Massenet - Thaïs (Moffo - Bacquier - Carreras - Diaz) Rudel [Flac Hi-Res]

Esta grabación de "Thaïs" fue la primera toma completa de la obra de Massenet. En 1961 se había publicado una grabación encabezada por Renée Doria y Robert Massard que incurría en varios cortes (incluido el ballet) por lo que la llegada de esta grabación estelar fue recibida con bastante entusiasmo al momento de ser anunciada por la RCA.

En el papel, tenía todos los elementos necesarios para haberse convertido en la grabación de referencia pero el estado vocal de la soprano sorprendió a varios y terminó causando mas controversia que verdadero éxito. El escándalo además estuvo adornado por un elemento extra musical que sirvió de caldo de cultivo para los chismes mas sabrosos de la época: En 1972 La Moffo se había divorciado de su primer marido, el director italiano Mario Lanfranchi y en Noviembre de 1974 contrajo matrimonio con Robert Sarnoff, presidente de la RCA, es decir "el jefe" del sello discográfico.

El estado vocal de la Moffo fue suficiente para condenar a la grabación completa, pasando por alto el resto de factores a tomar en cuenta y que en la suma final la sigue colocando, a mi parecer, al tope de la lista. Es cierto que el estado vocal de la soprano deja bastante que desear pero en la comparación con otras Thaïs de la discografía, es la única capaz de entregar verdadera seducción vocal. A pesar de las limitaciones que le impone su instrumento erosionado por los años, el timbre voluptuoso y la amplia paleta de efectos de emisión, le permiten colorear el fraseo y componer el personaje de la cortesana con gran acierto, siempre desde una vocalidad sugerente y seductora. Por otro lado el desgaste del instrumento afecta la estabilidad de la afinación y en especial el paso a la voz de pecho que la soprano suple con una emisión cercana al susurro. Por otro lado, si bien los agudos extremos (Do-Re) siguen presentes, ya es una zona que le presenta grandes dificultades. En la comparación con su mas cercana competidora, Beverly Sills en la grabación producida por la EMI en 1976, hay que decir que la Sills sigue sonando mas urgente en el drama pero sin la seducción y la suavidad del timbre de la Moffo.

El resto del elenco es sencillamente brillante. Gabriel Bacquier bordeaba ya los 50 años cuando se realizó esta grabación pero mantiene la belleza y el esmalte de su hermoso timbre, sumado al factor teatral e interpretativo siempre presente en su arte. El personaje surge finamente delineado en toda la amplia gama de su fanatismo religioso conflictuado por su relación con la protagonista, ayudado además por lo exquisito del juego de la fonación en su idioma nativo. José Carreras está captado en la plenitud de la juventud (antes de los años de tránsito por el lado mas pesado del repertorio) y adorna a su ingrato personaje con grandes cuotas de belleza vocal.

Estupenda la batuta de Julius Rudel quién logra extraer el drama que en otras lecturas termina desdibujado por "culpa" de la hermosa orquestación de Massenet. Mención especial merece el proceso de remasterización que resalta el gran trabajo de ingeniería de sonido realizado por la RCA  en 1974.

La grabación se realizó en el Walthamstow Town Hall de Londres, durante los meses de Julio y Agosto de 1974.


Anna Moffo (Thäis)
Gabriel Bacquier (Athanaël)
José Carreras (Nicias)
Justino Diaz (Palémon)
Patricia Clark (Crobyle)
Antonia Butler (Myrtale)
Elizabeth Bainbridge (Albine)
Jessica Cash (La Charmeuse)

Ambrosian Opera Chorus
New Philharmonia Orchestra
Julius Rudel (Conductor)

Sony Classical
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Rossini - Il Barbiere di Siviglia (Berganza - Alva - Prey - Dara) Abbado [Flac Hi-Res]

La Deutsche Grammophon reeditó en Mayo de 2018 esta verdadera joya de la discografía y momento pivote en la historia de la interpretación del repertorio rossiniano. La grabación fue la primera en emplear la partitura de la edición crítica de Alberto Zedda, quién realizó una exhaustiva investigación del material original, tanto del manuscrito del compositor como de la primera edición, considerando además otras fuentes posteriores. Publicado por Casa Ricordi en 1969 se lo puede considerar el momento de inicio de la "Rossini Renaissance" que al mismo tiempo de devolverle al repertorio rossiniano un lugar estelar dentro de la escena musical desde mediados de los años '70, significó también una importante revisión musicológica de toda la obra del compositor.

"Il barbiere di Siviglia" está basada en "Le Barbier de Séville" de Pierre Beaumarchais, la primera parte de una trilogía de obras del autor francés. El libreto para la ópera de Rossini fue escrito por Cesare Sterbini y tras un periodo de composición frenético, la obra se estrenó en el Teatro Argentina de Roma el 20 de febrero de 1816. Según los reportes de la época, el estreno fue todo un desastre, ayudado por la oposición de los adherentes del ya veterano Giovanni Paisiello, autor a su vez de una primera y exitosa adaptación estrenada en 1782. Al parecer las cosas funcionaron mejor en la segunda presentación y rápidamente la opera se convirtió en el mas grande y duradero éxito de la carrera de Rossini. Sobrevivió mejor que ningún otro titulo belcantista al paso del tiempo y sigue siendo considerada la mas grande opera buffa de todos los tiempos.

La historia de las presentaciones de la ópera es bastante complicada y esta llena de cambios, adiciones y cortes que con el correr de los años "ensuciaron" bastante tanto la música como el espíritu original de la obra, siendo quizás el mas notorio los cambios de tonalidad para transformar a Rosina en soprano ligera.

Los principales cambios se registraron ya en el revival de la ópera montado en agosto de 1816 en el Teatro Contavalli de Bologna. A pesar de que Rossini no estuvo involucrado en esta producción, se puede decir que todos los cortes y adiciones posteriores tuvieron como punto de partida a esta producción. Los cortes incluyen al aria del Conde "Se il mio nome", el aria de Rosina "Contro un cor" que fue reemplazada por "La mia pace, la mia calma" de autor desconocido. En este punto es necesario nombrar también cambios muy posteriores que usaban esta escena para insertar música de diferentes autores. La tradición y el cambio de Rosina en soprano ligera, permitió que nombres tan famosos como Adelina Patti introdujeran interpretaciones de "Il Bacio" de Arditi o  Marcella Sembrich se animara con "Frühlingsstimmen" de Johann Strauss.

Otro corte importante fue el que sufrió la escena final del Conde, "Cessa di più resistere", que en la producción de Bologna fue cantada también por Geltrude Righetti, la Rosina original. Al parecer a la Rigetti le gustaba tanto la pieza que Rossini terminó por reutilizar la sección final en "Non più mesta" de "La Cenerentola", creada también por ella. Los motivos de este corte pueden obedecer a varias razones. Quizás la principal sea la popularidad alcanzada por la inserción en "La Cenerentola" pero no podemos pasar por alto las tremendas exigencias técnicas que le impone al tenor y que la convirtieron en una pieza de virtuosismo que muy pocos se atrevieron a enfrentar.

También es necesario hacer notar que este corte es probablemente el mas perjudicial a la hora del balance general. La escena (que es bastante larga) de alguna manera transforma al Conde en el protagonista (en perjuicio de Figaro) y produce un desenlace mucho mas orgánico.

Producciones posteriores añadieron incluso mas material. En 1819 en el Teatro San Samuele de Venecia, Rosina fue interpretada por la soprano Joséphine Fedor y Rossini escribió para ella el aria "Ah se è ver che in tal momento" que muchas Rosinas-Soprano incluyeron durante años como parte de la obra original.

