lunes, 28 de octubre de 2013

Debussy : Pelléas et Mélisande (Stilwell - von Stade - van Dam - Raimondi) Karajan [iTunes AAC M4A]



Pese al consenso general sobre la belleza de la música de "Pelléas et Mélisande" de Claude Debussy, parece no existir el mismo consenso a la hora de apreciar y comprender la carga dramática de la obra. No es que Pelléas sea una opera especialmente difícil de oír pero sí requiere una aproximación distinta, pues no encontraremos en ella el mismo lenguaje acostumbrado en las operas "tradicionales".

El libreto de "Pelléas et Melisande" esta basado en la obra teatral de Maurice Maeterlinck, un escritor simbolista con el que Debussy sintió particular atracción. La composición de la obra comenzó en 1897 y avanzó a paso lento hasta completarse en 1900. El estreno se fue retrasando por la reticencia de Debussy al estreno, al parecer por los temores que le despertaba la recepción del público, como también por el desinterés de Albert Carré, director de la Opéra-Comique, a incluirla en la temporada.

Si bien el trabajo entre Debussy y Maeterlinck se había dado de manera cordial, la relación entre ambos se rompió cuando el compositor no aceptó la imposición de Georgette Leblanc, la amante de Maeterlinck, en el rol de Mélisande. Desde ese momento el dramaturgo se desentendió del proyecto y comenzó una campaña publica con la intención de convertir la ópera en un fracaso. Así las cosas, Debussy decidió entregarle el rol a la joven soprano escocesa Mary Garden, quien con el tiempo terminaría asociada indisolublemente al papel de Mélisande.

La campaña iniciada por Maeterlinck dio sus frutos y el ensayo general realizado el 28 de abril de 1902 se convirtió en una gran trifulca entre publico e interpretes, azuzada por un programa de mano distribuido en la puerta en donde se parodiaba a la obra. Las cosas no fueron diferentes en el estreno del 30 de abril en donde se oyeron sonoras carcajadas en el publico, hubo intervenciones de la policía para calmar el escandalo, llantos del director y la orquesta y un compositor que se negaba a salir de la oficina del director.

La recepción por parte de la critica y los compositores de la época tampoco fue del todo alentadora, incluso algunos como Strauss, Saint-Saëns o d'Indy llegaron a decretar a la partitura de Pelléas como intrascendente. Sea como sea, el caso es que la obra de Debussy sobrevivió a la trifulca de su estreno y las criticas de sus contemporáneos para afirmarse finalmente como una de las obras mas importantes del siglo XX.

La estructura musical sobre la que se sostiene la partitura de "Pelléas et Melisande" es bastante osada en su concepción armónica y abre la puerta a toda la evolución desarrollada en este campo por los compositores del siglo XX. La influencia de Wagner fue fuerte en el joven Debussy, pero luego de un período de admiración le siguió otro de oposición absoluta. El compositor llegó a la conclusión que el modelo wagneriano solo aplicaba a wagner y no era, por lo tanto, el camino a seguir, así optó por trascender un modelo que consideraba muy largo en su forma, muy absorto en la visión filosófica del compositor, con una orquestación grandilocuente y demasiado Alemán. Si en Wagner el tratamiento armónico era llevado al extremo gracias al uso del cromatismo, en Pelléas la noción de tonalidad comienza definitivamente a desaparecer debido al abundante uso de acordes no resueltos y la paulatina eliminación de los patrones melódicos tradicionales en donde una frase musical estaba siempre balanceada con una contraparte simétrica en forma y extensión.

Esta versión dirigida por Karajan no está exenta de polémica, la critica la ha considerado siempre como una visión alemana de una partitura cumbre del impresionismo francés. Existen otras versiones que se pueden enmarcar dentro de la tradición francesa mas pura, desde la famosísima lectura de Roger Desormière hasta la de Ernest Ansermet, pasando por la de André Cluytens. El problema principal de esas versiones es el sonido borroso que no deja oír con claridad la bellisima orquestación de Debussy, algo que afecta directamente en la apreciación final pues Debussy con sonido mediocre es menos Debussy, creo yo. Por su parte la versión de Karajan es una joya del sonido análogo y gracias a eso podemos oír con perfecta precisión toda la gama de recursos orquestales empleados por el compositor en su partitura. El equipo de cantantes tiene sus altos y bajos, el Pelléas de Stilwell es algo corto en la tesitura aguda y muchas veces la emisión es dura e ingrata pero compensa con una lectura apasionada. Algo parecido se puede decir de la Mélisande de von Stade, que si bien se esmera en la interpretación, no logra nunca sonar del todo cómoda en la tesitura mas aguda. El Golaud de José van Dam es estupendo en todo sentido y logra componer con maestría los diferentes aspectos de su personaje. El Arkel de Ruggero Raimondi puede que no tenga el peso vocal ni que logre el contraste tímbrico necesario con Golaud pero es una de sus creaciones mas acabadas desde el punto de vista interpretativo. Un lujo adicional es el Yniold de Christine Barbaux.

