recital de lied, grabado en 2002 al lado de Malcolm Martineau, lo muestra en la cúspide de sus posibilidades vocales, expresivas y musicales. Los puntos mas altos se pueden oír en los tracks dedicados a Strauss, en especial su refrescante sonido en "Cäcilie" y "Zueignung" y la expresividad y los sonidos flotantes que logra en "Morgen".


Michael Schade
Malcolm Martineau
Hyperion

Tracklist:

01. Adelaide - Beethoven
02. Wonne der Wehmut - Beethoven
03. Der Kuss - Beethoven
04. Trost: An Elisa - Schubert
05. Laura am Klavier - Schubert
06. Gesang (An Silvia) - Schubert
07. Jer Jüngling an der Quelle - Schubert
08. Tre sonetti di Petrarca, S. 270: I. Pace non trovo - Liszt
09. Tre sonetti di Petrarca, S. 270: II. Benedetto sia 'l giorno - Liszt
10. Tre sonetti di Petrarca, S. 270: III. I' vidi in terra angelici costumi - Liszt
11. Cinq mélodies populaires grecques: I. Le réveil de la mariée - Ravel
12. Cinq mélodies populaires grecques: II. Là-bas, vers l'église - Ravel
13. Cinq mélodies populaires grecques: III. Quel galant m'est comparable - Ravel
14. Cinq mélodies populaires grecques: IV. Chanson des cueilleuses de lentisques - Ravel
15. Cinq mélodies populaires grecques: V. Tout gai! - Ravel
16. Nell - Fauré
17. Adieu from "Poème d'un jour" - Fauré
18. Sylvie - Fauré
19. Lydia - Fauré
20. Fleur jetée - Fauré
21. Cäcilie - Richard Strauss
22. Zueignung - Richard Strauss
23. Nichts - Richard Strauss
24. Morgen - Richard Strauss

Hypérion
m4a @256 kbps | Cover + Digital Booklet

domingo, 23 de septiembre de 2012

Britten : War Requiem (Vishnevskaya - Pears - Fischer-Dieskau) [Flac Hi-Res]




El "Requiem de Guerra" de Benjamin Britten fue compuesto para la reapertura de la nueva Catedral de Coventry, destruida el 14 de noviembre de 1940 durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. Ya en 1950 se iniciaron los concursos públicos para su reconstrucción que recayó finalmente en Basil Spence (mas tarde Sir). La ocasión sirvió para una verdadera  muestra de patriotismo inglés sumado a dos eventos artísticos importantes: Una opera y una misa de requiem.

A Britten se le dio total libertad artística para la composición de la obra, lo que derivó en una obra a gran escala, algo que el compositor añoraba hace mucho. El periodo de gestación comenzó en 1961 se terminó en enero de 1962 y la obra se estrenó el 30 de mayo del mismo año. La idea original del compositor era tener 3 solistas de las 3 naciones involucradas en la guerra, así habría un inglés (Pears), un alemán (Fischer-Dieskau) y una rusa (Vishnevskaya) al frente del coro y la orquesta. La idea pareció germinar bien pero dos semanas antes del estreno, el Ministro de Cultura soviético le negó el permiso a la Vishnevskaya para asistir al estreno. Su lugar fue tomado por la Irlandesa Heather Harper quien aprendió la parte en 10 días.

El estreno fue televisado por toda Inglaterra y la recepción por parte de publico y critica fue gloriosa. Britten llevó la obra al estudio de grabación meses mas tardes, esta vez contando con la Vishnevskaya y el disco vendió mas de 200.000 copias en los primeros 6 meses, un hito en el mercado de la música contemporánea.

La versión que les traigo pertenece a una remasterización en alta fidelidad realizada por el sello Decca en 2013.