Además del trabajo de recuperación y "limpieza" del material original, Zedda también recurre a las fuentes para limpiar el texto de variaciones y añadiduras posteriores. Por otro lado el director también reconstruye las articulaciones, algunas inconsistencias rítmicas, restablece diferentes ornamentaciones aceptadas por Rossini y restituye finalmente las tonalidades originales.

El trabajo de recuperación a cargo de Alberto Zedda recurre al manuscrito original que contiene la mayor cantidad del material usado en el estreno de la obra, excepto la Sinfonia. Según algunas fuentes Rossini escribió una obertura que utilizaba diversos motivos españoles para el estreno de la ópera pero se perdió con el paso del tiempo. El trabajo de Zedda y los intentos posteriores han llegado a la conclusión que tal obertura nunca existió y que Rossini en realidad reutilizó la Sinfonía escrita para "Aureliano en Palmira" (1813) y reorquestada para "Elisabetta, regina d'Inghilterra" (1815). El principal argumento para sostener esto es que el manuscrito original del Barbero incluye la linea del contrabajo de la obertura usada en "Aureliano en Palmira".

La grabación de Abbado se ciñe de manera estricta al trabajo de limpieza comenzado por Zedda y logra ensamblar en gran medida el trabajo en su concepción original. El único ítem que sigue oculto es el aria final del Conde, "Cessa di più resistere", que ya había aparecido en disco en las versiones completas grabadas por Cesare Valletti (1958) y  Ugo Benelli (1964). Abbado opta por mantener el corte, a pesar de tener a su disposición el trabajo musicológico de Zedda, quizás por la dificultad que le significa a Luigi Alva.

El elenco está encabezado por el Figaro de Hermann Prey, bastante alejando de la italianidad y el estilo. Si bien su musicalidad cultivada le ayuda a salir adelante, hay que decir que los problemas de articulación en la coloratura y la falta de ligereza general de su emisión son grandes escollos que el barítono no logra superar. La Berganza registra aquí su segunda Rosina y repite los mismos niveles de excelencia musical y estilística que en la anterior toma bajo la batuta de Varviso (1964) pero el tiempo no pasa en vano y ya se oyen signos de desgaste en el extremo agudo del registro. Por su parte Luigi Alva graba aquí su quinto (!!) Almaviva de estudio. Si bien mantiene la dulzura del timbre, el manejo del estilo ya se resiente con algún amaneramiento y el canto ornamentado, si bien está resuelto de manera segura, ya se oye algo angustioso y sin la precisión que lograrían tenores posteriores. A pesar de los esfuerzos de Zedda por recuperar los cortes impuestos por la tradición, el tenor no se anima a grabar "Cessa di più resistere". Completan el reparto Enzo Dara y Paolo Montarsolo con el ingrediente idiomático necesario. Abbado dirige enérgicamente una Sinfónica de Londres al parecer reducida a proporciones de cámara pero que responde a gran altura en el tratamiento ligero, transparente y de gran precisión rítmica que el director le impone a la partitura.

La grabación se realizó en el Wattford Town Hall de Londres, durante el mes de septiembre de 1971.

Teresa Berganza (Rosina)
Luigi Alva (Il Conte d'Almaviva)
Hermann Prey (Figaro)
Enzo Dara (Bartolo)
Paolo Montarsolo (Basilio)
Renato Cesari (Fiorello)
Stefania Malagù (Berta)
Luigi Roni (Un ufficiale)

The Ambrosian Opera Chorus
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Bernstein - West Side Story (Te Kanawa - Carreras - Troyanos - Ollman - Horne) Bernstein [Flac Hi-Res]

La linea divisoria entre la Opera y el Musical experimentó un cambio bastante importante durante la década del 80'. Sin olvidar la constante presencia de "Porgy and Bess", probablemente el puntapié inicial hay que buscarlo en "Sweeney Todd" de Stephen Sondheim. El musical del barbero de Fleet Street fue estrenado en Broadway en 1979 y durante 1984 rompió la linea divisoria recibiendo dos producciones en las compañías de la Houston Grand Opera y la New York City Opera. Es muy probable que el alcance de su éxito haya influido en los productores de la Deutsche Grammophon para planear esta grabación del musical de Leonard Bernstein.

La fórmula de esta grabación es bastante clara: recrear el musical pero con un elenco de estrellas operáticas del momento. La popularidad alcanzada por esta grabación de "West Side Story" dirigida (por primera vez) por su compositor, sumado al éxito de ventas llevó a las disqueras a tratar de repetir la fórmula y se planearon grabaciones de "South Pacific" nuevamente con la Te Kanawa y Carreras encabezando el elenco, "My Fair Lady" también con la Te Kanawa esta vez acompañada por Jerry Hadley y Jeremy Irons. "Carrousel" con Samuel Ramey, Sarah Brightman, David Rendall y Maureen Forrester y "Show Boat" con Frederica von Stade, Jerry Hadley y Teresa Stratas. Una seguidilla de intentos nada despreciables y hoy por hoy algo olvidados.

El proyecto tuvo varios cambios de fecha y de elenco que se realizaron al parecer a mitad de camino y que terminaron por caldear bastante los ánimos. Les recomiendo vean el documental de la grabación que testimonia el choque entre Bernstein y Carreras, disponible en YouTube. Al parecer la única que estuvo considerada desde un comienzo fue Kiri Te Kanawa en el rol de María, Carreras se unió a última hora y reemplazó a dos tenores anteriores que fueron removidos del elenco. La Troyanos entró en reemplazo de Marilyn Horne, la Anita original pensada para esta grabación. La misma contralto terminó reemplazando a Jessye Norman, quién estaba prevista para cantar "Somewhere".

Bernstein dirige su partitura por primera vez completa y sin los agregados que se hicieron para la adaptación cinematográfica de 1961 y que no fueron escritos por él. Los tempi son un poco mas lentos que los usados para el Soundtrack pero la respuesta de la orquesta está a gran altura. Se agradece el cuidado que pusieron los ingenieros en captar el hermoso sonido que el director/compositor logra extraer de sus instrumentistas y se entiende también la decisión de usar cantantes que puedan proyectar sus voces por encima de este entramado musical tan bellamente construido.

La Te Kanawa entrega hermosos sonidos pero con una dicción que pretende sonar a puertoriqueña sin mucho éxito. Por otro lado en ningún momento suena juvenil. La tessitura del personaje la deja expuesta a entregar muchas veces sonidos con evidente escape de aire y una caracterización algo aburrida. A su lado José Carreras está captado en un momento de gran empuje y belleza vocal pero el fuerte acento español se cuela en su inglés que, según lo que dicta su personaje, debiese ser el mas puramente norteamericano. No es el caso en esta grabación y es un factor decepcionante, teniendo en cuenta el contexto de la historia que se pretende contar, en donde el choque cultural entre un norteamericano enamorado de una chica puertoriqueña es la base sobre que se desarrolla el drama. De todas maneras se nota que el español trabajó duro para librarse de su acento, incluso usando la "r" americana en su problemática versión de "María" (vean el documental...) pero con el paso de los minutos uno se hace mas consciente de los esfuerzos de Carreras mas que de sus logros en retratar a Tony.

El resto del elenco se completa con una convincente, estridente y frontal Anita a cargo de Tatiana Troyanos (nacida y criada en el West Side) y un estupendo Riff a cargo de Kurt Ollmann. Por su parte Marilyn Horne entrega una sentida y estupendamente cantada versión de "Somewhere".

La grabación se realizó en el RCA Studio en New York durante el mes de Septiembre de 1984. La remasterización fue publicada en 2017.