La grabación se realizó en Diciembre de 1978 en la Philharmonie de Berlín. Esta edición está tomada de la integral de grabaciones de Karajan en EMI publicada en 2008. El remaster fué hecho por Wolfgang Gülich en 1999 y es el mismo que se usó en las series "Great Recordings of the Century" y "The Greatest Opera Recordings". Curiosamente esta edición de 2008 usa el mismo esquema en su tracklist que el primer traspaso al CD.


Richard Stilwell (Pélleas)
Frederica von Stade (Mélisande)
José van Dam (Golaud)
Ruggero Raimondi (Arkel)
Nadine Denize (Geneviève)
Christine Barbaux (Yniold)
Pascal Thomas (Sheperd & Doctor)

Berliner Philharmoniker
Herbert von Karajan (Conductor)

EMI
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viernes, 25 de octubre de 2013

Vivaldi : La Fida Ninfa (Piau - Cangemi - Lemieux - Regazzo - Jaroussky - Lehtipuu - Mingardo) Spinosi [iTunes AAC M4A]



Vivaldi tenía ya una reputación establecida en el mundo musical italiano cuando compuso "La Fida Ninfa", rozaba  los 54 años y estaba embarcado en una carrera que combinaba habilidosamente su labor de compositor con sus dotes de empresario musical que le permitían montar sus óperas en diferentes ciudades de la península apoyado en una red de mecenas y clientes personales.

Vivaldi compuso "La Fida Ninfa" para la inauguración del Nuovo Teatro Filarmonico de Verona, que tuvo lugar el 6 de enero de 1732 en medio de fastuosas celebraciones. Verona, por entonces una ciudad bastante grande y de cierta relevancia en el circuito musical italiano, se había quedado sin teatro desde la clausura del antiguo Teatro del Capitano en 1715. El proceso de construcción estuvo rodeado de intrigas y luchas de poder, incluida la cancelación de la inauguración prevista para la primavera de 1730 con una Fida Ninfa con música de Orlandini. Después de varios meses de tensiones entre la Inquisición de Venecia y los Academicos de Verona se dio inicio a la búsqueda de una nueva ópera para comenzar las actividades del nuevo teatro lo antes posible.

Vivaldi aceptó el reto, a pesar de su agenda copada, consciente de la magnitud del evento. El libreto de "La Fida Ninfa" pertenece al Marqués Scipione Maffei y había sido escrito muchos años antes bajo el titulo de "Sciro fuor di Sciro". Maffei no solamente era poeta sino también arqueólogo, dilplomático, académico y dramaturgo. Como si eso fuera poco era también el organizador en jefe de la inauguración del Nuovo Teatro, en el que había invertido grandes sumas de dinero.

El libreto es el esperable en una ópera seria, lleno de enredos, amores equívocos y celos. Lo destacable es la variedad que logra Vivaldi gracias al extenso grupo orquestal del que dispuso y la presencia de notables cantantes en los roles principales. La madurez alcanzada le permite transformar los clichés del libreto de Maffei en brillantes, coloridos y variados números donde sale a relucir la inventiva armónica de su pluma. El éxito obtenido por su Fida Ninfa le valió a Vivaldi establecer una fructífera relación con Verona que culminaron con su nombramiento como Impresario del Nuovo Teatro.

En esta versión sobresale principalmente Sandrine Piau como Licori estupenda tanto en las partes rápidas como en los adagios. Veronica Cangemi hace lo que puede con la escritura endiablada de Morasto, originalmente escrita para el castrato Giuseppe Valentini, su voz no es el instrumento mas bello y si bien la coloratura da la impresión de cierta fluidez,  lo cierto es que es borrosa e inexacta en afinación y articulación. Estupendo el malvado Oralto de Lorenzo Regazzo, imponente en la sonoridad y seguro en la coloratura. Expresiva la Elpina de Lemieux, mientras que Jaroussky crea un musical Osmino que no llega a molestar. Un lujo extra es el Narete de Topi Lehtipuu que logra con "Deh, Ti Piega, Deh, Consenti" uno de los momentos mas inspirados de toda la grabación. Spinosi dirige con la teatralidad y el brío al que nos tiene acostumbrados.

La grabación se realzó en París, entre abril y mayo de 2008 en la Iglesia de Notre-Dame du Liban.

Sandrine Piau (Licori)
Verónica Cangemi (Morasto)
Marie-Nicole Lemieux (Elpina)
Lorenzo Regazzo (Oralto)
Philippe Jaroussky (Osmino)
Topi Lehtipuu (Narete)
Sara Mingardo (Giunone)
Christian Senn (Eolo)

Ensemble Matheus
Jean-Christophe Spinosi (Conductor)

Naïve
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miércoles, 23 de octubre de 2013

Verdi : Il Trovatore (Domingo - Price - Milnes - Cossotto) Mehta [iTunes AAC M4A]



Dos lamentaciones me rondan la cabeza cada vez que oigo este disco. La primera es el sonido saturado en los momentos mas sonoros y que afecta no solamente a la orquesta sino también a las voces, en especial a Domingo y Cossotto. Tenía 18 años cuando lo compré y era tal mi ingenuidad (en temas técnicos jaja) que pensé que el disco venía mal, logré cambiarlo y el problema persistió. Con el tiempo conseguí el LP y comprobé que el problema fue el traspaso al CD, horroroso desde todo punto de vista. Esta metida de pata de la RCA no se ha solucionado aún y es probable que no se solucione si pensamos en la suerte que han corrido las cintas originales de muchas otras grabaciones que actualmente están inutilizables debido al paso del tiempo o simplemente a la falta de cuidado.