Galina Vishnevskaya
Peter Pears
Dietrich Fischer-Dieskau
Melos Ensamble of London
London Symphony Orchestra
Benjamin Britten (Conductor)

Decca
Flac@96kHz-24bit | Cover + Digital Booklet

sábado, 22 de septiembre de 2012

Renata Scotto & Placido Domingo - Romantic Opera Duets [FLAC]


Regreso desde mi autoimpuesto exilio con este recital de duettos grabado en 1978 por dos superestrellas de aquel momento; Renata Scotto y Placido Domingo.

El encuentro en el estudio muestra a ambos cantantes en buen estado vocal, la Scotto mantenía aun la firmeza de la voz, el vibrato lento aun no hacia su aparición y los agudos seguían firmes. Domingo por su lado, hacia gala de su timbre varonil y un registro agudo si bien tirante, aun estable.

El disco comienza con dos dúos emblemáticos de la opera francesa (Manon y Romeo y Julieta) en donde ambos cantantes si buen suenan expresivos y entregados al arte del decir se les oye fuera de foco, sobretodo en Gounod donde lo pesante de los instrumentos no es el ideal para los dos amantes adolescentes.

Las cosas marchan mucho mejor en los dos duos del verismo italiano (Fedora e I Rantzau), con la Scotto en su elemento y Domingo entregado y apasionado. Se puede criticar la tirantez de ambos cantantes en la zona aguda, pero la expresión de ambos hace dejar ese defecto de lado.

Tracklist:

1. "Toi! Vous!" from Manon (Act III, Scene 2)
2. "Va, je t'ai pardonné" from Roméo et Juliette, Act IV
3. "È lui! è lui!" from Fedora, Act II
4. "Giorgio si batte" from I Rantzau, Act IV, Scene 3


Renata Scotto
Placido Domingo
National Philharmonic Orchestra
Kurt Adler (Conductor)

Sony
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miércoles, 25 de julio de 2012

Sutherland Horne Pavarotti - Live From Lincoln Center [1981/2008, Flac]



Grabado en marzo de 1981 en el Avery Fisher Hall de New York, al extremo norte del Lincoln Center y justo en frente del Met, este disco doble recoge por fin el concierto en su totalidad.

Para la fecha los tres cantantes estaban en la cúspide de su fama individual y con un buen numero de grabaciones como ensemble a sus espaldas, lo que daba la idea de un concierto amalgamado y redondeado por años de colaboraciones.

El concierto abre con el trío final de "Ernani" de Verdi, con la Horne cantando la parte de bajo de Don Ruy Gomez de Silva, y a pesar de las explicaciones que se incluyen en el CD (que la Alboni canto, se supone, la parte de barítono en el siglo XIX y que Horne lleva el travestismo aún mas lejos cantando la parte de bajo...) no terminan de convencer en el aspecto dramático de la pieza, a pesar de lo glorioso del canto de Pavarotti.

Las cosas van mucho mejor con "Norma" de Bellini, en el largo dúo del primer acto en donde Sutherland y Horne se entregan con esmero a las largas lineas y la coloratura. Los años no pasan en vano y la Stupenda suena mucho mas pesante y engolada que de costumbre en la parte, la Horne evita el Do5 y se refugia en una sonoridad masculina que poco tiene que ver con la Adalgisa soprano original. También se incluye el trío final que cierra el acto, con los tres cantantes tan musicales como faltos de tensión dramática.

El primer numero solista está a cargo de Pavarotti para una versión de "Che gelida manina" al nivel acostumbrado en el tenor, a pesar de estar transportada medio tono mas grave para la comodidad de Pavarotti que al parecer se encontraba algo fatigado por una agenda no muy espaciada.

A continuación el trío se lanza sobre el terzetto final de "La Gioconda" de Ponchielli, con una Sutherland insuficiente en el grave, el fuste, la dicción y el estilo vocal necesario para el rol, y un Pavarotti nuevamente glorioso en uno de sus mejores roles. Se incluye luego el breve dúo del acto II entre Enzo y Laura, con Horne dando lo mejor de sí en una emisión vocal no del todo adecuada.