Kiri Te Kanawa (María)
José Carreras (Tony)
Tatiana Troyanos (Anita)
Kurt Ollmann (Riff)
Marilyn Horne (cantando "Somewhere")

Orchestra and Chorus
Leonard Bernstein (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Mozart - Don Giovanni (Wächter - Schwarzkopf - Sutherland - Taddei - Alva - Cappuccilli - Sciutti - Frick) Giulini [Flac Hi-Res]

El catalogo de grabaciones de "Don Giovanni" está repleto de estupendas versiones captadas desde comienzos de la era del LP, a pesar del paso de los años esta versión dirigida por Giulini logró posicionarse desde un comienzo como una referencia absoluta. La grabación a estas alturas ya disfruta de un status de leyenda como pocas otras lo han logrado en este título mozartiano. Ha estado presente de manera ininterrumpida en el catalogo activo de grabaciones y ya en el 2016 se produjo esta remasterización en alta definición que la vuelve a posicionar en el catalogo digital y con la mejor calidad de sonido hasta ahora alcanzada.

Originalmente Walter Legge, el productor de la Emi, planeó esta grabación con Otto Klemperer a la cabeza del proyecto. El director judío-alemán era una leyenda de la dirección que había tenido que sufrir la interrupción de su carrera con la llegada de los Nazis al poder. Se instaló en los Estados Unidos y su carrera se vio afectada tanto por la critica adversa como por la imposibilidad de encajar en un medio musical que nunca lo reconoció como una figura de primer orden. Se sumó a esto el carácter intratable del director y problemas físicos y mentales que terminaron por convertirlo en una figura de apariciones bastante esporádicas dentro de la escena musical.
Luego de perder los puestos de director de la Philadelphia Orchestra frente a Eugene Ormandy y luego el de la Filarmonica de New York frente a John Barbirolli y Artur Rodziński, el director cayó en un largo período depresivo, agravado por el descubrimiento de un tumor cerebral. Ante la imposibilidad de retomar su carrera en Estados Unidos y en medio de un ambiente político bastante complicado, Klemperer optó por volver a Europa después de perder su pasaporte estadounidense y acogerse a la nacionalidad alemana.
Su regreso a Europa y la asociación con Walter Legge lograron revitalizar su carrera y posicionarlo finalmente en el lugar de prestigio que le fue tan esquivo por tantos años.
A fines de septiembre de 1958 Klemperer sufrió un accidente domestico que lo dejó con quemaduras en el 15% de su cuerpo. El largo proceso de recuperación le permitió volver a casa recién en Mayo de 1959 por lo que su agenda de conciertos y grabaciones debió ser pospuesta, incluida su participación en la grabación de "Don Giovanni".

Los preparativos para las sesiones de grabación siguieron su curso a pesar de los problemas de Klemperer. Legge logró reunir un elenco que él mismo calificó como "una joya" y que comenzó las sesiones de grabación el 7 de octubre. Además se agendaron dos presentaciones en formato concierto en el Royal Festival Hall de Londres que se realizarían luego de la primera tanda de grabaciones.

Frente a la emergencia producida por la salida de Klemperer, Legge logró convencer a Carlo Maria Giulini para que se hiciera cargo del proyecto discográfico y a Colin Davis para que dirigiera las dos funciones del 18 y 20 de Ocubre. Giulini, a sus 45 años, nunca había dirigido la ópera de Mozart pero Legge, que ya lo tenía bajo contrato para dirigir una versión de "Le nozze di Figaro" (con varios miembros del elenco repitiéndose en "Don Giovanni") decidió confiar y entregarle la dirección de la grabación.

El elenco es una mezcla bastante heterogénea de cantantes encabezados por el protagonista de Eberhard Wächter quien retrata un libertino bastante serio, confiando mas en las aristas oscuras del personaje. Por otro lado el despliegue vocal, el carisma y la crueldad con la que presenta la música no defrauda en ningún momento. A su lado ambas Donna logran uno de los mejores resultados de la discografía. La Schwarzkopf crea en su Elvira todo un arquetipo de mujer abandonada y amargada. La misma soprano relata en entrevistas posteriores el trabajo extra que le significó esta versión, acudiendo a las resonancias mas angulosas de su voz para recrear sonoramente un personaje muy poco querible. A su lado la Sutherland hace su debut discográfico en una ópera completa con un despliegue vocal y estilístico encomiable. Por su parte Giuseppe Taddei hace magia entregando el lado mas buffo de Leporello desplegando su hermoso timbre y una amplia variedad de recursos expresivos. Luigi Alva sortea con virtuosismo y elegancia sus difíciles arias mientras que la Sciutti y un joven Cappuccilli componen una pareja juvenil y colorida. Gottlob Frick cierra el elenco de estrellas con un sonoro y profundo Commendatore.

Claro protagonista de la grabación es la Philharmonia Orchestra, quienes bajo la mano de Giulini, los tempi rápidos, la precisión, el contraste entre los momentos serios y buffos y la atención meticulosa al drama, logran un resultado muy difícil de superar por otras agrupaciones.

Las sesiones de grabación se realizaron en el Studio No. 1 de Abbey Road en Londres, entre el 7 y 15 de Octubre y el 23 y 24 de Noviembre de 1959. La remasterización fue realizada por Andrew Walter en los mismo estudios londinenses en el año 2016.



Eberhard Wächter (Don Giovanni)
Joan Sutherland (Donna Anna)
Elisabeth Schwarzkopf (Donna Elvira)
Giuseppe Taddei (Leporello)
Luigi Alva (Don Ottavio)
Piero Cappuccilli (Masetto)
Graziella Sciutti (Zerlina)
Gottlob Frick (Commendatore)

Philharmonia Orchestra and Chorus
Carlo Maria Giulini (Conductor)

Warner Classics
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Bizet - Carmen (Berganza - Domingo - Cotrubas - Milnes) Abbado [Flac Hi-Res]

Esta famosa y polémica versión de "Carmen" a cargo Claudio Abbado acaba de ser su ingreso al ya cada vez mas numeroso catalogo de grabaciones clásicas re editadas en formato de Alta Definición. Se agradecen los esfuerzos de la Deutsche Grammophon para editarla en un traspaso de la mas alta calidad disponible y les advierto con esto que el tamaño total del archivo se eleva por encima de los 5GB...

Antes de comentar las virtudes y vicios de esta grabación, me parece necesario poner en contexto histórico las distintas versiones de la partitura de Bizet pues a la hora de sopesar los diferentes factores que componen una versión de esta opera, es necesario saber desde que ángulo debemos apreciarla.

El estreno de "Carmen" se produjo en la Opéra-Comique el 3 de marzo de 1875. La recepción fue bastante fría y si bien hubo aplausos al final del primer acto y Bizet fue llamado a recibirlos en el escenario, luego de los couplets de Escamillo el publico se volvió frío y solo volvió a aplaudir el aria de Micaela en el tercer acto. Si bien se completó el total de 48 funciones pactadas, la idea que se acepta generalmente es que el estreno parisino fue un fracaso. Aun así el Teatro le ofreció a Bizet un contrato para la producción de un nuevo título pero la recepción de "Carmen" lo sumió en un estado depresivo que terminó por agravar su endeble salud (llevaba años sufriendo de problemas a la garganta probablemente causados por su tabaquismo) para finalmente llevarlo a la tumba, tras sufrir un ataque al corazón. Tenía tan solo 36 años.