La segunda lamentación es que cuando se grabó, en el verano de 1969, Montserrat Caballé era la estrella en ascenso de la RCA, ya tenia a sus espaldas un buen puñado de éxitos teatrales y otro nada despreciable puñado de grabaciones belcantistas, Borgia y Traviata incluidas, además de varios recitales donde sacaba del olvido títulos de Bellini, Rossini, Donizetti y el primer Verdi. Por otro lado, en diciembre de 1968 había cantado el papel de Leonora en el Communale de Florencia, dirigida por Thomas Schippers, con enorme éxito.

La Caballé nunca grabó el rol de Leonora en estudio, existen varias tomas del vivo que testimonian que por esta época la vocalidad le calzaba como un guante y es probable que esta haya sido la mejor oportunidad que tuvo de grabarlo. Por su parte la Price grabó tres versiones (!!) a lo largo de su carrera, una en 1959, la presente de 1969 y en 1977 añadió la última a su lista con Karajan en la batuta.

A pesar de estas lamentaciones personales, creo que la versión de Mehta es una de las mas redondas de toda la discografía. La Price no tenía mayor idea del belcanto pero suplía esta falencia con gran musicalidad y una sedosidad vocal que muy pocas otras colegas se podían permitir en este rol. Para la época la voz estaba en la cúspide de sus posibilidades y la soprano se permite un maravilloso juego de dinámicas. La interpretación no alcanza la profundidad de Callas y su falta de habilidad con el estilo no le permite proyectar la personalidad melancólica de Leonora. La Price convierte el papel en un ensayo técnico del que sabe salir triunfante como pocas. Domingo tenía 28 años y la juventud se nota en todo momento, emite el extremo mas agudo del registro con una valentía y arrojo que irá perdiendo con el paso del tiempo, a cambio de mayor refinamiento en la musicalidad y la expresión. Milnes es el de siempre, extraña emisión en una gran linea de canto. La joya indiscutida de la grabación es la Azucena de Fiorenza Cossotto, ya mas madura que en su primera grabación con Serafin y con la voz y el registro necesario para dar vida a la vocalidad del personaje, gloriosa en el agudo, con inclusión del Do en la cadencia de "Perigliarti ancor languente" que tantas otras evitan a toda costa, el centro ya tiene el fuste esperable en una mezzo y el grave colocado en el pecho suena seguro y poderoso.

La grabación se realizó en Agosto de 1969 en el Walthamstow Hall de Londres. El traspaso al CD se realizó en 1998.

Placido Domingo (Manrico)
Leontyne Price (Leonora)
Sherrill Milnes (Il Conte di Luna)
Fiorenza Cossotto (Azucena)
Bonaldo Giaiotti (Ferrando)
Elizabeth Bainbridge (Inez)
Ryland Davies (Ruiz)
Stanley Riley (un vecchio zingaro)
Neilson Taylor (un messo)

Ambrosian Opera Chorus
New Philharmonia Orchestra
Zubin Mehta (Conductor)

RCA
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lunes, 21 de octubre de 2013

Verdi : I Lombardi alla Prima Crociata (Deutekom - Domingo - Raimondi) Gardelli [iTunes AAC M4A]



Once meses después del triunfo apoteósico de "Nabucco" en La Scala de Milán, Giuseppe Verdi intentó repetir la experiencia con una nueva ópera que apelaba al mismo publico y las mismas emociones, usando el mismo formato épico y de gran escala. "I Lombardi alla Prima Crociata" contaba además con un libreto proveniente de la pluma de Temistocle Solera, el mismo autor de "Nabucco".

A pesar del olor a "secuela", la ópera logró bastante éxito de público si bien la critica la recibió con algunas reservas. Se representó por toda Italia y su estilo patriótico fue recibido con entusiasmo por un pueblo que luchaba por la unificación. Quizás por lo mismo, una vez conseguida la Unificación en 1861, la ópera comenzó a ser considerada anacrónica y su mensaje algo obsoleto. Después de la década de 1870 fue desapareciendo rápidamente de los escenarios, siguiendo el camino de muchos títulos belcantistas. A pesar del olvido, algunas piezas de la ópera sobrevivieron al paso del tiempo y se colaron al repertorio tradicional, tal es el caso del aria de Oronte "La mia letizia infondere" y el Trío del acto tercero "Qual voluttà trascorrere".