El segundo numero solista está a cargo de Sutherland con "Tu del mio Carlo" de "I Masnadieri", de aplastante seguridad en la linea y luego en la coloratura, si bien ya se nota a la soprano en la curva descendente (tenía 54 años para ese entonces) de su instrumento. La Horne ofrece su numero solista con "Mura Felici" el aria de Malcolm en "La donna del Lago" de impresionante sonoridad y agilidad. 

La versión para "Gia nella notte densa" de Otello no agrega nada interesante para Sutherland, a Pavarotti se le oye cómodo cantando un rol que se sale de sus posibilidades canoras en los siguientes actos y absolutamente fuera de sus posibilidades como actor.

El concierto cierra con el trío final para "Il Trovatore" de Verdi, con Horne y Pavarotti mucho mas adecuados que Sutherland. Como encore se ofrece "Angiol di Pace" de "Beatrice di Tenda" de Bellini.

El concierto se editó primero en VHS y LP completamente y luego una versión abreviada en cassette, con la llegada del CD apareció una edición en 1987 editada sin los números solistas ni el encore. Esta edición de la serie Originals restituye el concierto por completo y ademas remasterizado.

Joan Sutherland
Marilyn Horne
Luciano Pavarotti
New York City Opera Orchestra
Richard Bonynge (Conductor)

Decca
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domingo, 22 de julio de 2012

Hans Knappertsbusch Conducts Wagner [FLAC]



Este disco presenta una compilación de grabaciones en el sello Decca hechas entre 1958 y 1960 por el director alemán Hans Knappertsbusch, uno de los genios del repertorio wagneriano, acompañado de 3 monstruos sagrados; Kirsten Flagstad, George London y Birgit Nilsson.

Lo que se presenta acá es un refrito de varias "selecciones" que grabara "Kna" (para abreviar tan larguísimo apellido) después de su primer acercamiento con John Culshaw, el productor de la Decca, en noviembre de 1957 para la (ahora) célebre versión del primer acto de La Valquiria junto a Flagstad y Svanholm como la pareja de hermanos.

Knappertsbusch era para ese entonces la autoridad máxima en lo que a Wagner se refería, bordeaba ya los 70 años y fue el primer nombre en que se pensó cuando, con la popularización del LP, Decca se decidió finalmente a grabar "El Anillo del Nibelungo" de manera integral. La antesala a éste fué la grabación del primer acto de "La Valquiria" que terminó sellando el futuro de las relaciones entre Knappertsbusch y la Decca, pues John Culshaw no se sintió nunca cómodo con la manera de trabajar del viejo Kna, que prefería tomas largas o se negaba a repetir y menos a escuchar lo recién grabado.

Paralelo a las sesiones con Kna, el joven Georg Solti grababa, tambien en Decca, el III acto de la misma Valquiria con Edelmann y Flagstad cantando los roles de padre e hija. Así las cosas, John Culshaw se decidió por el joven y enérgico Solti que no dudaba en pasarse las 3 horas de grabación entre repetición y repetición y poseía un carácter mas parco, lejos del extravagante comportamiento de Kna.

Después de aquél primer encuentro, Knappertsbusch cayó al olvido para el sello Decca, que sólo autorizó grabaciones del repertorio sinfónico y uno que otro ítem wagneriano, que son los que finalmente vinieron a parar a este disco. A la muerte del viejo director en 1965, su estilo como su nombre cayó al olvido y sólo sería rescatado de este con la proliferación de las grabaciones piratas o del vivo a fines de la década del 70,  que mostraban una manera de dirigir a Wagner totalmente opuesta a la velocidad y rítmica casi esquizoide con la que Solti o Karajan le imprimieran en los años posteriores. El mismo sello Decca pareció caer en cuenta de su error y poco a poco fue restituyendo en el catálogo las pocas grabaciones que se concretaron con el director hasta convertirlo en una especie de estrella de la plantilla de viejas glorias que posee el sello actualmente.