Un día antes de su muerte el compositor firmó un contrato para producir "Carmen" en Viena durante el otoño de 1875. Para la ocasión se optó por simplificar los recitativos hablados y además musicalizarlos, trabajo que estuvo a cargo de Ernest Guiraud. Al parecer la intención fue convertir a "Carmen" en una Grand Opéra y para ello la producción no reparó en gastos, incluyendo incluso una escena de ballet en el acto segundo, usando para ello material extraído de "La Jolie Fille de Perth" y "L'Arlesienne". Con todos estos cambios sustanciales, "Carmen" se convirtió finalmente en un éxito rotundo, cimentado además con una larga lista de apabullantes estrenos en cada ciudad en la que se presentó en los años venideros.

El accidentado proceso de ensayos, como la muerte prematura del compositor y el re-estreno de la ópera en Viena, terminaron por producir un enredo bastante importante con el material musical. Hoy en día se pueden contar cuatro versiones de la partitura de Bizet: Choudens I (1875), Choudens II (1877), Oeser (1964) y Schott (2000).

La edición Choudens I fue preparada por el propio Bizet durante el proceso de ensayos y en forma de partitura vocal. Choudens se negó a publicar la partitura completa (orquestal) hasta que la ópera alcanzara las 50 representaciones. Lamentablemente Bizet no vivió lo suficiente para ello.
La edición Choudens II corresponde a grueso modo a la versión con los recitativos orquestados compuestos por Ernest Guiraud para la producción vienesa. También propone varios cortes importantes que se pueden encontrar en el acto I en la "Scène et Pantomime" para Moralès, el dueto entre Escamillo y Don José en el acto III y un corte de varios compases en el coro "A deux cuartos!" al inicio del acto IV.
El material de la edición Oeser proviene de un manuscrito encontrado por Fritz Oeser en un archivo de la Opéra-Comique en 1964 y que contiene la partitura del director y las partes orquestales usadas durante la primera tanda de funciones en 1875 que luego fueron descartadas y archivadas. El material contiene las ideas iniciales que tenía Bizet sobre la música de "Carmen", muchas de las cuales finalmente desechó antes del estreno y otras tantas que fueron corregidas con el correr de las presentaciones.
Finalmente la edición Schott contiene todo el material disponible hasta ahora y presentado de tal manera que pueda ser utilizado o descartado dependiendo del gusto de cada director.

Es interesante notar que Choudens nunca ha autorizado el acceso a sus archivos que bien podrían contener material adicional, como la correspondencia entre Bizet y Choudens con respecto a la primera edición de la partitura vocal o entre Guiraud y Choudens con respecto a la composición de los recitativos o los planes para preparar la edicion de la partitura orquestal general.

Los musicólogos se tienden a dividir en dos facciones cuando se trata de "Carmen": Por un lado están quienes creen que Bizet sabía muy bien su oficio y que su versión final (Choudens I) representa claramente sus intenciones y por otro lado están los que creen que Bizet se vio obligado a realizar cambios a su partitura debido a los problemas surgidos en los ensayos tanto con el elenco, la orquesta y el coro, como también con la administración de la Opéra-Comique. El trabajo de Oeser pertenece claramente a este grupo.

El problema con el trabajo de Oeser, por muy interesante que pueda ser, es que sugiere que algunos pasajes de calidad inferior y que el mismo Bizet descartó en el proceso de composición y producción del estreno, son en realidad parte "autentica" del trabajo del compositor. Ignora por completo el trabajo realizado por el mismo Bizet en la publicación de la partitura vocal (Choudens I) y abre la posibilidad para que el director musical de turno "elija" ente diferentes ediciones, presentando finalmente un híbrido que puede incluir material de dudosa calidad musical amparándose en la idea de que es "lo que el compositor hubiese querido".

Según tengo entendido existen solo dos versiones que usan completamente el material de la edición Oeser: Las versiones de Karajan (DG, 1983) y Sinopoli (1996, Teldec).

Por otro lado es bastante evidente como las diferentes versiones no solamente alteran la música sino también la naturaleza del personaje principal. Paradójico en la versión original (Choudens I) a oscuro y dramático en su versión sin diálogos (Choudens II).

La presente versión proviene de una producción que tardó cuatro años en ser montada por el Festival de Edimburgo y que marcaba además el debut de la Berganza en el rol de la gitana. La Deutsche Grammophone decidió entonces llevarla al disco pero con ligeros cambios en la plantilla de estrellas, reemplazando a Leona Mitchell por la Cotrubas y a Tom Krause por Sherrill Milnes.

La Berganza crea una gitana bastante alejada del modelo verista, optando por acercarse al personaje con gran atención a la partitura y un estupendo despliegue vocal. Su instrumento quizás no tiene las proporciones adecuadas para la "Carmen" de la versión Choudens II pero ciertamente cumple a cabalidad con la gitana de la versión original.

El resto del elenco se completa con Plácido Domingo en gran estado vocal e interpretativo, Sherril Milnes entregando grandes cuotas de apostura vocal pero fallando en cualquier intento de seducción y una estupenda Ileana Cotrubas entregando una Micaëla de bellisimo timbre y gran urgencia dramática. Abbado dirige con gran brío y atención a los detalles de la orquestación.

La grabación se realizó en sesiones en el George Watson's College de Edimburgo, durante el mes de Agosto de 1977 y en la St. John's Church de Londres, durante el mes de Septiembre de 1977.


Teresa Berganza (Carmen)
Plácido Domingo (Don José)
Ileana Cotrubas (Micaëla)
Sherrill Milnes (Escamillo)
Yvonne Kenny (Frasquita)
Alicia Nafé (Mercédès)
Gordon Sandison (Le Dancaïre)
Geoffrey Pogson (Le Remendado)
Stuart Harling (Moralès)
Robert Lloyd (Zuniga)

Watson's George College Boys' Chorus
The Ambrosian Singers
London Symphony Orchestra
Claudio Abbado (Conductor)

Deutsche Grammophon
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Verdi - Otello (Kaufmann - Lombardi - Álvarez) Pappano [Flac Hi-Res]

Si mis cálculos son correctos, esta nueva grabación del "Otello" verdiano es la primera versión de estudio grabada en 33 años. La última se publicó en 1987 en el sello Deutsche Grammophon y estuvo a cargo de Myung-Whun Chung, encabezada por Plácido Domingo y Cheryl Studer. Quizás sea este uno de los datos mas decidores a la hora de analizar el estado actual del mercado discográfico y por qué no, las ansias de Kaufmann por abarcar todo el repertorio disponible.

Kaufmann enfrenta el rol ya con la experiencia de un par de producciones en el cuerpo que le han ayudado a pulir su retrato del moro y adentrarse en las profundidades del personaje pero con un estado vocal que personalmente me provoca varias reservas.
La faceta musical e interpretativa es lo mejor de su interpretación y si bien tanto el carácter como la nobleza del personaje están finamente delineadas, nunca llega a sugerir la bestialidad amenazante que en las versiones de Vinay, Vickers o Del Monaco están tan presentes. Por otro lado la voz ya suena totalmente opaca y los pocos momentos en que el tenor busca el brillo heroico lo hace deformando de manera bastante evidente las vocales, una costumbre que a estas alturas mas que ayudarle lo deja empantanado en un canto ronco, empujado, poco homogéneo, opaco y sin squillo. También hay que agregar una bateria completa de efectos de susurro y pianissimi pensadas exclusivamente para el micrófono y que no tienen real cabida en ningún escenario.

Lo mejor del elenco se puede oír en el malévolo retrato de Iago que logra Carlos Álvarez, con buenas cuotas de musicalidad y un torrente vocal que logra de alguna manera hacerle justicia a la parte. Estupendo también en el cuidado que pone en el texto y en la amplia paleta expresiva. La Desdemona de Federica Lombardi no logra interesar ni por la faceta interpretativa (hay que decir que es un personaje bastante plano) ni por la vocalidad que parece aun bastante inmadura.