En el siglo XX la ópera apareció fugazmente en la apertura de temporada 1930-31 de La Scala de Milán y recién en la década del 70' comenzó a ser escenificada de manera mas regular. En 1969 se presentó en la Ópera de Roma encabezada por Luciano Pavarotti, Renata Scotto y Ruggero Raimondi, en 1972 apareció en New York con la Scotto, Carreras y Plishka, en 1976 se escenificó en el Covent Garden con un elenco que incluía a Jose Carreras y Sylvia Sass. En 1979 apareció en la Opera de San Diego con Bergonzi, Plishka y Deutekom en los roles principales. En 1982 fue el turno de la New York City Opera y en 1986 se presentó en el Carnegie Hall en forma de concierto. El titulo volvió a La Scala en 1983 con un cast que incluía a la Dimitrova y Carreras. En el Metropolitan se presentó en 1993 con Aprile Millo, Luciano Pavarotti y Samuel Ramey en los roles principales.

Esta grabación se realizó en Londres, en Julio de 1971, fue la primera grabación de estudio de la ópera y esta encabezada por la estupenda Giselda de Cristina Deutekom, brillante en el agudo y segura en la tesitura. Placido Domingo hace una inspirada lectura de Oronte, quizás sin el vuelo del joven Luciano Pavarotti. Por su parte Ruggero Raimondi logra uno de sus mejores personajes verdianos en Pagano con una resonancia que pocas veces logrará repetir en otro terrenos.

La edición corresponde al remaster aparecido en abril de este año que no logra cambios significativos con respecto al segundo traspaso de 2007.

Cristina Deutekom (Giselda)
Placido Domingo (Oronte)
Ruggero Raimondi (Pagano)
Jerome Lo Monaco (Arvino)
Desdemona Malvisi (Viclinda)
Stafford Dean (Pirro)
Clifford Grant (Acciano)
Montserrat Aparici (Sofia)
Keith Erwen (Priore della città di Milano)

Ambrosian Singers
Royal Philharmonic Orchestra
Lamberto Gardelli (Conductor)

Decca
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viernes, 18 de octubre de 2013

Diana Damrau - Forever [iTunes Plus AAC M4A]


Para cerrar este viernes de novedades aquí esta el último álbum de Diana Damrau, a ratos bastante empalagoso pero cantado con la gracia acostumbrada en ella.

El repertorio va desde la operetta hasta las canciones de hollywood escritas para el cine, pasando también por el musical de Broadway. Curiosamente la Damrau parece mas cómoda en Hollywood y el musical (con alguno que otro desliz sobre azucarado) que en la operetta donde el timbre no suena del todo adecuado ni atractivo y el estilo algo rígido.

La grabación se realizó en Liverpool, entre el 9 y 20 de diciembre de 2012 y Berlín en marzo de 2013. Agradecimientos especiales al amigo Andrea de Alemania por compartir este material y el del post anterior.


Tracklist:

1. The Ninth Gate: Vocalise
2. Gräfin Mariza: Höre ich Zigeunergeigen
3. Der Vetter aus Dingsda: Strahlender Mond
4. Giuditta: Meine Lippen, sie küssen so heiss
5. Die lustige Witwe: Lippen schweigen
6. Die Fledermaus: Mein Herr, Marquis
7. Die Fledermaus: Czárdás
8. My Fair Lady: Wäre det nich wundascheen
9. My Fair Lady: I Could Have Danced All Night
10. Sweeney Todd: Grünfink und Nachtigall
11. Porgy and Bess: Summertime
12. South Pacific: I'm in Love With a Wonderful Guy
13. Phantom of the Opera: Wishing You Were Somehow Here Again
14. West Side Story: I Feel Pretty
15. The Wizard of Oz: Over the Rainbow
16. Alice in Wonderland: All in the Golden Afternoon
17. Arielle, die Meerjungfrau: Ein Mensch zu sein
18. Snow White and the Seven Dwarfs:  Some Day My Prince Will Come
19. Mary Poppins: Feed the Birds (Tuppence a Bag)
20. The Snowman: Walking in the Air
21. Wuthering Heights: Vocalise

Royal Liverpool Philharmonic Orchestra
Rolando Villazon (Track 5)
David Charles Abell (Conductor)

Erato
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Simone Kermes - Bel Canto [iTunes Plus AAC M4A]


Simone Kermes vuelve a la carga con un nuevo recital en donde se pasea por el Bel Canto italiano desde Monteverdi hasta Verdi, incluyendo a Mozart al parecer a modo de puente hacia el barroco.

Es probable que este sea el recital mas pretencioso de la Kermes, muy pocas sopranos se atreven a abarcar una época tan grande y variada y esperar salir airosas de la empresa. La Kermes, antes de dedicarse al barroco, se paseó por los teatros alemanes cantando el repertorio "tradicional", por lo tanto el belcanto no es un terreno totalmente nuevo para ella. Aún así la experiencia previa no es garantía de triunfo, algo que queda de manifiesto en sus intentos con Bellini y Rossini, donde saca a relucir un timbre y musicalidad que poco tiene que ver con el canto romántico.