Sobresalen en el disco la despedida de Wotan, en la voz monumental de George London y que presenta lo mejor de la dirección de Kna; tempo lento que, sin embargo, nunca decae en intensidad y que permite una claridad orquestal olvidada hasta nuestros días, se hacen audibles así los fraseos de todos los intrumentos amalgamados en un solo "aliento" como también la conducción orgánica hacia el estallido de la seccion media de la pieza. En contraposición a las versiones de Solti, Karajan o incluso Böhm que presentan un Wagner apoyado en lo artificioso de la mesa de sonido, desbalanceado de lo que se oye naturalmente en una orquesta (la cuerda de Solti en la misma sección de Valquiria raya en lo vulgar) o acelerado hasta hacer caber un acto de "Tristan" en un solo disco, el Wagner de Kna parece discurrir como un rio en su discurso sonoro y crecer o decrecer de manera orgánica sin perder nunca el brío o la conducción. Otro tesoro sonoro es el track dedicado a Flagstad, acá con 64 años de edad y aun luciendo el bronce de su instrumento y la nobleza de su fraseo.

Los dos ultimos tracks del disco están dedicados a "Tristan e Isolda", primero con el Preludio y luego con el Liebestod cantando por Birgit Nilsson, en una de las versiones mas poéticas de esta obra. Impresiona la expresividad de la lectura, el constante "crescendo" de la dirección, los fraseos claros de la cuerda, los vientos y la voz de la Nilsson en estado de gracia. La culminación final sigue emocionando e impresionando.

El disco fue editado en 1986 y se convirtió inmediatamente en un clásico de la discografía Wagneriana. La edición que acá traigo está hecha en Japón en 2008 con un trabajo de remasterizacion estupendo que hace olvidar la edad de estas grabaciones. Destacar también el estilo de grabación y posición de los micrófonos de la época, que mantienen las voces en un balance mas natural en comparación con la Orquesta.

Kirsten Flagstad
George London
Birgit Nilsson

Wiener Philharmoniker
Hans Knappertsbusch

Decca
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jueves, 19 de julio de 2012

Barbara Bonney - Wolf & Strauss Lieder [MP3]



Grabado en junio de 1989 en Deutsche Grammophon este disco fue uno de los primeros intentos de la Bonney por hacerse un nombre dentro del panorama de liederistas que por eso años estaba bastante abultado. Por esta época la cantante se paseó por varios sellos (DG, Teldec, Philips) hasta ser fichada por Decca a fines de la década del 90 en donde grabaría sus recitales mejor logrados.

El programa se divide entre Wolf y Strauss en partes iguales, del primero se centra principalmente en las canciones mas melódicas de los Mörike Lieder, Eichendorff Lieder y Spanisches e Italianisches Liederbuch.
En tierras Straussianas también se opta por los cortes mas melódicos y famosos (Die Nacht, Morgen, Allerseelen y Ständchen por nombrar algunos).

Lo mas disfrutable del disco es el timbre cristalino y la voz en plena juventud de la Bonney. Si bien a ratos se echa de menos una brocha sonora mas gruesa para hacer el contrapeso vocal a la escritura pianística de "Verborgenheit" o "Allerseelen" por nombrar dos casos. El cuidado del texto y el juego de dinámicas, marca de fábrica de la Bonney, ya está presente y bien delineado aun en esta época temprana de su carrera, sin embargo a momentos parece un artificio para maquillar una expresión y sensibilidad no del todo comprometida.

8 años mas tarde la Bonney grabaría nuevamente estas canciones de Strauss con el acompañamiento de Malcolm Martineau con un resultado mucho mas logrado.