Probablemente quien sale mejor parado de esta empresa es Antonio Pappano con una dirección siempre atenta al drama y a la magnífica orquestación salida de la pluma de Verdi.

Me parece necesario también puntualizar que si bien la toma de sonido en alta definición es estupenda, también está llena de cortes, crujidos de sillas y hasta la respiración de Pappano que se puede oír en los momentos mas calmos de la ópera.

La grabación se realizó entre el 24 de junio y el 6 de julio de 2019 en el Auditorium Parco della Musica en Roma.


Jonas Kaufmann (Otello)
Federica Lombardi (Desdemona)
Carlos Álvarez (Iago)
Virginie Verrez (Emilia)
Liparit Avetisyan (Cassio)
Carlo Bosi (Roderigo)
Riccardo Fassi (Lodovico)
Fabrizzio Beggo (Montano)
Gian Paolo Fiocchi (Un araldo)

Orchestra e Coro dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia
Antonio Pappano (Conductor)

Sony Classical
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Mady Mesplé - A Portrait [FLAC]

El pasado 30 de Mayo de 2020 falleció en su casa en Toulouse la gran soprano francesa Mady Mesplé a la edad de 89 años. Considerada una de las grandes exponentes del canto galo y la soprano coloratura francesa mas importante de su generación.

Mesplé nació en Toulouse el 7 de marzo de 1931. Creció en el seno de una familia de modestos recursos pero se le aseguró una educación musical desde muy temprana edad gracias al gran talento que demostró desde pequeña. A la edad de siete años comenzó estudios serios de Piano y Voz en el Conservatorio de su ciudad, graduándose con medalla de oro. Por algún tiempo se dedicó a tocar el piano con una orquesta local pero pronto decidió marchar a París para perfeccionarse con Janine Micheau.

Hizo su debut profesional en enero de 1953 en Liège con el titular de "Lakmé", un rol que se convertiría en su caballito de batalla y que llegaría a cantar 145 veces.  Con el mismo personaje hizo su debut en La Monnai en Bruselas en 1954. Rápidamente se hizo con los principales papeles de soprano lírico-coloratura del repertorio francés como Olympia en "Les côntes d'Hoffmann", Philline en "Mignon", Leila en "Le pêcheurs de perles", Juliette en "Roméo et Juliette", Ophélie en "Hamlet" y los titulares de "Dinorah" y "Manon".

En 1956 se produjo su debut en el Festival de Aix-en-Provence como Zémire en "Zémire et Azor" de Grétry. El mismo año debutó en la Opéra-Comique, nuevamente con "Lakmé". Su debut en el Palais Garnier se produjo en 1958 con Soeur Constance en "Dialogues des Carmélites" de Poulenc. En el mismo escenario reemplazó con gran éxito a Joan Sutherland en una nueva producción de "Lucia di Lammermoor" presentada en 1960. Pronto vendrían mas papeles provenientes del repertorio italiano, incluyendo a Amina en "La Sonnambula", Rosina en "Il barbiere di Siviglia", Norina en "Don Pasquale", Gilda en "Rigoletto" y Oscar en "Un ballo in maschera". Hizo pocas incursiones en el repertorio alemán pero se pueden contar a Sophie en "Der Rosenkavalier", Zerbinetta en "Ariadna en Naxos" y La Reina de la Noche en "Die Zauberflöte".

A su actividad en el repertorio tradicional hay que agregar su interés por la música contemporánea.
Charles Chaynes compuso sus "Cuatro Poemas de Sappho" especialmente para ella. Un papel importante surgió de la pluma de Gian Carlo Menotti con el personaje de Kitty en "Le dernier sauvage" estrenada en la Opéra-Comique el 21 de octubre de 1963 y en 1965 fue también la primera interprete de Hilde Mack en la versión francesa de "Elegie für junge Liebende" de Henze.

Si bien Mesplé hizo exitosas apariciones en Moscú, Milán, New York y Buenos Aires, la mayor parte de su carrera se centró en Europa. Aceptó muy pocas invitaciones para aparecer en los Estados Unidos. Hizo su debut en la Lyric Opera de Chicago en 1966 como La Reina de la Noche y en 1973 apareció en cuatro funciones de "Rigoletto" en el Met. A pesar de esto fue relativamente desconocida para las audiencias norteamericanas, quienes tuvieron que conformarse con sus grabaciones comerciales.

Mesplé se retiró de los escenarios en 1985 pero continuó su actividad en la sala de conciertos hasta principios de la década de 1990. Luego de su retiro se dedicó a la enseñanza, primero en la École Normale de Musique de Paris y luego en el Conservatorio de Lyon. A mediados de la década fue diagnosticada con Parkinson y en 2010 publicó "La Voix du Corp", en donde escribe sobre la enfermedad.

La voz de Mady Mesplé fue lo que por muchos años se entendió como el típico sonido de soprano francesa: brillante y cristalina pero con poca profundidad y de vibrato rápido. Una combinación que para muchos oídos modernos no parece ser atractiva pero que, una vez superado ese primer encuentro, nos devela no solamente una gran técnica, sino también una cuidada musicalidad, una dicción impecable y gran manejo del estilo, que puede convertir a la mas simple chanson en un total descubrimiento.
La depurada técnica le permitió no solamente lograr la longevidad vocal (algo bastante difícil en el mundo de las sopranos ligeras), sino también sacar el máximo partido a sus posibilidades con el canto ornamentado y la extensión del registro sobreagudo que se dice alcanzaba hasta el La bemol.

Este box de cuatro discos es un muestrario bastante heterogéneo del arte de Mady Mesplé. No solamente se incluyen sus grandes papeles de la Opera y la Operetta sino también sus incursiones en la música contemporánea y en el repertorio de la Chanson, del cual fue una de sus mas grandes exponentes.


Tracklist:

CD1:

1. Lakme: Où Va la Jeune Hindoue
2. Lakme: Les Fleurs Me Paraissent Plus Belles..Pourquoi Dans Les Grands Bois
3. Lakme: Tu M'as Donné Le Plus Doux Rêve
4. Werther: Frère, Voyez!...Du Gai Soleil, Plein de Flamme
5. Mignon: Oui Pour Ce Soir...Je Suis Titania la Blonde
6. Le Roi D'Ys: Duet: Cher Mylio...A L'autel J'allais Rayonnant
7. Les Contes D'Hoffmann: Les Oiseaux Dans La Charmille
8. La Gazza Ladra: Di Placer Mi Balza Il Cor
9. La Fille Du Régiment: C'en Est Donc Fait...Par Le Rang...Salut à la France
10. Lucia di Lammermoor: Il Dolce Suono...Ardon Gl'incensi..Spargi D'amaro Pianto

CD2:

1. Les Noces de Jeannette: Au Bord Du Chemin...Voix Légère
2. Madame Chrysanthème: Le Jour Sous Le Soleil Béni...Ecoutez C'est Le Chant Des Cigales...
3. Véronique: Petite Dinde!
4. Véronique: Duet: Poussez, Poussez L'escarpolette
5. Les Saltimbanques: C'est la Première Fois
6. Les Saltimbanques: La Bergère Colinette
7. Ciboulette: Y'a Des Arbres
8. Ciboulette: Non Avons Fair Un Beau Voyage
9. La Vie Parisienne: Je Suis Veuve D'un Colonel
10. La Vie Parisienne: On Va Courir, On Va Sortir
11. Pomme D'Api: J'en Prendal Un, Deux, Trois
12. Monsieur Choufleuri Restera Chez Lui Le...: Pedro Possède Une Guitare
13. Les Cen Vierges: O Paris Gai Séjour
14. La Veuve Joyeuse: Là-bas Dans Nos Rudes Vallées
15. Johann Strauss: Légendes de la Forêt Viennoise
16. Weckerlin: Maman Dites-Moi
17. Weckerlin: Non, De N'irai Plus Au Bois
18. Weckerlin: Jenues Fillettes
19. Gounod: O Ma Belle Rebelle
20. Fauré: Arpège, Op. 76 No. 2
21. Liszt: Bist Du!