Lo mejor del álbum se puede oír en las arias acrobáticas de "Virginia" de Mercadante y "La Flauta Mágica" de Mozart, todo el resto es mediocre y en algunos momentos derechamente espantoso (en especial "Casta Diva" y "Giusto Ciel, in tal periglio"). Las arias lentas y de canto spianato están todas teñidas de amaneramientos y en las piezas mas aguerridas de "Semiramide" o "Attila" sencillamente no da el ancho en el fuste.

La grabación se realizó entre el 2 y 6 de enero de 2013 en Köln, Alemania.

Tracklist:

1. Virginia: Icilio io l'amo (Arie der Virginia)
2. Maometto secondo: Giusto Ciel, in tal periglio (Arie der Anna)
3. Die Zauberflöte, K. 620: O zittre nicht (Rezitativ und Arie der Königin der Nacht)
4. Die Zauberflöte: Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (Arie der Königin der Nacht)
5. Norma: Casta Diva (Arie der Norma)
6. Betly, o la capanna svizzera: In questo semplice modesto asilo (Cavatina der Betly)
7. Linda di Chamounix: Ah! Tardai troppo - O luce di quest' anima (Arie der Linda)
8. I Masnadieri: Tu del mio Carlo al seno (Arie der Amalia)
9. Adelson e Salvini: Dopo l'oscuro nembo (Arie der Nelly)
10. Semiramide: Bel raggio lusinghiero - Dolce pensiero (Arie der Semiramide)
11. Atilla: Santo di patria indefinito amor (Arie der Odabella)
12. Scherzi Musicali: Si dolce è il tormento

Concerto Köln
Christoph Matias Mueller (Conductor)

Sony Classical
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martes, 15 de octubre de 2013

Verdi : Aida (Caballe - Domingo - Cossotto - Cappuccilli - Ghiaurov) Muti [iTunes AAC M4A]



Riccardo Muti produjo una buena cantidad de operas verdianas durante la década del 70' y su versión de "Aida" logró convertirse en uno de los grandes clásicos de la discografía, tanto por su batuta como por el estupendo equipo de cantantes.

El rol de Aida es uno de los mas agotadores de la producción verdiana y por ende cualquier soprano que se anime a interpretarla debe tener, antes de cualquier consideración vocal, grandes cuotas de energía para sobrevivir al extenuante concertado final con el que culmina el acto segundo y pasar rápidamente al acto tercero en donde se mide, sin descanso, con una de las arias mas difíciles salidas de la pluma del compositor y un dúo que requiere grandes cantidades de arrojo y  lirismo. La vocalidad de Aida se debate entre el dramático puro del acto segundo y el canto mas lírico del tercero, por ende la soprano que lo interprete debe poseer la elasticidad suficiente para los matices en piano en el registro agudo y los fortes y el metal necesario para hacerse oír entre la orquesta y el coro.

La Caballé no posee la densidad sonora con la que tradicionalmente se asocia el rol de Aida pero la soprano opta por enfocar su lectura desde el lirismo, acudiendo para ello a todo su arsenal técnico. Si bien se echa de menos una voz mas "llena" en las escenas corales del segundo acto, en el tercero logra momentos inigualables en su "O Patria mia" con un Do agudo en pianissimo sencillamente mágico y un dúo con Radamés lleno de notas flotantes. En el dúo final alcanza las mismas alturas, tejiendo cuidadosamente las frases mas etéreas de su personaje. La faceta interpretativa no tiene la profundidad esperable y muchas veces incurre en efectos algo molestos, como la tendencia a sonar "llorona" cada vez que el personaje cae en desgracia, sin embargo su lectura se sostiene por sí sola gracias al inigualable despliegue de la vocalidad.

Radamés requiere mas o menos de las mismas condiciones de Aída, el tenor se debe enfrentar a escenas grupales de gran sonoridad y por otro lado ser capaz de la ductilidad suficiente para cumplir con escenas mas intimas e incluso agudos en piano, un claro ejemplo es el famoso morendo final de "Celeste Aida" que muy pocos ejecutan. Domingo cumple con la sonoridad necesaria pero se queda corto en el extremo mas agudo, tanto en piano como en forte. Radamés no es un rol de agudos extremos, de hecho no pasa del Si bemol, pero insiste en esa nota reiteradamente, ya sea en piano o forte. Domingo no está feliz en todos los sibemoles, hay varios emitidos con tensión en el acto tercero, no ejecuta el morendo en "Celeste Aida" y cuando la nota viene en piano, opta por el falsete. Aun así se puede decir que su Radames es correcto, siempre musical y contundente a la hora de los concertados.

La Cossotto tenía para la época una de las voces de mezzosoprano mas voluminosas pero el micrófono pocas veces captó en toda su gloria el timbre, el metal y lo punzante de su emisión, que en el teatro corría y llenaba hasta las salas mas grandes. Su Amneris es un retrato vocal de gran impacto, la Cossotto fue siempre una interprete extrovertida, quizás sin la profundidad interpretativa de otras pero no se quedaba corta en aspavientos ni en demagogia vocal para suplir la superficialidad con la que se acercaba a muchos de los grandes roles de su cuerda, incluida Amneris. Para 1974 la voz aun le respondía y era capaz de grandes momentos de "electricidad". Si bien la vocalidad parece ser la adecuada, muchas veces se extraña una voz mas tersa y redonda en el centro.