Barbara Bonney
Geoffrey Parsons

Deutsche Grammophon
mp3@320kbps | Cover

Edita Gruberova & Wynton Marsalis - Baroque Music for Trumpet [FLAC]


Este disco que reúne al trompetista Wynton Marsalis con la Orquesta de Camara Inglesa dirigido por Andrew Leppard fue grabado en 1984 y contó ademas con la participación de Edita Gruberova, por ese entonces en su mejor estado vocal y sin la afectación permanente con la que se teñiria su canto entrado la década del 90.

Si bien la dirección de Leppard para los oídos actuales sigue sonando un tanto romántica y pesante, la ornamentación de Marsalis hace su magia y la Gruberova entrega los artificios esperados en "Let The Bright Seraphim" con seguridad y brillo en la ornamentación. Sin embargo el verdadero "Highlight" del disco es su versión de "Eternal Source of Light Divine" en donde el aliento interminable de la soprano se une a la ornamentación de Marsalis de manera espectacular.

Edita Gruberova
Wynton Marsalis (Trompeta)
English Chamber Orchestra

Sony Classics
Flac | Cover + Scans

domingo, 15 de julio de 2012

Nathalie Stutzmann - Montparnasse : Francis Poulenc Melodies [1999, Flac]


Este disco de la Stutzmann me parece que está bastante infravalorado, sobretodo después que su carrera se enfilara derechamente al barroco y la dirección, muchos parecen olvidar la serie de recitales de chanson y lied alemán que grabara la contralto en la década del 90.

Este disco en particular fue grabado en 1999 y está dedicado completamente a canciones de Francis Poulenc, todas en clave grave de contralto, lo que agrega otro factor de interés. La lectura es fresca y siempre expresiva y a la vez contenida en la graduación de las inflexiones. Puntos altos se pueden oír en "Hotel", "Sanglots" y "Les chemins de l'amour".

Nathalie Stutzmann
Inger Sodergren (Piano)

RCA
Flac | Cover + Scans

viernes, 8 de junio de 2012

Samuel Ramey - Opera Arias [1986, Flac]


Tenía muy abandonado mi blog por las habituales razones de trabajo y depresión, lo siento mucho y les pido disculpas a mi fanaticada.

En esta ocasión les traigo este recital de Samuel Ramey grabado en 1986, en una época de oro para su instrumento. El programa se pasea por los principales roles que el bajo norteamericano abordó a lo largo de su carrera haciendo incapié en el lado mas pirotécnico de su voz. Así podemos oír una estupenda versión del aria de "Attila" con su habitual seguridad en el agudo o una inspirada versión de "Tu sul labbro de' veggenti" de "Nabucco" en donde luce su canto legato y el bronce de su sonido.

Dos puntos de referencia son el aria de Argante, "Sibilar gli angui d'Aletto" de "Rinaldo", un rol que lleva su nombre grabado por la espectacularidad en la seguridad del manejo de los melismas y el imponente torrente sonoro y también su versión para la escena de locura de Assur en "Semiramide", otro rol por siempre ligado a su nombre.

Tracklist:

1. Uldino! Uldin! - Mentre Gonfiarsi L'anima (Attila)
2. Madamina, Il Catalogo È Questo (Don Giovanni)
3. Ballata Del Mondo: Ecco Il Mondo (Mefistofele)
4. Canzone Del Fischio: Son Lo Spirito Che Nega (Mefistofele)
5. Sibilar Gli Angui D'Aletto (Rinaldo)
6. Vi Ravviso, O Luoghi Ameni (La Sonnambula)
7. Vieni, O Levita! - Tu Sul Labbro De' Veggenti (Nabucco)
8. Ah, La Sorte Ci Tradi - Sì, Vi Sarà Vendetta (Semiramide)
9. Nessuno, Mio Signore! - Sono Stanco (L'amore Dei Tre Re)

Samuel Ramey (Bajo)
Ambrosian Opera Chorus
Philharmonia Orchestra
Donato Renzetti (Conductor)

Samuel Ramey
Ambrosian Opera Chorus
Philharmonia Orchestra
Donato Renzetti (Condctor)

Philips
Flac | Cover