CD3:

1. Hahn: A Chloris
2. Hahn: Quand Je Fus Pris Au Pavillon
3. Hahn: Infidélité
4. Hahn: L'Heure Exquise
5. Debussy: Pantomime
6. Debussy: Clair De Lune
7. Debussy: Pierrot
8. Debussy: Apparition
9. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: I. Chanson de la Mariée
10. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: II. Là-bas, Vers L'église
11. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: III. Qual Galant M'est Comparable
12. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: IV. Chanson De Cueilleuses De Lentisques
13. Ravel: Cinq Mélodies Grecques: V. Tout Gai!
14. Ravel: Ballade de la Reine Morte D'almer
15. Ravel: Manteau de Fleurs
16. Roussel: Deux Poèmes de Ronsard: Rossignol, Mon Mignon
17. Roussel: Deux Poèmes de Ronsard: Ciel, Aer, Et Vens
18. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: I. La Dame D'André
19. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: II. Dans L'Herbe
20. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: III. Il Vole
21. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: IV. Mon Cadavre Est Doux Comme Un Gant
22. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: V. Violon
23. Poulenc: Fiançailles Pour Rire: VI. Fleurs
24. Poulenc: C
25. Poulenc: A Sa Guitare
26. Poulenc: Les Chemins de L'Amour
27. Satie: Le Chapelier
28. Satie: Daphénéo
29. Satie: La Diva de L'Empire
30. Satie: Je Te Veux

CD4:

1. Jolas: Quatuor Il For Soprano, Violin, Viola And Cello
2. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Eros Qui Donne la Douleur
3. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Gongyla, Gongyla, Si Je Te Vois Un Instant
4. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Tu Es Venu Gyla, Tu As Bien Fait, Comme J'avais Envie de Toi
5. Chaynes: Quatre Poèmes de Sapho: Tiakika, Tiakika, Gygyla Ao Gay Kaoé
6. Vivaldi: In Furore
7. Villa-Lobos: Bachianas Brasileiras No. 5: Aria (Cantilena)
8. Poulenc: La Dame de Monte-Carlo
9. Rodrigo: Cuatro Madrigales Amatorios: De Los álamos Vengo, Madre
10. Delibes: Les Filles de Cadix


Erato
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Jessye Norman - Roots: My Life, My Song [FLAC]

La actividad discográfica de la Norman disminuyó notoriamente a partir de la segunda mitad de la década de 1990, coincidiendo con su cumpleaños número 50. En 1995 aparecieron en el mercado el anterior recital dedicado a Alban Berg y una versión de la tercera sinfonía de Gustav Mahler bajo la dirección de Seiji Ozawa. Al año siguiente apareció "In The Spirit", en 1998 "El Castillo de Barbazul" de Bartók y una versión de "Das Lied von der Erde" junto a Siegfried Jerusalem, dirigidos por James Levine. Se puede considerar esa versión como el último proyecto completamente docto en la carrera discográfica de la Norman.

Desde fines de la década la soprano puso la mayor parte de sus esfuerzos en el repertorio del crossover. Así las cosas, en el año 2000 apareció "I Was Born in Love With You" con música de Michel Legrand y al año siguiente "Mythodea", una Sinfonía Coral escrita y producida por Vangelis que la reunió además con Kathleen Battle. Luego de esto se abrió un largo y algo inexplicable retiro de los sellos discográficos que sólo terminó con la publicación del presente recital grabado en vivo en la Philharmonie de Berlin durante el mes de junio de 2009 y publicado al año siguiente por Sony Classical.

Lo primero que hay que decir es que la soprano abandona completamente la emisión clásica y se sumerge de lleno en el canto popular. Por otro lado cuando se aventura en los tracks de corte mas docto, reaparecen algunos trazos de la soprano clásica de siempre pero llena de inflexiones y efectos en la emisión que transforman tanto a la "Habanera" de Carmen y  "Les Chemins De L'Amour" de Poulenc en lecturas completamente refrescantes y alejadas del modelo clásico. Esto no quiere decir que el entrenamiento clásico no le juegue malas pasadas pues en "His Eye Is On The Sparrow" se la oye algo encorsetada y su lectura de "Somewhere" está bastante desbordada. En el resto del recital se la oye mucho mas relajada y en contacto tanto con su audiencia (que la idolatra) como con el estilo de las piezas. Su versión de "Mack the Knife" es estupenda, acompañada además de un conjunto instrumental que responde a gran altura.

Este fue el último recital y también la última producción discográfica que realizó la Norman y con este post doy por finalizado el extenso homenaje que le dediqué en este espacio con motivo de su fallecimiento. Espero lo hayan disfrutado tanto como yo y les sirva tanto como para redescubrir su figura como para renovar algún título difícil de encontrar.



Tracklist:

1. African Drum Invocation
2. His Eyes Is On The Sparrow
3. I Want Two Wings
4. Lord, I Couldn't Hear Nobody Pray
5. Sometimes I Feel Like A Motherless Child
6. Heaven
7. Warum Roots? (Monologue)
8. Somewhere
9. My Baby Just Cares For Me
10. The 'A' List (Monologue)
11. Stormy Weather
12. Mack The Knife
13. Another Man Done Gone
14. Pretty Horses
15. God's Gonna Cut You Down
16. Les Chemins De L'Amour
17. The French Connection
18. J'ai Deux Amours
19. April In Paris
20. Habanera
21. Take The 'A' Train
22. Blue Monk
23. Solitude
24. I Don't Mean A Thing
25. Don't Get Around Much Anymore
26. When The Saints Go Marching In


Sony Classical
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Jessye Norman - Sings Michel Legrand: I Was Born in Love With You [FLAC]

El pasado 26 de Enero de 2019 falleció en Neuilly-sur-Seine el compositor, arreglador, director y pianista francés Michel Legrand. Si bien es un músico mas cercano a la música para el cine y al jazz, tuvo algunos coqueteos con el mundo docto, con especial interés en las sopranos: en 1992 colaboró con Kiri te Kanawa para un disco con canciones suyas titulado "Magic", editado en Teldec. Posteriormente en el año 2000 se publicó en Philips este disco que lo reúne con Jessye Norman y finalmente en 2013 una colaboración junto a una ya retirada Natalie Dessay publicado en Warner.

Legrand nació en París el 24 de febrero de 1932. Estudió en el Conservatorio de París de donde se graduó como Compositor y Pianista. A mediados de los '60 compuso la música para dos films de Jacques Demy: "Les Parapluies de Cherbourg" (1964) y "Les Demoiselles de Rochefort" (1966) que le valieron sus dos primeras nominaciones al Oscar. En 1968 compuso la música para el film de Norman Jewison, "The Thomas Crown Affair", donde consiguió su primer Oscar y Globo de Oro. Posteriormente recibiría dos premios mas de la Academia por la música de "Summer of '42" de Robert Mulligan y "Yentl" de Barbra Streisand.