El cast se completa con el Amonasro de Cappuccilli, sonoro, expresivo e italiano como pocos y el estupendo Ramfis a cargo de Nicolai Ghiaurov. Muti maneja con mano de hierro a los grupos orquestales y corales que logran responderle con exactitud ritmica y además sabe imprimir la necesaria carga dramática a la partitura sin caer en las rimbombancias de Solti ni las sonoridades atronadoras de Karajan.

La grabación se realizó entre el 2 y 11 de Julio de 1974 en el Walthamstowe Assembly Halls de Londres. Los diferentes traspasos al CD nunca han sido del todo satisfactorios, restandole bastante de la sonoridad que lograba el LP original. Según tengo entendido la primera edición venia en sonido cuadrofónico y quizás sea esta la razón principal de la perdida de presencia en las ediciones en CD. En el año 2000 apareció una edición en DVD y con sonido DTS que presentaba por primera vez en sonido Digital Surround la edición cuadrofonica y al parecer con muy buenos resultados en el traspaso.

Esta edición corresponde a la remasterizacion publicada por EMI en 1997. En el año 2001 la grabación se volvió a remasterizar y apareció en la serie "Great Recordings of the Century" en el 2010, el resultado es prácticamente el mismo.


Montserrat Caballe (Aida)
Placido Domingo (Radames)
Fiorenza Cossotto (Amneris)
Piero Cappuccilli (Amonasro)
Nicolai Ghiaurov (Ramfis)
Luigi Roni (Il Re D'Egitto)
Nicola Martinucci (Un Messaggero)
Esther Casas (Una Sacerdotessa)

Chorus of The Royal Opera House, Covent Garden
The Trumpeters of the Royal Military School of Music, Kneller Hall
New Philharmonia Orchestra
Riccardo Muti (Conductor)

EMI
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domingo, 13 de octubre de 2013

Verdi : Un Ballo in Maschera (Arroyo - Domingo - Cappuccilli - Grist - Cossotto) Muti [iTunes AAC M4A]



Esta versión de "Un Ballo in Maschera" reúne uno de los equipos de cantantes mas parejos y estelares de la discografía. Es cierto que otras versiones ofrecen lecturas que, por separado, son incluso mas vibrantes (Callas, Bergonzi, Gigli, Leontyne Price, Barbieri) pero pocas logran presentar un equipo de un nivel mas o menos parejo.

Riccardo se adapta bastante bien a las características de Placido Domingo, no le da mayores problemas de agudos y el tenor se puede entregar completamente al canto musical y expresivo de siempre. La Amelia de Martina Arroyo puede que no tenga la grandeza de otras pero es capaz de afrontar la tesitura y densidad del personaje sin mayores signos de esfuerzo, lo que ya es mucho decir. Cappuccilli canta un estupendo Renato, quizás sin gran profundidad expresiva pero con la vocalidad adecuada para salir airoso. La Cossotto hace frente a Ulrica sin la contundencia mas grave esperable en un rol de contralto (Ulrica no es Amneris ni Eboli ni Azucena) y Grist cumple con claridad de tono en el rol de Oscar.

En la competencia con las versiones posteriores de Abbado y Solti, la de Muti sigue siendo la dirección mas consistente de todas, sin el tempo y la articulación casi maniática que le imprime Solti a la partitura ni la perfección casi mecánica de Abbado.

La grabación data de 1975, esta edición corresponde a la remasterización publicada en 1997. El cover pertenece al LP.

Martina Arroyo (Amelia)
Plácido Domingo (Riccardo)
Piero Cappuccilli (Renato)
Reri Grist (Oscar)
Fiorenza Cossotto (Ulrica)
Gwynne Howell (Samuel)
Richard Van Allan (Tom)
Giorgio Giorgetti (Silvano)
Kenneth Collins (Judge)
David Barrett (Servant)

Chorus of the Royal Opera House, Covent Garden
New Philharmonia Orchestra
Riccardo Muti (Coldplay)

EMI
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jueves, 10 de octubre de 2013

Verdi : Nabucco (Cappuccilli - Dimitrova - Nesterenko - Domingo - Valentini-Terrani) Sinopoli [iTunes AAC M4A]


"Nabucco" no solo representa el primer gran triunfo en la carrera de Giuseppe Verdi, sino también un punto de inflexión en su vida personal que lo ayudó a salir adelante después de haber perdido a su esposa e hijos.

Verdi nació en La Roncole, un pueblo en las cercanías de Busetto, el 10 de octubre de 1813, hace exactamente 200 años. Cuando aun era niño su familia se mudó a Busetto donde el joven Verdi tomó sus primeras lecciones de música. A los veinte años viajó a Milán para postular al famoso Conservatorio de Milan pero fue rechazado. Así las cosas, debió tomar clases de manera privada en contrapunto y composición. Volvió a Busetto ya convertido en el maestro de música de la ciudad.

Por esta época conoció Margherita, la hija de Antonio Barezzi, su mecenas e impulsor principal. En un principio Verdi fue su maestro de piano y canto pero con el correr del tiempo ambos se enamoraron. Contrajeron matrimonio el 4 de mayo de 1836. En marzo de 1837 nació Virginia, su primera hija, y en Julio de 1838 nació Romano. Ambos niños murieron a muy corta edad iniciando con ello un periodo de dos años en que el compositor se vio rodeado por la tragedia. En agosto de 1838 falleció Virginia y en Octubre de 1839, cuando trabajaba en el estreno de "Oberto", falleció su hijo Romano.

La primera opera de Verdi tuvo un éxito mediano y le ayudó a establecer cierta reputación que le significó un contrato con La Scala de Milán para la composición de tres operas. A principios de 1840 el compositor inició la composición de "Un giorno di Regno", esta vez internándose en el genero cómico. Sin embargo el 19 de Junio de 1840 falleció su esposa, victima de una encefalitis. La tragedia caló hondo en Verdi y el estreno de "Un giorno di Regno" fue tan desastroso que La Scala canceló las siguientes funciones y no volvería a reponerla hasta 2001.

El libreto de "Nabucco" cayó en sus manos por insistencia de Bartolomeo Merelli, director artístico de La Scala. La leyenda dice que Merelli puso el libreto en el bolsillo de Verdi y cuando el compositor llegó a casa lanzó las páginas sobre la mesa abriendose estas en los versos del "Va, pensiero". La inspiración llegó rápido y el proceso de composición se inició a pesar del propio Verdi. El compositor lo describe así:

"“¡Nabucco me trotaba en la cabeza! El sueño no venía; me levante y leí el libreto, no una sino dos, tres veces, tanto que puede decirse que a la mañana siguiente yo ya sabía de memoria el libreto de Solera. Pero, con todo, no tenía ganas de cambiar de idea. Durante el día regresé al teatro y le devolví el manuscrito a Merelli. “Bello” ¿eh?, me dijo él. “Bellísimo”. “Pues bien, ponle música”. “Ni soñando… no quiero saber nada”. “Ponle música, ponle música…” Y, diciendo esto, tomó el libreto, me lo metió en el bolsillo del abrigo, me cogió por los hombros y, de un empujón, me sacó del camerino, cerrándome la puerta con llave en la cara. Regresé a casa con el Nabucco en el bolsillo: un día, un verso; otro día, otro verso; una vez, una nota; otra vez, una frase… y poco a poco la opera estuvo compuesta. Era el otoño de 1841”.

"Nabucco" se estrenó finalmente el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán con enorme éxito de publico y criticas, consolidando a Verdi como el compositor italiano mas importante del romanticismo.

En esta versión sobresale mas que nada la batuta frenética de Giuseppe Sinopoli quién imprime gran vigor a la partitura, resaltando los momentos mas exultantes sin dejar de lado el lirismo de "Va, pensiero". Cappuccilli da una verdadera lección de canto verdiano y sentido del legato, la Dimitrova hace frente con excepcional valentía a la temible tesitura de Abigaille saliendo airosa en todo momento. Nesterenko crea un imponente Zaccaria ayudado por la rotundidad de su emisión. Domingo hace maravillas con el canto y la expresión de Ismaele y la Valentini-Terrani derrocha belleza vocal. Un lujo extra es la Anna de Lucia Popp.

Piero Cappuccilli (Nabucco)
Ghena Dimitrova (Abigaille)
Evgeny Nesterenko (Zaccaria)
Placido Domingo (Ismaele)
Lucia Valentini-Terrani (Fenena)
Lucia Popp (Anna)
Kurt Rydl (Il Gran Sacerdote)
Volker Horn (Abdallo)

Orchester und Chor der Deutschen Oper Berlin
Giuseppe Sinopoli (Conductor)

Deutsche Grammophon
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lunes, 7 de octubre de 2013

Roberta Invernizzi & Sonia Prina - Amore e Morte dell'Amore [iTunes Plus AAC M4A]



Este nuevo disco de Roberta Invernizzi está dedicado al "duetto da camera", acompañada esta vez magníficamente por Sonia Prina. El repertorio elegido explora el hilo conductor que une a Monteverdi con Handel en su etapa italiana, entre medio hay rarezas de Lotti, Durante y Marcello.

Los recitales barrocos con dúos de amor no son ninguna novedad, lo que diferencia a este es el repertorio elegido, acotado a una forma y una época delimitada. Lo mas conocido se puede oír en el famoso dúo de "L'incoronazione di Poppea", todo lo demás cabe perfectamente en la categoría de "rareza". Otro elemento decisivo a tener en cuenta es la combinación Invernizzi-Prina, magnificas ambas tanto en la belleza y contundencia del empaste y las disonancias como en el manejo del estilo y los acentos dramáticos.

La grabación se realizó en Diciembre de 2012 en el Estudio Tibor Varga en Sion, Suiza.