A lo largo de su carrera compuso mas de doscientas Bandas Sonoras para el cine y la televisión. Recibió un total de 13 nominaciones al Oscar, ganando 3 estatuillas, consiguió también 5 Grammys y fue nominado al Emmy por la música de "A Woman Called Golda" y al Tony Award por el musical "Amour" de 2002.

Este disco recoge una selección de sus mas exitosas canciones escritas para el cine junto a un puñado de otras menos famosas pero no por ello menos hermosas. El trabajo de la Norman está a la altura musical e idiomática acostumbrada en la soprano, se luce en la amplia paleta de colores y dinámicas disponible en su instrumento y la belleza de sonido desplegados siempre en servicio de la expresión. Legrand por su parte la acompaña al piano con gran sensibilidad.



Tracklist:

1. Legrand: The Summer Knows ("The Summer of '42)
2. Legrand: Dans Ses Yeux
3. Legrand: Je Vivrai Sans Toi
4. Legrand: What Are You Doing The Rest Of Your Life?
5. Legrand: I Was Born In Love With You (Theme from "Wuthering Heights")
6. Legrand: Dis-Moi
7. Legrand: Les Enfants Qui Pleurent
8. Legrand: The Moon And I
9. Legrand: Celui-La
10. Legrand: The Windmills Of Your Mind (from "The Thomas Crown Affair")
11. Legrand: You Must Believe In Spring (from "Les demoiselles de Rochefort")
12. Legrand: La Valse Des Lilas
13. Legrand: Afterthoughts
14. Legrand: Les Parapluies De Cherbourg
15. Legrand: Between Yesterday And Tomorrow

Jessye Norman (Soprano)
Michel Legrand (Piano)
Ron Carter (Double Bass)
Grady Tate (Drums)

Philips
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Jessye Norman - In The Spirit: Sacred Music for Christmas [1996, Flac]

Este recital de música sacra-navideña se grabó en 1996 en las iglesias de St. Barnabas en Connecticut y la Riverside Church en New York. En esta ocasión la Norman se acompaña de dos grupos corales y deja de lado los arreglos rimbombantes de recitales anteriores para centrarse en una faceta mas íntima y reflexiva. Se agradece.

El disco contiene una joya en el penúltimo track; el bellísimo arreglo para el spiritual "There is a Balm in Gilead".

Tracklist:


1. Angels from the Realms of Glory
2. The First Nowell
3. It Came Upon the Midnight Clear
4. Away in a Manger
5. Oh Come, Little Children
6. Of the Father's Love Begotten
7. Mary Had a Baby
8. Lo, How a Rose E'er Blooming
9. Puer Natus in Bethlehem
10. Ave Maria
11. Noel Nouvelet
12. A Christmas Garland: 1. Ding ! Dong ! Merrily On High - 2. Infant Holy, Infant Lowly - 3. Deck The Halls
13. La Orchestra Ballade du Jesus-Christ
14. Silent Night
15. There is a Balm in Gilead
16. O Come, All Ye Faithful

Jessye Norman
St. Thomas Men and Boy's Choir
Choristers of St. Barnabas
Orchestra of St. Luke's
David Robinson (Conductor)

Philips
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Jessye Norman - Alban Berg [FLAC]

Este disco dedicado por completo a las canciones de Alban Berg es en cierto modo una recopilación de varias sesiones de grabación esparcidas en un período de 10 años. Parece ser que el sello no tenía muy claro la forma en que se publicarían y terminó por presentar el material por completo en este disco editado en 1995. La idea cobra aun mas sentido cuando se aprecia la longitud total del disco que no supera los 47 minutos, bastante corto para tratarse de un formato que soporta al menos 75 minutos.

Ambos grupos de canciones orquestales necesitan una voz amplia, generosa y hasta operática pero también capaz de varias sutilezas esperables en un cantante de Lieder. La Norman es capaz de combinar ambos factores de manera impecable. Prueba de la voluptuosidad del instrumento se puede oír en su versión del famoso "Die Nachtigall", por otro lado en los "Altenberg Lieder" cumple a cabalidad con varias proezas de dinámica en pp que exige la partitura en el registro agudo. En las canciones acompañados por el piano se puede apreciar la cuidada dicción de la soprano y la intensidad interpretativa de la que es capaz, independiente de la escala sonora del acompañamiento.

Las sesiones de grabación comenzaron en 1984 con el registro de los "Altenberg Lieder". Por su parte los "Sieben fruhe Lieder" fueron grabados en dos tandas entre 1987 y 1988, ambos ciclos fueron grabados en Londres. Por otro lado los "Jugendlieder" y los dos "Zwei Lieder" se grabaron en Nueva York durante el otoño de 1994.


Tracklist:

1. Sieben fruhe Lieder: Nacht
2. Sieben fruhe Lieder: Schilflied
3. Sieben fruhe Lieder: Die Nachtigall
4. Sieben fruhe Lieder: Traumgekront
5. Sieben fruhe Lieder: Im Zimmer
6. Sieben fruhe Lieder: Liebesode
7. Sieben fruhe Lieder: Sommertage
8. 5 Orchesterlieder nach Ansichtskartentexten von Peter Altenberg: Seele, Wie Bist du Schoner
9. 5 Orchesterlieder nach Ansichtskartentexten von Peter Altenberg: Sahst du Nach Dem Gewitterregen Den Wald
10. 5 Orchesterlieder nach Ansichtskartentexten von Peter Altenberg: Uber Die Grenzen des All
11. 5 Orchesterlieder nach Ansichtskartentexten von Peter Altenberg: Nichts Ist Gekommen
12. 5 Orchesterlieder nach Ansichtskartentexten von Peter Altenberg: Hier Ist Friede
13. Jugendlieder: Wo Der Goldregen Steht
14. Jugendlieder: Lied des Schiffermadels
15. Jugendlieder: Sehnsucht II
16. Jugendlieder: Geliebte Schone
17. Jugendlieder: Vielgeliebte Schone Frau
18. Jugendlieder: Ferne Lieder
19. Jugendlieder: Schattenleben
20. Jugendlieder: Voruber!
21. Jugendlieder: Liebe
22. Jugendlieder: Mignon
23. Jugendlieder: Grabschrift
24. Zwei Lieder: Schliebe Mir Die Augen Beide (1907)
25. Zwei Lieder: Schliebe Mir Die Augen Beide (1925)
26. Jugendlieder: Er Klagt, Dab Der Fruhling So Kortz Bluht

Jessye Norman (Soprano)
Ann Schein (Piano)
London Symphony Orchestra
Pierre Boulez (Conductor)


Sony Classical
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Gala in Leningrad (Norman - Yo-Yo Ma - Perlman) Temirkanov [FLAC]

Con la Unión Soviética en agitación y en medio de una crisis política y económica sin precedentes, se organizó esta Gala para celebrar los 150 años del nacimiento de Tchaikovsky. El mismo día se volvió a implementar el racionamiento de alimentos en Leningrado, una medida que no se adoptaba desde la Segunda Guerra Mundial.

El concierto tuvo lugar en el Gran Hall de la Filarmónica de Leningrado y contó con la presencia de Jessye Norman, Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman y Boris Berezovsky, por entonces reciente ganador de la Tchaikovsky Competition organizada en Moscú, quien lamentablemente no aparece en la edición al disco.

El organizador del concierto fue el empresario americano Peter Gelb, antiguo manager de la Boston Symphony Orchestra. Gelb fue también responsable de la organización en los conciertos de regreso de Vladimir Horowitz y Mstislav Rostropovich a suelo Soviético. La Gala de Tchaikovsky fue transmitida en directo y también en diferido a una audiencia estimada en mas de 25 millones de personas.