Tracklist:

1. Monteverdi: Interrotte speranze
2. Monteverdi: Mentre vaga angioletta
3. Marcello: Se morto mi brami
4. Handel: Tanti strali al sen mi scocchi, HWV 197
5. Monteverdi: L'incoronazione di Poppea: "Pur ti miro"
6. Lotti: Giuramento amoroso
7. Scarlatti: Sonata in D Minor, K. 90: I.Largo
8. Scarlatti: Sonata in D Minor, K. 90: II.Allegro
9. Scarlatti: Sonata in D Minor, K. 90: III.Gigue, Menuet, Gigue
10. Monteverdi: Ohimè, dov'è il moi ben
11. Durante: Son io barbara donna
12. Monteverdi: Vorrei baciarti
13. Handel: Sono liete, fortunate, HWV 194

Ensemble Claudiana
Luca Pianca (Theorbo & Conductor)

Naïve
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domingo, 6 de octubre de 2013

Verdi : La Traviata (Cotrubas - Domingo - Milnes) Kleiber [iTunes AAC M4A]



Ya que estamos en semanas verdianas les traigo acá otro clásico de la discografía, bastante conocido por la mayoría de nosotros pero en la edición remasterizada aparecida en 2007.

La principal atracción de esta versión es la Violetta de la Cotrubas. La soprano crea una heroína que parece condenada por la enfermedad desde la primera intervención. Bastante sólida y correcta en la coloratura del primer acto, en el segundo hace frente con aplomo a las partes mas dramáticas del personaje y recrea estupendamente la vulnerabilidad del tercer acto. La interpretación es una de las mas conmovedoras captadas en disco y en suma la mas satisfactoria, a pesar de la dura competencia que la enfrenta a colegas mas virtuosas pero mucho menos expresivas. A su lado Domingo recrea un Alfredo viril y juvenil, con un punto negro en la interpolación del do agudo al final de "O mio rimorso", claramente pegoteado por el ingeniero de sonido. ¿Si no tenía la nota (no escrita en la partitura), para qué incurrir en estas farsas?. Milnes canta un Germont de buena linea y expresividad pero con la emisión extraña de costumbre.

Kleiber hace maravillas con la partitura, siempre atento a las indicaciones escritas por el compositor, logra una lectura llena de drama y fuerza y a la vez con la precisión y el detalle que eran su marca de fábrica. Los tempos son ágiles y muchas veces al borde de lo frenético pero la orquesta y coro de la Ópera Estatal de Baviera le responden a gran altura.


Ileana Cotrubas (Violetta Valery)
Placido Domingo (Alfredo Germont)
Sherrill Milnes (Giorgio Germont)
Stefania Malagu  (Flora Bervoix)
Bruno Grella (Barone Douphol)
Helena Jungwirth (Annina)
Walter Gullino (Gastone)
Alfredo Giacomotti (Marchese d'Obigny)
Giovanni Foiani (Dottore Grenvil)
Walter Gullino (Giuseppe)
Paul Friess (Domestico di Flora)
Paul Winter (Commissionario)

Bayerischer Staatsopernchor
Bayerisches Staatsorchester
Carlos Kleiber

Deutsche Grammophon
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miércoles, 2 de octubre de 2013

Handel : Aci, Galatea e Polifemo (Invernizzi - Staskiewicz - Abadie) Bonizzoni [iTunes Plus AAC M4A]



Handel escribió "Aci, Galatea e Polifemo" por encargo de la Duquesa Donna Aurora Sanseverino para ser representada en el marco de la celebración de la boda de su sobrina, Beatrice de Montemiletto con el Duque Alvito. Su primera representación data del 16 de junio de 1708 en Nápoles.

La obra es comúnmente descrita como una "cantata dramática" o "sonata a tre", el libreto pertenece a Nicola Giuvo, secretario y consejero literario de la Duquesa Sanseverino. Diez años mas tarde Handel volvió al tema y escribió la mas famosa "Acis and Galatea", ya en idioma inglés. Los principales cambios están en la distribución de los registros, en el original italiano Aci es soprano, en la revisión inglesa, tenor. Aparte de eso el tono de la obra en italiano es mucho mas dramático que su posterior adaptación inglesa, donde Handel hace de Polifemo un personaje con aristas cómicas.

Esta nueva versión de la obra esta a cargo de Fabio Bonizzoni, quien continúa con su exitoso ciclo de Cantatas de Handel grabadas para Glossa. El equipo de cantantes está encabezado por el Aci de Roberta Invernizzi, estupenda en un rol que ofrece mas lamentos que virtuosismos. Galatea esta a cargo de la mezzo francesa Blandine Staskiewicz, quizás sin la contundencia esperable en la sonoridad y en el canto virtuoso, algo similar se puede decir del Polifemo de Lisandro Abadie, mas barítono que bajo, quién hace lo que puede con las notas graves del personaje a cambio de un buen desempeño en la coloratura.


Roberta Invernizzi (Aci)
Blandine Staskiewicz (Galatea)
Lisandro Abadie (Polifemo)

La Risonanza
Fabio Bonizzoni (Conductor)

Glossa
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