El programa elegido está formado mayormente por extractos y piezas breves. La parte instrumental está servida por dos grandes: Itzhak Perlman y Yo-Yo Ma, mientras que Jessye Norman se hace cargo de dos canciones de las "Chansons francaises, Op. 65", acompañada al piano por Evgeni Shenderovich y cantadas con hermoso timbre y magnética presencia escénica. Lo mejor de su aparición llega con su interpretación de "Adieu, forêts" de "La Doncella de Orléans", donde la Norman, ahora acompañada por la Filarmonica de Leningrado, exhibe además las dimensiones wagnerianas de su instrumento con gran impacto en la audiencia.

A pesar de la parrilla internacional de solistas de primer orden, el protagonista principal de este concierto es la histórica Filarmónica de Leningrado bajo la dirección de Yuri Termikanov, director titular de la agrupación desde 1988. El cierre del programa, con la "Obertura 1812", está acompañado además por la sección de bronces de la Orquesta Militar de Leningrado y una batería de cañones instalados en las afueras del Hall de la Filarmónica a cargo de un miembro de la sección de percusión y perfectamente coordinados con la batuta de Temirkanov.

El Concierto se realizó en condiciones bastante especiales, no solo por la crisis política que vivía el país por ese entonces, sino también por el crudo invierno que no fue obstáculo para que varios cientos de personas se apostaran a las afueras del Hall de la Filarmónica para presenciar el concierto, a pesar de los -14° celsius.

El concierto tuvo lugar el 1 de diciembre de 1990. Tan solo un año mas tarde, la Unión Soviética dejaría de existir y la Orquesta nuevamente pasaría a llamarse Filarmónica de San Petersburgo.



Tracklist

1. Polonaise from Eugene Onegin
2. Serenade melancolique, Op. 26
3. Valse-scherzo, Op. 34 (Itzhak Perlman)
4. Serenade from Six melodies, Op. 65, No. 1 (Jessye Norman)
5. Rondel from Six melodies, Op. 65, No. 6 (Jessye Norman)
6. Variations on a Rococo Theme, Op. 33 (Yo-Yo Ma)
7. 'Adieu, forets' from The Maid of Orleans (Jessye Norman)
8. 1812 Overture, Op. 49

Leningrad Philharmonic Orchestra
Yuri Temirkanov (Conductor)

RCA Victor
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Jessye Norman - At Notre Dame: A Christmas Concert [1992, Flac]

Siguiendo con el homenaje a la Norman, les dejo este disco que subí en el 2012 con motivo del especial navideño de aquel entonces...

Jessye Norman es, quizás, la soprano con mas recitales navideños en el catalogo así que no podía quedar fuera de este mes dedicado al tema. Este recital se grabó en diciembre de 1990 en la Catedral de Notre-Dame en París. El repertorio es mas sacro que navideño, tiene unos guiños al genero del lied y las canciones tradicionales.


Tracklist:

1. Jubilate Fanfare and Fantasy (Taylor)
2. Magnificat in D major, BWV 243: Ex exultavit (Bach)
3. Ave Maria (Bach-Gounod)
4. Geistliches Wiegenlied (Brahms)
5. Die Allmacht (Schubert)
6. Behold the Star (Traditional)
7. Star of Wonder (Taylor)
8. Rockin' the World (Traditional)
9. Poor Little Jesus (Traditional)
10. Go Tell it on the Mountain (Traditional)
11. Repentir "O Divine Redeemer" (Gounod)
12. Agnus Dei (Bizet)
13. Sanctus (Gounod)

Lyon Opera Orchestra
Maîtrise de Radio France
Ile de France Regional Chorus
Lawrence Foster (Conductor)

Philips
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Jessye Norman - Salzburg Recital [FLAC]

Este recital recoge un programa ofrecido en el Festival de Salzburgo por Jessye Norman y James Levine el 24 y 27 de agosto de 1988 pero para efectos prácticos fue registrado en estudio dos años después... cosas de las disqueras.

El Festival de Salzburgo fue uno de los lugares que le ofrecieron a la Norman mayores oportunidades de lucimiento y una de las instancias de mayor prestigio que le permitió además dedicarse de lleno al repertorio sinfónico y de la canción casi en exclusivo. De hecho su única presentación en una opera completa la realizó con "Erwartung" en 1995, dirigida por Christoph von Dohnányi.

Su debut en el Festival se produjo en la edición de 1977 con la Segunda Sinfonía de Gustav Mahler junto a Barbara Hendricks y la Filarmonica de Viena dirigidos por James Levine. A partir de 1980 se volvió una presencia constante y se presentó ahí casi de manera ininterrumpida hasta la edición de 2002, cuando se despidió de la ciudad con un concierto de Lieder.

El programa elegido para este disco se pasea desde Beethoven a Wolf y algunas canciones tempranas de Debussy que sirven como descanso y contraparte a la densa escritura del resto del programa. Las canciones de Beethoven le permiten lucir lo hermoso y opulento del timbre, mientras que los tracks dedicados a Debussy sacan su lado mas melódico y su maestría con el uso de los reguladores de dinámica y tempo. Por otro lado los dos grupos de canciones de Wolf (separados sabiamente por Debussy), están claramente divididos entre las canciones mas íntimas del "Spanisches Liederbuch" en contraste con las mas abiertas del "Italienisches Liederbuch", en ambos casos la soprano logra salir adelante gracias al enfoque personal que lograba con esta música y la opulencia de la vocalidad que en canciones como "Verschling der Abgrund" alcanza sonoridades casi wagnerianas.

La grabación se realizó durante el mes de Abril de 1990 en los Manhattan Center Studios de New York.


Tracklist:


1. Beethoven - Sechs Geistliche Lieder, Op.48: 1. Bitten
2. Beethoven - Sechs Geistliche Lieder, Op.48: 2. Die Liebe des Nachsten
3. Beethoven - Sechs Geistliche Lieder, Op.48: 3. Vom Tode
4. Beethoven - Sechs Geistliche Lieder, Op.48: 4. Die Ehre Gottes aus der Natur
5. Beethoven - Sechs Geistliche Lieder, Op.48: 5. Gottes Macht und Vorsehung
6. Beethoven - Sechs Geistliche Lieder, Op.48: 6. Bußlied
7. Wolf - Spanisches Liederbuch: Bedeckt mich mit Blumen
8. Wolf - Spanisches Liederbuch: Tief im Herzen trag ich Pein
9. Wolf - Spanisches Liederbuch: Bitt ihn, o Mutter
10. Wolf - Spanisches Liederbuch: In dem Schatten meiner Locken
11. Wolf - Spanisches Liederbuch: Alle gingen, Herz, zur Ruh
12. Wolf - Spanisches Liederbuch: Geh, Geliebter, geh jetzt!
13. Debussy - Nuit d'etoiles
14. Debussy - Beau soir
15. Debussy - Romance
16. Debussy - Les cloches
17. Debussy - Mandoline
18. Wolf - Italienisches Liederbuch: Heut' Nacht erhob ich mich
19. Wolf - Italienisches Liederbuch: Wie soll ich frohlich sein
20. Wolf - Italienisches Liederbuch: Verschling der Abgrund meines Liebsten Hutte
21. Wolf - Italienisches Liederbuch: Wir haben beide lange Zeit geschwiegen
22. Wolf - Italienisches Liederbuch: Nun laß uns Frieden schließen
23. Wolf - Italienisches Liederbuch: Mein Liebster hat zu Tische mich geladen
24. Wolf - Italienisches Liederbuch: Ich hab' in Penna einen Liebsten wohnen

Jessye Norman (Soprano)
James Levine (Piano)

Philips
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